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novembre 26, 2020

Lien pour 'Michel Simon dans un musée du sexe ?
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9:27

Michel Simon dans un musée du sexe ?

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Tout ce qui touche au sexe, l’acteur Michel Simon l’achète. En parallèle, il fait des photos explicites, annotées de petits textes obscènes, maintenant publiées sous le titre : “L’Album pornographique de Michel Simon”. La part cachée du monstre… sacré ?

Un soir, Michel Simon organise une soirée trio, dans sa garçonnière du quartier Saint Denis, au 37 rue Beauregard. Il en profite pour faire une centaine de photos, qu’il colle ensuite dans un album à reliure verte et qu’il agrémente d’un texte écrit au crayon, commentant chaque image à l’aide de mots choisis : «Tu es belle ma femme, je bande pour toi», «Suce-le, il en meurt d’envie», «Cette fois, c’est elle qui lâche son foutre». Les clichés, pris au Leica, montrent une femme inconnue que Michel Simon nomme Mauricette, et qu’il présente comme son épouse. Elle pose en compagnie du peintre Nicolas Sternberg, avec qui Michel Simon partage volontiers ses soirées privées. Les deux hommes sont complices et l’album de cette frasque n’est qu’un parmi de nombreux autres albums similaires, remplis de fantasmes crus. L’acteur aimait photographier ses partenaires, garder une trace de ses nuits.

Un «appétit gargantuesque»

Publié aux éditions La Manufacture des Livres, L’Album pornographique de Michel Simon en donne un aperçu quelque peu «bordélique», mélangeant sans ménagement des auto-portraits nus du jeune Michel Simon à des images de fellation, de tribadisme ou de levrettes prises par lui entre les années 1940 et 1960. L’impression générale est celle du désordre, mais reflète parfaitement la façon dont l’acteur accumulait les souvenirs de ses orgies : pêle-mêle. Secoué par une fièvre compulsive, il accumulait toutes les expériences possibles d’actes sexuels dont les photos lui permettaient de garder la trace. Cette même fièvre le poussait aussi à collecter de façon systématique tout ce qui touchait au sexe, c’est-à-dire aussi bien des catalogues de sex-shop que des bronzes érotiques, des olisbos romains ou des aquarelles du XVIIIe siècle. De fait, Michel Simon était moins acteur que collectionneur.

Un musée de la pornographie

«Il ne jouait au cinéma que pour acheter des curiosa. Michel Simon disait sans cesse qu’il était pauvre et c’était vrai, puisqu’il dépensait tout pour sa collection.» Ainsi qu’Alexandre Dupouy le dévoile dans l’introduction de l’Album pornographique, Michel Simon avait un rêve : il voulait créer un musée de la pornographie, et l’offrir à la France, son pays d’attache. Sa maison de Noisy-Le-Grand abritait les oeuvres qu’il accumulait dans ce but. Mais quel capharnaüm… Rien n’était rangé. «A la différence des collectionneurs, Michel Simon ne classait pas les pièces qu’il se procurait. Non seulement il achetait tout et n’importe quoi, mais il ne tenait aucun registre.» Résultat : une collection sans queue ni tête, entassée en vrac dans des cartons où se côtoient des gravures de Dali et des revues pour adultes. Les visiteurs sont frappés par l’entassement, mais plus encore par la poussière, qui recouvre tout. Michel Simon ne prend pas vraiment soin de sa collection.

Bric à brac masturbatoire ?

«Cette accumulation est-elle l’œuvre d’un malade pervers, névrosé, maniaque et obsédé ou d’un visionnaire, ayant la volonté de préserver la part de mémoire de l’humanité qui est régulièrement détruite par la pudibonderie ? On peut facilement opter pour la première réponse, surtout quand on apprend qu’il détenait huit exemplaires des Lettres à la Présidente de Théophile Gautier, dans sa version illustrée par Luc Lafnet, tirée seulement à 465 exemplaires. Un exemplaire, c’est bien normal pour un bibliophile de sa trempe. Deux exemplaires, pourquoi pas, on peut toujours trouver une raison. Trois, c’est une folie. Mais, huit ?». Alexandre Dupouy s’étonne. Le frappe également cet autre détail troublant : Michel Simon mélange ses albums privées avec les oeuvres qu’il achète. Chez lui quand on ouvre un carton à dessin, on peut tout aussi bien tomber sur les photos intimes du maître des lieux que sur des gravures de Félicien Rops.

Le syndrôme de Diogène, version lubrique

«Ce qui est assez étrange c’est que ca ne le gênait pas d’avoir ça qui trainait chez lui», raconte Alexandre, qui compare la maison de Noisy-Le-Grand à «une gigantesque poubelle», encombrée de prospectus, d’oeuvres d’art et d’antiquités, parmi lesquelles se promènent des photos compromettantes et même des pellicules de films dont la rumeur chuchote que certaines mettent en scène des actrices de renom. Car, oui, Michel Simon filmait aussi. Vers la fin de sa vie, sentant qu’il n’aura pas la force de faire aboutir le «projet pharaonique» de son musée, il le propose aux institutions françaises qui refusent en se pinçant le nez. Le fils de Michel Simon, François, propose également la collection à la ville de Genève. «Nouveau refus dégouté», résume Alexandre Dupouy. La collection est donc finalement bradée, au fil de plusieurs ventes. Quant aux documents compromettants… ils sont probablement détruits. Il y avait une piscine dans le jardin de la maison, à Noisy-Le-Grand. On sait que dans cette piscine des centaines de millier d’images et d’objets ont brulé. Heureusement, soupire Alexandre, la plupart des documents «ont survécu». L’album pornographique de Michel Simon est là pour le prouver.

Mais, au fait, pourquoi Michel Simon appelait-il une inconnue sa «femme» ? La suite lundi.

L’Album pornographique de Michel Simon, présenté par Alexandre Dupouy, La Manufacture de Livres, coll Beaux Livres, octobre 2020.

novembre 23, 2020

Lien pour 'Une marionnette sexuelle anatomique ?
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7:59

Une marionnette sexuelle anatomique ?

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Peu après la fête des morts, l’artiste japonais Keiryû Asakura annonce sur Twitter qu’il a pratiquement achevé la fabrication d’une poupée sexuelle constituée d’os, de ligaments et de muscles synthétiques. C’est probablement une première au monde.

Keiryû ASAKURA est connu au Japon pour ses dessins de jeunes femmes aux allures de cyborgs ou de mutantes. Fasciné par le corps humain, il s’amuse volontiers à en produire des versions hybrides. Ses dessins à la mine de crayon sont d’un réalisme fascinant. Or voilà que depuis deux ans, pour son usage personnel et privé, Keiryû se fabrique un duplicata de compagne, un corps artificiel dont il publie en ligne de perturbantes images. Tel un cadavre disséqué, ce corps reproduit, grandeur nature, celui d’une jeune femme écorchée. Ses globes oculaires semblent jaillir de ses orbites. Ses fémurs semblent avoir été raclés au couteau. La chair à vif de ses mains laisse passer des morceaux d’os. Etape après étape, Keiryû détaille sous la forme de photos et de vidéos l’avancement de ce projet qui peut sembler macabre en apparence, mais non : il ne s’agit pas de nécrophilie. Il s’agit, au contraire, de créer la vie.

Créature de Frankenstein érotique ?

«Au départ j’utilisais des cables et de l’argile. Mais petit à petit, les matériaux ont changé. J’ai acheté des morceaux de squelette (les mains, les pieds et le bassin) à la firme Yokusuka Zoukei qui fabrique des duplicatas pour les écoles de médecine. Je me suis concentré sur les faisceaux musculaires, reconstitués à l’aide de matières textiles, et notamment au niveau des épaules (aisselles, omoplates), de l’entrejambe, des coudes, des articulations du genoux et du cou.» Plastique, tungstène, chiffon, polyéthylène… Pour la peau, Keiryû la découpe sur des sextoys. Il prélève puis transplante des couches de derme en silicone qu’il coud en reprenant les techniques de greffe cutanée. Il n’y a pas d’organes internes, mais uniquement des matières synthétiques aux qualités de résistance comparables à celles de la chair humaine.

Le seul organe interne, c’est la vulve

Keiryû veut que la poupée «réagisse» au toucher de la façon la plus réaliste. Quand on lui touche le ventre, il faut qu’on sente l’élasticité des intestins derrière (même s’il n’y en a pas). «Une poupée est plus attirante si elle donne l’impression d’avoir un corps organique et mortel comme le nôtre, dit-il. C’est pour cela que je l’ai nommée “anatomique”, parce que sous la peau on peut sentir une structure souple.» Il ne s’agit cependant pas d’une copie d’humain. Keiryû insiste : sa poupée n’est qu’un leurre sensible. Son but n’est pas de reproduire un humain à l’exact mais uniquement la sensation produite par la tonicité d’un corps vivant. «Le seul organe interne, dans cette poupée, c’est la vulve», explique-t-il, en précisant : une vulve extractible telle qu’on peut en trouver couramment dans les sex-shops. Il suffit de l’insérer dans une cavité entre les cuisses de la poupée.

Devenir quelqu’un d’autre, par le biais d’une poupée

«Je suis un homme hétérosexuel, raconte Keiryû. J’avais besoin de trouver un dérivatif à ma libido sans faire de mal à personne, et sans avoir à m’investir dans une relation. C’est pour cela que j’ai fabriqué cette poupée, mais aussi parce que je voulais me transformer. Je suis fatigué d’être moi-même. J’ai envie de devenir quelqu’un qui n’est pas moi. Voilà pourquoi je l’ai fabriquée.» Elle s’appelle Kore. Nom de code : Anatomical Sexual Marionette ARK01KBRM. Keiryû s’en sert à la fois comme d’un double et d’une partenaire. Il lui fait prendre des poses, parfois aussi il la suspend par des fils afin qu’elle bouge en suspension. Il la dispose dans des postures excitantes, jouissant de sentir les membres dociles se plier exactement comme ceux d’une vraie femme. Aucune poupée sur le marché ne peut atteindre à un tel degré de véracité corporelle. Même les love dolls de silicone, au squelette d’aluminium, ressemblent à de grossiers pantins comparées à Kore, l’élue de Keiryû.

Un «objet» sexuel

S’agit-il d’un objet sexuel ? «Bien sûr, répond-il. Son nom Kore signifie d’ailleurs “ceci, cela” quand on parle d’un objet. Le fait est que j’aime le contrôle, mais je ne supporte pas les gens qui disent “Elle est à moi” en parlant d’un femme. Alors voilà, maintenant, puisque la poupée appelée Kore est une chose, je peux dire “Elle est à moi” et je peux la contrôler à ma guise.» Le projet de Keiryû peut sembler fou. Est-il raisonnable de passer deux ans à fabriquer un ersatz de femme ? Le seul autre exemple connu est celui de Kokoschka, qui s’était fait faire une poupée en fourrure à l’image d’Alma Mahler, suite à leur rupture. Kokoschka, cependant, n’avait pas fabriqué la poupée de ses mains. Il l’avait commandée. Puis il l’avait détruite. Keiryû, lui, n’a certainement pas l’intention de détruire son oeuvre. «J’aimerais voyager avec elle, faire des vidéos et des photos, la mettre en scène dans de magnifiques paysages, qu’elle rencontre des gens et interagissent avec eux. J’aimerais faire du porno de marionnette. J’aimerais qu’elle devienne une star sur YouTube (une marionnette-Tuber!). Avec Kore, désormais, je me réjouis de vivre.»

Compte Twitter de Kore : https://twitter.com/ARKNG2?s=03

POUR EN SAVOIR PLUS : Amour, guerre et folie: une histoire vraie ;

novembre 18, 2020

Lien pour 'Posséder une vulve et devoir «faire la queue» ?
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7:43

Posséder une vulve et devoir «faire la queue» ?

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Posséder une vulve et devoir «faire la queue» ?

Alors que la société devient de plus en plus transparente, les toilettes elles aussi se transforment : plus de murs, ni de séparations hommes-femmes. Des militant-es réclament le «droit de se soulager» dans des WC mixtes. Qu’en penser ?

La journée mondiale des toilettes (19 novembre) c’est demain. Des initiatives se multiplient en Europe pour que les pictogrammes homme-femme ne figurent plus à l’entrée des lieux d’aisance. La dernière initiative en date émane du parti des Verts de gauche, à Berne (Suisse). Le 27 octobre 2020, ils déposent une motion au Parlement vaudois en faveur des toilettes non-genrées, afin que les restaurateurs n’aient plus à dépenser des sommes folles dans des toilettes distinctes. Dans de nombreux pays européens, la loi en effet stipule que les cafés ou les restaurants (tout comme les entreprises, les musées, les gares, etc) doivent obligatoirement offrir deux systèmes sanitaires. Mais cette obligation est absurde : imaginerait-on des WC séparés dans les trains ou dans les avions ?

Femme : 2,3 fois plus de temps à uriner

L’idée des WC unisexes peut sembler choquante. Elle fait pourtant déjà partie de nos habitudes : les sanisettes ne sont pas réservées aux uns (ni aux unes). Et il arrive souvent que des femmes aillent chez les hommes, en catimini, pour éviter une file d’attente interminable. Aux Etats-Unis, des recherches ont établi que –pour des raisons bassement anatomico-logistiques– les femmes mettaient 2,3 fois plus de temps à se soulager comparé aux hommes (1). Pourtant, ainsi que le soulignent un nombre croissant d’enquêtes, les aménagements urbains et les infrastructures publiques ne tiennent pas compte de cette donnée. Alors qu’il faudrait 2,3 fois plus d’espace pour les femmes, les toilettes hommes et femmes sont conçues de façon symétrique. Injustice supplémentaire : quand les toilettes pour hommes sont équipées d’urinoirs, leur capacité d’accueil est doublée. Dans un article intitulé « analyse d’urine et d’inégalités », Anne-Laure Petit Hénon s’insurge : «Beaucoup ont connu ce moment : avoir envie d’uriner dans un bar, se rendre aux toilettes et voir une dizaine de personnes possédant une vulve faire la queue alors que chez les personnes possédant un pénis, l’enchaînement est bien plus rapide.»

Bricolons des solutions

«Posséder une vulve» et devoir «faire la queue» : il y a de quoi rager. Mais les WC séparés posent bien plus qu’un problème de temps. Sous couvert de protéger la pudeur et la sécurité des femmes, ils contribuent à perpétuer une vision réductrice du sexe dit faible. Il n’y a en effet rien de naturel, ni de normal, dans le fait d’aménager une séparation homme-femme en matière de commodités. Pour effectuer leurs besoins, les gens pourraient très bien disposer d’un espace commun à l’intérieur duquel des cabines seraient aménagées pour le faire, au choix, soit debout, soit assis. On pourrait aussi imaginer que, dans cet espace commun, une partie urinoir permette aux hommes comme aux femmes d’uriner debout. Il suffit d’un petit entonnoir pour qu’une femme dirige son jet. Rien n’empêche techniquement l’heureuse propriétaire d’une vulve de faire des ronds contre une paroi de porcelaine. Evidemment, elle verra les pénis de ses voisins (et réciproquement si j’ose dire), mais quoi ? Si les hommes sont capables d’uriner côte à côte, c’est en vertu d’une convention qui légitime des bouts de nudité. Pourquoi ne pas imaginer que les femmes, elles aussi, puissent se soulager en toute «convivialité» ? Pourquoi faudrait-il que les hommes et les femmes procèdent séparément aux rituels de miction et d’ablution ?

Le tabou sur la mixité aux WC

Ne plus séparer les toilettes par genre présenterait l’avantage d’obliger tous les gens à se croiser dans des lieux qui sont essentiels en termes de rencontres et d’échanges. «Ce sont des lieux d’interaction sociale», souligne Juliette Jouan. Auteure d’un mémoire sur les WC mixtes (à Sciences Po Rennes), elle explique sur la RTS : séparer les toilettes renforce l’idée qu’«uriner doit être gênant, que c’est lié à l’intimité». Effectivement, tout ce qui touche à la région génito-anale (les bruits ou les odeurs) relève du répugnant. Il est difficile de surmonter cette honte, si profondément enracinée dans l’enfance, associant les déjections au sale. Mais de quand date cette perception des fonctions corporelles ? Dans un ouvrage sur Les Lieux, l’historien Roger-Henri Guerrand rappelle que les «préjugés touchant l’exercice des basses fonctions» ne datent guère que du XIXe siècle. Dominé par la répression sexuelle, c’est le XIXe siècle qui invente conjointement les «chalets de nécessité» et… la clitoridectomie. «L’ordre sexuel bourgeois », dit-il, a érigé en dogme la «haine du naturel» et la «discipline des instincts».

Si les vécés mixtes se multiplient, cela signifie-t-il qu’hommes et femmes, maintenant, ont un rapport plus libre à leur corps ?

A LIRE : « Les toilettes publiques : un droit à mieux aménager » , de Julien Damon, Droit social, n° 1, 2009.

A LIRE : Les Lieux. Histoire des commodités, de Roger-Henri Guerrand, Paris, La Découverte, 1985. Nouvelle édition 2009 avec une introduction de Thierry Paquot.

A LIRE : Marc Martin, Les tasses. Toilettes publiques, affaires privées, dirigé par Marc Martin, un beau livre de 300 pages, 240 photos (dont 120 d’archives), éd. Agua, 2019. Cet ouvrage a reçu le prix Sade en septembre 2020.

NOTE 1 : Ladies and Gents: Public Toilets and Gender, d’Olga Gershenson et Barbara Penner, Temple University Press, 2009.

POUR EN SAVOIR PLUS : «Pourquoi faire des toilettes séparées ?» ; «Plaidoyer pour des toilettes mixtes».

novembre 16, 2020

Lien pour 'Jouissance : dépasser les limites ?
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6:15

Jouissance : dépasser les limites ?

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Dans un florilège de textes anciens intitulé “L’Eros Mystique”, l’écrivain Philippe Guénin interroge la nature singulière des expériences mystiques, qui sont en apparence si proches de la jouissance… à une différence près. Les unions avec dieu n’ont pas de fin.

Albert Camus disait : «le drame, c’est que ça ne puisse pas à la fois durer et brûler !» Tout ce qui nous consume finit par s’éteindre… Ou presque. Dans un essai encore non publié L’Eros mystique, Philippe Guénin souligne la spécificité des expériences mystiques si proches, au premier regard, de déchaînements pulsionnels. Mais pas que. Les mystiques jouissent à n’en plus finir. Ce qui distingue leur pratique, certainement, c’est qu’ayant pour objet un homme mis à mort en l’an 33 de notre ère, elles ne peuvent viser que l’éternité…

Le désordre (total) des sens

Prenez Angèle de Foligno (1248-1309). C’est une des premières grandes mystiques reconnue par l’Eglise romaine catholique et l’une des plus extrêmes. Plongée dans la contemplation d’un crucifix, elle a pour la première fois une vision de Jésus. Cette vision produit en elle les effets paroxystiques suivants : «j’étais tellement enflammée que, me tenant debout à côté de la croix, je me dépouillai de tous mes vêtements et m’offris toute à lui.» Philippe Guénin souligne : «Cette exclamation finale d’Angèle totam me optuli ei –que traduit en ces termes latins le frère scribe– révèle bien l’intense exaltation d’une amante qui se donne, dans le consentement de son corps dénudé, à Jésus crucifié, ”Dieu-homme“ devenu summum amatum, “amant suprême“». Pour Angèle, la «folle de dieu», cette vision marque le début d’une série de rencontres au cours desquelles Jésus se fait de plus en plus charnel et présent.

Une passion qui fait crier

Après l’avoir «vu», Angèle le « goûte». Jésus se fait fontaine : «il m’appela et me dit de poser ma bouche sur la plaie de son côté.» Elle boit le sang qui coule de sa poitrine ou plutôt elle s’en «délecte», évoquant la «jouissance» (délectatio) que le Christ lui procure lorsqu’il enfonce «le feu d’amour de Dieu dans [s]on cœur». Philippe Guénin ajoute que de façon pour le moins curieuse, Angèle devient une femme qui ne peut plus se retenir de crier : «si j’entendais parler de Dieu, je criais», dit-elle. Alors que l’église prêche le renoncement aux désirs, les mystiques en font la matière même de leur pratique religieuse. «Le mystique, à la différence du chrétien «ordinaire», entend partager sans retenue, sans distance mais à vif, cette Passion de son Dieu tant désiré, tant aimé», explique l’écrivain, qui cite pour exemple ste Marie-Madeleine de Pazzi : «Heureuse la religieuse qui sera non pas liée mais clouée avec son époux sur la croix».

«Souffrir avec amour peut causer si grand délice»

Angèle de Foligno, elle aussi, fait de la Croix un lit de noces : «Je te loue, Dieu, mon Bien-Aimé / de ta Croix j’ai fait mon lit.» «Au regard des extases très délectables qu’Angèle dit avoir connues sur ce “lit de la Croix”, on se situe bien à l’opposé des prédications de st Paul considérant que notre rapport au Christ doit passer précisément par la crucifixion de nos désirs et plaisirs des sens. Telle Angèle, si de grandes mystiques catholiques parviennent lors de leurs expérience à se «dépauliniser» ainsi, c’est que ce Corps de Passion leur fait atteindre des sommets de jouissance. Or ce jouir-là des mystiques apparaît sans conteste comme foncièrement masochiste. […] Ici la Passion christique devient érogène ! Il s’agit bien, par amour du Crucifié, de souffrir pour lui, avec lui, et d’en jouir.» Voici, toujours à ce sujet, ce que confie Angèle : «Elle ne peut être racontée, la joie que j’attends […] des marques de clous qu’il reçut aux mains et aux pieds sur ce lit»… Faut-il voir dans ces confidences une confirmation des théories médicales qui assimilent le mysticisme à une maladie causée par la frustration sexuelle ou par la haine de son propre corps ? Philippe Guénin suggère une autre piste.

Pas de clivage coeur/cul dans l’érotisme mystique

«Entre humains, l’érotisme peut être totalement séparé du sentiment amoureux. Un tel clivage entre la libido et le cœur s’avère impossible dans la sphère des mystiques : leurs sidérantes expériences intérieures n’ont lieu que dans la démesure de l’amour…». Pour l’auteur de L’Eros Mystique, c’est précisément la source de cette fascination qu’exercent les mystiques : ils ne se contentent pas de jouir avec dieu. Ils l’aiment. Leur «singulier désir paroxystique» présente ceci d’original qu’il procède d’un élan amoureux. Leur corps s’enflamme pour un être unique, de façon exclusive, absolue, et qui ne tolère aucune concurrence. Angèle se réjouit lorsqu’elle apprend la mort de son ex-mari et de son fils. Là voilà toute à Jésus. «En deçà de toutes les divergences d’analyses interprétatives, n’y a t-il pas, à la base, cet indéniable constat sur lequel s’accorder ? Que l’éros du mystique s’avère un amour de haute intensité durable, car il est mu par, nommons-le ainsi, un «désir amoureux fou» très singulier, fort distinguable, bien à l’écart des sentiers battus par les passions humaines – tou(te)s les grand(e)s mystiques que nous avons présenté(e)s en furent la preuve vivante. »

Les mystiques défient les lois de l’entropie

Leurs jouissances ne s’achèvent jamais. Même pas dans la mort. Les cadavres des mystiques restent intacts, autant que la charge explosive de leurs témoignages miraculeux, rassemblés par Philippe Guénin. Sans cesse, des médecins, des philosophes, parfois même des hommes d’église, essayent de neutraliser le pouvoir des mystiques qu’ils nomment des hystériques ou des suicidaires… Mais en vain. Malgré toutes les «explications» que la science croit fournir concernant ces fous et ces folles d’amour, le mystère de leurs embrasements perpétuels perdure. On se demande comment un tel désir peut exister. Inextinguible. «Sainte Angèle nous donne un éclairage essentiel sur la spécificité de ce désir divin lorsqu’elle entend son Seigneur lui dire : “je veux que tu aies faim et désir de moi en ce monde, et que tu languisses pour moi.” Sans doute le propre de ce désir (du) divin est-il d’avoir toujours «faim», que son élan soit incessant.» Toujours intensément désirant, le mystique ne sera jamais rassasié. Jamais lassé. «Dans ce monde dit profane uniquement peuplé de petits autres – c’est-à-dire de créatures humaines (viscéralement astreintes à un régime de finitude ontologique)» les élans mystiques questionnent nos limites.

A LIRE : L’Eros mystique, de Philippe Guénin, est un essai inédit. Les éditeurs intéressés peuvent contacter directement l’auteur par email : gueninphilippe@yahoo.fr

POUR EN SAVOIR PLUS : «Y’a-t-il une différence entre jouir et s’abîmer ?» ; «Bataille organisait-il des messes noires ?»; «Sainte Rita et le miracle de l’épine»

novembre 10, 2020

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9:53

Faut-il sauver les choses cochonnes ?

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Créateur de F.I.N.A.L.E. – la seule et unique fondation au monde dédiée à la sauvegarde des «expressions érotiques» – Michel Froidevaux nous a quitté. Quelques jours avant ses 69 ans.

Il avait l’air timide. Son bureau était envahi par des piles de revues pour adultes, jouxtant de sérieux catalogues intitulés Das Intime Lexikon. Michel Froidevaux, souriant, montrait ses trésors d’un geste flegmatique : «J’archive». On regardait avec lui les couvertures du mensuel Big Boobs et les annonces du Petit Fripon comme autant d’occasion de se réjouir. Il commentait d’un ton serein : «des stratégies extrêmement subtiles sont à l’œuvre pour mettre en branle le sexe.» Puis il montrait ses trésors, farfouillant dans les entrailles d’armoires remplies de documents introuvables : affiches pornos, dirty comics, cartes postales coquines, travaux savants sur les cultes phalliques, manuels d’abstinence publiés par des associations évangéliques… Tout avait grâce à ses yeux.

Sauver les «expressions érotiques»

Il est mort d’une tumeur au cerveau ce dimanche 1er novembre, laissant derrière lui un des projets les plus fous que la Suisse puisse abriter : à Lausanne, la Fondation Internationale d’Arts et Littératures Erotiques (F.I.N.A.L.E.), reconnue d’utilité publique, abrite une étonnante collection d’images, d’objets, de textes et d’imprimés tournant autour de l’érotisme. En 2016, Michel Froidevaux m’expliquait : «À ma connaissance, le centre de documentation le plus important est le Kinsey Institute, à Bloomington, rattaché à l’Université de l’Indiana. Fondé en 1947 par Alfred Kinsey, il s’est donné pour mission “de promouvoir l’étude de la sexualité humaine, tant sur le plan de la santé qu’au niveau des savoirs, et ce, à un niveau mondial”. Mais ce centre n’abrite pas les documents que l’on peut trouver à F.I.N.A.L.E.»

Tire-bouchons polissons…

Tire-bouchons polissons, ex-libris licencieux, journaux intimes de curés délurés…. Comparée aux centres spécialisés en sexologie ou en études de genre, la Fondation ne se contente pas de conserver des livres. Elle veut sauver un patrimoine. «A F.I.N.A.L.E., nous souhaitons entretenir un climat de curiosité à l’égard des plaisirs de la chair et valoriser une approche à la fois rigoureuse, mais ludique, surprenante, voire parfois cocasse de la chose. Le sexe trop sérieux ou trop cérébralisé n’est pas trop notre tasse de thé. C’est un peu comme pour l’humour, une approche trop desséchante peut rendre la chose barbante ou absconse…». Créant sa Fondation comme un lieu de partage, Michel Froidevaux en avait fait le coeur d’une intense activité d’édition, d’archivage et d’échanges.

Images clandestines

Il y accueillait portes ouvertes et invitait volontiers ses donateurs à lui remettre les objets de cul les plus bizarres, les collections honteuses du défunt grand-père ou pire, des oeuvres d’érotomanes inconnus, des cahiers anonymes remplis de turpitudes, bref, tout ce qui normalement atterrit à la poubelle. Quand quelqu’un meurt, on trouve parfois de drôles de choses dans ses affaires. Les héritiers font le tri. Michel Froidevaux, lui, refusait de le faire. Il voulait tout préserver, à commencer par les formes les plus triviales de l’érotisme populaire. «Nous sommes contents d’avoir pu “sauver” de la destruction et de l’oubli des plaquettes, des brochures, des images produites semi clandestinement et qui étaient écoulées sous le manteau ou dans des officines réprouvées par l’officialité. Ainsi, nous avons beaucoup de documents qu’on ne trouverait pas dans des bibliothèques nationales, qui s’approvisionnent grâce au dépôt légal.»

Interdit d’interdire

Il ne lui suffisait pas d’avoir un fond de référence sur les sexualités. Pacifiste libertaire, auteur d’une thèse sur l’anarchisme, Michel Froidevaux parlait volontiers de sa mission «œcuménique» : dans sa volonté de défendre même les formes jugées vulgaires ou saugrenues de l’érotisme, il allait jusqu’à retenir les pamphlets issus des ligues moralisatrices ou les mises en garde cléricales à l’encontre du sexe… Chez lui, il était décidément interdit d’interdire. La Fondation est à son image : elle se trouve dans une maison ancienne entourée de vieux pavés, rescapée des opérations immobilières environnantes. Au rez-de-chaussée, la librairie HumuS, avec sa moquette rouge, offre un espace dédié aux contre-cultures (visuelles, écrites, sonores), à l’humour et au Japon. Elle jouxte l’atelier de tissage de Danièle Mussard, la compagne de Michel Froidevaux. A l’étage, une galerie d’art au plancher grinçant accueille des expositions d’art érotique où ont été présentées les oeuves aussi bien de Roland Topor, que de Giger, Willem, Albertine, Jean Fontaine, Marie Morel, Romain Slocombe ou Gilles Berquet…

Etre plaisant, se faire plaisir

Partout, dans cette maison remplie de souvenirs, on bute sur des livres remplis de corps à corps, des images loufoques, des présentoirs bourrés d’objets insolites et d’oeuvres piquantes. Entrer à F.I.N.A.L.E. c’est entrer dans l’univers des rencontres pas sages. C’est d’ailleurs là que se retrouvent les artistes mutins, les activistes de l’Underground, les gens qui font la fête du Slip et ceux que Michel Froidevaux nommait les amateurs de «conplaisance», de bon vin et de bons mots. Quand on lui demandait de définir la sexualité, il répondait avec une feinte candeur que c’était un moyen de «reproduire la vie» mais surtout de «quitter la pesanteur terrestre». «S’envoyer en l’air», quelle meilleure façon d’échapper aux lourdeurs. Michel Froidevaux était léger. Il s’est envolé très haut.

Librairie HumuS : 18bis rue des Terreaux - Lausanne -  Suisse. Tél. : +41 21 323 21 70. Site : https://librairie.humus-art.com.

Fondation F.I.N.A.L.E.

Galerie HumuS : https://galerie.humus-art.com/

Editions HumuS : https://editions.humus-art.com/

POUR EN SAVOIR PLUS : Un dictionnaire de mots délictueux ; Ivre d’amour : pourquoi le sexe va avec l’alcool ; «Je préfère le vin d’ici à l’eau-delà» ; «L’amour consiste à être bête ensemble» ; Pourquoi les bruits de sécrétion excitent ? ; Où la pénitente va-t-elle pêcher ses lubies? ; L’ancêtre des pornographes était docteur en droit ; Embrasser Fanny un rituel singulier ; Bataille organisait-il des messes noires ? ; Y’a t-il une différence entre jouir et s’abîmer ?

novembre 04, 2020

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Une religion transgenre pour devenir heureux ?

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Une religion transgenre pour devenir heureux ?

A Monte Verità, une oeuvre d’art monumentale des années 1920, chef d’oeuvre d’homo-érotisme mystique, sera bientôt visible. Exhumée de l’oubli, sauvée par miracle, ce tableau a été peint par le créateur d’une religion transgenre appelée le Clarisme.

Au début du XXe siècle, alors que la matière est redéfinie comme énergie, la découverte des rayons X (1895), des rayons ionisants (1896) et de la radioactivité (1898) induisent certains penseurs à créer des religions nouvelles. Le monisme érotique obtient alors un vif succès : il définit la sexualité comme une énergie comparable à l’électricité ou à l’onde sonore. Les œuvres aujourd’hui oubliées d’auteurs monistes –Ernst Haeckel, notamment– sont parmi les essais les plus lus dans le monde occidental avant 1933 : elles posent l’idée des «esprits cellulaires», selon laquelle «dans la plus imperceptible des fleurs vivent des milliers d’âmes délicates indépendantes», qui sont l’équivalent des nymphes antiques. C’est dans ce contexte qu’apparaît le Clarisme, une religion que plus personne ne pratique. Une religion morte. Il n’en reste pour toute trace qu’un tableau panoramique peuplée d’éphèbes se lutinant au milieu des papillons, seulement vêtus de bijoux… Cette oeuvre a failli disparaître. En 1978, c’est l’historien de l’art Harald Szeeman, créateur de la Fondation Monte Verità, qui la récupère dans une maison en ruine et qui décide de la conserver. Les propriétaires de cette maison (la municipalité de Minusio), trouvent cette peinture obscène : un truc d’homosexuels pervers, peut-être même de pédophiles. Quel intérêt ?

Un polyptyque monumental à la gloire de la Clarté

Pour Christian Marty (Ars Artis), qui consacre plusieurs années à sa restauration, cette peinture est une oeuvre inouïe qui témoigne d’un projet aussi bizarre qu’original : «Il s’agit d’un cyclorama, c’est-à-dire d’un tableau couvrant toute la surface d’une salle ronde. Pour la voir, il faut y entrer. Elle vous encercle. Vous êtes au milieu, environné par 84 figures humaines à taille quasi-réelle qui s’enlacent dans des paysages idylliques de montagne et de mer. La structure de ce tableau circulaire reproduit celle des quatre saisons et se décompose en 33 tableaux correspondant aux 33 strophes d’un poème ésotérique.» Figuration du paradis à 360°, l’oeuvre hypnotique s’intitule «Le monde clair des bienheureux». Elle a été peinte entre 1923 et 1930. Elle constitue le coeur de ce que le peintre considérait comme un véritable sanctuaire. Pour la voir, il fallait être invité et se vêtir d’une tenue androgyne afin de laisser derrière soi son identité sociale et sexuelle. Un escalier peint en violet et une pièce obscure servaient de sas, d’antichambres préparatoires à la révélation. Le cyclorama était censé faire vibrer le visiteur en harmonie avec l’Eden représenté sur la toile. Le voir devait procurer une extase d’autant plus intense qu’il mettait en scène le corps démultiplié du maître des lieux, Elisarion, créateur du Clarisme. Elisarion ?

Mais qui était Elisarion ?

Né en 1872 à Sophienthal (Estonie), Elisàr von Kupffer vient d’une vieille famille d’aristocrates baltes. Enfant, il souffre de maladies qui le laissent sourd d’une oreille, myope, hyper-sensible. C’est néanmoins un garçon vif qui sait lire dès 5 ans et qui écrit une pièce de théâtre à 9 ans. A 19 ans, il part faire ses études à Saint Pétersbourg et rencontre celui qui deviendra son compagnon de vie, Eduard Von Mayer, un fils d’aristocrates ukrainiens, que son éducation ultra-puritaine a rendu profondément mélancolique et révolté : Eduard hait le dieu des chrétiens qu’il considère comme le pire des oppresseurs. Ensemble, ils se mettent à étudier, écrire et voyager : Rome, Monte Carlo, Genève, Avignon, Berlin… En 1900, alors qu’ils sont à Pompéi, de graves problèmes de santé mettent la vie d’Elisàr en danger. Sous l’effet du choc, il décide d’abandonner la littérature et de fonder une religion, qu’il baptise «Clarisme», avec pour but de réformer la communauté des vivants en un siècle.

Le Temple du Clarisme

Avec l’aide d’Eduard, il rédige les écrits théoriques au fondement de cette religion, ainsi que les plans des sanctuaires initiatiques. En 1911, ils créent une maison d’édition afin de publier leurs travaux et convertir les âmes. Une communauté clariste voit le jour à Weimar. C’est aussi en 1911 qu’Elisàr ne se fait plus appeler qu’Elisarion. En 1915, quittant l’Italie en raison de la haine que s’attirent les germanophones, Elisarion et Eduard s’installent en Suisse, à Muralto. En 1925, ils achètent un terrain près d’Ascona, à Minusio, et font bâtir une maison qui sera également un temple, à la structure inspirée par ceux de Fidus (1). En 1927, ils l’inaugurent sous le nom de Sanctuarium Artis Elisarion et multiplient les brochures d’information pour attirer le public, obtenir des fonds, faire construire la rotonde qui accueillera le tableau, en 1939, et y accueillir les pèlerins. Malheureusement, leur religion ne rallie que 30 adeptes. Avec la seconde guerre mondiale, le nombre de visiteurs chute. Elisàr von Kupffer décède en 1942.

Une lubie coupable ?

Après la mort d’Eduard von Mayer en 1960, la lourde tâche de gérer l’intégralité du legs revint à une femme, Rita Fenacci, qui avait partagé la vie des deux hommes en tant que confidente et gouvernante. Elle obtient des autorités locales que celles-ci prennent en charge l’entretien de la propriété… Mais pour les responsables de Minusio, ce «temple» n’est qu’une lubie coupable de nobles dégénérés. Quand Rita meurt en 1973, la maison est pillée, détruite puis laissée à l’abandon. En 1978, Harald Szeeman sauve in extremis le tableau qui a été arraché des murs et qui git sur le sol, imbibée d’eau. En 2008, l’Association Pro Elisarion voit le jour et se donne pour but de rénover le sanctuaire. En attendant ce jour, la Fondation Monte Verità fait restaurer le cyclorama. Il sera bientôt visible –à partir du 20 mars 2021– dans un espace reconstituant la rotonde originale. Cette oeuvre fera-t-elle de nouveaux adeptes ? Mais au fait, quelles étaient les règles de cette religion ?

«Araphrodites» : les hermaphrodites sacré-es du Clarisme

Pour comprendre le Clarisme, il faut se référer à l’ouvrage Das Mysterium der Geschlechter (Le mystère des sexes), publié en 1923 : Eduard von Mayer y développe la théorie selon laquelle chaque être se compose de cellules bisexuelles animées par le désir de dépasser la différence des sexes qui est la cause de toutes les souffrances. Pour atteindre l’état de bienheureux, il faut donc opérer cette transfiguration, suivant l’exemple d’Elisarion : il se voyait, en tant qu’éphèbe, comme la manifestation incarnée du «monde clair». Pour lui, les éphèbes étaient des êtres supérieurs, ayant réalisé l’union des contraires, et des «corps transcendant» autrement dit des «Araphrodites», c’est-à-dire un mélange d’Arès (dieu de la guerre) et d’Aphrodite (déesse de l’amour). Elisarion se considérait à la fois comme fondateur d’une religion, chef d’État, chevalier du château du Graal et araphrodite androgyne. Eduard, son disciple, se battait à ses côtés pour qu’advienne un monde meilleur gouverné suivant les principes de l’eudémocracie (une «direction de la nation par les meilleurs de tous les horizons»). Le culte impliquait de se purifier au contact des vibrations émises par les bienheureux.

Sa maison était la maison de dieu

Voir le corps d’Elisarion (en photo, en peinture ou en vrai) avait valeur de rite : ce corps, étant parfait, dégageait des ondes capables d’illuminer l’esprit, de mettre les humains en état de grâce. Elisarion, d’ailleurs, se peignait et se photographiait constamment – ainsi que d’autres jeunes garçons au corps proche du sien – afin que son image puisse guérir toutes les âmes. Son art était thaumaturgique. Son sanctuaire brouillait les frontières qui sépare la maison du musée et le musée du lieu de culte. La rotonde (à laquelle on ne pouvait accéder qu’après avoir traversé des espaces nommés «méditation» et «ascension») était «l’incarnation architecturale et figurative de ce moment où la joie, que nous préférons ici avec une expression inhabituelle appeler l’extase intérieure, remplit l’âme, qui à son tour voit la vie éternelle dans une représentation libre et sereine dans la lumière» (2). Créer l’euphorie par l’image et par la présence. Voilà ce dont rêvait Elisarion. «La peinture circulaire Chiaro Mondo dei Beati reste peut-être l’une des représentations les plus importantes de l’Arcadie du XXe siècle», résume un de ses défenseurs, le critique d’art Fabio Ricci. Il est vrai que la voir laisse une impression d’euphorie durable. On s’en arrache presque à regrets tant elle irradie l’innocence.

Je remercie le Musée de Monte Verità. Ainsi que Hermann Müller et Reinhard Christeller, créateurs du site de référence http://www.gusto-graeser.info/body_indexFR.html

Fondation Monte Verità : rue Collina 84 - 6612 Ascona. Tel : +41 91 785 40 40.

A LIRE : Monte Verità. Le mammelle della verità, de Harald Szeemann, éditions Electa / Armando dado, 1980. Ce livre (en italien) existe aussi en version allemande.

NOTES

(1) D’après Pietro Rigolo, conservateur du Getty Research Institute, le Temple de la Terre de Fidus a certainement servi de modèle pour le Sanctuaire Elisarion. Ce temple que Fidus voulait construire sur Monte Verità avait été rejeté par Oedenkoven. L’Elisarion en fournit une version modifiée. Fidus l’a d’ailleurs visité : vers 1930, il signe le livre d’or. L’Elisarion (aujourd’hui centre culturel de Locarno) serait donc un peu «comme le temple manquant sur la montagne de la vérité», ainsi que le formule Hermann Müller, spécialiste de Monte Verità.

(2) Source : Histoire du Sanctuarium Artis Elisarion 1911 - 2011, de Fabio Ricci (recherche disponible sous la forme d’un livret photocopié, écrit en allemand, disponible dans les archives de Monte Verità et de l’association Pro Elisarion).

ADOPTEZ UN DES PAPILLONS DU CYCLORAMA : l’association Pro Elisarion propose aux généreux donateurs de participer à l’effort de restauration et de protection de cette oeuvre en adoptant un des papillons peints par Elisarion, pour la somme de 20 francs suisses (chf).

CET ARTICLE FAIT PARTIE D’UN DOSSIER CONSACRE A MONTE VERITA : «Sors de ce trou !» ; «Monte Verita et la libération sexuelle» ; «Vivre d’amour et d’eau fraiche ?» ; «Otto Gross, baiseur en série ?» ; «Danse avec le diable» ; «Sexe, morphine et dadaisme», «Fidus, précurseur du flower power ?», «Une religion transgenre pour devenir heureux ?».

novembre 02, 2020

Lien pour 'Laurel et Hardy : est-ce SM ?
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19:46

Laurel et Hardy : est-ce SM ?

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Lorsque Jean Streff publie son livre-culte “Le Masochisme au cinéma”, en 1978, des dominas pros font claquer leurs fouets rue Quincampoix. En 2020, voilà le livre réédité. L’acronyme «SM» est entré dans la langue courante. Mais où sont les fouets ?

«Je me souviens d’un hôtel de passe rue Quincampoix où chaque chambre était occupée par une domina. Elles tapinaient sur le trottoir, bardées de cuir, fouet à la main qu’elles faisaient claquer sur les pavés de la rue devant les clients potentiels ou boc à lavement, tenu haut à la main, pour marquer sa spécialité.» En 1978, le milieu du «sado-masochisme, tel qu’on l’appelait» n’avait ni ses clubs, ni ses revues, ni ses soirées. On le vivait dans l’ombre, en cachette, ou avec des dominas aux activités circonscrites, et c’est pourquoi ce livre – Le Masochisme au cinéma – a fait l’effet d’une telle bombe à l’époque. Pour tous ceux qui se rappellent, c’était la boîte de Pandore : gorgé d’images interdites, de références, de descriptions minutieuses et torrides, l’ouvrage de Jean Streff ouvrait des horizons de délices infinies à toutes les personnes qui, comme lui, s’enivraient des séquences «flagellation» dans les films de pirate et parfois même… des débouchages d’évier dans les burlesques. Voilà enfin que cet ouvrage est réédité, véritable encyclopédie des perversions au cinéma, traquant les marques du SM jusque dans les films les plus innocents en apparence.

L’occasion de poser quelques questions à son auteur : Jean Streff, ex-étudiant en médecine, devenu assistant de José Benazeraf, puis réalisateur de film, rédacteur en chef d’une revue libertaire (frappée d’interdiction), écrivain et secrétaire général du Prix Sade.

Qu’est-ce qui vous a donné l’envie de vous lancer dans un sujet aussi pointu ?

En 1976 sort Maîtresse de Barbet Schroeder avec Bulle Ogier et Gérard Depardieu, un film consacré à une dominatrice professionnelle. Je travaillais à l’époque pour une revue intitulée L’Organe, dirigée par Michel Caen (ex-cofondateur de Midi-Minuit Fantastique). Celui-ci me demande de faire un article sur le film. Avant d’écrire la critique, je me dis que je pourrais peut-être l’enrichir en consultant les fiches que j’avais accumulées au cours de dix ans de cinéphilie assidue (parfois 3 films par jour à la cinémathèque de la rue d’Ulm et celle du Trocadéro). Là, je découvre un trésor. Pour chaque film, j’avais noté avec minutie les séquences et personnages qui avaient un lien avec le masochisme. Je décide donc d’en faire un livre qu’Henri Veyrier, éditeur spécialisé dans le cinéma, publiera en 1978.

Bon, il faut bien reconnaître : le masochisme m’avait toujours intéressé depuis la découverte, à douze ans, dans la bibliothèque de mon père, d’un livre vendu sous le manteau : L’Amour fouetté. Livre érotico-pornographique qui fut pour moi une véritable révélation, d’abord physique, puis le temps venant plus mentale, me poussant à tout lire sur le sujet : Krafft-Ebing, Magnus Hirschfeld, Havelock Ellis, Sigmund Freud, Theodore Reik, Gilles Deleuze, etc. Ce mélange de psychanalyse, de philosophie et de cinéma donnera Le Masochisme au cinéma, qui vient donc d’être réédité chez Rouge profond.

En 1978, quelles ont été les réactions à la sortie de ce livre ?

Les réactions des médias ont été très positives. J’ai eu des critiques très flatteuses dans la plupart des quotidiens et magazines de l’époque. On a parlé de «dérangeante façon de relancer la réflexion sur le cinéma, sur nous-mêmes, et de rendre vie à des créations figées depuis longtemps dans l’académisme critique». «Le texte étonne par le sérieux de sa problématique, le fondement scientifique de l’analyse», pouvait-on lire dans Libération. Mais, patatras, au printemps 1979, lors d’un réassortiment chez un obscur libraire de province, Henri Veyrier, l’éditeur apprend que le livre est interdit, car si nul n’est censé ignorer la loi, personne ne reçoit Le Journal officiel chaque matin dans sa boîte aux lettres. S’ensuivra une campagne de presse dénonçant cette interdiction.

Qui sont les personnes qui l’ont fait interdire ? Avec quels arguments ?

L’ouvrage a été interdit le 28 novembre 1978 par un décret du Ministère de l’Intérieur. Il est frappé des trois interdictions : affichage (aucun libraire ne peut le mettre en rayon), publicité et vente aux mineurs. Soit une mort annoncée, qui n’empêchera pas Bernard Pivot de le présenter dans sa célèbre émission littéraire Apostrophes.  Le Ministre de l’Intérieur de l’époque s’appelait Gaston Bonnet («Bonnet, les bas bleus», comme l’écrira Delfeil de Ton dans Libé). C’est lui qui a pris cette décision, grandement aidé par la Commission de Protection de la Jeunesse qui surveillait avec un œil très catho toutes les publications. Le masochisme, même au cinéma, ça ne le faisait pas trop pour nos chères petites têtes blondes. Donc, je pense que, dès le titre, les poils ont dû se hérisser chez les grenouilles de bénitier de la Commission. En plus avec des images, elles ont sans doute pensé que c’était un livre pour enfants !

Quatre ans après, en 1982, l’interdit est levé par Jack Lang qui vient tout juste d’obtenir le poste de Ministre de la Culture. Comment se fait-il que Jack Lang soit intervenu en personne pour défendre ce livre, alors qu’il venait à peine d’être nommé ?

J’ai été voir un monsieur très aimable, Jean Gattégno qui s’occupait des livres au Ministère de la Culture. Je lui ai expliqué mon cas, qu’il a trouvé tout à fait recevable. Il l’a communiqué à Jack Lang, qui l’a trouvé tout aussi recevable et s’est fendu d’une lettre à Gaston Defferre, nouveau Ministre de l’Intérieur, dans laquelle il demande les levées des interdictions frappant deux livres, le mien et Eden, Eden, Eden de Pierre Guyotat (ce qui ne me rendit pas peu fier). Le 21 mars 1982, les interdictions sont abolies par le même Journal officiel et le livre peut enfin respirer. Il sera vendu à plus de dix mille exemplaires et sera réédité en 1990 sous une nouvelle couverture.

Quand le livre sort, Libération le décrit élogieusement comme «un ouvrage de philosophie du comportement». Au-delà des films, ce que vous décrivez, ce sont en effet les différentes formes de SM et leurs variétés humaines. Pour vous, quels sont les différents profils de masochistes ?

Contrairement au fétichiste qui est monothéiste et n’adore donc que le seul objet de son désir, les masochistes sont plutôt polymorphes, à savoir que si leur fantasme premier est toujours la soumission à une personne dominante, celui-ci peut épouser de multiples formes : de la fessée si chère à Jean-Jacques Rousseau à la flagellation plus sévère, des humiliations privées ou publiques, du bondage au face sitting (l’un n’empêchant pas l’autre), de l’ondinisme à la scatologie, des insultes aux crachats, de la soubrette à la prostituée, des langes aux lavements, du travail des seins aux «tortures» infligées au pénis ou à la chatte, etc.  Cindy, une célèbre dominatrice parisienne qui exerçait dans un ancien garage transformé en terrain de jeux BDSM, avec salle de classe pour élèves récalcitrants, bloc opératoire plus vrai que nature, soue à cochons, table d’élongation, machine à fouetter…, me raconta un jour qu’elle gardait précieusement des fiches où étaient notés les goûts particuliers de chacun de ses clients. Quand elle en recevait un, elle consultait sa fiche avant l’arrivée de celui-ci avant de ne pas faire de bévues durant la séance. On a souvent dit que le «métier» de domina ressemblait à celui du médecin ou du psychanalyste, ce n’est pas faux.

Vous dites dans le livre que les masochistes gays se distinguent des masochistes hétérosexuels, en ce qu’ils s’attaquent surtout à leurs organes génitaux. Pourriez-vous expliquer pourquoi ?

Il y a (avait en tout cas à l’époque) une tendance chez les homosexuels à souligner une hypervirilité. On se souvient des dessins des mecs super musclés et tout aussi bien membrés de Tom de Finland. Cette sursexualisation des attributs masculins entrainait forcément chez les masochistes un effet reflet qui les amenait à désirer être plus particulièrement puni à travers ceux-ci.  Cela était aussi vrai pour l’homosexualité féminine. Il y avait à l’époque un groupe de lesbiennes SM appelé «Les Maudites femelles» qui exerçait une fois par semaine dans un bar gay à côté de La Bastille. Les seins et la chatte étaient la principales cibles des dominantes, à la plus grande joie des soumises. 

Etes-vous toujours d’accord avec cette analyse que vous aviez faite en 1978 ?

Les choses ont-elles changées de nos jours ? Quand on regarde le nombre de vidéos où des masochistes se font shooter dans les testicules par des Maîtresses (quand ceux-ci ne servent pas de punching-ball ou d’anneaux à balançoire !), de femmes se faisant torturer les seins par la cire de bougies, des aiguilles, l’électricité (quand elles ne sont pas pendues par !) sous la houlette de Maîtres bricoleurs au matériel très sophistiqué, la réponse est oui.

Quelles sont les formes de masochisme les plus répandues de nos jours (comparé à celles qui prévalaient dans le cinéma des années 1960 ou 1970) ? En quoi est-ce révélateur de notre époque ?

La forme de masochisme la plus répandue de nos jours est sans aucun doute le bondage, art ancestral japonais. On peut même en suivre des cours, comme on apprend à danser le tango, dans la plupart des grandes villes. C’est d’ailleurs comme ça que le SM est devenu BDSM (bondage, soumission, sadomasochisme) de nos jours.  Pour le cinéma, et en tout cas dans l’optique de mon essai, je ne vois pas une grande différence. Car même si les pratiques masochistes se sont démocratisées au point d’apparaître dans des comédies grand public telles que 7 ans de mariage de Didier Bourdon ou Prête-moi ta main d’éric Lartigau, il ne faut pas oublier que le duo Laurel et Hardy les avait déjà portées à leur apogée dans les années 1930.

Le masochisme au cinéma, de Jean Streff, éditions Rouge Profond, octobre 2020.

POUR EN SAVOIR PLUS : «Vous êtes plutôt méditation ou masturbation ?»

octobre 28, 2020

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8:33

Fidus, précurseur du flower power ?

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Vers 1890, la société européenne souffre déjà des maux que nous connaissons : consumérisme, quête du profit, destruction de la nature. Des prophètes apparaissent, parmi lesquels Fidus, un allemand végétarien qui veut construire des temples à Lucifer.

Alors que l’emprise de l’Eglise vacille, des artistes affirment qu’il serait temps de remplacer le culte de dieu par celui de valeurs jugées plus sûres : le culte de la lumière, par exemple. Fidus est un des plus représentatifs de ces nouveaux gourous. Son vrai nom est Hugo Höppener (1868-1948). Il est né en Allemagne dans une famille de pâtissiers libres-penseurs. Il est beau comme un ange (c’est lui, jeune homme, à droite sur la photo). Il a été l’élève d’un peintre nudiste adepte du soleil, Diefenbach (à gauche sur cette photo). Il se présente comme un «artiste toute lumière» et fait de Lucifer –dont le nom signifie «porteur de lumière»– le nouveau guide spirituel de l’humanité. En 1946, il écrit (1) : «Mon Lucifer n’est ni adversaire ou querelleur, ni rebelle, il est le Fils ainé de Dieu qui a la tâche de susciter la conscience de soi. Il n’a rien du démon puant des pasteurs !».

Des projets hierarchitecturaux

Animé par sa foi, Fidus veut devenir architecte de temples. Il consacre sa vie à des projets démesurés qui ne verront jamais le jour. La seule trace qui reste de ces fantasmes pharaoniques se trouve dans le musée de Monte Verità, au-dessus d’Ascona, en Suisse. Le musée possède la maquette d’un temple qui aurait dû voir le jour non loin de là, sur la montagne. Hélas, Fidus ne parviendra jamais à réunir la somme qui permettrait de le faire bâtir (2). Si ce temple avait vu le jour, il aurait fait la taille d’une Zigourat babylonienne. Il se serait dressé en pleine nature, surgi de nulle part, comme un de ces vaisseaux de pierre dans les BD de Bilal. Et il aurait certainement provoqué des appels à boycott ou des pétitions pour sa fermeture.

L’humanitaire au service des peuples

C’est toujours le même problème avec les avant-gardes : elles prétendent sauver le monde en montrant la voie du progrès. Elles se croient toujours plus «éclairées» que les «peuples» dont elles veulent faire le bien. Le concept même d’avant-garde est programmatique : il suppose que des génies sont aux avant-postes de «l’histoire en marche». Ces héros prométhéens apportent le savoir –les idées ou les innovations, à commencer par l’invention du feu–, afin que les individus puissent s’émanciper de leurs superstitions et de leurs préjugés. Avec quel résultat ?

La morale, c’est pour les ?

Depuis le XVIIIe siècle, en France, on connait la musique. Les premiers temples dédiés à des cultes non-chrétiens sont ceux des «libertins» : Palais de Cupidon, temple de volupté, sanctuaire d’Aphrodite. Au XVIIIe siècle, les aristocrates et les financiers baptisent leurs garçonnières de noms empruntés aux cultes païens, afin d’en préciser la destination. Ce sont des temples dédiés aux plaisirs. Ces plaisirs sont censés être pris sans tabous, ni entraves, par des femmes et des hommes soi-disant «affranchis» de la morale commune. Mais qui est dupe de cette vision naïve du libertinage ? Même à l’époque, des voix s’élèvent contre cette imposture.

Des temples libertins aux temples républicains

Lorsqu’ils attirent des femmes dans leurs «îles de Cythère», les libertins en réalité ne se conduisent ni en apôtres de l’amour libre ni en prosélytes d’une société égalitaire ou plus juste. Ainsi que le chercheur Michel Brix le démontre dans Libertinage des Lumières et Guerre des sexes, il serait faux d’«assimiler tous les auteurs de récits libertins à des propagandistes de l’Eros des Lumières». De fait, la fête finit mal pour eux. Avec la Révolution française, de nouveaux temples voient le jour. Ils sont dédiés à la Raison et certains contiennent des autels à Rousseau ou Marat. A l’aide d’un «culte officiel», la république tente d’imposer au peuple l’utopie d’un monde débarrassé de ses chaînes. Toujours la même imposture.

Des temples dédiés non plus à dieu mais à l’humanité

Quelle différence avec les temples qui se multiplient au XIXe siècle sous l’égide de la franc-maçonnerie, des Rose-Croix ou de courants occultistes divers ? Sous couvert d’en finir avec les «erreurs de l’esprit primitif» (dixit Fidus), c’est-à-dire avec les croyances, il s’agit de défendre un idéal de spiritualité conforme à la raison. Les nouvelles religions doivent permettre à l’homme d’atteindre un équilibre de vie en harmonie avec la nature. L’individu doit devenir «souverain» au sens nietzschéen du terme (3). Et pour cela il faut l’initier. Dans les temples de Fidus, il n’y a d’ailleurs pas de culte. On n’y va pas pour prier. Prier qui d’ailleurs ? Puisque dieu est mort.

Un temple en cube relié à un sanctuaire en dodécaèdre

Dans les temples de Fidus, on va pour se transformer. Pour se réaliser… Avec un siècle d’avance sur les maîtres de la pleine conscience, Fidus met au point un rituel mystagogique singulier. Il s’agit de se rendre au Temple. Celui de la terre par exemple. Fidus en a ébauché le concept dès 1895. Son Tempel der Erde est un édifice à bâtir en pleine forêt (contact avec la nature), entouré de douves (mort symbolique), de forme cubique relié à un dôme en dodécaèdre. Harald Szeemann, fondateur du musée de Monte Verità décrit ainsi le dispositif : «Quiconque souhaite connaître le mystère doit d’abord passer par la structure cubique, mais avant tout avant tout il doit subir des tests en série comme les jeunes franc-maçons.»

Femmes sentimentales, hommes d’action

Dès l’entrée (un escalier monumental), le visiteur est confronté à «des symboles de l’au-delà et du cosmos» : des dragons et des lions sont les gardiens d’une porte surmontée par un arbre de vie, inscrit dans une forme d’œuf (symbole de fécondité), surmonté d’un fronton marqué du mot TAT (action) et d’un miroir circulaire (signe cosmique). Une fois passée l’entrée, se séparant, les femmes doivent aller à gauche et les hommes à droite. Le chemin des femmes passe des salles orange de l’envie, rouge des sentiments, puis violette de la nostalgie. Le chemin des hommes traverse les salles vert-jaune de l’ambition, verte de la volonté et bleu-verte de l’amour. (Tout novateur qu’il soit, Fidus reste fidèle à l’esprit de son temps).

Des temples pour l’éveil des émotions

Ensuite, les deux chemins se rejoignent dans la salle de la dévotion qui offre deux possibilités d’accéder à la connaissance : soit vous descendez vers l’atrium du temple, avec son bassin surmonté d’une statue du «seigneur de la terre». Soit vous allez dans la salle bleu sombre du silence, puis dans le mausolée des ténèbres (4). Après quoi se trouve le sanctuaire, situé à l’extérieur du cube. En 1907, Fidus explique dans un essai (Etwas vom Ringelreife, republié en 1912 dans une nouvelle version) que ses temples ont pour fonction de rendre possible une «expérience émotionnelle». Comment se réaliser sans d’abord être ému-e ? L’idée est belle, a priori.

Des liturgies hallucinées

Elle séduit d’ailleurs beaucoup de gens à l’époque, émerveillés par les images de fêtes collectives dont Fidus déploie les fastes : il représente des foules de femmes et d’hommes nus rassemblés en cercles autour de grappes humaines aspirées par la lumière. Des liturgies hallucinées.

Le prophète d’Amden

En 1903, un prophète de l’apocalypse d’origine autrichienne-américaine, appelé Josua Klein invite Fidus et lui confie la construction de trois temples sur les collines de la colonie théosophique de Grappenhof qu’il a fondée près d’Amden. Mais ce projet sombre finalement à l’eau car Josua Klein –qui fait des prêches avec un groupe d’illuminé-es– a perdu sa fortune.

Dans ses mémoires, un ami de Fidus (Wilhelm Sphor) raconte ainsi l’épisode : «Nous brisions des rochers, coupions des arbres, et un plateau fut nivelé sur un affleurement rocheux près du lac. Tout allait très bien, mais sans mener à rien puisque le prophète devait prêcher tous les jours, du petit matin à deux heures de l’après-midi, en bougeant les yeux, les bras et les jambes en tous sens, en maudissant le monde entier et en réprimandant Dieu qui n’avait pas tout fait comme il fallait. Après ça, tout le monde était fatigué, personne ne pouvait songer à travailler» (1). Fidus trouve tout cela absurde et repart en Allemagne.

Un portrait de Hitler… jugé dégénéré

Durant les années suivantes, sans jamais renoncer à ses projets de temple (Temple de l’eau calme, Temple de l’étreinte universelle, Temple du dragon, Temple de l’action, Temple de la couronne de fer, etc), il vit surtout de la vente de cartes postales et d’illustrations. Il travaille pour des revues satiriques ou homosexuelles. Peu avant que Hitler arrive au pouvoir, il adhère au parti et tente par tous les moyens de se gagner les bonnes grâces du nouveau régime. Il fait même un portrait du Fuhrer, qui est immédiatement censuré. Son art est classé parmi les oeuvres dégénérées. Après-guerre, pour survivre, il fait des tableaux de Lénine ou Staline qui lui sont payés en patates. Il meurt misérablement en 1948, mais toujours aussi beau.

De lui, l’histoire retient des oeuvres jugendstil inspirées par le désir de fusion cosmique, des images de couples harmonieusement enlacés et de corps ascétiques tendus vers la lumière.

Un membre du parti national-socialiste inspirateur des hippies ?

Ironie du sort : dans les années 1970, ses tableaux inspirent les affiches américaines du Flower Power, un mouvement qui –lui aussi– entend réformer la vie et faire advenir un monde meilleur. C’est toute l’ironie des avant-gardes qui s’inscrivent, les unes après les autres, dans la lignée du progressisme – projet moderne de l’Occident – et qui réactualisent sans cesse le rêve d’une société libérée des formes d’aliénation que sont les idées reçues ou les conventions. Curieusement, à répétition, l’idéal progressiste se retourne contre lui-même, c’est-à-dire qu’à force de promouvoir le bonheur et l’émancipation, il produit les effets inverses.

Je remercie Hermann Müller et Reinhard Christeller, créateurs du site de référence http://www.gusto-graeser.info/body_indexFR.html

A LIRE : Blutleuchte : mysticismes anciens & contemporains, de Gerhard Hallstatt, éditions Camion Noir, 2012.

A LIRE : Monte Verità. Le mammelle della verità, de Harald Szeemann, éditions Electa / Armando dado, 1980. Ce livre (en italien) existe aussi en version allemande.

A LIRE : Les particules élémentaires, de Michel Houellebecq, Flammarion, 1988 (1998).

A LIRE : Libertinage des Lumières et Guerre des sexes, Michel Brix, éditions Kimé, 2018.

NOTES

(1) La plupart des citations proviennent du seul livre en français qui à ma connaissance parle de Fidus (et dont la fiche Wikipedia a repris tout le contenu) : Blutleuchte : mysticismes anciens & contemporains, de Gerhard Hallstatt, éditions Camion Noir, 2012

(2) Par ailleurs, Henri Oedenkoven, qui dirige la clinique de naturopathie du Monte Verità se méfie de ce projet ou plutôt, des idéaux théosophiques de Fidus. Les deux hommes se rencontrent en 1907, mais la rencontre ne débouche pas sur un accord. Le 29 décembre 1908, Oedenkoven écrit à Fidus : « À cette époque [lors de son séjour en 1907], j’ai été terriblement tourmenté par votre emprisonnement spirituel [en théosophie], et par votre emprisonnement total [Fidus serait venu à Monte Verità accompagné par un médium aux allures de gourous]. Je voudrais m’expliquer une chose : qu’est-ce qui, dans votre art, m’attire si irrésistiblement vers certaines de vos œuvres et en repousse d’autres tout aussi irrésistiblement ? Comment est-il possible qu’un esprit produise des résultats aussi contradictoires ? Et je pense à la captivité mentionnée ci-dessus ; que vos propres expressions soient bonnes ou mauvaises seulement sous l’influence des autres ? » En décembre 1908, ainsi que cette carte le suggère, Oedenkoven regrette à moitié son rejet de 1907, mais à moitié seulement.

(3) «L’individu souverain, individu qui n’est semblable qu’à lui-même, l’individu affranchi de la moralité des mœurs, l’individu autonome et supermoral (car «autonome» et «moral» s’excluent), bref l’homme à la volonté propre, indépendante et persistante, l’homme qui peut promettre, – celui qui possède en lui-même la conscience fière et vibrante de ce qu’il a enfin atteint par là, de ce qui s’est incorporé en lui, une véritable conscience de la liberté et de la puissance, enfin le sentiment d’être arrivé à la perfection de l’homme», Généalogie de la morale, Friedrich Nietzsche,1887.

(4) L’idée des couleurs fait flores. Plusieurs écoles anthroposophiques –l’école Goethe de Hambourg, la Freie waldorfschule de Stuttgart ou la New school de Londrès construites dans les années 1920 – ont repris ce concept d’initiation par la lumière.

Je remercie le Musée de Monte Verità. Ainsi que Hermann Müller et Reinhard Christeller, créateurs du site de référence http://www.gusto-graeser.info/body_indexFR.html

Fondation Monte Verità : rue Collina 84 - 6612 Ascona. Tel : +41 91 785 40 40.

CET ARTICLE FAIT PARTIE D’UN DOSSIER CONSACRE A MONTE VERITA : «Sors de ce trou !» ; «Monte Verità et la libération sexuelle» ; «Vivre d’amour et d’eau fraiche ?» ; «Otto Gross, baiseur en série ?» ; «Danse avec le diable» ; «Sexe, morphine et dadaisme», «Fidus, précurseur du flower power ?», «Une religion transgenre pour devenir heureux ?».

octobre 26, 2020

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10:31

Dubuffet fait-il tout foirer ?

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En 1950, Jean Dubuffet publie un ouvrage porno et graphique – «Labonfam abeber » (La bonne femme à Bébert). Gribouillé d’images obscènes, calligraphié en jargon phonétique sans respect ni des bonnes moeurs ni de la syntaxe : un pied de nez aux «enculturés» ?

Potache, irrévérencieux, scandaleux pour l’époque, l’ouvrage de Jean Dubuffet n’est tiré qu’à 50 exemplaires, mais lui vaut des ennemis. Qu’à cela ne tienne. Jean Dubuffet n’a cure de reconnaissance. Il ne vit pas de son art. Et d’ailleurs, qu’est-ce que l’art, demande-t-il : de l’art «homologué» ? Lui-même ne prétend pas en faire qui est pourtant reconnu comme un des plus grands artistes du XXe siècle. Ancien marchand de vin enrichi sous l’occupation avec le marché noir, il affirme ne pas faire partie de ces élites qu’il dénigre. Il accumule les provocations, allant jusqu’à peindre sur des bouts de journaux des oeuvres intitulées : «Dubuffet est un sale con, un foireux, un enculé»… ce qui n’est pas tout à fait faux, s’il faut en croire ses contemporains.

Insoumis ou impoli ?

Toute sa vie, il reste impoli. En témoigne une belle exposition «Jean Dubuffet, Un barbare en Europe» – montée d’abord au MUCEM et maintenant visible au Musée d’Ethnographie de Genève –, qui explore méthodiquement les fâcheuses tendances de l’artiste à «faire dissensus». Bousculer les conventions, maltraiter la langue, dessiner des cochonneries : il y met une maligne obstination, avec le désir constant de contester les valeurs établies. Le texte qu’il compose en 1950 a valeur de programme : «Afon vazi pluctira profon pluxebon». Jean Dubuffet veut donc tout casser, «à fond», et surtout cette notion de l’art qu’il nomme «l’art culturel», autrement dit l’art défendu par «des brigades d’intellectuels de carrière» qu’il compare en 1949 à des «nageurs en eau bouillie».

«Dubuffet, c’est un enfant gâté»

Son texte, rageur et jubilatoire, défend l’idée naïve qu’il y a, d’un côté, la haute culture –celle qu’on apprend assis sur les bancs d’école, en s’ennuyant– et, de l’autre, la culture de la vie, celle des ginguettes et des troquets. Sa mauvaise foi est évidente : n’est-il pas issu d’une bonne famille bourgeoise ? «Au début, Dubuffet, c’est un enfant gâté qui se conduit mal avec la culture qu’il a reçue en héritage», résume Christophe David dans un chapitre du catalogue de l’exposition malicieusement intitulé «Jusqu’à l’os» : hargneux, tenace, Jean Dubuffet rongera ainsi sa haine de la culture. «Plus tard, devenu un vieux bonze, il ne lâchera pas le morceau.» Il n’aime pas la culture qu’il assimile à un carcan. Alors, il attaque.

Jean, amoureux, fait du bal-musette

Dans les années 1930, il a pourtant volontiers fréquenté les milieux bohèmes de Montparnasse, en y croisant Fernand Léger, Joyce, Hemingway ou la célèbre Kiki qui pose pour les artistes surréalistes. C’est aussi là qu’il rencontre une autre modèle, Emilie Marlu, dont il tombe fou amoureux et qu’il épouse en 1939. Enfant, Jean Dubuffet faisait ses gammes sur le piano familial. Maintenant, il s’entraîne à l’accordéon parce qu’il veut faire danser sa Lili. Elle est drôle, elle l’encourage à toutes les folies. Aux côtés de cette «fille du peuple», Jean Dubuffet se lâche. Jusqu’ici, il peignait en amateur des tableaux relativement sages. Brusquement, il pétrit des masques en papier mâché, fait des marionnettes et se passionne pour les graffitis.

L’ethnographie du quotidien

En 1943, Jean Dubuffet s’intéresse aux usagers du métro, qu’il dépeint en tribu exotique, suivant l’exemple de son grand ami Henri Michaux, ethnographe du dérisoire. Il se met à les dessiner, en leur faisant des têtes rondes marrantes comme sur les dessins d’enfant. L’écrivain Jean Paulhan découvre ces oeuvres, devient son ami et organise la première exposition des travaux de Dubuffet, en octobre 1944 (quelques mois après la libération), qui suscite un véritable tollé. Dubuffet y expose ses petits bonhommes anonymes aux silhouettes dégingandées, avec leur zizi et leur bras comme des allumettes. Il prétend faire ainsi le portrait d’un homme nouveau qu’il nomme «L’homme du commun», soit l’exact contraire du héros de guerre, «hors du commun». Scandale.

La faillite de la civilisation occidentale

Dans l’atmosphère délétère de l’après seconde guerre mondiale, alors que des millions d’hommes sont morts, Dubuffet ne supporte plus cette fable de l’héroïsme qui légitime, ad nauseam, la prétention de l’homme occidental à être à la pointe du progrès technique et du bonheur de l’humanité. Il s’agit de faire tabula rasa. A la même époque, Dubuffet signe un pamphlet violent contre l’idée simpliste selon laquelle la planète se partage en deux : d’un côté les peuples ayant découvert le téléphone, de l’autre les peuples «demeurés arriérés», considérés comme sauvages, enfantins ou niais. Jean Dubuffet propose d’en finir avec cette conception «qui étale la puérile fatuité de l’Européen au XXe siècle» (1). Donc acte.

Eloge de l’insignifiance

Ses graffitis facétieux, son éloge de l’insignifiance, lui valent une avalanche d’insultes : on le désigne «comme un fumiste, un imposteur, un snob quand il n’est pas tout bonnement qualifié d’imbécile, de débile, voire de malade mental» (2). Ca tombe bien, Dubuffet s’intéresse précisément aux malades mentaux dont la patrie est, bien sûr, la Suisse, avec sa tradition d’asiles ou de sanatoriums. En 1945, Dubuffet part donc en Suisse, durant deux semaines au cours desquelles il rencontre entre autres le directeur du musée d’ethnographie de Genève et des psychiatres renommés en vue de collecter ce qu’il appelle de «l’art brut», sans trop savoir encore ce qu’il entend par là.

Esprit de contradiction ou l’art de se saborder

Paulhan (qui l’accompagne) fait ce portrait de lui : il «porte les cicatrices et le crâne écabossé d’un enfant. Il vit content. Ses colères sont violentes et ses haines durables, mais à tel point privées de motif qu’on perdrait son temps à tâcher de les prévenir. Il est poursuivi de l’idée d’un art immédiat et sans exercice – un art brut, dit-il – dont il pense trouver le rudiment chez les fous et les prisonniers.» Toute sa vie, il poursuivra cette quête. Belliqueux, vengeur, passionné, irascible, s’évertuant à l’irrespect jusqu’à en devenir nihiliste, il poursuit sa croisade contre une «culture» qui pourtant lui colle à la peau, puisqu’elle tient au langage. Peu à peu, il lui faut convenir qu’il ne pourra jamais s’en débarrasser. Sa quête est-elle vaine ? A 83 ans, il écrit : «Rien de ce que tu avais cru n’existe et tu n’existes pas non plus.» (Oriflammes, 1984). Il meurt l’année suivante.

A VOIR : «Jean Dubuffet, un barbare en Europe». Du 8 septembre 2020 au 28 février 2021, MEG Musée d’ethnographie de Genève : Boulevard Carl-Vogt 65, 1205 Genève, Suisse.

Video de présentation de l’exposition (Léman bleu).

A LIRE : Jean Dubuffet, un barbare en Europe, sous la direction de Baptiste Brun et Isabelle Marquette, avec les contributions de Christophe David, Vincent Debaene, Thierry Dufrêne et Maria Stavrinaki, éditions du Mucem / Hazan, 2019.

NOTES

(1) Source : « Avant-projet d’une conférence populaire sur la peinture », de Jean Dubuffet [rédigées en décembre 1944 – janvier 1945], dans Prospectus aux amateurs de tout genre, Paris, Gallimard, coll. « Métamorphoses », 1946, repris dans Prospectus et tous écrits suivants, Paris, Gallimard, 1967, tome I, p. 44-45.

(2) Source : « Portrait de Jean Dubuffet en anthropographe », de Baptiste Brun & Isabelle Marquette, catalogue de l’exposition, Jean Dubuffet, un barbare en Europe, éditions du Mucem / Hazan, 2019, p. 9-22.

octobre 21, 2020

8:15

Sexe, morphine et dadaisme

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Première guerre mondiale. Les pacifistes trouvent refuge en Suisse. Parmi eux, Emmy Hennings, une danseuse sans domicile fixe, qui écrit des poèmes sur le trottoir et la prison. Créatrice du Cabaret Voltaire, elle devient la star (oubliée) du mouvement dada.

En mai 1915, fuyant la conscription, un jeune écrivain et philosophe allemand nommé Hugo Ball part à Zurich sous une fausse identité. Zurich est alors la capitale mondiale du pacifisme. Il emmène avec lui une danseuse de cabaret rencontrée à Munich – Emmy Hennings. Il est tombé amoureux d’elle en 1913, en la voyant apparaître sur les planches du Café Simplizissismus. Elle dégage quelque chose de si énigmatique. Quand Emmy Hennings fait son entrée en scène, le public brusquement devient attentif. Sa désinvolture, sa silhouette frêle, son visage émacié l’auréolent de grâce. D’ou lui vient ce pouvoir d’hypnotiser les gens ?

Une vie d’errance et d’exil

Née au nord de l’Allemagne, dans la ville portuaire de Flensburg en 1885, Emmy Hennings prétend qu’étant «fille de marin» elle n’a jamais vécu qu’en voyage, dans l’attente d’une terre. De fait, très vite, elle mène une existence précaire, marquée par l’errance. «Après la mort de son premier enfant et la fuite de son premier mari en 1906, Hennings se joint à une troupe de théâtre itinérante et vit en romanichel jusqu’à naissance, 9 mois plus tard, de son second enfant»… Dans un article –écrit en vue de réhabiliter cette figure longtemps méconnue du mouvement Dada–, l’historien Thomas Rugh raconte qu’Emmy mène sa carrière en vagabonde. Elle se produit dans des nightclubs et des cafés à Moscou, Budapest ou Cologne, gagnant si peu d’argent qu’il lui faut parfois faire de la vente de produits de toilette, au porte à porte.

Toucher le fond

Au printemps 1914, alors que la guerre vient d’éclater, elle est arrêtée et emprisonnée pour vente de faux passeports. Après 6 mois d’interrogatoires au cours desquels elle nie obstinément, la voilà relachée. Elle part rejoindre Hugo Ball à Berlin où elle travaille comme chanteuse et modèle nue. Puis le couple décide de fuir car la guerre s’intensifie : Hugo Ball menace d’être enrôlé. Ils arrivent, en Suisse, dans la ville de Zurich, véritable havre de paix dans cette Europe déchirée par la guerre. La détresse les pousse à «écrire des lettres de mendicité». Dans un texte émouvant, la philologue Barbara Piatti raconte qu’Emmy et Hugo survivent dans des conditions si misérables qu’ils ne supportent pas de voir les passants nourrir les cygnes.

Spectacle absurde de la guerre

Entre deux shows (quand elle trouve du travail), Emmy monte avec Hugo une mini troupe de vaudeville : il joue du piano, elle chante. Le 5 février 1916, ils inaugurent le Cabaret Voltaire, dans une taverne de la Spiegelgelgasse 1 qu’ils transforment en scène de spectacle anarchique. Officiellement, il s’agit d’y faire du cabaret. Mais les vrais objectifs d’Emmy et Hugo sont bien plus radicaux : ils veulent dénoncer l’aberration belliciste ambiante en célébrant le non-sens. Ils font de leurs saynètes absurdes le reflet déformé des discours de propagande. Leur musique est scandée sur le modèle militaire, explosive, destructrice. Leurs costumes sont rigides comme des cercueils. Leur spectacle s’affiche comme un contre-programme : il s’agit de parodier le pathos creux des chants de guerre patriotiques.

L’esprit de dérision fait mouche

«Dès le premier soir, la salle est bondée et un groupe de personnages excentriques se réunit sur scène. On y retrouve entre autres des peintres, des poètes et des artistes de cabaret, dont Tristan Tzara et Marcel Janco», deux Roumains qui ont aussi fui le service militaire. Tristan Tzara, pour éviter la mobilisation, s’est fait passer pour un fou. Un ami –l’écrivain suisse Friedrich Glauser– raconte : «La Roumanie manquait de soldats. Il avait reçu l’ordre de se présenter. Mais… un psychiatre zurichois avait rendu une expertise à son sujet: démence précoce. Fort de ce résultat, Tzara dut passer devant une commission médicale qui tenait séance à Berne. Et c’est moi qu’il avait choisi pour l’accompagner. (…) Tzara joua son rôle à la perfection. Il baissa le menton et laissa goutter de fins filets de salive sur sa cravate de travers, que je lui essuyais chaque fois avec soin. (…) Tzara se borna à bredouiller des «ha» et des «ho» incompréhensibles.»

Faire la guerre à la guerre

C’est ainsi que naît le mouvement Dada : dans les Ha et les Ho. La plupart des participants ont pout point commun le refus de la guerre. Danse macabre 1916, le poème écrit par Hugo Ball devient ainsi particulièrement célèbre :

Ainsi nous mourons, ainsi nous mourons.

Et tous les jours, nous mourons,

Car se laisser mourir est si confortable.

Le matin encore dans le sommeil et le rêve

À midi là-bas.

Le soir au fond de la tombe déjà.

[…]

La bataille est notre maison close.

Notre soleil est de sang.

La mort est notre voie et notre mot d’ordre.

Emmy la voix d’un désespoir collectif

Le succès du Cabaret Voltaire est tel que chaque soir, pratiquement, les artistes font salle comble. Cependant, Emmy Hennings semble être celle qui attire le plus de monde. Quand les numéros absurdes des autres artistes fatiguent la salle et que des huées se font entendre, elle apparaît et chante en dansant un numéro de cabaret qui calme le public. Sa beauté est telle que le poète anarchiste Muhsam la surnomme «génie érotique». Bien que son visage soit marqué par la prise de drogue (elle est toxicomane, ainsi qu’en témoigne son poème poignant Morfin), Emmy dégage une aura étonnante. L’écrivain dadaïste Richard Huelsenbeck résume : «Ses couplets nous ont sauvé la vie». C’est elle, l’âme du cabaret, celle que le public veut voir. Celle dont le désespoir suscite le plus d’empathie.

«Solitude, tu es suprême»

Son poème Prison qu’elle lit lors de la première soirée Dada donne le ton :

«Maintenant, dans l’oubli, on nous a perdues

La nuit, nous rêvons de miracles sur des lits étroits

Le jour, nous sortons comme les bêtes effrayées

La seule liberté qui nous soit laissée

C’est de partir vers le monde inconnu»

Retour aux sources de la foi

Après s’être produits chaque soir sur scène pendant quatre mois, Emmy et Hugo sont exténués. Le café qui les accueillait est fermé début juillet 1916. Le couple fait alors retraite au Tessin, probablement à l’initiative d’Emmy : elles est adepte de la danse d’avant-garde développée à Monte Verita (au-dessus du village d’Ascona), dans l’école créée en 1913 par Laban. Elle y entraîne la compagne de Jean Arp : Sophie Taeuber. Jean Arp, lui-même, se laisse séduire par cette région où de nombreux artistes et penseurs élaborent d’autres formes de vie. Il tire son inspiration des bois mouillés que le lac d’Ascona rejette sur ses rives. Ce qu’il appelle ces «formes terrestres» représentent en deux dimensions les éternelles transformations de la forme. Pendant ce temps, Hugo Ball entame un travail sur la vie des saints des V et VIe siècle. Ci-dessous, une photo du couple en 1924.

Ecrivaine et blanchisseuse

Dans cette sorte de paradis, Emmy se convertit au catholicisme et se fait connaître comme femme de lettres. Elle écrit les livres Prison (Gefängnis, 1919) et La flétrissure (Das Brandmal, 1920), qui relatent ses expériences de détenue et de prostituée. En 1920, elle épouse Hugo Ball mais les années de bonheur passent vite : il meurt à 41 ans, en 1927, d’un cancer de l’estomac. Emmy lui survit de plus de 20 ans. Bien qu’elle écrive beaucoup d’articles et de livres –sur son époux, sur l’expérience Dada, des poèmes ou des romans (1)– ses conditions de vie sont difficiles. Elle finit par travailler comme blanchisseuse et ouvrière. Il lui faut même sous-louer sa chambre. Elle meurt le 10 août 1948 et rejoint Hugo Ball dans sa tombe, à Gentilino, au bord du lac de Lugano.

A SAVOIR : Aujourd’hui, le Kunsthaus Zürich abrite la plus grande collection d’œuvres dadaïstes du monde. Le Cabaret Voltaire a quant à lui rouvert ses portes en 2004.

A LIRE : “Emmy Hennings and the Emergence of Zurich Dada”, de Thomas Rugh, Woman’s Art Journal, vol. 2, n°1, 1981, JSTOR.

NOTE 1: Emmy Hennings écrit aussi Ein Tagebuch, (1920), Helle Nacht (1922), Die Geburt Jesu (1932), Blume und Flamme, Geschichte einer Jugend («Fleur et flamme, histoire d’une jeunesse», 1938), Der Kranz (1939) et Das flüchtige Spiel, Wege und Umwege einer Frau («Le jeu éphémère, chemins et détours d’une femme», 1940). Elle consacre par ailleurs trois ouvrages à son époux défunt : Hugo Ball, Sein Leben in Briefen und Gedichten («Hugo Ball, sa vie en lettres et poèmes», 1929), Hugo Balls Weg zu Gott, Ein Buch der Erinnerung («Le cheminement d’Hugo Ball vers Dieu, un livre de souvenirs», 1931) et Ruf und Echo, Mein Leben mit Hugo Ball («Appel et écho, ma vie avec Hugo Ball», 1953).

octobre 19, 2020

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7:49

Les femmes dominent le sport le plus rapide du monde

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Les femmes dominent le sport le plus rapide du monde

Connaissez-vous le dragster ? Non ? Il s’agit de parcourir 402 mètres en moins de 5 secondes. «Le temps, approximatif, d’un orgasme masculin», dit l’artiste Ali Kazma… Et c’est une blonde qui gagne.

Pour l’artiste Ali Kazma tout commence par une question : son ami Paul Ardenne, critique et historien d’art, lui demande : «Tu connais le dragster ? Non ?». Alors ils vont ensemble, à Pomonoa, voir des compétitions de dragster. Nous sommes en 2018. Cette année-là, une Finlandaise – Anita Mäkelä – remporte pour la troisième fois le titre de championne européenne en battant un record : elle parcourt 402 mètres en 3,87 secondes. Elle partage d’ailleurs la finale avec une autre femme, la Suissesse Jndia Erbacher qui a bouclé la première manche à 3,99 secondes. Deux femmes en finale, dans la catégorie Top Fuel, la plus respectée des courses dragster !?

Catégorie reine : le Top Fuel

Avec leur puissance de 10 000 chevaux, les dragsters sont des monstres : ils ne leur faut que 0,6 seconde pour passer de 0 à 100 km/h. Lors du «run», les pilotes sont plaquées sur leur siège par une accélération de 6 g, soit six fois leur poids corporel, parfois plus. Ali Kazma est impressionné. Il décide de faire un film sur Anita Mäkelä. Ce sera en été 2019, alors qu’elle bat à nouveau un record en parcourant les 402 mètres en… 3,85 secondes, toujours talonnée par la Suissesse Jndia Erbacher, mais aussi par la Norvégienne Maja Udtian. Cette année-là, sur les quatre finalistes, trois sont des femmes.

Devenir “Miss Fast” ou périr

Dans son film, qui dure 15 minutes, Ali Kazma approche au plus près de l’énigme. Il y a d’un côté cette pilote, déjà âgée, à la peau burinée, qui se prépare, face à la piste, regard fixé vers la ligne d’horizon qu’il s’agit d’atteindre «en un rien de temps». De l’autre, un bolide aux allures grotesques avec ses pneus arrières de poids-lourd et son bloc-moteur surdimensionné que des mécaniciens gavent de carburants hautement toxiques et explosifs : méthanol, nitrométhane, parfois même peroxyde d’oxygène (pour les moteurs à réaction). Les dragsters sont des monstres. «Rien, sur la Terre, n’accélère aussi vite qu’un dragster, explique Paul Ardenne. Même l’avion de chasse».

«Déboucher les toilettes avec une bombe H»

Cette même année, en 2019, Paul Ardenne publie un livre illustré des photos d’Ali Kazma : Apologie du dragster. L’espace-temps intense, qui démarre sur une citation : «Le dragster ? C’est comme déboucher les toilettes avec une bombe H.» Pour piloter, il faut le goût des choses brutales. «Le bruit engendré par l’accélération, de l’ordre de 150 décibels, s’assimile à celui d’un bombardement», raconte Paul Ardenne. Il note aussi ce fait stupéfiant que lorsqu’on entend le dragster démarrer, il est déjà presque en bout de piste car l’image nous parvient avant celle du son (qui a une vitesse de 340 m/sec). Et tout ça pour quoi ?

Une «forme pauvre du divertissement pascalien» ?

Il peut sembler idiot d’aimer les dragsters. Ces gros engins réduisent la notion même de déplacement à sa forme la plus pauvre : un arrachement instantané, un shot. De ce «voyage éclair», Paul Ardenne souligne volontiers qu’il ne permet ni d’explorer, ni d’apprendre : en dragster, on ne regarde pas le paysage. Même vu de l’extérieur, c’est pauvre. Le spectacle dure le temps d’un hoquet. Pourtant, les compétitions attirent en moyenne 60 000 spectateurs, fanatisés par ce que l’auteur nomme «le culte de l’accélération». Ce culte qui apparaît au sortir des années 1940 et dont il retrace l’histoire «héroïque» se déroule en marge de tous les grands combats des deux derniers siècles, dans l’exaltation de sa propre inanité.

«Lightning struck my dick»

Alors que des millions de gens se battent pour la liberté (contre les impérialismes, les inégalités, les oppressions, etc), les pionniers du dragster font le choix d’un jeu réduit à une règle unique : gagner toujours plus de mètres en toujours moins de mili-secondes. Il s’agit d’inverser l’équation espace-temps, de vaincre les principes qui limitent physiquement nos vies. Pour Paul Ardenne, ce déni de réalité touche au sublime. Il use en tout cas de mots si forts pour en parler que son texte sur le dragster pourrait se lire d’une seule main. Dès la première ligne, on se sent saisi-e, traversé-e par l’envie de décharge.

La «dépense folle» comme choix existentiel ?

Le style est électrisant, servi par les photos glacées d’Ali Kazma : mécaniques rutilantes, pots d’échappement qui crachent des flammes, bitume laqué par les séances de burn out, au cours desquelles les pilotes font surchauffer la gomme de leurs pneus pour les rendre adhésifs. L’univers du dragster vous prend comme un désir de dépense folle, à mille lieux des injonctions contemporaines. Ici pas de véhicules «propres», ni de «slow life»… Pour les drag drivers, hommes et femmes, chaque run est une expérience de mort, lorsque le sang se retire à l’arrière d’un cerveau écrasé par le choc. Pour la machine, chaque course est unique car les pièces du moteur ne survivent pas à l’expérience infernale de la propulsion.

L’hyper-démarrage, puis plus rien

Sur l’échelle du temps, le début et la fin semblent se confondre : à peine lancé, le dragster meurt, ses électrodes de bougies «liquéfiées par la puissance d’explosion», ses pistons déformés par la chaleur, ses bielles et ses roulements de vilebrequin foutus. Il faut démonter toute la mécanique, à chaque fois, car l’efficacité maximale de l’entreprise se double d’un renoncement absolu au concept de durabilité. Démarrer. Tout recommencer à zéro. Encore. Et encore. En 2020, le court-métrage sur Anita Mäkelä est enfin rendu public, à Genève. Intitulé Top Fuel, il accompagne une exposition d’Ali Kazma (Women at work) consacrée aux femmes qui travaillent… toujours plus vite.

A VOIR : Women at work, exposition d’Ali Kazma, galerie Analix Forever. Jusqu’au 20 novembre 2020. Analix Forever : Rue du Gothard 10 1225 Chêne-Bourg. Ouvert du mercredi au vendredi , de 13:00 à 17:30 et sur RV.

A LIRE : Apologie du dragster. L’espace-temps intense, de Paul Ardenne, avec les photos d’Ali Kazma, éditions Le Bord de L’eau, 2019.

POUR EN SAVOIR PLUS : «Moto et libido : rêves d’acier»

octobre 15, 2020

14:12

Jean Genet cinéaste ?

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Saviez-vous que Jean Genet avait réalisé un film ? Un seul et unique film. Cet OVNI érotique est diffusé demain au festival du film underground de Lausanne (LUFF). C’est une histoire de l’oeil, intitulée «Un chant d’amour».

Imaginez une enfilade de cellules. Dans chacune d’entre elles un homme se masturbe en pensant au détenu d’à côté. Dans chaque cellule, les prisonniers se tordent contre les murs qu’ils embrassent. Leurs désirs sont aveugles, car des murs les séparent. Ils ne savent pas de qui ils sont amoureux. Quand il y a un trou dans un mur, il est si étroit qu’on peut seulement y glisser un brin de paille… pour y souffler de la fumée de cigarette. Deux prisonniers s’échangent la fumée. C’est cela le chant d’amour. Ils ne se voient pas, mais ils s’embrassent par la fumée.

Prison scopique

Dans le film, la seule personne qui voit, en dehors du spectateur, c’est le maton… qui mate. Passant tel un chat, de porte en porte, sans bruit, il soulève l’oeilleton et regarde les prisonniers tout en se touchant. Lui aussi rêve de sexe entre hommes, jaloux de ces corps sculptés et de cette liberté paradoxale dont ils jouissent. Les prisonniers couvrent les murs de sperme et de graffitis obscènes. Certains rêvent de la forêt. D’autres rêvent que la figure tatouée sur leur bras les enlace. Le maton devient fou à ce spectacle. Que va-t-il faire ?

Un film sous haute tension

Durant les 25 minutes que dure ce film onirique, la tension s’accumule dans cet univers de cachots survoltés. C’est le seul et unique film réalisé par Jean Genet, en 1950. Interdit pendant 25 ans, il n’est sorti de la clandestinité que très lentement car Jean Genet lui-même ne voulait pas qu’il soit diffusé. Pour lui, ce film ne reflétait que des fantasmes finalement très mièvres. Une histoire sentimentale ? Peut-être. Il était en tout cas impossible de «voir» Un chant d’amour et cela, certainement, participait de son histoire. Mais à quoi bon faire un film s’il ne peut être vu ?

A quoi bon faire un film invisible ?

L’histoire commence ainsi : en 1950, Jean Genet, âgé de quarante ans, a déjà été condamné treize fois par la justice. Il a écrit pratiquement tous ses livres, la plupart en prison. Le problème, c’est qu’il ne pourra plus aller en prison. En 1946, après sa treizième condamnation, alors qu’il doit écoper de 10 mois, ses amis Jean Cocteau et Jean-Paul Sartre ont demandé un recours en grâce signé par une foule d’artistes et de penseurs (Picasso, Mauriac, Breton, Claudel, Prévert…). En 1949, après une longue procédure, le président de la République (Vincent Auriol) amnistie Jean Genet qui… cesse alors pratiquement d’écrire.

Privé de prison, privé d’inspiration ?

Jean Genet devenu muet décide de faire un film muet. Ce film en noir et blanc rendra hommage à la prison dans laquelle il a passé le plus de temps : la prison de Fresnes, dont les murailles apparaissent au début et à la fin du film. C’est à Fresnes qu’il a écrit Miracle de la rose. C’est à la sortie de Fresnes qu’il a rencontré Jean Cocteau grâce à qui ses écrits ont pu sortir de l’ombre. Jean Genet admire Cocteau. Lui aussi, comme Cocteau, il veut faire du cinéma. Il écrit d’ailleurs ses livres comme des scripts de film, ainsi que le dévoile un ouvrage passionnant de Jane Giles, publié en 1993 aux éditions Macula.

Le cinéma de Genet

Ce livre magistral – intitulé Le cinéma de Genet – dévoile une foule de détails inouïs sur la vie du romancier. Comme Proust, Genet écrivait des textes puis les découpait en bandes qu’il montait avec des bouts d’autres textes, afin que les descriptions documentaires de son autobiographie se mêlent à des fictions. Dans Un chant d’amour, c’est la même construction : prison / rêve / prison / fantasme / prison. Les murs servent de séparation entre des séquences qui se mélangent de façon parfois hypnotique. La prison c’est le réel, mais on ne sait parfois plus dans quel monde les acteurs évoluent.

Nico Papatakis, futur mari d’Anouk Aimée

Il semblerait que Jean Genet ait toujours rêvé de cinéma, au point que ses romans en portent la trace : découpés, montés, remontés comme des bobines. Lorsque, en 1950, Jean Genet se met en tête de faire un film, il a déjà une connaissance précise de cet art. Première étape : trouver de l’argent. Jean Genet s’adresse à un vieux compagnon de misère, rencontré à la fin de la guerre, en 1943. Cet homme s’appelle Nico Papatakis et c’est en hommage à lui que la célèbre chanteuse Nico porte ce nom. Un entretien passionnant avec Nico Papatakis est d’ailleurs reproduit dans le livre, qui relate toute l’affaire.

La rose rouge, tremplin d’artistes comme Juliette Greco

Nico Papatakis : «J’avais à l’époque un endroit qui s’appelait La Rose rouge, un cabaret théâtre, où pendant deux heures tous les soirs il y avait un spectacle. Genet y venait de souvent ; je l’avais connu à la fin de la guerre et, alors que j’étais patron cette boîte, il est venu me demander si je voulais bien financer pour lui un film : “Mais vous savez, je veux faire un film dans la tonalité de ce que je fais en général, donc un film érotique.” Je lui ai donné mon accord. Il me dit : “Réfléchissez bien, parce que cela comporte des tas de risques”, et à l’époque c’était très dur, parce que cela tombait sous le coup de la loi. Tout ce qui s’apparentait au film pornographique (ce n’en n’est pas un, mais cela pouvait être assimilé à ce genre de films) était très dangereux, on était passible de prison.»

Des acteurs qui ne savent pas jouer

Malgré les risques, Nico Papatakis accepte. Il finance le film. Le décor de prison est monté dans les locaux de La rose rouge. Un célèbre opérateur cinéma, Jacques Natteau, est chargé de filmer. Les acteurs sont recrutés. C’est Jean Genet qui les choisit, parmi ses amants et ses (mauvaises) connaissances du «milieu interlope de Pigalle». l’acteur tatoué s’appelle Lucien Sénemaud. Genet vit en couple avec lui. Le fumeur de cigarettes est un proxénète tunisien qui exerce aussi le métier de coiffeur (il sait bien manier le rasoir). Il y a aussi un danseur martiniquais appelé Coco. Les autres sont des «jeunes frappes» ainsi que le résume Nico, qui refuse d’en dire trop long.

Un générique de film sans noms

Leur nom n’apparaît pas au générique pour les protéger. D’ailleurs personne n’est crédité dans ce film, à part Jean Genet puisqu’il est déjà «hors la loi», c’est-à-dire intouchable. Une légende persistante veut que Jean Cocteau ait participé au film, mais Nico Papatakis le nie. Au bout d’environ deux mois (les retards s’accumulent car les acteurs sont rarement disponibles quand on a besoin d’eux), le film est en boîte. Il fait plus de 40 minutes. Jean Genet le réduit à 25 minutes. Suivant leur accord, Nico Papatakis essaie de le vendre clandestinement à de riches amateurs, pour rentrer dans ses frais.

Passeur de film interdit

«La seule façon de l’exploiter était de trouver des gens riches qui aimaient le travail de Genet pour leur vendre des copies.» Chaque fois qu’il traverse une frontière, avec les bandes cachées sur lui, Nico prie que les douaniers ne le fouillent pas trop. Ca ne rapporte pas vraiment. Il parvient aussi à en vendre à des distributeurs indépendants. Certains d’entre eux organisent des séances privées, parfois interrompues violemment par la police. C’est lors d’un de ces passages à New York que Nico Papatakis présente celle qui deviendra Nico à Andy Warhol. C’est aussi à cette occasion que Nico Papatakis devient le producteur du premier film de Cassavetes (Shadows).

Et quand enfin le sexe est devenu autorisé…

Dans les années 60, l’underground bouge. Mais Jean Genet n’en a cure. Il devient politisé, milite du côté des Black Panthers ou des palestiniens et renie Un chant d’amour qu’il trouve peut-être trop bourgeois (romantique). Lorsque Nico Papatakis obtient que le film reçoive un prix de neuf millions de francs, en 1974, Jean Genet refuse avec mépris et met son producteur dans une situation délicate : Nico Papatakis doit rembourser de l’argent. Il était pourtant prévu dans leurs accords que le film serait exploité commercialement… du moins autant que son statut d’oeuvre illégale le permettrait. En 1974, quand le film sort enfin de l’illégalité, parce que les lois condamnant le sexe changent et que, peu à peu, l’homosexualité n’est plus proscrite, Genet l’enterre. Il faut attendre la mort de l’écrivain, en 1986, pour qu’Un chant d’amour devienne visible. Enfin, visible. Mais à travers quelle sorte d’oeilleton ?

Nous qui matons ce film, dans quelle prison sommes-nous ?

A VOIR : Un chant d’amour, de Jean Genet, produit par Nico Papatakis, 1950.

Diffusion le 16 octobre, au Lausanne Underground Film & Music Festival (LUFF), du 14 au 18 octobre 2020.

Un chant d’amour sera diffusé dans le cadre d’une séance intitulée films-rêves. Cette séance est organisée par Maxime Lachaud, auteur, réalisateur et journaliste français qui viendra par ailleurs présenter au LUFF Texas trip - A Carnival of Ghosts, son dernier long métrage co-réalisé avec Steve Balestreri (un aperçu de la scène artistique contemporaine du Texas à travers ses drives-in abandonnés et artistes underground).

A LIRE : Le Cinéma de Jean Genet. Un chant d’amour, de Jane Giles (avec des entretiens et des textes inédits signés par Philippe-Alain Michaud, Albert Dichy, Serge Daney, Edmund White, Jean Genet, Nico Papatakis, Frédéric Charpentier), éditions Macula, Coll. Cinéma, 1993.

octobre 12, 2020

8:05

Danse avec le diable

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Faire vivre dans son corps les âmes des animaux et des plantes. Danser nu-e, pieds nus. Danser avec le vent. Danser avec le bruit du vent. Danser même si on ne sait pas danser. Toutes ces leçons, on les doit à Laban, père de la danse moderne, qui inventa l’écriture du mouvement.

Entre 1913 et 1919, Rudolf Laban (1879-1958) crée à Monte Verità une «école de l’art de vivre» (shule für lebenskunst) qui consiste, pour les élèves, à danser du soir au matin, jusqu’à l’épuisement. La colonie végétarienne de Monte Verità accueille depuis déjà 13 ans toutes sortes de visiteurs étranges : ils s’exposent nus au soleil, pratiquent l’amour libre et rêvent de matriarcat. Mais lorsque Laban inaugure son école, attirant des dizaines d’élèves qui se déchaînent dans les clairières, les gens du pays parlent de Balabiott, les «danseurs nus», autrement dit des «possédés». Laban est-il le diable ?

Des folles qui dansent nues

La danse contemporaine n’existerait pas sans Laban. Pour l’historien Kaj Noschis, «Certes, Isadora Duncan, depuis 1900, marque les esprits par ses mouvements faunesques […] ; certes Nijinski, dans les chorégraphies de Diaghilev avec son ballet russe de 1909 à Paris, ouvre des horizons inconnus, tandis que Martha Graham innove aux Etats-Unis. Mais le véritable travail de théorisation de la danse comme “langage du corps” et sa diffusion par un enseignement passionné constituent l’apport de Laban et de ses élèves.» Lorsqu’il créé son école à Monte Verità, en Suisse –alors que les théories de Freud commencent à se diffuser–, Laban exploite l’idée, stupéfiante pour l’époque (1), qu’il faut danser non pas sur de la musique, mais sur les niveaux profonds de la conscience.

«S’abandonner à l’envie»

A Monte Verità, dont il devient l’animateur, Laban réveille ses élèves en sonnant le gong. Exercice d’échauffement. Alors que le soleil s’élève dans le ciel, les danseurs (surtout des femmes) doivent improviser, vêtus de tuniques légères (parfois rien), pieds nus dans l’herbe pour réveiller leurs énergies. L’entrainement se poursuit avec des exercices de balancements puis de mouvements choraux au fil desquels, prenant confiance, les femmes guidées par Laban se libèrent des injonctions : il ne s’agit pas, ici, de «faire joli», ni de plaire. Il s’agit de «s’abandonner à l’envie […], d’absorber les pouvoirs qui d’habitude osent à peine faire surface sous notre couverture civilisée», ainsi que le formule Marie Wigman, une des principales amantes et élèves de Laban.

Le goût des parades militaires, du sang et du vertige

Laban est un séducteur, tendance polygame. De son père, général. il a gardé le goût des ports altiers, postures redressées. De sa jeunesse, il a gardé aussi le goût de la chasse et des traques à l’aube. Adolescent, dans la province musulmane de Bosnie, il s’est initié à la danse soufie. Il aime la transe mystique. En 1900, il épouse sa première femme et suit des études d’art à Paris. En 1901, il voit un spectacle d’Isadora Duncan qui l’enchante. En 1905, son épouse meurt. En 1910, il fonde une école de danse à Munich, épouse une chanteuse viennoise (Maja) à qui il fait 5 enfants et qu’il emporte dans son tourbillon : Maja le partage avec d’autres femmes, car Laban ne saurait être l’homme d’une seule. En 1911, il devient célèbre avec une «Nuit de Sabbath» pour le carnaval de Schwabing qui regroupe 800 danseurs déguisés en démons.

La danse comme fusion, élan, union

En 1912, il découvre l’école où le genevois Jacques Delcroze enseigne l’eurythmie, un art corporel censé reconnecter l’homme aux rythmes naturels. Tout novateur qu’il soit, Delcroze fait sagement danser sur de la musique. Laban, plus radical, invente la danse libre, à laquelle il convertit Suzanne Perrottet (ex-enseignante chez Delcroze), avec qui il fait ménage à trois, puis Marie Wigman (jeune diplômée de l’eurythmie), avec qui il fait ménage à quatre. Ses danses à lui sont sexuelles. Muse, maître, amant et mentor, Laban fait s’enflammer les femmes et leur inspire l’envie de vivre, de créer. Wigman invente en 1913 sa fameuse danse de la sorcière, Hexentanz. Lorsque la guerre éclate, Laban s’installe avec ses trois femmes à Zurich, en Suisse (pays neutre) où ils enseignent «le mouvement».

Les nuits fauves : danser non-stop

En 1916, il s’éprend d’une quatrième femme, Dussia Bereska. En août 1917 –alors que le carnage de la guerre atteint les sommets de l’horreur–, tous ensemble, il créent à Monte Verità un spectacle qui commence à 18h (Danse du soleil couchant), se poursuit à 23h (Démons de la nuit, devant la grotte de Gusto Gräser) et s’achève à 6h du matin (Danse du soleil levant), dans une atmosphère survoltée d’orgie rituelle et de joie fiévreuse. Cette nuit sera la plus intense de leur vie. Dans les années 1920 et 30, Laban s’emploie à développer des «danses choriques» aux dimensions grandioses, ce qui, inévitablement, fait de lui l’interlocuteur tout désigné des nazis lorsqu’ils arrivent au pouvoir. Le voilà directeur du Département Danse sous la direction du Ministère de la Propagande sous Goebbels. Laban va-t-il enfin pouvoir réaliser son rêve?

Chorégraphie pour 1000 danseurs

En 1936, avec Marie Wigman, il est responsable de la danse en avant-première des Jeux Olympiques de Berlin : une chorégraphie pour 1000 danseurs, devant 20 000 spectateurs, inspirée des textes de Nietzsche ! Scandale. Pourquoi ? L’archiviste Hermann Müller explique : Laban privilégiait la danse circulaire revenant sur elle-même, en contradiction avec «l’avancée linéaire des marcheurs fascistes.” Le spectacle est donc jugé «dégénéré». Goebbels l’interdit et «déchaine contre Laban une campagne de diffamation où le danseur est traité de juif et d’homosexuel. Il doit tout quitter. Frappé d’arrêts domiciliaires, il réussit à s’enfuir en France et de là passe à Londres» (Kaj Noschis). Qu’à cela ne tienne. Laban réussit ce coup de génie de convaincre les forces alliées (2). Il compose des chorégraphies pour usines d’armement, c’est-à-dire qu’il optimise les mouvements des ouvriers, afin d’accélérer les cadences de production tout en minimisant la fatigue et l’usure physique.

Son enthousiasme est contagieux

Son énergie est infatigable. Après-guerre, il étend ses principes à la formation des managers, fait rentrer ses exercices de danse dans le programme scolaire, collabore à des spectacles et peaufine avec passion un système de notation du mouvement sur lequel il travaille depuis plus de 30 ans : il s’agit de créer, dans le domaine postural, l’équivalent des partitions musicales. A Monte Verità, Laban avait déjà mis au point l’icosahedron, une cage permettant de crypter tous les gestes humains.

Par la suite, Laban enseigne une grammaire de la danse en utilisant l’icosahedron comme moyen technique d’indiquer les mouvements. Sa tentative est révolutionnaire : il est le premier à tenter la création d’une écriture des mouvements. Son système (Labanotation) est encore utilisé par les chorégraphes.

A LIRE : La Maîtrise du mouvement (1950), de Rudolf Laban, Actes Sud, coll. Art de la danse, 1994.

A LIRE : «Monte Verità», de Valérie Da Costa, in : Le Bonheur, Dictionnaire historique et critique, sous la direction de Michèle Gally, CNRS éditions, 2019.

A LIRE : Monte Verità (Ascona et le génie du lieu), de Kaj Noschis, Presses polytechniques et universitaires romandes, 2011.

A VOIR : Monte Verità, La Montagne de la vérité, film documentaire de Henry Colomer, AMIP - Audiovisuel Multimedia International Production, La Sept ARTE. France | 1997 | 52 minutes.

EXTRAIT VIDEO SUR LABAN

NOTES

(1) Cette idée n’est pas de lui, ainsi que le dévoile Hermann Müller, archiviste de Monte Verità : «Elle a été développée par Gusto Gräser, qui avait été l’élève de Raymond et Isadora Duncan à Paris en 1900, mais qui s’est distancé de leur style de danse archaïque. Sa danse sans musique est également née de la nécessité - parce qu’il ne pouvait pas payer les musiciens.” L’expression Balabiott (danseur-euse nu-e) est d’ailleurs une invention de Gusto Gräser – qui créé un festival de danse sous ce nom – et aurait ensuite été appliquée par les villageois d’Ascona à tous les Monte Veritains, sans distinction.

(2) C’est Henry Colomer qui en parle dans son magistral documentaire sur Monte Verita, La Montagne de la vérité (1997).

Je remercie Hermann Müller et Reinhard Christeller, créateurs du site de référence http://www.gusto-graeser.info/body_indexFR.html

octobre 07, 2020

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Otto Gross, baiseur en série ?

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Médecin toxicomane converti à la psychanalyse, végétarien bisexuel, séducteur impénitent, peut-être même euthanasieur… Durant sa courte vie, Otto Gross multiplie les mauvais coups (ou plutôt les bons). Il est adepte de l’amour libre. Où qu’il aille, la police le suit.

Pour certains, Otto Gross n’est qu’un suborneur de femmes, un pervers sexuel qui abuse sans vergogne de son pouvoir de fascination. Pour d’autres, c’est un génie qui inspire et illumine les personnes dont il fait la connaissance. Les femmes avec lesquelles il a des relations semblent toutes sortir très marquées par leur rencontre avec ce Don Juan. Otto Gross les choisit révoltées, atypiques. Parfois aussi –pour leur malheur– il les choisit suicidaires. Certaines d’entre elles deviendront des figures marquantes du féminisme. On ne sort pas indemne d’une rencontre avec Otto Gross.

Le fils maudit du flic n°1 d’Autriche

Otto Gross est né en 1877 en Styrie, une province de l’Autriche, dans un milieu bourgeois aisé. Bien qu’il soit bon élève, il supporte mal la discipline. Le problème, c’est que son père –le célèbre Hans Gross (ci-dessous)– est appelé à devenir l’inventeur de la criminologie autrichienne et le créateur d’un projet de coordination internationale de police qui mutera plus tard en INTERPOL. Son père s’est donné pour mission dans la vie de poursuivre les «dégénérés».

Autrement dit : son père est l’incarnation même de cet ordre qu’Otto Gross exècre. Dès qu’il a la vingtaine, étudiant en médecine, Otto fréquente les milieux contestataires de Munich. Son diplôme en poche, il s’embarque comme médecin naval en Amérique du sud où il se livre à des recherches très «expérimentales» sur la flore locale : le voilà morphinomane, puis cocaïnomane.

Quand deux moutons noirs se rencontrent…

De retour en Allemagne, il découvre les travaux de Freud. En 1901-02, il devient psychiatre et publie un livre sur La fonction secondaire du cerveau (celle qui fait les visionnaires). Il suit un premier traitement contre son addiction. En 1903, il épouse Frieda Schloffer, une jeune femme aux idées révolutionnaires issue d’une bonne famille (de médecins) qui s’oppose à ce mariage. Frieda devient ce qu’on appelle une «femme perdue».

«Le mariage d’Otto Gross et de Frieda Schloffer, deux moutons noirs de la société de Graz, est conclu contre l’avis des familles respectives et le couple se trouve immédiatement ostracisé, raconte l’historien Kaj Noschis. C’est pour sortir de l’isolement et vivre selon leurs convictions qu’il quitte Graz, en 1905, d’abord pour Munich et ensuite pour Ascona.»

La bohême insurgée d’Ascona

Lorsqu’il débarque à Ascona (Suisse), en 1906, Otto Gross découvre une sorte de paradis : un petit village de pêcheurs sur les bords d’un grand lac bordé de vignes, surmonté par une colline mythique, Monte Verità, où vivent en colonie les acteurs les plus extrêmes de la contre-culture du XXe siècle. Anarchistes, végétariens, nudistes, opposants radicaux à la société bourgeoise, d’innombrables penseurs et artistes s’y retrouvent pour tester d’autres formes de vie en groupe. Rapidement, Otto Gross y crée un cercle. Il cherche à promouvoir certaines de ses idées, notamment sur la liberté sexuelle : l’amour libre, dit-il, est le meilleur moyen d’en finir avec l’aliénation.

Otto Gross impliqué dans une mort mystérieuse

«Gross a le don de flairer immédiatement chez un interlocuteur une recherche de sens. […] De commerce agréable, le visage ouvert et les yeux candides, il écoute, mais il impose très vite le respect.» Dans le cercle qu’il créé à Ascona, Otto Gross attire les femmes et leur parle avec conviction de ses idées concernant le “matriarcat” (qu’il appelle de ses voeux) et du culte d’Astarté (grande déesse de l’amour des Babyloniens) qu’il invoque au cours d’orgies débridées. Il a de nombreuses amantes, toutes séduites par son discours sur «le plaisir pris sans idée de pêché ni de honte». De beaux discours certainement mais qui, dans le contexte de cette époque, sont difficiles à assumer. Parmi les amantes de Gross, deux d’entre elles se suicident à la morphine et à la cocaïne.

Suicide ou empoisonnement ?

En 1906, la mort de Pauline Charlotte Hattemer, surnommée Babette, survient dans des circonstances qui restent mal éclaircies. Cette beauté fait partie des cinq fondateurs de Monte Verità. Elle vient de Berlin, d’une famille bourgeoise et rêve d’émancipation mais… Tout en professant des idées communistes, elle dépend financièrement de sa famille, ce qui la met en contradiction avec ses idéaux. Pire encore : sa jeunesse, sa beauté, ses couronnes de fleur, en font la cible privilégiée des hommes en quête d’aventure qui viennent à Monte Verità pour des cures de «santé». Sainte, exaltée ou folle : les avis divergent. Certains hommes abusent de sa vulnérabilité. Elle veut en finir. Otto Gross la persuade que chaque être doit être libre de disposer de lui-même. Prenant le contre-pied de la règle qui, en médecine occidentale, fait de «la lutte contre la mort la priorité absolue», Otto Gross offre à Lotte du poison pour qu’elle puisse réaliser son suicide. Elle met près d’une journée entière à mourir, dans des souffrances atroces.

La révolution commence dans le lit

A la même époque, vers 1905, Otto et Frieda conviennent d’un pacte d’«union libre». Frieda se réserve le droit d’avoir des amants, autant que son mari. Ils ont un enfant nommé Peter. Ci-dessous, Frieda et Peter n°1.

En parallèle, Otto Gross entame une relation avec Else Jaffé (la femme du sociologue Edgar Jaffé), qui –après avoir fait sa thèse sous la direction de Max Weber– devient la première femme docteur en sociologie d’Autriche. Else Jaffé est une amie proche de Frieda. Les deux femmes sont si proches qu’elles tombent enceintes presque en même temps et qu’elles nomment chacune leur enfant du même nom : Peter. En 1907, Otto Gross est donc deux fois père. Ses deux fils se nomment Peter. Ci-dessous, Else et Peter n°2.

Libertaire ou irresponsable ?

Quand il parle de liberté sexuelle, Otto Gross a le don de convaincre ses partenaires mais quand elles tombent enceintes, le voilà aux abonnés absents. «Il est opposé à la notion de famille comme noyau formateur. Il laisse dès lors les mères faire face, seules, aux soucis éducatifs et financiers. Il ne ressent aucune responsabilité tant que père. L’important, selon lui, c’est que les jeunes échappent à l’emprise du couple parental. Tel est le principe qui lui permet, face à sa progéniture, de “s’en laver les mains”», explique brièvement Kaj Noschis. Cette attitude démissionnaire ne l’empêche pas d’avoir du succès.

Thérapie par l’orgie

En 1907, il prend pour amante la soeur cadette d’Else Jaffé : Frieda von Richthofen, future épouse du romancier D.H. Lawrence (1). Cette liaison aurait inspiré L’amant de Lady Chatterley. Ci-dessous, les deux soeurs qui furent ses amantes.

En 1908, il a un autre enfant (Camilla) d’une autre femme (l’écrivain Regina Ullman). Son attitude pourrait paraître irresponsable, mais il faut reconnaitre qu’Otto Gross a, malgré ses défauts, de l’honnêteté intellectuelle. A la différence de ses contemporains (Freud, Jung, Weber, etc), qui trompent leur épouse, lui se veut transparent : il ne cache pas ses liaisons. Il ne commet pas d’adultère, au contraire : il encourage ses partenaires à prendre elles aussi des amants. Il les pousse même, probablement, à s’adonner aux expériences de sexe à plusieurs.

Sophie, l’amie de coeur

En 1909, Otto Gross est recherché par la police car «une personne arrêtée à Munich a déclaré lors d’un interrogatoire qu’à Ascona qu’une anarchiste du nom de Lotte avait été tuée par un produit toxique car elle était au courant d’un plan anarchique». Le voilà soupçonné de meurtre et de complicité avec des terroristes. En mars 1911, un nouveau suicide lui vaut des ennuis : une de ses amantes, Sophie Benz, meurt d’une overdose de cocaïne à Ascona. La presse rapporte que le poison a été acheté à l’aide d’une ordonnance signée de la main d’Otto Gross. Lui affirme qu’il s’agit d’un accident : le poison aurait été rangé malencontreusement dans la pharmacie de la salle de bain et les pastilles ingérées par erreur. Franz Jung (1888-1963), ami d’Otto, publiera en 1915 un roman sur ce drame, intitulé Sophie Der Kreuzweg der Demut (Sophie Le chemin de la croix de l’humilité).

La police aux trousses

La presse en parle : «Mort mystérieuse». Des mandats d’arrêt sont lancés contre lui. Son père intervient abord en sa faveur, mais en 1913, c’est Hans Gross lui-même qui cherche à faire interner son fils. Interdit de séjour en Suisse, déclaré «homme dangereux » en Autriche, Otto Gross est en cavale. Le 11 novembre 1913, il est interné de force dans le sanatorium privé de Tulln, officiellement pour protéger sa famille et, le 25 janvier 1914, son père le fait transférer à Troppau en Silésie pour une cure de désintoxication. Au cours du procès qui lui est intenté (comme au représentant des pires «dégénérés»), Otto Gross répond que oui, les dégénérés existent, oui, ils sont condamnables.Les dégénérés sont les bourgeois qui polluent le monde et vivent dans des carcans. C’est un immense tollé dans les milieux anars. Grâce à de multiples protestations publiques, relayées par la presse, Franz Jung réussit à faire libérer Otto Gross.

«Tous nos pères sont bornés»

Cendrars participe aux «pétitions» (ci-dessous, voici son texte, publié dans une revue allemande intitulée Revolution) aux côtés de nombreux artistes expressionnistes et de poètes constestaires.

Cendrars pousse même Apollinaire à écrire lui-même un article qui sera publié vers 1914. Bien que sa réputation soit terriblement ternie par les deux affaires de suicide, Otto Gross obtient donc le soutien d’innombrables intellectuels à travers toute l’Europe. Les attaques sont principalement ciblées contre Hans Gross, désigné comme l’incarnation du pouvoir patriarcal.

Agonie, à l’abandon, dans une ruelle

Curieusement, à la mort de son père en 1915, Otto Gross ne va pas mieux. On aurait pu croire qu’il se sentirait enfin libre, mais non. Il sombre dans la drogue et la pauvreté. Il meurt de froid et de faim à 43 ans (en 1920), après avoir été ramassé à un coin de rue dans Berlin et amené trop tard dans un hôpital. Cela faisait deux jours qu’il gisait dans la neige, dans une allée, où personne ne se souciait de son agonie.

A LIRE : Monte Verità : Ascona et le génie du lieu, de Kaj Noschis, EPFL press, 2017.

Je remercie le Musée de Monte Verità. Ainsi que Hermann Müller et Reinhard Christeller, créateurs du site de référence http://www.gusto-graeser.info/body_indexFR.html

Fondation Monte Verità : rue Collina 84 - 6612 Ascona. Tel : +41 91 785 40 40.

octobre 05, 2020

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8:18

L’industrie des petites copines en ligne

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L’industrie des petites copines en ligne

Parmi les divertissements, au Japon, il y a les amoureuses virtuelles. Ces jolies filles, disponibles sur Internet, discutent en ligne et jouent avec les hommes qui, en échange les «sponsorisent». Mais comment vivre l’amour avec elles ?

Mirai Akari (la lumière du futur) est une blonde voluptueuse aux couettes retenues par un ruban en forme de papillon bleu. C’est aussi une des VTubeuses les plus populaires du Japon, avec 720 000 abonnés. Lorsqu’elle apparaît sur Internet le 27 octobre 2017, Akari prétend être une voyageuse du temps amnésique, venue «créer des liens» avec les humains du XXI siècle. Pour créer des liens, elle fait des vidéos d’hypnotisme érotique appelées ASMR. Ces vidéos sont des simulations de petits gestes intimes, reproduisant ceux d’une épouse attentionnée : Mirai Akari vous fait un shampoing, vous appelle sur votre mobile, vous chuchote un aveu… Sur sa chaîne Youtube, Mirai Akari s’amuse souvent lors des sessions d’échange en direct (live streamings), à mimer la petite copine qui demande un baiser puis rougit en disant «J’ai honte» (Hazukashii). Pour l’encourager, ses fans lui font des dons pendant les sessions.

Le salaire de l’amour

Lorsqu’elles travaillent en indépendantes, les VTubeuses n’ont guère d’autre moyens de survivre : leurs fans doivent les «sponsoriser». « Elles ont deux types de revenus, explique Deat (le premier VTuber français). L’abonnement et les donations, dont le montant varie suivant leur popularité. » Plus une VTubeuse est aimée, plus elle a de membres inscrits : chaque membre paye 5,95 euros/mois pour avoir le privilège d’en savoir plus sur son idole. Les fans inscrits ont en effet accès aux informations personnelles sur la VTubeuse, mais surtout l’exclusivité des Live Streamings qui leur permettent, presque chaque jour, de discuter avec elle. Pendant ces sessions, la VTubeuse répond aux questions qu’ils lui envoient, par écrit, sur la boîte de dialogue. Parfois, elle joue à des jeux vidéos qu’elle commente en direct. Parfois, elle fait du karaoke. Parfois de l’ASMR.

Payer une animatrice de Live Streaming : combien ?

Parfois elle fait rire ses auditeurs en se donnant des défis : interpréter des héros de dessins animés, imiter des cris d’animaux ou appeler des gens au hasard, en utilisant des applications (KoeTomo ou Saitô-san) qui permettent de téléphoner à des inconnu-es tout en gardant son anonymat. Dans une de ses vidéos les plus célèbres, Mirai Akari se met d’abord en tête de faire dire le mot «sein» à ses interlocuteurs. Elle est connue pour ses blagues grivoises, qui tranchent avec son style «féminin». Son identité réelle relevant du secret, il n’est d’ailleurs pas certain qu’Akari soit une femme. Le fait qu’elle soit peut-être un homme ne semble cependant pas gêner ses adorateurs. Lors des sessions de dialogue en direct, pour lui prouver leur attachement, ils envoient des dons qui dépassent parfois 30 000 yens (300 euros).

Le poids des mots, le choc des cadeaux

«Quand un fan envoie un don (ce qu’on appelle un SuperChat), il l’accompagne généralement d’un message. Le message apparaît dans un bloc de couleur qui attire l’attention. Plus le don est élevé, plus la couleur devient intense. » Un don de 200 yens (2 euros) : couleur verte. 1000 yens (10 euros) : orange. 5000 yens : rouge. Ainsi que Deat le souligne, non seulement la couleur se réchauffe –de plus en en plus ardente–, mais le temps durant lequel le message apparaît se rallonge. « Plus le don est élevé, plus il reste longtemps visible, ce qui permet à tous de lire le message », résume Deat. Le message peut donc prendre la valeur, littéralement, d’une véritable offrande. « Je vous aime» (suki desu ), écrit un fan. «Je vous offre mon coeur. Disposez-en à votre gré» ( shinzô wo sasagemasu. Go-jiyû ni dôzo), écrit un autre.

«Vous écouter me fait palpiter »

Ces déclarations, bien sûr, ne sont pas dénuées d’une part d’amusement ironique. Certains fans trouvent visiblement plaisir à mimer l’amoureux transi. « Etant malade d’Akari-sensei, je mourrais si je n’entendais pas son ASMR », écrit un auditeur, qui a offert 10 000 yens. La somme peut sembler bien exagérée au regard de ce message moqueur. Mais personne n’est dupe. Les mots sont trompeurs, autant que les apparences ou les voix synthétiques des VTubeuses. L’amour pour la VTubeuse, en revanche, est concret, autant que l’argent dépensé pour elle. Que cet amour soit adressé à un personnage de fiction peut sembler vain, en apparence. Un amour à sens unique ne relève-t-il pas de la folie ? Les fans affirment que non.

Aimer une VTubeuse, c’est dans l’absolu

«Les fans de VTubers sont conscients que leurs idoles sont des personnages animés par des individus et non pas des créatures douées d’une conscience autonome , explique Ludmila Bredikhina, VTubeuse sous le nom de Mila et chercheuse spécialisée en nouvelles technologies. Comme dans le théâtre de marionnette, le public se laisse sciemment “enchanter” ». Avec les VTubeuses, ajoute-t-elle, dissociant le réel de la fiction, les fans font comme s’il existait un autre monde dans lequel aimer serait aimer dans l’absolu. Liudmila Bredikhina compare cet effet volontaire d’illusion, avec celui produit par les jardins zen : « Il n’y a pas d’eau dans les jardins zens, mais les spectateurs sont invités à voir de l’eau symbolique dans la disposition du gravier et des roches .» Il n’y a pas d’amoureuse derrière la VTubeuse mais, sur un plan de réalité supérieure, Mirai Akari existe, avec un vrai coeur.

MIRAI AKARI (ミライアカリ) : Compte Twitter ミライアカリ(Mirai Akari)@MiraiAkari_prj / Chaîne YouTube : Mirai Akari Project / Site officiel de Mirai Akari.

DEAT :Tracking World http://deatrathias.net/TW/ / SeeFace https://www.vseeface.icu/ / Compte Twitter : Deat@Tracking World / Chaîne YouTube : Escapades Virtuelles de Deat

MILA : Compte Twitter : Mila@BredikhinaL / Chaîne YouTube : Mila / Academia : Liudmila Bredikhina

VIDEO 1 : La vidéo d’ASMR que je me suis permis de mettre en ligne ici s’intitule 着信履歴あなたの彼女ミライアカリより (Un appel personnel de ta petite copine Mirai Akari) et a été diffusé le 21 octobre 2019.

VIDEO 2 : cette vidéo s’intitule 初！ASMR生放送やっちゃいます！(Première fois ! Faisons du Live ASMR) et a été diffusée en direct le 14 juin 2019.

VIDEO 3 : cette vidéo s’intitule 初体験！あなたと繋がりたい！！【MiraiAkariProject#006】(Première expérience ! Je crée un lien avec toi - Mirai Akari Projet 006) a été diffusée le 11 novembre 2017.

POUR EN SAVOIR PLUS : le colloque international “Desired Identities. New Technology-based Metamorphosis in Japan”, en accès libre sur la Chaine YouTube du musée du quai Branly-Jacques Chirac, aborde le phénomène “kyara-ka” (transformation en personnage fictif) ainsi que les stratégies et pratiques numériques liées à la présentation de soi : avatar, vocaloid, e-cosplay, VTubing... Organisé en collaboration avec le département de la recherche du musée du Quai Branly, ce colloque se déroulait en LiveStreaming les samedi 27 et dimanche 28 juin 2020.

POUR EN SAVOIR PLUS : Port du masque : danger, perte d’identité ? ; Faire «l’expérience d’un allaitement virtuel» ? ; Qui se cache derrière cette fille ? ; Japon : le boom des travestis virtuels ; L’industrie des petites copines en ligne.

septembre 30, 2020

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8:14

Vivre d'amour et d'eau fraiche ?

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Parmi les pères fondateurs de Monte Verità, le plus célèbre est un prophète-vagabond qui vivait en couple libre avec une femme d’une grande beauté, entourée de huit enfants demi-nus. L'inspirateur du roman “Demian”, de Hermann Hesse : ce serait lui.

Grand, blond, athlétique, avec sa barbe de druide et ses longs cheveux, Gustav Gräser (1879-1958) faisait l’attraction. Quand il traversait les villages, des gens s’agenouillaient, le prenant pour le Christ. D’autres l’insultaient : un sans-domicile fixe. Il souriait à tous, du même bon sourire. Gustav Gräser était pacifiste et rêvait d’un monde libéré de l’emprise de l’argent, donc du mal. «Né à Kronstadt (renommée Stalin en 1950, puis Brasov en 1960), c’est-à-dire dans l’une des sept […] villes fortifiées de Transylvanie construites au XIIIe siècle par les chevaliers teutoniques, Gustav Arthur Gräser avait certes un physique de chevalier teutonique, mais strictement rien de martial ni de militariste dans le fond de son âme. Bien au contraire. Son opposition à toute forme de violence, qu’il professa tout au long de sa longue vie, parfois au prix de graves embrouilles avec les autorités – dont au moins deux séjours en prison et même une condamnation à mort, en 1915, infléchie de justesse par l’arrivée de sa femme accompagnée d’une de ses filles âgée cinq ans– lui valurent l’épithète de “Gandhi occidental”».

La colonie libertaire

Pour le chercheur Wolfgang Wackernagel –qui fait de lui un magnifique portrait–, Gräser était un mystique. De fait, il ne semblait vivre qu’en quête de paix. Il fait partie des fondateurs de Monte Verità. En 1900, accompagné de son frère Karl, il vise le retour à l’état de nature, ohne zwang (sans contrainte), c’est-à-dire sans richesses ni possessions, sans contrat ni jalousie. Lorsqu’Henri Oedenkoven achète le terrain sur lequel les pionniers inaugurent leur projet de vie nouvelle (1), les frères Gräser veulent éviter tout contact avec l’argent. Ils rêvent de troc et s’en tiennent à l’idéal d’une «commune d’amour». Mais Henri qui fait bâtir les bungalows doit payer les charpentiers. Il faut aussi régler la note d’eau courante et d’électricité… En 1901, le schisme devient inévitable : lorsque Henri et sa compagne, Ida, font de Monte Verità un sanatorium, les deux frères vont vivre ailleurs. Karl acquiert un lopin non loin de là et y construit sa cabane en planches, ses meubles à l’aide de branches. Il vit dans cet abri en union libre avec Jenny Hoffmann (la soeur d’Ida) qui tombe enceinte à plusieurs reprises mais reste sans enfants, après une plusieurs morts-nés. Est-ce en raison des conditions trop dures que Jenny doit partager avec son compagnon ?

Vivre de poésie et d’eau fraiche

C’est tout le paradoxe de cet idéalisme : au début du XXe siècle, les révolutionnaires se préoccupent peu d’égalité entre les sexes. Au nom d’une «liberté» qui se résume souvent au refus d’épouser leur compagne ou d’assumer leur paternité, ils imposent à leurs partenaires le statut réprouvé de filles-mères, une vie de misère et un partage des tâches inégalitaire : c’est à elles d’élever les enfants. Karl laisse sa compagne, Jenny, s’occuper des travaux domestiques. Le couple se nourrit de fruits crus et se chauffe à la bougie (parfois Jenny se réfugie chez sa soeur Ida pour profiter de la chaleur du poële).

Une vie d’anachorète

Alors que Karl s’installe en couple, Gustav continue ses pérégrinations : il retourne tout d’abord à Kronstadt, mais c’est une mauvaise idée car le voilà enrôlé. Il refuse de faire son service militaire et finit en prison. «Après cinq mois de geôle, où il écrit des vers» –ainsi que le résume l’historien Kaj Noschis dans un ouvrage passionnant sur Monte Verità– il retourne à Ascona et se voit offrir un lopin auquel il renonce : «Il n’en veut pas. Ne rien posséder et pas travailler non plus, juste vivre tranquille». On le voit parfois travailler chez son frère (il participe à la construction et l’entretien de la maison), parfois dans des cabanes qu’il occupe sans demander la permission, ou dans une caverne, dormant à même le sol près d’un feu de bois.

«A ceux qui demandaient son nom, Gustav Gräser répondait … “Gusto -car j’ai goût à la vie”, et il leur offrait un brin d’herbe en guise de carte de visite, son nom de famille venant de Gras, l’“herbe” en allemand.» Kaj Noschis raconte que Gräser vit de chapardage et de charité. Il offre à qui veut des petites danses ou des poèmes. Il déclame aussi des paroles de sagesse, mais avec une simplicité si désarmante que la plupart de ses interlocuteurs en sont médusés.

Ainsi que l’explique Hermann Müller, son archiviste, le créateur d’un site en son nom , «Gräser est un poète et penseur mystique, fortement influencé par Lao Tseu, dont il traduit le Tao Te King en allemand. Son mode de vie correspond à celui des premiers apôtres chrétiens, des saints errants indiens et des maîtres de sagesse chinois.”

Elisabeth, la veuve solaire

En 1908, il rencontre Elisabeth Dörr (1876-1953), une mère de cinq enfants qui se retrouve à la rue. Elle est la veuve d’un médecin, disparu lors d’un accident de montagne. Le corps n’ayant pas été retrouvé, elle ne peut pas hériter de son mari (selon la législation de l’époque). Elle se lie à Gusto qui lui fait trois enfants. «La famille recomposée (dix personnes au total) vit de dons mais souffre de privations continuelles, erre sur les routes ou campe dans des logements de fortune.»

Alma Mater

Bien que cette famille vive dans le dénuement le plus complet, elle fait fantasmer les visiteurs de Monte Verità. Elisabeth Dörr, notamment, suscite d’intenses rêveries érotiques. Des photos la montrent en «déesse Gaia», allaitant un bébé en public dans une longue robe blanche. Ses cheveux blonds, dénoués, en font l’icône d’Ascona. Il se raconte toutes sortes de fables à propos de cette Felsenfrau (La Dame du Rocher) : qu’elle a eu chacun de ses enfants d’un homme différent. Hermann Hesse –qui vient vivre pendant six mois à Monte Verità (une cure de désintoxication à l’alcool)– fréquente assidument le couple et tombe amoureux d’Elisabeth dont il s’inspire pour faire Madame Eva dans Demian, un roman initiatique qui aurait été fortement inspiré par les théories de Gusto : «La vraie mission de tout homme est celle-ci : parvenir à soi-même.»

Le «sans contrainte» comme seule règle de vie

A partir de 1911, le couple ne cesse d’être publiquement impliqué : le prédicateur emmène toute la famille sur une caravane tirée par des chevaux, sillonne l’Allemagne et traverse la tourmente de la première guerre mondiale. Gusto prêche contre la patrie, contre le patriarcat. Il parle de la nature et de mère nourricière. Que la mère soit, dans les faits, une femme sans abri, épuisée par les privations et abimée par huit grossesses, ne le fait pas dévier de sa route. Il s’est fixé une mission et rien ne peut l’en détourner : ni femme, ni enfant, En 1919, il se sépare finalement d’Elisabeth. Ou plutôt, elle touche finalement l’héritage de son mari et –emportant avec elle ses six filles et son second fils–, elle peut enfin refaire sa vie. Lui, «cohérent à l’extrême dans son refus» (ainsi que le note très justement Kaj Noschis) continue à donner des conférences dans les principales villes du pays, prêche le pacifisme au péril de sa vie, survit aux bombardements de la seconde guerre mondiale tout en écrivant sur Lao-Tseu, refuse d’être mobilisé, refuse de se battre, refuse de prendre part à la «grande escroquerie», jusqu’à sa mort en 1958.

Je remercie Je remercie Hermann Müller et Reinhard Christeller, créateurs du site de référence http://www.gusto-graeser.info/body_indexFR.html ainsi que le Musée de Monte Verità

Fondation Monte Verità : rue Collina 84 - 6612 Ascona. Tel : +41 91 785 40 40.

A LIRE : Monte Verità : Ascona et le génie du lieu, de Kaj Noschis, EPFL press, 2017.

«Mystique, avant-garde et marginalité dans le sillage du Monte Verità», de Wolfgang Wackernagel, in: Mystique: la passion de l’Un, de l’Antiquité à nos jours. Actes du colloque international de l’Université Libre de Bruxelles, édité par Alain Dierkens et Benoît Beyer de Ryke. Éditions de l’Université de Bruxelles, 2005, p. 175-18.

NOTE 1 : Le projet original de Monte Verità était celui d’une coopérative et le terrain avait été acheté avec les contributions de chacun des membres du groupe… mais c’est Henri Oedenkoven qui verse l’essentiel de la somme et qui finit par racheter les parts des autres contributeurs. Hermann Müller, qui est l’archiviste du leg spirituel et matériel de Gusto Gräser, explique ainsi la chose : »Henri Oedenkoven, en tant que principal contributeur financier, a enregistré sans scrupule la propriété en son nom, abolissant ainsi le principe de coopération. Les frères Gräser, qui s’accrochaient à l’idéal d’une « Phalanstère » modernisée au sens de Fourier, se sont ensuite séparés d’Oedenkoven et d’Ida Hofmann et se sont retirés dans leurs propres propriétés. Lotte Hattemer et Jenny Hofmann les rejoignent. Après un an seulement, une structure en deux parties est créée : d’une part, l’institution de guérison naturelle d’Oedenkoven et Hofmann en tant qu’entreprise privée, d’autre part, le sanctuaire des frères Gräser, qui est ouvert aux persécutés et aux opprimés de tous les pays. Pour une meilleure distinction, leur isolement doit être appelé «Monte Gusto». Monte Gusto devient une destination pour les chercheurs de liberté de toutes sortes : objecteurs de conscience, homosexuels, juifs, mères non mariées, religieux et artistes. Citons par exemple les écrivains Erich Mühsam, Hermann Hesse, Reinhard Goering, Oskar Maria Graf, Frederik van Eeden, le sculpteur Max Kruse, la créatrice de poupées Käthe Kruse, la pédagogue de la réforme Ellen Key, les danseuses Isadora Duncan et Mary Wigman.«

CET ARTICLE FAIT PARTIE D’UN DOSSIER CONSACRE A MONTE VERITÀ : «Sors de ce trou !» ; «Monte Verita et la libération sexuelle» ; «Vivre d’amour et d’eau fraiche ?» ; «Otto Gross, baiseur en série ?» ; «Danse avec le diable» ; «Sexe, morphine et dadaisme», «Fidus, précurseur du flower power ?», «Une religion transgenre pour devenir heureux ?».

Photo d’Elisabeth Dörr à Ascona, en 1919, avec ses 6 filles. Peu avant son départ probablement. À gauche de la fontaine : Theodora, Trudchen, Waldtraud, Lottchen, Bernhardine. À droite de la fontaine : la fille Elisabeth et la mère Elisabeth.

septembre 23, 2020

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12:12

Japon : le boom des travestis virtuels

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Au Japon, les VTubers les plus populaires sont des jolies filles style manga dont personne ne connait l’identité. Généralement, il s’agit d’hommes… mais cela n’entame pas leur succès. Au contraire.

En 2016, le phénomène du VTubing prend son essor avec la star du «virtual streaming» : Kizuna Ai, un personnage sexy en 3 dimensions. Son nom peut se traduire «le lien (kizuna) de l’amour (ai)». Kizuna Ai est officiellement présentée comme une intelligence artificielle (AI). « Je ne suis pas humaine», prétend-elle. Evidemment, personne n’est dupe : quelqu’un anime cette marionnette numérique. S’agit-il d’un homme ou d’une femme ? Le 24 avril 2020, le secret de polichinelle est enfin révélé. C’est une actrice, Nozomi Kasuga, qui donnait vie au personnage. Mais à l’échelle de ce qui, entre-temps, est devenu une gigantesque industrie, Nozomi fait figure d’exception. Les femmes sont rares dans le milieu, surtout celui des amateurs. Ainsi que le dévoilent deux VTubeuses japonaises, créatrices d’un groupe de recherche appelé Holographic (dans une conférence diffusée sur le site du musée du quai Branly), « au Japon, la majorité des utilisateurs de technologies VTuber sont des hommes qui empruntent l’apparence de belles jeunes filles ». Certains de ces hommes se définissent d’ailleurs comme ba-bi-niku, un mot qu’on pourrait traduire «incarnation (juniku) en jolie fille (bishôjo) virtuelle (bâcharu)». S’agit-il de travestissement ?

Vtubing = travestissement high-tech ?

Oui, répondent les créatrices de Holographic. Les ba-bi-niku sont des hommes qui utilisent l’avatar pour changer de sexe de façon temporaire. C’est très proche du maquillage, disent-elles : on peut mettre un maquillage, puis l’enlever. On peut «enfiler» un avatar, puis l’ôter. La seule différence, c’est que l’avatar dissimule le corps de la personne qui le «porte» et le rend méconnaissable, comme par un coup de baguette magique. « Si vous aviez la possibilité de choisir une apparence et une existence totalement différentes de la vôtre, lesquelles choisiriez-vous ? » Grâce au VTubing, vous pouvez «devenir ce que vous voulez », affirme Holographic : une machine, un magnifique animal, une femme, un séduisant jeune homme. C’est à vous de l’inventer. Les VTubers, de fait, se font une gloire de créer leur propre avatar qu’ils dessinent sur un écran (en 2D) ou modélisent (en 3D) et qu’ils considèrent comme une extension d’eux-même, la chair de leur chair (1). L’avatar qu’ils ont fantasmé, puis créé de leurs propres mains est, à ce titre, le miroir le plus authentique de leur véritable Moi.

Le corps de rêve est «plus vrai» que le réel

Pour certains VTubers, «le corps avec lequel on naît ne reflète pas vraiment qui on est ». Certains posent la question : entre le corps de chair, attribué au hasard des croisements génétiques, et le corps numérique, fruit d’un choix personnel, lequel est un mensonge ? Lequel est le vrai ? Dans un entretien passionnant –sur le site Grape Japan–, le journaliste Ben K. demande à une des plus célèbres VTubeuse du Japon : s’efforce-t-elle de dissimuler qu’elle est, en «réalité», un homme ? Nem répond : « Je dois faire attention quand je me penche, sinon les internautes voient ma culotte. Plaisanterie à part, non, je ne fais aucun effort. La jolie fille, ce n’est pas quelque chose qu’on interprète, c’est soi-même. » Ben K. interroge ensuite Takurô, artiste de kigurumi (2), créateur de la compagne Hyokkame. Takurô lui aussi se travestit, mais sans l’aide d’un avatar. Pour changer de sexe, il enfile une tenue qui le recouvre intégralement, sans laisser apparaître un centimètre de peau. « Beaucoup de gens créent un costume pour exprimer une part de leur identité », explique Takurô. Il est donc essentiel que ces gens cachent leur «corps d’origine».

Le sexe de naissance relève de la contingence

Dans le milieu du kigurumi, il est mal vu de demander si «la personne à l’intérieur» (naka no hito ) est un homme ou une femme. «C’est un tabou», affirme Takurô, car le secret doit être gardé. S’il n’y avait pas de secret, la «jolie fille» perdrait son charme… C’est en tout cas ainsi que raisonnent une partie des fans. Bien qu’ils ne soient pas dupes, ils préfèrent investir cette zone de flou et de non-dit pour rêver leur idole. Bien qu’elle ait publiquement révélé être un homme, Nem comprend leur goût du mystère : « Personnellement, je pense que le terme ba-bi-niku est dommageable car il précise le genre de la personne à l’intérieur, alors que cela ne devrait avoir aucune importance. » Pour Nem, chaque individu étant à la fois mâle et femelle, cela ne rime à rien de savoir quel est son sexe de naissance. Cette opinion semble partagée au Japon. Pourquoi ne pas se fier uniquement aux apparences ? Si une personne emprunte un corps féminin, n’est-ce pas pour exprimer sa féminité intérieure ?

«Voulez-vous voir le corps physique des des VTubeuses ? »

Le sexe réel ne compte pas : pour les fans, il semble que cette opinion soit très largement partagée. En mars 2020, le propriétaire d’un avatar nommé Namonaki (littéralement «pas de nom non plus») poste sur son compte Twitter le résultat d’un sondage : «Voulez-vous voir le corps physique des VTubeuses ?».

おはようございます。今、VTuberの体出しについて考えてて、一体どこまで許容されうるのか、皆さんのイメージをお聞かせ願えればなと思います。皆さんは、VTuberがリアルの身体を動画に出す場合、どこまでならそのキャラクターのイメージを壊さないでいられる(端的に言えば「許せる」)でしょうか？ — なもなき@エンジニア修行中 (@Nam0naki_) March 25, 2020

Sur les 1248 sondé-es, 31,5% répondent « Non». 24,1% répondent : «Juste les mains et les pieds». 13,1% répondent : « Tout le corps sauf la tête». 31,3% répondent : «Tout le corps, même la tête, c’est OK ». Dans leur grande majorité, les fans de VTubeuses n’ont pas trop peur de se confronter à la réalité, mais préfèrent –autant que possible– laisser le corps biologique dans l’ombre. Ils admettent que la «belle fille» puisse être animée par un homme, et cela certainement lui donne un charme supplémentaire, mais pour que le charme opère il s’agit de laisser la «belle fille» occuper le devant de la scène. C’est son corps à elle qui compte, car il est l’expression d’un désir. C’est elle dont ils tombent amoureux.

Amoureux d’une «belle fille virtuelle», est-ce possible ? La suite prochainement.

A LIRE : «Being Bishōjo: A dialogue between independent Vtuber Virtual Bishōjo Nem & kigurumi artist Takurō», entretien réalisé par Ben K, avec la collaboration de Ludmila Bredikhina, pour la revue Grape Japan, 15 juin 2020.

A LIRE : Défense du secret, d’Anne Dufourmantelle, manuels Payot, 2015

A LIRE : des interviews sur Grape Japan, comme celle de Junji Ito et plus.

A VOIR : Chaine YouTube de Holographic / Comptes Twitter des deux créatrices de Holographic : Juriko じゅりこ : https://twitter.com/@Juliconyan et Yôhen よーへん : https://twitter.com/@361Yohen

A VOIR : Compter Twitter de Hyokkame / Hyokkame official website / Hyokkame sur Instagram

A VOIR : Chaîne YouTube de Nem / Blog de Nem : 人類美少女計画 World Bishōjo Project / Nem est l’auteur d’un roman : 『仮想美少女シンギュラリティ』«Virtual Bishōjo Singularity» / Produits dérivés en vente sur la boutique de Nem

POUR EN SAVOIR PLUS : les conférences du colloque international “Desired Identities. New Technology-based Metamorphosis in Japan”, en accès libre sur la Chaine YouTube du musée du quai Branly-Jacques Chirac. Ce colloque aborde le phénomène “kyara-ka” (transformation en personnage fictif) ainsi que les stratégies et pratiques numériques liées à la présentation de soi : avatar, vocaloid, e-cosplay, VTubing... Organisé par le groupe de recherche européen EMTECH, en collaboration avec le département de la recherche du musée du Quai Branly, ce colloque se déroulait en LiveStreaming les samedi 27 et dimanche 28 juin 2020.

POUR EN SAVOIR PLUS : Port du masque : danger, perte d’identité ? ; Faire «l’expérience d’un allaitement virtuel» ? ; Qui se cache derrière cette fille ? ; L’industrie des petites copines en ligne.

NOTES

(1) J’omets ici sciemment le cas des avatars créés de toutes pièces par des compagnies puis confiés à des acteurs ou à des actrices sous contrat : l’avatar en question reste alors propriété de la compagnie qui peut, à sa guise, renvoyer l’acteur si celui-ci demande une augmentation ou baisse en productivité. Ces avatars-là sont l’équivalent de personnages de super-héros qui sont confiés à des équipes de dessinateurs différentes.

(2) La tenue appelée kigurumi se constitue d’une fausse peau en lycra (zentai), de vêtements féminins et d’un casque reproduisant une tête de personnage inspiré par l’esthétique manga.

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9:25

Monte Verita et la libération sexuelle

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Automne 1900. A l'origine du mouvement hippie, une féministe – Ida Hoffmann – fonde le mythique Monte Verità. Situé au-dessus d'Ascona, en Suisse, cette colonie nudiste et végétarienne attire une foule d'artistes et de penseurs qui élaborent sur place la libération sexuelle.

A l’origine, Monte Verità «Le mont de la vérité» est une haute colline appelée Monescia, située au-dessus d’un village de pêcheurs faméliques, Ascona.

Le village date des Celtes qui ont chargé la région de rituels singuliers liés à la topographie hautement suggestive du lieu : la colline Monescia se dresse, bombée comme un mont de Venus, entre les cuisses galbées de deux long sillons montagneux. Nous sommes sur le corps d’une femme. Le magnétisme très élevé de la colline contribue à lui conférer la valeur d’un lieu sacré. A ce sujet, saviez-vous que la Suisse est le premier pays au monde à avoir créé des cartes magnétiques du territoire ? Parmi les trois lieux présentant des anomalies magnétiques en Suisse, Monte Verità est le plus puissant de tous.

Trois femmes et trois hommes

1900. Trois hommes et trois femmes en quête d’un idéal de vie libre et spirituelle parcourent la région à pied, les pieds chaussés de sandales, vêtus de tenues amples en coton écru, les cheveux flottants. Le groupe compte : les frères Karl et Gusto Gräser, de Transylvanie en Autriche (Karl est un ancien officier, Gusto est peintre, sculpteur et poête), l’enseignante Lotte Hattemer d’Allemagne, le belge Henri Oedenkoven, fils d’industriels fortunés, et sa compagne austro-hongroise, Ida Hoffmann, avec laquelle il vit en couple libre. Ida Hoffmann (1864-1926) est la tête pensante du groupe. Elle a 36 ans, soit 10 ans de plus qu’Henri. Un peu plus tard arrive sa soeur Jenny Hoffmann, chanteuse de concert, qui tombe amoureuse de Karl.

«Ne soyez plus des poupées»

Qui est Ida Hoffmann ? «Professeur de piano en Russie, préceptrice au Monténégro, dame de cour à Vienne», elle parlerait couramment sept langues et se bat pour l’émancipation de la femme : «Ne soyez plus des poupées, devenez de vraies personnes !». Elle encourage Henri Oedenkoven à financer l’acquisition d’un terrain sur lequel il serait possible de fonder un lieu de vie alternatif. Les frères Gräser ont découvert le lieu idéal. Leur choix se porte sur une colline fertile que les pêcheurs surnomment «la motte», encadrée par deux autres collines en forme de mamelles, sur les rives d’un lac aux transparences de cristal.

La Suisse : pays-refuge des anarchistes

Le site, idyllique, est d’autant plus propice à la fondation de ce projet communautaire qu’il se situe dans une région qui attire déjà depuis 20 ans les contestataires et les visionnaires, opposés au capitalisme industriel. En 1869, Bakounine s’est établi dans les environs et attire ses amis pour la mise au point d’une société sans classes. En 1871, Nietzsche fait un séjour à Ascona. En 1885, la baronne russe Antoinette de Saint Léger achète l’île Brissago, en face de Monescia, et la transforme en paradis botanique puis la revend à un banquier qui y organise ses orgies privées. En 1889, un «couvent» théosophique aurait dû être créé sur la colline, visant la création d’une fraternité universelle d’hommes libres.

De la coopérative utopiste…

Les rives du lac servent de refuge à tous les rêves de nouvel Eden. Lorsque les pionniers de Monte Verità jettent leur dévolu sur cette colline, ils y choisissent un vignoble en friche qu’Henri achète pour 140 000 francs, avec un projet étonnant : celui d’une coopérative servant de laboratoire aux expériences de vie nouvelle, où les hommes et les femmes seraient à égalité. Guidés par Ida Hoffmann, ils y mettent au point le principe des bungalows séparés par des arbres, où chacun peut vivre à sa guise. Il y en a une dizaine pour que les personnes partageant les mêmes valeurs puissent élaborer à cet endroit une société alternative, protégée du poison bourgeois et chrétien.

Les activités sont communes pour contribuer au bien général. Il s’agit de construire des «cabanes air-lumière», qui favorisent une vie simple, saine, et de cultiver un jardin collectif, afin d’assurer sa subsistance puis, le reste du temps, profiter de la beauté de la nature : marche, port de vêtements larges (pas de corset, pas de redingote), baignade, danses rythmiques. Le travail et la vie au grand air sont censés calmer la libido. Pour Ida Hoffmann, l’égalité entre hommes et femmes ne peut advenir que si le désir de possession laisse place au désir fusionnel.

Ci-dessous «la maison des russes» bâtie par des communistes.

La «maison de thé»

Une cabane pour les visiteurs de passage

… à l’institut de «guérison par la nature»

En 1901, cependant, Ida Hoffmann et Henri –la tête sur les épaules–, décident de transformer leur villégiature en centre de remise en forme.

Dès 1902 – tout en rédigeant un prospectus pour ce sanatorium avant-gardiste–, Ida Hoffmann publie un livre rempli de conseils pour «l’épanouissement harmonieux de la condition féminine». Elle y fait la promotion de la vaisselle facile à laver et des vêtements qui ne nécessitent pas de repassage. Moins la femme perd de temps dans l’espace domestique, mieux c’est pour l’égalité. En 1905, elle publie un second livre pour la promotion du végétarisme. Sur Monte Verità, la viande est interdite, ainsi que le sel.

Henri et Ida font bâtir la «maison centrale» où les visiteurs peuvent faire salon et manger moyennant une petite somme d’argent. Si les visiteurs participent au jardinage et à l’entretien, ils ne payent que les frais d’électricité. Mais s’ils viennent pour juste se reposer et profiter des infrastructures, ils doivent payer leurs repas et leur chambre.

Le repas est constitué uniquement de gruau, de noix, de pain, de fruits, de légumes (pommes de terre, pois) et (après une longue résistance) de laitage. Il est interdit de fumer à Monte Verità. Il est interdit de boire de l’alcool ou du café. L’homme politique et littéraire Georges Renard s’en moque cruellement dans un essai sur «Les Hommes de la Nature» d’Ascona (numéro du 4.9.1904 de «La Petite République», Paris).

Les chambres sont simples. Un lit en fer, un lavabo, une table, une chaise, une armoire et un poële. Parfois même il n’y a pas de poële car il s’agit de se fortifier en vivant à la dure.

Le repos inclut des séances d’exposition à l’air libre. Ici, une véranda en bois permet aux hommes et aux femmes, séparés par une cloison de bois, de s’allonger nu-es pour prendre des bains d’air et de soleil.

Ci-dessous, la partie des hommes (photo datant de 1905), avec des sortes de baignoires aménagées dans l’herbe et où chacun peut s’allonger.

Certains visiteurs décident de s’installer à demeure. On les reconnaît au fait que les hommes portent les cheveux longs et ressemblent aux nazaréens. Les femmes, elles, sont vêtues de longues robes blanches et certaines font scandale en refusant de porter le chignon. Au village d’Ascona, on les désigne comme des femmes «en cheveux», autrement dit des prostituées.

Toute la fleur intellectuelle de l’Europe

Monte Verità devient rapidement «un lieu magnétique, doté d’un pouvoir d’attraction prodigieux» (Barbara Piatti) : on y retrouve les écrivains Hermann Hesse et Erich Mühsam, les danseuses Isadora Duncan et Mary Wigman, le sociologue Max Weber, ainsi qu’une foule de jeunes bourgeois bohêmes, hommes et femmes, souhaitant s’adonner librement à l’amour.

En 1904, le sculpteur berlinois Max Kruse fonde une colonie d’artistes sur le Monte Verità.

En 1905, les frères Gräser lancent le festival de danse «Balabiott» dans la forêt d’Arcegno, qui attire notamment les étudiants révolutionnaires russes.

En 1905, l’anarchiste juif-allemand Mühsam veut faire de Monte Verità un République pour les persécutés. Mais son projet avorte. Mühsam sera tué par les SS dans un camp de travail.

En 1906, Oto Gross, médecin allemand converti à la psychanalyse, veut créer à Monte Verità une Université pour l’émancipation de l’homme.

En 1909, la «comtesse cosmique» Franziska de Reventlow, reine de la bohême munichoise, vient s’établir à Ascona. Le poète anglais Harold Monro achète le moulin forestier de Ronco et en fait son nid d’amour. Plus tard, il sera le principal promoteur de poètes comme T. S. Eliot ou Ezra Pound.

En 1909, la russe Maria Adler fait bâtir un hôtel sur Monte Verità avec le projet machiavélique d’empêcher le nudisme. Au sommet de son hôtel (Hôtel Semiramis), deux tours permettent aux visiteurs de mater les nudistes qui sont obligé-e-s de se cacher dans les buissons. Heureusement, l’hôtel fait faillite et finit par être racheté le professeur de jeûne Arnold Ehret, puis par Henri Oedenkoven qui fait détruire les deux tours.

En 1911, le Hongrois Emil Szittya, venant du Monte Verità, émigre à Paris où il fonde avec Hans Richter et Blaise Cendrars la revue « Les Hommes Nouveaux », qui représente les idées individuelles-anarchistes et tolstoïennes.

Entre 1913 et 1919, Laban crée à Monte Verità une «école d’été pour l’art» basée sur le principe d’une expression corporelle dite «naturelle». Les élèves dansent en ne suivant qu’un rythme intérieur. C’est le début de la professionnalisation de la danse libre.

Dans les années 1910, la communauté de Monte Verità est citée en exemple comme haut lieu d’activisme de la réforme de la vie. Des revues naturistes et végétariennes viennent faire des photos sur place, comme celles-ci, extraites d’une revue allemande (Freude in der Freiheit, «La joie dans la liberté») dédiée à la santé physique et sexuelle.

En 1917, Theodor Reuss (chef de l’Ordre des Templiers d’Orient, OTO) convoque au Monte Verità un congrès ayant comme objectifs l’émancipation de la femme, la maçonnerie mystique, de nouvelles formes de relations sociales, la danse rituelle, etc. Un drame dansé du crépuscule au coucher du soleil, créé par Laban, couronne la manifestation. L’apogée de minuit est célébrée sur le pré de danse devant la grotte de Gusto Gräser, en hommage aux rituels du «Balabiott». Les masques des danseurs sont conçus par le dadaïste Marcel Janco.

En 1917, le philosophe Ernst Bloch achève à Locarno son premier ouvrage, Geist der Utopie, qui fait la promotionde «l’utopie pacifiste» du Monte Verità. Hermann Hesse écrit Demian, le roman de son amitié avec Gusto et Elisabeth Gräser. Il peint le tableau d’un culte du feu dans la «grotte du temple» d’Arcegno, en souvenir de sa rencontre initiatique de 1907 avec l’ermite.

En 1918, Ascona devient un centre d’artistes avec l’arrivée de Marianne Werefkin, Van Jawlensky, Arthur Segal, les dadaïstes Hugo Ball, Hans Arp, Hans Richter, etc. Arp trouve son style «biomophène» sur le Monte Verità. Richter dessine le premier film abstrait avec Lyonel Feininger.

En 1920, cependant, Monte Verità a perdu son sens. Les émigrants retournent dans leur pays d’origine, y compris Gusto Gräser et sa famille. En raison de l’échec économique et après les scandales concernant l’O.T.O., l’institution de soins naturels doit fermer ses portes.

Henri et Ida rêvaient de fonder une communauté d’êtres liés par des idéaux tolsto!iens d’ascétisme, d’abstinence et de non-violence. La boucherie de la première guerre mondiale a mis fin à ce rêve. Ils partent vers l’Espagne puis au Brésil où ils mourront. Monte Verità continue sans les «pères fondateurs», comme une communauté d’artistes, mais périclite.

En 1926 un banquier amateur d’art – Eduart von der Heydt – rachète la propriété et fait bâtir un hôtel Bauhaus par Emil Fahrenkrampf.

L’hôtel est classé aux monuments nationaux et, chance, tout y est resté pratiquement tel quel : les lits, les armoires, les lampes…

Bien que Monte Verità soit devenu un grand hôtel et centre de séminaires, bien que les villas de luxe aient envahi les pentes de la montagne, tandis qu’Ascona se transformait en ville pour riches, l’utopie reste dans l’air. Des illuminés et des radicaux continuent de vivre dans les environs comme par exemple l’artiste brut Armand Schultess qui invente un système de production d’énergie à l’aide de boites de conserve recouvertes de son écriture et de fils de laine qu’ils accroche aux arbres.

… Ou comme Karl Vester, «le dernier naturiste» de Monte Verità, qui produit son propre pain (un pain noir bio) et le vend sur le marché d’Ascona jusque dans les années 1960.

Venus du monde entier, des écologistes néo-païens, des anarchistes et des adeptes d’ésotérisme continuent d’affluer à Monte Verità, en quête des origines. Depuis le 3ème étage de l’hôtel… le calme règne.

Je remercie le Musée de Monte Verità. Ainsi que Hermann Müller et Reinhard Christeller, créateurs du site de référence http://www.gusto-graeser.info/body_indexFR.html

Fondation Monte Verità : rue Collina 84 - 6612 Ascona. Tel : +41 91 785 40 40.

A LIRE : Monte Verità : Ascona et le génie du lieu, de Kaj Noschis, EPFL press, 2017.

A VOIR : Freak Out!, documentaire de Carl Javér (Suède/Allemagne/Danemark/Norvège), 2014, 89 minutes. BANDE ANNONCE ici

Photos : Agnès Giard.

Merci à

septembre 17, 2020

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8:32

Damiano : le Bergman du porno ?

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Lorsque “Gorge profonde” sort en salle, certaines Américaines n’osent plus ouvrir la bouche devant leur mari, même pour bailler. Un livre-hommage à Gérard Damiano relate le rapport ambigu que le père fondateur du porno légal entretenait avec la chair.

«Le porno, comme tous les genres extrêmes fondés sur un fort principe d’irréalité (horreur gore, films de combat, comédies musicales, mélodrames, aventures exotiques, etc.) m’a toujours ébloui par sa capacité à produire de vraies images nouvelles, chocs visuels arrachés au pouvoir de l’imaginaire». Pour Marc Bruimaud –écrivain, critique littéraire, scénariste et acteur né en 1958–, le porno «n’est jamais plus flamboyant que lorsqu’il ne raconte rien, sinon son propre fait». Paradoxalement, c’est au plus bavard de tous les réalisateurs de porno qu’il consacre cette déclaration d’amour : Gérard Damiano (1928-2008), aimait beaucoup faire des apparitions dans ses propres films et en profitait parfois pour causer, longtemps. De quoi causait-il ?

L’enfer : c’est quand l’autre n’a pas envie

Ainsi que Marc Bruimaud le souligne, il y avait deux Damiano : un trublion et un névrosé. Parfois, à l’instar de Hitchcock ou de Mel Brooks, il apparaissait au détour d’un plan comme un figurant potache. D’autre fois, en revanche, il envahissait une séquence entière, prenant le spectateur en otage d’une «abracadabrante logorrhée», énumérant des phrases sans queue ni tête… «Spécialiste de la mise en abyme goguenarde, il s’est octroyé des rôles lourdement signifiants dans certaines de ses productions», explique Marc Bruimaud, qui décrit notamment le dernier quart d’heure du film Devil in Miss Jones (1973) au cours duquel Damiano se livre à un sinistre soliloque, tandis que son actrice –Georgina Spelvin– se masturbe en solitaire, sans parvenir à se faire jouir. Alors qu’elle le supplie de la toucher, lui, prostré, murmure : «Je ferme les yeux… Je fais semblant de dormir.» Elle sanglote «S’il vous plait», en écartant les cuisses. Lui ne la regarde même pas. La fin du film, oppressante, renvoie au Huis-clos de Sartre : l’enfer, c’est rester frustré-e.

«Aucune œuvre de Damiano ne ressemble à un porno standard»

Il peut sembler curieux qu’un porno s’achève sur une fin tragique. Prenant à rebrousse-poil les codes habituels du X, Damiano réalisait parfois des films très sombres, pour ne pas dire déprimants. Memories within Miss Aggie (1974), par exemple, relate par flashes-back l’existence ratée d’une vieille femme, en une suite recomposée d’images blafardes, hivernales, parmi lesquelles explosent trois séquences de fantasmes sexuels (les memories within, «souvenirs intérieurs») filmés à même la peau, à même le souffle, jusqu’à la terrifiante révélation finale. Fantasy (1979) réunit une poignée d’hommes qui s’ennuient dans un club quasi-vide et dont les rêves désenchantés donnent jour à des mirages qui se succèdent de façon mécanique, fastidieuse : installant le spectateur «face aux servitudes» du porno en série, Damiano propose sur son propre métier une reflexion inquiète. Il sent venir le moment où le porno ne se fera plus en 35 mm, avec l’aide d’une équipe, un scénario, des vrais dialogues. Dans le purgatoire de Fantasy, les hommes tiennent des propos inconsistants. Leurs rêves ne mènent nulle part.

Dead End

Marc Bruimaud note que Damiano associait «quasi systématiquement le plaisir à la souffrance, à l’expiation mortifère». D’un côté il tournait de franches pantalonnades, tournant le sexe en dérision, comme Gorge Profonde que Marc Bruimaud juge «ouvertement débile» ou comme Meatball, une gaudriole libertaire, prétexte à filmer des coits à répétition. D’un autre côté, Damiano pouvait signer des films dérangeants, plombés par une atmosphère de mal-être palpable. Ses héroïnes préférées étaient les femmes insatisfaites, rongées par le manque ou par la perte de désir. A quoi bon continuer s’il n’y a plus d’envie ? Le gimmick de ses films se résumait parfois en trois phrases (celles du film Odyssey) : «Au commencement, on nait. A la fin, on meurt. Entre les deux, il y a la vie»…

Damiano, confident des femmes esseulées

A mille lieux du porno montrant des jolies filles avides et des mâles en rut, Damiano parlait des problèmes de couple, de la solitude et de la culpabilité. Cela lui valait de fortes antipathies. A la fin de son ouvrage, Marc Bruimaud a rassemblé un étonnant florilège de critiques dont certaines, mordantes, évoquent le puritanisme «détestable» de Damiano et sa tendance à se délecter de la misère sexuelle. Comment comprendre, effectivement, que le père fondateur du porno ait pu construire ses principales oeuvres sur des thèmes aussi noirs ? Il y a une explication, bien sûr, qui revient souvent : quand il était coiffeur pour dames (après avoir été, selon la légende, marin dans l’armée, cireur de chaussures et photographe), Gérard Damiano n’entendait que des plaintes. Ses clientes du Queens se sentaient mal-aimées. C’est la raison pour laquelle il aurait décidé de se lancer dans le porno : pour que les couples se libèrent des non-dits. Pour que les femmes s’épanouissent.

Il faisait du porno dans “une optique libératrice”

Faut-il croire en cette version des faits ? Pourquoi pas. Dans sa flamboyante introduction, Marc Bruimaud souligne que Damiano a éprouvé «en permanence (durant vingt-cinq années d’exercice pour une cinquantaine de films) l’envie d’offrir au spectateur une représentation sexuelle explicite, voire débridée – c’est-à-dire sans tabou» et que cette volonté «inaliénable» de tout montrer, absolument tout, n’excluait pas de «lourds paradoxes». Il y avait donc deux Damiano. Celui qui rêvait «d’une véritable eucharistie libertaire, amorale, désinhibée» et celui qui ne voyait dans la jouissance qu’un «accès au néant». Parce qu’il était déchiré, son cinéma était finalement très en phase avec l’esprit de l’époque, mélange d’euphorie iconoclaste et de malaise profond. Parce qu’il était tourmenté, son cinéma reste d’ailleurs profondément d’actualité. Le désir est humain, trop humain. Il ne cessera jamais de nous tourmenter.

«La vision éblouie de ses fantasmes mortifères constitue souvent une expérience ardente, comme toujours avec le vrai cinéma qui scie nos somnolences.» (Marc Bruimaud)

A LIRE : Gérard Damiano - Les Peaux La Chair Les Nuits, de Marc Bruimaud, éditions Jacques Flament, 2018.

A ECOUTER : l’excellente chronique de Christophe Bier, dns l’émission Mauvais Genre (France Culture) sur l’ouvrage de Marc Bruimaud. Ca commence ici à 54:30 (5 minutes).

septembre 14, 2020

9:31

Sors de ce trou !

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Il existe des saints dites "sauroctones" (vainqueurs de dragons), dont le culte est associé aux gouffres, soit l'équivalent de systèmes digestifs ou reproducteurs. Ces saints sont invoqués pour les constipations, les accouchements et… les secrets traumatisants.

Les saints sauroctones (littéralement «tueurs de reptiles») les plus célèbres sont bien sûr St Michel ou St Georges, terrasseurs de dragons. Leur nom s’inscrit dans une tradition de héros qui, à l’instar d’Apollon, clouant à Delphes le Python, font triompher la lumière. En Occident, leur culte est souvent lié à des grottes dont les boyaux descendent profondément sous terre, dans des zones de montagne, de zones inondables ou de ravins : le sauroctone c’est avant tout celui qui fait sortir les démons des gouffres et qui fait la lumière sur les sujets enfouis. Il lutte contre le néant, contre les ténèbres.

Pour faciliter les expulsions

Parmi les saintes sauroctones, une des plus célèbres est Ste Marguerite qui fut avalée par un dragon avant dʼen déchirer le ventre en brandissant la croix. Parce qu’elle ressurgit indemne hors du ventre de l’animal, elle est souvent invoquée pour faciliter les accouchements. Comme elle, les saints sauroctones permettent de faire sortir les choses qui, autrement, resteraient coincées à l’intérieur. Sors de ce corps !

L’image la plus courante du sauroctone chrétien, c’est celle d’un ermite qui lève son bâton en direction du dragon habitant une grotte et qui lui intime – au nom de Dieu tout-puissant – de vider les lieux. Ce genre de saint est souvent associé à l’idée du bonheur, comme St Béat (un ermite de l’an 1000, qui vivait dans les grottes d’Interlaken) dont le nom évoque l’immense soulagement d’être «débarrassé». Exit le monstre serpentiforme qui «bouchait» les voies de transit. Chassé, le dragon qui empêchait l’accès aux trésors enfouis !

«Avoir consulté l’oracle de Trophonius»

A ce sujet, connaissez-vous l’expression «Avoir consulté l’oracle de Trophonius» ? Cette expression signifie : avoir l’air triste et abattu. Elle date d’un culte de la Grèce antique (en Béotie), attesté depuis au moins l’époque homérique (soit le 8e siècle avant Jésus-Christ). On dit que ceux qui avaient consulté l’oracle de Trophonius en remportaient un fond de tristesse que rien ne pouvait vaincre, et qu’ils conservaient le reste de leur vie. La raison en est qu’ls avaient dû descendre dans des boyaux étroits au cours d’un rituel claustrophobique effrayant les forçant à chercher une partie d’eux-mêmes… au fond d’un gouffre. Il n’est pas innocent de s’enfoncer dans l’abîme. Ni de se confronter aux serpents qui symbolisent les vérités que l’on tente d’ignorer.

Faire surgir la vérité…

Pour consulter l’oracle de Trophonius, s’il faut en croire Pausanias (Description de la Grèce, Livre IX, Béotie), il fallait tout d’abord aller sur une certaine montagne de Lébadie, puis descendre dans un puit au fond duquel se trouvait l’entrée d’une caverne étroite. Après avoir introduit ses jambes dans le goulot, en position allongée, il fallait prendre en main des gateaux de miel afin de nourrir les serpents qui vivaient dans la grotte. Un mécanisme alors se déclenchait. Le consultant était comme happé par le gouffre, tiré par les jambes : son corps «entraîné avec autant de violence et de rapidité» que l’est un homme par un tourbillon de fleuve. Il dévalait au fond «de l’antre secret» où lui étaient révélées des choses avant d’être littéralement recraché par l’ouverture du goulot. L’expérience était si terrifiante que ceux qui avaient consulté l’oracle en ressortait en état second.

… d’un trou (de mémoire)

Le traumatisme était comparable à celui d’une naissance. De fait, le culte de Trophonius était fortement associé à celui de Démeter (déesse de la terre fertile et du retour à la vie), considérée comme sa nourrice. Mais il y a plus et c’est ici que les choses deviennent vraiment intéressantes : les statues de Trophonius étaient ornées de serpents. Par ailleurs, avant de consulter son oracle, le croyant devait boire deux eaux : une eau d’oubli (léthé) pour oublier les préoccupations mondaines et une eau de mémoire (mnemosyne) pour bien se rappeler le message de l’oracle. Après avoir été expulsé du gouffre, il était d’ailleurs interrogé par les prêtres, afin qu’il rapporte exactement ce qu’il avait vu et entendu. Puis il était remis «encore tout épouvanté, entre les mains de ses amis». Pausanias affirme qu’au sortir du gouffre, la personne avait les traits si déformés par la terreur qu’il lui fallait plusieurs jours pour «recouvrer sa raison, ainsi que la faculté de rire».

L’inconscient et ses dangers

On ne consultait pas cet oracle à la légère. Pour comprendre le sens de ce rituel traumatique, il faut d’ailleurs remonter à la légende, telle que Pausanias la rapporte : Trophonius, illustre architecte, est celui qui construisit (avec son frère, Agamède) le temple d’Apollon à Delphes. Encore une histoire de serpent. Il était si connu pour ses talents de constructeur que le roi Hyrieus le chargea de construire un édifice pour ses trésors. Avec l’aide d’Agamède, Trophonius fit bâtir le bâtiment comme un coffre-fort. Mais les deux frères le conçurent avec un passage secret pour voler ses richesses. Chaque nuit, ils entraient dans l’édifice par ce passage connu d’eux seuls et prenaient de l’or. S’apercevant que ses richesses disparaissaient mystérieusement, Hyrieus fit installer un piège dans l’édifice. Agamède fut pris. Ne parvenant pas à le libérer, craignant d’être identifié par la faute de son frère, Trophonius lui trancha la tête pour l’emporter avec lui. C’est alors que la terre l’engloutit dans ses entrailles. Il sombra au fond du gouffre de Lébadie où se situe son oracle.

D’effrayantes épreuves

Quelques années plus tard, la Pythie de Delphes recommanda aux personnes qui cherchaient des réponses de s’adresser à l’esprit de Trophonius dont l’oracle devint réputé. Mais l’idée de glisser son corps dans un trou, puis de chuter dans les ténèbres en dissuadaient beaucoup. «Les séjours dans l’antre pouvaient durer un jour et une nuit; les incrédules ne revoyaient plus le jour. Les croyants entendaient parfois l’oracle ; revenus à la surface, ils étaient assis sur un siège nommé Mnémosyne, ils évoquaient les terribles impressions ressenties, dont ils resteraient frappés toute leur vie.»

Le passé ne peut s’oublier

Dans un beau texte, sur son blog dédié à la mythologie grecque, Europia propose une hypothèse séduisante que je me permets de citer : «Le complexe de Trophonius, qui tua son frère pour ne pas être reconnu coupable, est celui des personnes qui renient les réalités de leur passé, pour étouffer en elles un sentiment de culpabilité ; mais le passé inscrit au fond de leur être ne disparaît pas pour autant ; il continue de les tourmenter (serpents etc.) jusqu’au moment où elles acceptent de le reconnaître comme leur appartenant. La caverne symbolise l’exploration du moi intérieur, refoulé dans les profondeurs de l’inconscient.» S’il faut en croire Europia, le fratricide de Trophonius est une métaphore de ce que l’on veut tuer en soi et garder enfoui, inconscient ou invisible.

L’oracle de Trophonius se trouve aussi en Suisse ?

Détail intéressant : le culte de Trophonius se serait répandu en dehors de la Béotie. L’historien Karl Kerenyi, qui vécut dans les montagnes d’Ascona, en Suisse, aurait ainsi trouvé les vestiges d’un lieu de culte tout à fait insolite à Tegna : une citerne qui, semble-t-il, n’était pas destinée à recueillir de l’eau. Servait-elle de ventre maternel pour mourir et renaître ? Pour accueillir et expulser des souvenirs ?

septembre 09, 2020

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9:43

Vous ne savez jamais qui est de l’autre côté

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Vous ne savez jamais qui est de l’autre côté

Mis au service de la distanciation sociale, les “glory holes” font officiellement partie des moyens d’éviter l’infection. «Quelle terrible ironie», proteste l’artiste français Marc Martin qui consacre à ces trous honteux, honnis, un ouvrage en forme d’hommage.

Les glory holes sont les trous noirs de la mémoire queer. Pour beaucoup de militants, il paraît offensant d’en parler, car ces trous sont liés aux lieux d’aisance collectifs, les pissotières (appelées tasses, en argot) qui les virent apparaître, dès le XIXe siècle. Dans un essai intitulé Glory Hole - Le trou noir des tasses (éditions Agua), le photographe et collectionneur Marc Martin reproduit un des tous premiers documents lié à ces bizarreries. Il s’agit d’un rapport de police, daté de février 1862. Le chef du commissariat du quartier des Champs-Élysées évoque des «ouvertures faites dans les cloisons des latrines». L’une de ces ouvertures a été signalée comme un trouble à l’ordre public. Elle met en danger la pudeur. «J’ai immédiatement envoyé mon garçon de bureau et un de mes inspecteurs pour en opérer le bouchement, qui a été fait avec du plâtre et du ciment et ne manquera pas de solidité».

Personne ne «pipait mot» dans les tasses

Bien qu’il n’en détaille pas l’usage, le commissaire semble parfaitement conscient du caractère coupable de ces pertuis, percés à hauteur d’entre-jambe. Ainsi que Marc Martin l’explique, ils servent à la fois d’oeilleton et de passe-plat : ils permettent «d’observer une personne située de l’autre côté ou d’y insérer son pénis dans le but d’un échange sexuel. […] À l’époque où l’homosexualité était illégale, les toilettes publiques, qui servaient de lieux de rencontres, en étaient largement pourvues». En perçant ces brèches dans les parois de séparation, les inventeurs des glory holes aménageaient des voies d’accès vers l’autre qui peuvent paraître réductrices : elles ne laissaient passer qu’un bout d’anatomie. Mais pour beaucoup d’hommes, ces petits trous étaient salvateurs. Pour ceux qui avaient peur, à l’époque répressive, d’être pris en flagrant délit (à deux dans la même cabine), les glory holes permettaient de jouir, envers et contre la société. Pour ceux qui se cherchaient, timidement, les glory holes offraient la liberté.

Les trous entrent en résistance

Signe de leur importance : quand les autorités faisaient boucher ces trous, les «pervers» en perçaient de nouveau. Dans son ouvrage, Marc Martin cite d’ailleurs le cas d’une véritable guerre des trous. En 1887, Félix Carlier (ancien chef du service des moeurs à la Préfecture de police) mentionne le cas des pissotières des Halles, devenues lieu de rendez-vous. «Chaque jour, les maçons de la ville bouchaient ces trous ; chaque soir, ces trous étaient percés à nouveau. L’administration prit un parti qu’elle crut héroïque ; elle remplaça les cloisons par des plaques de blindage en fonte. […] Quinze jours plus tard, les plaques de métal avaient été taraudées, les trous existaient à nouveau.» La fermeture de ces WC fut seule capable de mettre ﬁn au «scandale». Mais les fauteurs de trouble ne s’estimèrent pas perdants. Ils allèrent trouer ailleurs. Paris était grand.

Le trou abrite tous les mystères

Dans les années 1980, quand les pissotières furent abolies en France, remplacées par des «sanisettes», les trous leur survécurent. Ils migrèrent dans les backrooms, à l’abri de la pénombre, comme s’il fallait que perdure avec eux un certain goût pour l’incertitude. Steel Panther, un groupe de heavy metal, en a fait le refrain d’une chanson : «Honey, je ne veux pas savoir qui suce de l’autre côté» (Glory Hole, 2014). Ce pourrait être un homme beau ou laid, une blonde ou brune, peut-être même un flic ou un prêtre ? Le trou abrite tous les mystères. Il est le garant du secret. Il favorise les expériences, il encourage l’ambiguïté, il inspire des scénarios qui, autrement, n’auraient pas lieu. Ce qui le rend d’autant plus précieux à l’époque de la transparence. «Contrairement à la croyance populaire», insiste Marc Martin, il n’y a pas que les gays qui profitent de ces trous. Au contraire. Les hommes qui refusent de se définir, ceux qui veulent du plaisir sans avoir à soi-disant «assumer» (assumer quoi d’ailleurs), ceux qui manquent de confiance pour aller dans des clubs de cul, ceux qui veulent jouir dans l’inconnu, trouvent dans le glory hole une porte ouverte aux possibles.

Une zone “Glory Hole” dans un centre d’art vivant ?

A l’inverse des autorités –qui font des glory holes les outils de la mise à distance–, Marc Martin entend les réhabiliter comme les moteurs du rapprochement. Sans ces trous, les exclus de la société n’auraient pas pu briser l’isolement. «Ils ont permis aux générations d’hommes, qui n’avaient pas de drapeau à dresser, d’ériger haut et fort leur érection en signe d’épanouissement personnel.» Non content de leur dédier un livre, Marc Martin leur consacre d’ailleurs un espace, placé au coeur de sa prochaine exposition –«Les tasses à Bruxelles»–, qui se déroulera au Centre d’art de Bruxelles-LaVallée, du 18 septembre au 3 octobre, dans le cadre du Pride Festival organisé par la RainbowHouse. Cet espace –que Marc nomme avec humour la «zone glory hole»–, prendra la forme d’une machine à remonter le temps : dans ce cube constitué de cabines séparées par des portes et des cloisons trouées, les visiteurs et visiteuses pourront se replonger dans l’ambiance clandestine des anciens lieux de rencontre, lorsque c’étaient les juges (et non pas le virus) qui prohibaient les contacts entre humains.

A LIRE : Glory Hole - Le trou noir des tasses, de Marc Martin, essai illustré de photos originales et de documents d’archives, septembre 2020. C’est le deuxième volume d’une série de fascicules thématiques autour des pissotières, publiés aux éditions AGUA.

A LIRE : Marc Martin, Les tasses, dirigé par Marc Martin, éditions AGUA, 2019.

A VOIR : « Les tasses à Bruxelles », exposition de Marc Martin à LaVallée, centre d’art vivant à Bruxelles. Entrée gratuite. Adresse : 39, rue Adolphe Lavallée 1080 Bruxelles-Molenbeek.

Initialement prévue en mai 2020, puis mi-août, l’expo a finalement été reportée du 18 septembre au 3 octobre 2020. Le vernissage aura lieu le 18 septembre à partir de 18h dans le cadre du Pride Festival.

Une conférence avec Sébastien Landrieux et Marian Lens se tiendra le 20 septembre à LaVallée : Espaces publics, affaires privées.

POUR EN SAVOIR PLUS : «Faire l’amour par un trou ?»

septembre 08, 2020

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11:06

Faire l'amour par un trou ?

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Depuis cet été, certaines autorités sanitaires recommandent de faire des trous dans des parois afin d'avoir des échanges sexuels tout en maintenant la distance de sécurité. Des trous, mais lesquels ? Au Canada, courageusement, un centre lâche la bombe : des “glory holes”.

En juillet 2020, les autorités sanitaires de la Colombie Britannique (Ouest du Canada), publient une liste de conseils concernant les relations sexuelles : «masturbez-vous. Seul-e de préférence». Et si vraiment vous préférez le faire à deux, voire à plusieurs, «mettez un masque ; évitez de respirer fort ; évitez les baisers et les échanges de salive ; évitez les positions en face à face ; utilisez des barrières comme les murs (glory holes par exemple)».

Glory holes, kezako ?

La mention finale fait mouche. Glory hole !? Des journalistes rapportent qu’il s’agit d’un trou aménagé dans une paroi afin de laisser passer le pénis. Les glory holes favorisent les échanges sexuels de part et d’autre d’une cloison, en limitant le contact physique au strict minimum. Ces trous sont apparus dans les toilettes publiques qui servaient de lieux de rencontre entre hommes. Il s’agissait, à l’origine, de brèches délictueuses, aménagées en dégradant le mobilier urbain. Lorsque ces mots apparaissent sur le site officiel du Centre for Disease Control , ils paraissent doublement incongrus. D’abord parce qu’ils désignent des trous qu’on ne trouve guère que dans les toilettes des gares ou les backrooms gays. Ensuite, parce que le conseil semble absurde.

Avez-vous des murs à trouer chez vous ?

The BC Centre for Disease Control is recommending using “glory holes” to practice safe sex during the pandemic — and I just want to know if this is a common thing people have in their homes. pic.twitter.com/sS7vmFuCDa — Kamil Karamali (@KamilKaramali) July 21, 2020

Le 22 juillet 2020, Kamil Karamali, journaliste chez Global News Toronto, poste un tweet ironique : «J’aimerais juste savoir si le glory hole est quelque chose que les gens ont chez eux ». Les réseaux sociaux s’enflamment. «Moi, j’ai des murs», dit une dame. «Mais qui aurait envie d’y faire un trou ?», réplique le journaliste.

Un bricoleur envoie la photo de son mur percé pour une canalisation : «Quelle chance, j’ai fait ma rénovation juste à temps».

Une autre dame s’inquiète : «One size fits all?», ce qu’on pourrait traduire «Cette taille de trou est-elle bonne pour tous ? ».

Le délicat choix de la paroi

Kamil Karamali a déclenché, sans le vouloir, une avalanche de réactions… plus ou moins amusées. Il reçoit des photos de scies-cloches, permettant de percer des diamètres très larges.

«J’ai installé le glory hole dans ma porte d’appartement. J’ai inséré la zone corporelle adéquate. J’ai attendu en position 3 heures. Rien. Je suis fatigué», se plaint un homme de 71 ans.

«Conversation à diner ce soir : “Maman, c’est quoi un glory hole?” », se plaint une mère de famille.

«Ma grand-mère a googlé les mots», témoigne un ado.

«2020, l’année durant laquelle les glory holes sont entrés dans tous les foyers», se moque une tweeteuse.

Un pic de recherche record sur Google

Sur Google Trends, les recherches sur «glory hole» qui, depuis 2015, au Canada, étaient classés 10 sur l’échelle de popularité (échelle de 0 à 100), passent à 100 dans la semaine du 19 juillet 2020.

Jamais auparavant l’expression glory hole n’avait autant attiré l’attention du grand public. Contrairement aux autres centres sanitaires en charge de l’épidémie, celui de la Colombie britannique a donc eu le courage de mettre un mot précis sur ce que les autres centres se contentent de suggérer. Publié en juin dernier, celui de New York, par exemple, reste extrêmement allusif. Dans un document de trois pages, il conseille d’être «créatif» avec «les barrières physiques, comme les murs, qui permettent d’avoir des échanges sexuels tout en évitant le contact face à face». Créa…quoi ?

Soyons “créatifs” avec les murs ?

«Je m’en vais de cette planète , proteste un internaute sur Twitter. Je pensais qu’on avait atteint le sommet du bordel, mais avec ces nouvelles recommandations… »

Lorsque certaines femmes se demandent si faire des trous dans les murs de l’appartement pourraient leur permettre de jouir («Il suffit de passer un vibromasseur par le trou», répondent les bonnes âmes), d’autres s’inquiètent de savoir si les architectes du futur vont devoir intégrer le glory hole dans les fonctionnalités des maisons, au même titre que le chauffage au sol ou le tout à l’égout. «Pourquoi pas installer un mur flottant au milieu de la chambre »… «Avec une peinture à l’huile représentant votre conjoint et le trou placé au bon endroit» … «Un rideau de douche peut faire l’affaire »… En tout, le 22 juillet, 4250 tweets parlant de glory holes au Canada. En France, cela inspire au photographe Marc Martin l’écriture d’un booklet titré : Glory Hole. Le trou noir des tasses. Mais au fait, pourquoi «glorieux» ce trou ?

POUR EN SAVOIR PLUS : «Vous ne savez jamais qui est de l’autre côté»

septembre 02, 2020

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9:05

Qui se cache derrière cette fille ?

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Au Japon, les influenceurs en ligne sont maintenant des VirtualTubers, c’est-à-dire des humains déguisés en personnages de dessin animé. Personne ne connait leur visage. Ce sont des idoles d’un nouveau genre. Des idoles inconnues.

Sur Internet où elle anime une chaine YouTube à succès, Nem est une jolie jeune fille. Quand elle parle avec le vocoder, sa voix synthétique aiguë s’accorde parfaitement avec son image de gamine mignonne et excitée. Dans la vraie vie, Nem travaille comme employé de bureau, aime boire de la bière et parler de crypto-monnaies. Au Japon, Nem est une star. Actif depuis 2017, il milite pour que tous les humains disposent comme lui d’un double en ligne, afin qu’advienne une société meilleure : une société du secret. Une société dans laquelle, chacun pourrait disposer d’identités multiples, dissimulées, pour mener des vies parallèles.

Nem, l’évangéliste VTuber

Dans un entretien passionnant accordé à Ben K., contributeur de la revue en ligne Grape Japan, Nem explique : «A l’origine, je m’intéressais à l’influence des avatars sur l’identité.» C’est pour cette raison qu’il créé le personnage de Nem, en usant des procédés spécifiques à la culture émergente du VTubing : l’animation en temps réel. Lorsque Nem se filme et bouge devant la caméra, l’image qui bouge à l’écran est celle de son avatar. «Mais un soir, alors que je me regardais sur l’écran en jolie fille et que je me voyais me parler à moi-même sous ces traits, j’ai senti qu’un nouveau Moi était en train de naître. Ce soir-là, j’ai fait ma première émission.» Ce soir-là, qui fait date dans l’histoire, Nem devient la première des VTubeuses indépendantes.

Jongler avec des versions de soi

A la différence de Kizuna Ai, qui est –à cette époque– la star absolue du genre, Nem ne travaille pas pour une maison de production. Il travaille à son compte, ce qui le rend parfaitement libre de modifier son avatar, en collaboration avec des modélisateurs. Selon les besoins, il donne à Nem une apparence plus jeune ou plus vieille et s’amuse à changer de versions selon les circonstances : «Il y a un Moi enfantin, un Moi mûr, un Moi fort, un Moi faible. Je les utilise au gré de mes envies. J’ai la sensation que ces variations exercent une influence sur ma personnalité… C’est peut-être comme porter des vêtements d’ailleurs. Quand je veux me détendre, j’enfile un sweatshirt à capuche.»

Changer d’identité comme de…

Changer d’identité comme de vêtement : qui n’en a pas rêvé ? En 2017, les VTubers sont une poignée. En mai 2020, selon les derniers chiffres du site japonais User Local (qui établit leur classement par popularité), ils sont plus de 8000. Le phénomène est d’une telle ampleur qu’il existe maintenant sur VRChat des espaces de rencontre dédiés aux VTubers. Sur ces équivalents de Tinder pour avatar, personne ne sait qui est l’autre en vrai, mais qu’importe ? Si l’autre a l’apparence d’une belle fille, n’est-ce pas un bout de sa vérité ? «Quand j’enfile mon HDM (casque de VTuber) et que je prends l’apparence de Nem, je deviens cette partie de moi qui est devenue une jolie idole. Ma manière de parler change, mon identité change, mais ma mémoire continue ses interruption, donc il y a une continuité», raconte Nem.

VTubing : une culture du mensonge ?

Il peut sembler discutable que les individus, en masse, usent des technologies de dissimulation. Sur Internet, dopés par les réseaux sociaux, certains s’échangent des tweets sous des noms d’emprunt. D’autres se cachent derrière leurs écrans pour propager les fake news. A qui profite l’anonymat ? On pourrait facilement s’inquiéter que le VTubing encourage de nouvelles formes de «mensonge» en toute impunité. Mais pour Nem, c’est le contraire : «Mon avatar de jolie fille est Moi, dit-il. C’est ainsi que je me mets mon âme à nu.» Nem rêve d’un monde dans lequel chaque homme et chaque femme seraient libres d’exprimer les différentes facettes de leur Moi. Dans ce monde à venir, les individus seraient enfin débarrassés du mythe de la transparence, et de son corollaire : la surveillance.

Transparence volontaire = servitude volontaire

Le mythe de la transparence repose sur l’idée fausse qu’on a «rien à cacher» et que le corps d’un être reflète sa vérité. Dans notre société, en quête d’une transparence «relayée par toujours plus de caméras, réelles ou imaginaires, de traces numériques, d’aveux, de témoignages», ainsi que le formule la philosophe et psychanalyste Anne Dufourmantelle, «l’incitation à la délation va de pair avec une société sécuritaire» et «la règle de transparence qui aujourd’hui nous semble être la garantie la plus fiable contre la corruption» n’est que le paravent d’une idéologie sournoise. Dans Défense du secret, avec des mots vibrants, la philosophe met en garde contre l’illusion : «la transparence n’est pas la vérité». Plutôt le contraire.

«Pourquoi ne pas vouloir avoir de secrets ?»

La transparence relève du devoir : il est en effet nécessaire, pour bien vivre en société (la société matérialiste), d’afficher ses goûts, son sexe, ses préférences, son statut ou sa foi. Faussant les règles du jeu, les VTubers refusent de s’exprimer à visage découvert. Ce faisant, ils créent une brèche dans ce qu’Anne Dufourmantelle nomme joliment «l’espace panoptique du social». Leur but, c’est cultiver le secret. Le cultiver comme un «jardin à l’abri duquel peut croître la vie», dit-elle, en associant l’idée du secret à tout ce qui relève du for intérieur, cet espace inviolable et sacré, qui est celui de la prière, de la rêverie et surtout du désir. Sans secret, aucun être ne peut s’inventer, ni aimer.

Devenir une personne différente

En juin 2020, c’est ce que Nem essaye d’exprimer en interprétant une chanson –Cosplay du coeur (Kokoro cosplay) qui est devenue un tube dans le milieu des VTubers : «Aujourd’hui, je serai dans l’écran / Un secret que je ne peux pas dire […] / Dans le monde de mes rêves / Ma poitrine se serre peut-être pour de vrai». Ce qui se cache n’est pas forcément un mensonge, suggère Nem, dont la pensée trouve un écho troublant dans les textes courts et poétiques de Défense du secret. Ainsi qu’Anne Dufourmantelle le souligne, la transparence se distingue du secret en ce qu’elle relève du civisme (une obligation), alors que «le secret suppose une élection, un choix. On le garde, et ce “garder” n’est pas une nécessité, mais un désir.»

A LIRE : Défense du secret, d’Anne Dufourmantelle, manuels Payot, 2015

A LIRE : des interviews sur Grape Japan, comme celle de Junji Ito et plus.

juillet 29, 2020

10:21

«Meurs, c’est une déesse»

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Dans l’endroit le plus intime de sa maison, l’architecte viennois Loos conçoit pour sa femme un écrin de silence, une chambre blanche, tapissée de fourrure et de lin, qui ressemble à un tombeau. Deux ans plus tard, un homme se suicide.

Les années 1900. Adolf Loos et son meilleur ami, le poète Peter Altenberg, sont amoureux de la même jeune fille, une Lolita éthérée aux yeux bleus. Elle prend des cours de théâtre et veut devenir actrice. Les deux hommes la courtisent, font pratiquement ménage à trois. En 1902, Carolina Catharina Obertimpfler, alias Lina, finit par choisir Loos qu’elle épouse à l’âge de 19 ans. Il lui écrit : «Ma tendre, ma grande, ma merveilleuse femme ! J’ai récemment parlé de toi avec Altenberg et j’ai dit : elle est la sagesse sur cette terre. Elle n’a rien appris et sait tout.» En parfaite conformité avec l’imaginaire misogyne de l’époque, Adolf Loos fait de sa femme une icône sainte, objet d’adoration, mélange de femme fatale et d’ange innocent. Sa créature ?

Le son étouffé, la vie ensevelie

Il l’oblige à porter le corset. Il aménage pour elle une chambre pareille à un écrin, entièrement ouatée, «une enveloppe de blancheur pour le corps gracile de Lina» ainsi que l’écrit Jef Klak dans un beau texte poétique (en PDF à télécharger ici). «Des rideaux de satin blanc recouvrent les murs, le sol n’est qu’une large fourrure blanche. Seul un lit semble ﬂotter au centre, lui aussi recouvert, les draps sont en soie. Blancs.» Même les meubles sont cachés derrière des rideaux blancs, comme pour leur interdire de parler. L’espace entier semble attendre, muet, la respiration suspendue, qu’un corps marque son empreinte dans le suaire symbolique des draps. Au coeur de la maison, la chambre de Lina occupe la place que Loos dédie à tous les intérieurs dans ses plans d’architecte : la place du désir, qui est aussi le lieu de la mort.

Anéantissement atmosphérique

Le sol couvert de laine angora monte à l’assaut d’un lit semblable à un bloc de marbre, encadré de façon symétrique par les tentures plissées. La lumière –filtrée par les rideaux de batiste– donne l’impression que tout est recouvert d’une poudre blanche qui estompe les contours, atténue les bruits. On se croirait dans un mausolée. La photo de cette chambre est publiée en 1903 dans la revue Kunst de Peter Altenberg. Adolf Loos refuse que sa femme y paraisse. La pièce est vide. Les draps lisses. Aucun corps ne se profile dans le rectangle «de ce pur milieu stérile», ainsi que le décrivent les chercheuses Anika Reineke et Anne Röhl. «L’image que Loos se fait de la femme et sa prédilection pour les femmes-enfants non encore maîtresses de leur propre sexualité se reflètent ainsi dans l’agencement du lit».

Un sacrifice en attente

Pour ces chercheuses, de toute évidence, la chambre de Lina est un espace funèbre. Dans un ouvrage intitulé Loos et l’humour masochiste, l’historien Can Onaner approuve : «les intérieurs de Loos intériorisent la mort», dit-il. Comme par anticipation, ils mettent en scène une disparition et semblent chargés de menace : un sacrifice va avoir lieu. Lequel ? On pourrait facilement croire qu’Adolf Loos ait voulu, avec cette chambre, mettre en scène le sacrifice bourgeois le plus convenu du monde : celui de la jeune vierge, destinée à subir le sort réservé aux femmes de l’époque. Sois dépucelée et tais-toi. Mais Can Onaner propose une autre interprétation. «Le sujet de la mise en scène sacrificielle pourrait aussi bien être la masculinité», dit-il. A en croire le chercheur, c’est sa propre mort que Loos fantasme dans cette chambre immaculée.

C’est sa mort que Loos fantasme ?

Pour appuyer cette hypothèse, Can Onaner rappelle ce fait qu’Adolf Loos était féministe : dans un texte datant de 1908, après avoir mentionné le nom de Sacher Masoch (qui rêvait de dominatrices couvertes de fourrure), Loos affirme que si les femmes cultivent la sensualité, à l’aide de tulles vaporeuses ou d’hermine, c’est parce qu’elles sont assujetties aux désirs masculins : «dans la guerre des sexes, la femme ne dispose aujourd’hui que d’une seule arme: éveiller l’amour, […] le désir et la convoitise de l’homme.» La sensualité est l’arme des esclaves. Mais si, dans l’intimité, la sensualité permet à la femme de soumettre l’homme, c’est à son détriment : étant sensuelle, elle est jugée sauvage, dangereuse et, par conséquent, maintenue sous tutelle. Dans la vie publique, la femme reste donc soumise au pouvoir économique et social de l’homme.

Pour en finir avec la guerre des sexes

«Pour Loos, il s’agit de neutraliser la sensualité féminine pour tendre à une égalité de l’homme et de la femme», résume Can Onaner qui cite un célèbre texte que Loos consacre à la Mode Féminine, en 1898 : «la femme parviendra à l’égalité avec l’homme, non pas en agissant sur sa sensualité mais par l’indépendance économique qu’elle obtiendra au moyen de son travail. La valeur de la femme ne variera plus au gré des fluctuations de la sensualité. Alors le velours et la soie, les fleurs et les rubans, les plumes et les couleurs se révéleront sans effet, et disparaîtront». Ainsi que Loos l’explique (avec un siècle d’avance sur Paola Tabet), pour en finir avec la guerre des sexes, il faudrait que les femmes deviennent indépendantes. Si elles étaient indépendantes, elles n’auraient plus besoin de séduire, ni de porter des corsets, des fourrures ou des parfums.

«Meurs, c’est une déesse»

On pourrait s’étonner que Loos ait pu à la fois défendre le rêve de l’émancipation féminine et mettre en scène la chambre de son épouse comme un sanctuaire de sensualité morbide. Mais c’est que Loos avait conscience du fossé séparant le rêve de la réalité. Dans la réalité, il y avait une femme qui portait des robes blanches vaporeuses, épouse d’un architecte aux fantasmes probablement masochistes. Dans la réalité, il y eut aussi un drame : en 1905, Heinz Lang, étudiant de dix-neuf ans, devint l’amant de Lina. Quand Loos appris cette liaison, Lina s’isola d’abord, puis fit comprendre à Heinz qu’elle ne le verrait plus. L’étudiant, désespéré, alla-t-il se confier à Peter Altenberg ? L’ami poète de Loos lui dit «Meurs, c’est une déesse». Heinz Lang se suicida. Lina quitta Loos, le laissant coeur brisé.

A LIRE : Adolf Loos et l’humour masochiste, de Can Onaner, éditions MētisPresses, 2020.

NOTE : La chambre a été reconstituée en 2014 pour une exposition au génial MAK (Musée des arts appliqués) de Vienne, intitulée Ways to modernism, consacrée à Josef Hoffmann (1870–1956) et Adolf Loos (1870–1933).

CET ARTICLE FAITPARTIE D’UN DOSSIER : «L’architecture peut-elle rendre amoureux-euse ?» ; «Une maison pour ton corps nu» ; «La chambre de Lina : conjugale ou mortuaire ?» ; «Meurs c’est une déesse»

juillet 27, 2020

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8:45

La chambre de Lina : conjugale ou mortuaire ?

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En 1903, l’architecte viennois Adolf Loos publie une photo de la chambre qu’il a fait aménager pour sa jeune épouse, Lina. La chambre est entièrement tapissée de fourrure et de voiles blancs. Un cocon duveteux… Pour abriter quelle étrange obsession ?

Sa première relation sexuelle, Adolf Loos l’a à 21 ans, avec une prostituée qui lui transmet la syphilis : il reste alité pendant plusieurs mois, devient stérile et perd un testicule. Pour Loos, les femmes incarnent le danger de mort. Ce qui ne l’empêche pas de les idolâtrer, surtout si elles sont jeunes. Il aime les femmes-enfants… quand ce ne sont pas les enfants tout court. Et pourtant il est féministe. Il épouse trois femmes, il divorce trois fois. Quand il épouse la troisième (Claire née Beck, âgée de 24 ans), il a pratiquement 60 ans, il est à moitié sourd, il a perdu son estomac suite à un cancer et il présente les signes précurseurs de ce qui sera plus tard diagnostiqué comme une paranoïa.

Un énergumène solitaire

Qu’il ait été fou toute sa vie ne fait cependant pas de doute tant son génie est irascible. Provocateur, intransigeant, il fait scandale avec des textes qui parlent pêle-mêle de masturbation, de suicide et de papier-peint. Dans des articles volontairement polémiques il attaque bille en tête tous ses contemporains (à commencer par les Sécessionnistes, pourtant engagés –comme lui– dans la lutte contre le rococo). Il maltraite ses clients. Il tient des propos antisémites alors que deux de ses femmes et la plupart de ses amis sont juifs. Et puis, surtout, il conçoit des projets d’architectures démentes qui ne voient jamais le jour tant elles dépassent les limites du raisonnable : en 1922, il veut faire construire pour le siège du Chigago Tribune une colonne dorique géante ; en 1929, il conçoit pour Joséphine Baker une maison agencée comme un décor de Music Hall aquatique…

Maison-cube versus chambre-matrice

Pour certains, Loos est un misogyne raciste, voire un précurseur du nazisme. Pour d’autres, c’est un progressiste aux idées révolutionnaires. Comment faire la part des choses ? Dans un ouvrage au titre séducteur –Loos et l’humour masochiste (aux éditions MētisPresses)–, l’historien Can Onaner (enseignant à l’Ecole d’architecture de Marne-la-Vallée et membre du LIAT) propose d’analyser l’oeuvre de Loos à la lumière de sa vie, afin d’en résoudre les apparentes contradictions. Il n’est en effet pas aisé de comprendre pourquoi ce pionnier de l’épure, resté célèbre pour ses maisons semblables à des cubes, s’amusait par ailleurs à concevoir des chambres capitonnées de laine angora.

Ornement et crime

D’un côté, Loos défendait (seul contre tous) le purisme le plus radical en matière d’architecture : «l’ornementation est un crime». Il prônait le dénuement. Des fenêtres percées dans des murs blancs. Des bâtiments rectangulaires. Des portes lisses. Loos était contre le «style». D’un autre côté, il s’amusait à faire surgir des pieds de lion sur des tables et des boudoirs bizarres au milieu des maisons. Loos se trahissait-il ? «Non», répond Can Onaner, qui entend donner sens aux paradoxes qu’il énumère. L’aridité apparente des façades conçues par l’architecte viennois ne servent que de trompe l’oeil, dit-il, engageant le lecteur à ne pas s’y laisser prendre. Méfiez-vous des apparences.

Utilitaire ? Lui, jamais !

Loos n’est pas un chantre de l’idéologie moderniste (utilitaire et rationnelle), insiste Can Onaner. Tout le contraire. Lorsque Loos prétend se battre en faveur d’un habitat rationalisé suivant des critères pragmatiques d’économie et d’efficience, il ne fait que mentir. Car la réalité, c’est que Loos ne respecte aucune symétrie. Les murs porteurs mitoyens n’ont pas toujours la même longueur. Les pièces ont des hauteurs de plancher ou de plafond différentes. Parfois, il fait des intérieurs qui s’emboîtent de façon hermétique (sans ouverture sur le dehors) afin de préserver une part de secret. Ses plans de maison correspondent toujours plus à l’idéal de la vie intime – la vie privée, avec ses parts d’ombre et de pulsions obscures– qu’à l’idéal de la vie collective tel qu’attendu par «l’esprit moderne».

Loos est-il un faux moderne ?

Loos serait-il un «faux moderne» (comme d’autres sont des faux maigres ou des faux jetons) ? Pas tout fait, répond Can Onaner qui préfère le présenter comme un vrai rebelle, incapable de se soumettre à la morale positiviste. Preuve en est cette chambre, dont l’aspect féérique confine à la perversion. Lorsqu’il en fait publier une photo dans une revue célèbre de l’époque, Adolf Loos expose sa vie intime au grand public. Il prétend que cette chambre reflète la persona de sa femme, Lina. De fait, Lina est connue pour ne porter que de longues robes blanches, aux traines et aux manches flottantes comme des ailes d’ange. En exhibant le lit conjugal (le lit sur lequel Lina...), Loos joue sciemment avec des fantasmes.

La Vénus à la fourrure

Les fantasmes relèvent de la projection bien sûr, mais pour Can Onaner la présence de fourrure ne laisse place à aucun doute : l’ombre de Sacher-Masoch, célèbre auteur de La Vénus à la fourrure (1870), plane sur cette chambre aux allures de sanctuaire. Adolf Loos connaissait bien les écrits de Sacher Masoch. Il en partageait d’ailleurs certainement les idées. Pour Sacher-Masoch, la femme idéale était libre, cultivée, indépendante : non pas une mère mais une amante. Lorsqu’il recouvre le sol de fourrure, Adolf Loos dévoile-t-il en creux son rêve d’aimer une égérie ? N’est-ce pas ce rêve qui conduisit son couple jusqu’au drame ?

La réponse mercredi prochain.

A LIRE : Adolf Loos et l’humour masochiste, de Can Onaner, éditions MētisPresses, 2020.

juillet 22, 2020

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9:36

Une maison pour ton corps nu

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En 1924, l’architecte Loos quitte Vienne pour refaire sa vie à Paris. L’année suivante, Joséphine Baker, 19 ans, débarque en France et devient l’égérie de l’avant-garde. Loos tombe-t-il amoureux ? Il conçoit pour Baker un bâtiment bizarre. Voire pervers.

En 1928, l’autrichien Adolf Loos réalise les plans d’une maison qui ne verra jamais le jour et que beaucoup d’architectes considèrent comme un bâtiment précurseur –l’expression de modernité la plus radicale des années folles– tout entier construit autour d’une piscine. Il est connu sous le nom : «maison de Joséphine Baker». Mais le mystère qui l’entoure est grand. Pourquoi Joséphine n’en a-t-elle jamais parlé ? Etait-elle au courant de ce projet ? En avait-elle passé commande ? A-t-elle compris dans quel piège Loos voulait la faire tomber et l’a-t-elle refusé ?

Les débuts de leur «liaison»

Commençons par le début. Lorsqu’Adolf Loos rencontre Joséphine Baker, il succombe –comme beaucoup– au charme de la danseuse que tout Paris fête et célèbre. Leur relation est amicale, semble-t-il. Joséphine montre à Loos comment danser le Charleston. Un jour, elle lui raconte qu’elle cherche un architecte. Joséphine possède à l’époque une maison dans le 16e arrondissement de Paris, entre l’avenue Bugeaud et la rue du Général-Clergerie, qu’elle veut faire entièrement rénover. Loos saisit l’opportunité. Il conçoit une maison de quatre étages, dont la façade austère s’orne de bandes parallèles de marbre noir et blanc, par allusion non seulement au multiculturalisme de sa muse, mais à son goût pour les vêtements rayés et au contraste entre sa peau (synonyme d’esclave) et sa liberté.

L’énigme de la façade

D’aspect dissonant – un bunker strié de bandes noires – la maison que Loos met au point fonctionne à la façon d’un piège optique. Elle capte l’oeil et fait tâche, littéralement, autant que Joséphine Baker lorsqu’elle danse demi-nue au théâtre des Champs Elysées. C’est une maison paradoxale, qui à la fois rappelle la prison et la sauvagerie. D’un côté, elle évoque l’univers carcéral et la tenue rayée des détenus. D’un autre côté, elle peut se lire comme un clin d’oeil aux zèbres et aux tatouages, mais également comme une allusion aux «rayures» (strip) qui se trouvent dans le mot «strip-tease». Cette maison rayée (stripped house, qui peut aussi se lire striped house autrement dit «maison déshabillée») est-elle conçue pour dévoiler le corps de Baker ou pour l’emprisonner ?

Plan d’architecte ou plan tactique ?

De toute évidence, Loos a des plans sur Joséphine… des plans faciles à lire, pour qui connaît son travail. En 1908, Loos publie un texte polémique (Ornement et Crime) : «Le premier ornement qu’on vit paraître, la croix, était d’origine érotique. Ce fut la première œuvre d’art, la première peinture que le premier peintre barbouilla sur un mur pour se débarrasser de son trop-plein de vie. Un trait horizontal : la femme couchée. Un trait vertical : l’homme qui la pénètre.» A la lumière de ce texte, que penser des bandes noires horizontales de la façade, sinon qu’elles représentent la femme noire «couchée», sur laquelle s’allonge l’homme blanc qui veut la pénétrer ?

Un projet (d’architecture) machiavélique

Pour mieux la pénétrer, Loos fait de la maison qu’il réserve à Joséphine une sorte de piège. Derrière la façade lisse et froide, il agence en effet des salles suivant une logique singulière, qui vise sciemment à éliminer tout ce qui pourrait relever de la «vie de famille». Cette maison n’est pas faite pour abriter une vie bourgeoise (celle d’une femme au foyer ni d’une mère de famille) mais, au contraire, pour mettre en valeur le corps d’une idole érotique. Lorsque le visiteur passe la porte d’entrée, la première chose qu’il voit est un immense escalier. Que fait-il ? Il lève les yeux. Résonnent alors les bruits d’une femme qui approche, invisible, perchée sur ses talons. D’abord, on ne fait que l’entendre.

Une maison qui habille et qui déshabille

Puis sa tête apparaît et, lentement… alors qu’elle avance en surplomb du visiteur… son corps apparaît aussi. Comme dans les spectacles de Music Hall, l’escalier imaginé par Loos n’a pas d’autre fonction que créer l’attente. Dans un article en forme d’ode, Fares el-Dahdah (professeur d’architecture aux Etats-Unis), décrit ainsi l’effet de scène induit par cet élément d’architecture : «L’approche de Joséphine depuis le vestibule est d’abord affaire de son. Puis sa tête apparaît, comme si elle portait les marches d’escalier à la façon d’une robe… Après quoi son corps est dévoilé graduellement, de haut en bas, comme dans les strip-teases.» Ainsi que le souligne Fares el-Dahdah, la maison de Joséphine est une maison pour voyeurs. Elle joue le rôle d’un vêtement qui sert à montrer-cacher.

Piscine ou aquarium humain ?

Au coeur de cette maison, la piscine conçue par Loos constitue l’élément le plus troublant du système. Cette piscine (9 m. de long, 4 m. de large, 2 m. de profondeur) est entourée de gigantesques vitres, sur ses quatre côtés, fonctionnant comme des miroirs sans tain. Dans cet aquarium géant, la nageuse évolue sous les yeux de tous les invités. Drapée par l’eau de cristal, inondée de lumière, elle effectue l’effeuillage aquatique. Lorsqu’elle regarde les vitres, celles-ci lui renvoient son reflet. Mais de l’autre côté, il y a des spectateurs, dissimulés, qui la regardent alors qu’elle se mire dans le verre. Joséphine Baker aimait nager. Loos le savait. Mais la piscine qu’il place au centre de son plan est placée de façon diabolique, sous un toit de verre afin de capter toute la lumière venant du ciel et de la renvoyer contre les parois vitrées pour en faire des surfaces réfléchissantes. Comme dans les peep-shows, le dispositif protège les voyeurs, afin qu’ils puissent se faire jouir en matant.

Une maison spéculative

Véritable boîte à strip, la maison de Joséphine ne semble avoir été pensée qu’en vue de prolonger un rêve masturbatoire. Pour Fares el-Dahdah, si cette maison n’a jamais vu le jour, c’est que –probablement– Loos lui-même avait prévu l’échec de cette proposition. Peut-être n’avait-il dessiné les plans que pour son propre plaisir ? Tout ingénieux qu’il soit, le piège de la maison se referme donc sur du vide… L’article de Fares el-Dahdah est accompagné par une troublante reconstitution, en images de synthèse, de cette maison fantasmatique. Réalisées par le designer Stephen Atkinson, les images en noir et blanc montrent une piscine où personne ne nage. Des salons privés où personne n’attend. Des couloirs déserts, longeant un cube rempli d’eau transparente. Voilà tout ce qu’il reste de ce fantasme architectural. De cette déclaration solitaire. Seul le désir occupe cette maison laissée lettre morte.

A LIRE : “Josephine Baker House, For Loos’s Pleasure”, de Stephen Atkinson et Fares El-Dahdah, in: Assemblage n°26, MIT Press, 1995, p 72-87.

A LIRE : Adolf Loos et l’humour masochiste, de Can Onaner, éditions MētisPresses, 2020.

juillet 20, 2020

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10:58

L'architecture peut-elle rendre amoureux-se ?

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L'architecture peut-elle rendre amoureux-se ?

En 1995, Fares el-Dahdah, professeur d’architecture aux Etats-Unis, publie un article pionnier sur «l’architecture amoureuse» : il y a des maisons qu’on fait bâtir comme des attrape-coeurs, explique-t-il. Elles sont conçues pour susciter des émotions. Pour séduire. Pour subjuguer.

Ce ne sont pas des maisons mais des labyrinthes. A l’intérieur, l’amour attend. Dans un article consacré à la maison la plus célèbre de l’histoire des maisons amoureuses (article publié en 1995 dans la revue Assemblage), le chercheur Fares el-Dahdah se penche sur l’origine de ces architectures visant à perturber. Il la fait remonter aux «folies» du 17e siècle, dont les différentes pièces distribuent des plaisirs, par savantes gradations. Certaines sont décorées de trompe l’oeil, de fontaines dissimulées ou de mécanismes surprenants. Les parcourir, c’est inévitablement tomber sous l’emprise du maître des lieux.

Paties fines et rendez-vous galants

Leur vogue dans les milieux fortunés est telle qu’en 1758, Jean de Bastide en fait l’objet d’un roman libertin (intitulé La petite Maison) : le Marquis (de Trémicour) veut séduire son invitée (Mélite) en lui faisant visiter sa garçonnière. Il la met au défi de résister. Mélite relève le gant. Elle affirme qu’elle viendra chez lui, sans succomber. Tout le récit déploie l’histoire de ce combat : poussée par la curiosité, une femme pénètre au coeur d’une maison agencée comme un piège. Des orchestres de chambre résonnent, invisibles, entre des panneaux dérobés et des parfums brusquement se déploient sur son passage. La lumière de chandeliers se diffracte à l’infini sur la surface brillante de murs et des tables apparaissent, chargées de mets succulents, avant de disparaître par rotations hypnotiques… Mélite, de plus en plus troublée, finit par céder aux avances du Marquis. Il a gagné son pari.

Des architectures pour mettre en état second ?

A la même époque, ainsi que Fares el-Dahdah le mentionne, la Marquise de Pompadour aurait fait rénover pour Louis XV le Petit Château de Choisy afin qu’il y trompe son ennui. Elle transforme le lieu en maison enchantée et, avec l’aide d’ingénieurs, y met au point d’étonnants systèmes de parois escamotables ou de table volante, afin que le roi cède à l’émerveillement. La vogue des petites maisons se répand dans l’aristocratie. C’est à qui fera bâtir la demeure la plus fantaisiste et surtout la plus propice aux rencontres secrètes : l’identité des visiteuses, autant que des participants, doit y rester confidentielle. Les portes dérobées, les murs insonorisés et les services de monte-plats contribuent autant à protéger l’anonymat des noceurs qu’à provoquer en eux une sensation de ravissement.

Les maisons affectives de l’âme

En 1780, Nicolas le Camus de Mézières consacre un ouvrage théorique aux liens entre architecture et sensations : il y décrit les petites maisons comme des boîtes à surprise où, par effet de suggestion, les occupants d’une pièce peuvent plonger dans un univers parallèle. Ces espaces sont pensés pour affecter l’âme, dit-il. Ce qui nous amène à Loos. En 1928, Adolf Loos –un des plus grands architectes et designers du début du XXe siècle– dessine le plan d’une maison spécialement conçue pour Joséphine Baker. Etait-il amoureux ? A en croire Fares el-Dahdah, cela relève de l’évidence : «De même que le marquis de Trémicour était impatient de toucher son invitée Mélite, Loos a instrumentalisé une maison pour en faire l’extension tactile de son désir, afin de s’emparer du corps exotisé de Joséphine Baker.»

La première star noire-américaine de l’histoire

L’histoire commence lorsqu’une jeune fille pauvre –métisse d’origine espagnole, noire-américaine et amérindienne– née dans un quartier de bordels du Missouri, fait un triomphe à Paris. «Jean Cocteau dessine des décors pour elle. Fernand Léger la présente aux surréalistes. Le Corbusier écrit un ballet pour elle. Matisse découpe sa silhouette grandeur nature dans un panneau qu’il suspend dans sa chambre coucher. Alexander Calder la sculpte en fil de fer et Alice B Toklas invente un pudding qui porte son nom.» Dans un article consacré à cette étrange histoire d’amour, la journaliste Catherine Slessor plante ainsi le décor : en 1925, Joséphine Baker devient la coqueluche du tout Paris. Elle rencontre Adolf Loos à la faveur, probablement, d’une de ces soirées au cours desquelles la jeune danseuse fréquente l’élite artistique de la capitale. A cette époque, Loos conçoit les plans d’une maison pour Tristan Tzara et tente (sans succès) de percer comme architecte en France.

«C’était à Paris. Elle vint vers moi de mauvaise humeur»

En 1928, Adolf Loos conçoit pour Joséphine Baker un projet de maison, un des projets plus bizarres de l’histoire de l’architecture. Voici le récit qu’en fit Adolf à son épouse, Claire Loos (et qu’elle rapporte dans sa biographie Adolf Loos Privat) : «C’était à Paris. Elle [Joséphine Baker] vint vers moi de mauvaise humeur. “Imaginez Loos, dit-elle d’un ton boudeur. Je veux faire transformer ma maison et je n’aime pas les plans des architectes”. Je ne pus me contenir. “Mais pourquoi n’être pas immédiatement venue me voir ? Ne savez-vous pas que je pourrais faire les plus beaux plans du monde pour vous ?”. Stupéfaite, Joséphine me regarda avec ses yeux d’enfant et demanda gentiment : “Alors, vous êtes architecte ?” – elle n’avait aucun idée de qui j’étais. Je fis donc des plans pour Joséphine… Je considère ce projet comme l’un de mes meilleurs.».

L’un de ses meilleurs projets, et pourtant…

Etrangement, la maison ne voit jamais le jour. Joséphine n’en parle d’ailleurs même pas dans ses mémoires. «La maison Baker fut conçue pour une personne qui, pour une raison ou pour une autre, n’en parla jamais», résume Fares el-Dahdah, avant d’avancer quelques hypothèses. «Il se peut que Joséphine Baker n’ait jamais été informée de ce projet. Il se peut aussi qu’elle se soit délibérément abstenue d’en prendre connaissance.» Mais pourquoi ?

La suite mercredi prochain.

A LIRE : “Josephine Baker House, For Loos’s Pleasure”, de Stephen Atkinson et Fares El-Dahdah, in: Assemblage n°26, MIT Press, 1995, p 72-87.

POUR EN SAVOIR PLUS : «La petite maison dans la pudibonderie»

juillet 13, 2020

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10:09

Etre un mâle, tu sais, c’est pas si facile

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Etre un mâle, tu sais, c’est pas si facile

Le pouvoir masculin n’est ni acquis, ni facile à acquérir. Cela demande beaucoup de sacrifices. Dans un ouvrage intitulé “Les coûts de la domination masculine”, plusieurs chercheurs énumèrent ce qu’il en coûte d’être viril…

Il est courant de dire qu’être homme c’est bénéficier, de facto, d’un statut supérieur à celui de la femme. Toute dominante qu’elle soit, cette position est cependant périlleuse. Pour prouver qu’il est un «dur», l’homme doit en effet montrer patte blanche, c’est-à-dire adopter des comportements à risques : conduire vite, par exemple. En France, à kilométrage égal, les hommes ont trois fois plus d’accidents graves ou mortels que les femmes. Pour prouver sa virilité, l’homme doit aussi savoir «lever le coude». En France, sur les 35 000 à 45 000 décès par an liés à l’alcool (cancer, cirrhose ou accident), 80% touchent des hommes. Il y a donc un prix payer pour assoir son statut de mâle. Y compris celui de la violence exercée sur les autres : la population carcérale est à 95 % masculine. «Le privilège masculin est aussi un piège», ainsi que le formule Pierre Alach (1).

On ne nait pas homme, on le devient

Dans un ouvrage intitulé “Boys don’t cry. Les coûts de la domination masculine”, publié en aux éditions PUR, une équipe de chercheurs estime le montant de la facture. Elle est élevée. L’espérance de vie des hommes est nettement inférieure à celle des femmes : en France, par exemple, ils vivent 6 ans de moins. Pourquoi ? Parce qu’être un mec c’est avant tout ne pas pleurer : les métiers dangereux, épuisants sont souvent pour les hommes. Sidérurgie, bâtiment, industries de l’amiante, pêche en mer… Dans leur refus de paraître faibles, ils négligent des symptômes qui conduiraient d’autres personnes à consulter un médecin : «il ne faut pas s’écouter». Pour exprimer leur courage, ils s’exposent volontairement au danger : «Sois un homme». Surtout ne pas donner l’impression d’être faible. «Autant d’activités, de sollicitation de ressources et de censure affective […] qui contribuent à une usure à la fois corporelle et nerveuse», résume Christine Guionnet, dans l’introduction.

Jouer les costauds, frimer, rivaliser

On pourrait trouver une telle recherche cynique : faut-il vraiment plaindre les rouleurs de mécanique ? Ces hommes qui rivalisent entre eux de la braguette et des biscotos ? N’est-ce pas, ainsi, participer d’une nouvelle forme de victimisation ? Non, répondent les auteurs, en insistant de façon détaillée sur le sens de leur démarche : il ne s’agit pas de «cotiser à une rhétorique de la déploration», ainsi que le formule Erik Neveu. Il s’agit au contraire de faire avancer la cause des femmes, en démontant la mécanique du système qui les pénalise, afin de montrer qu’elles ne sont pas les seules à en subir les préjudices. Ce système s’appuie tout entier sur l’exaltation de valeurs associées à la «masculinité hégémonique» : la compétition, l’agressivité, et le refus d’exprimer les affects. Ces valeurs pénalisent les hommes qui ne parviennent pas à s’y conformer : les ados homosexuels, par exemple (treize fois plus nombreux, en Amérique du nord, à commettre un acte suicidaire que les jeunes hétéros) et tous ces garçons qui préfèrent lire que jouer au foot.

La «virilité comme idéal impossible à atteindre»

Ce que le livre entend démontrer c’est qu’il est absurde d’opposer les hommes (oppresseurs) aux femmes (opprimées). Bien qu’ils se construisent par rapport aux stéréotypes de la virilité, tous les hommes ne se laissent pas formater. Comme le note Bourdieu, le devoir de «virilité entendue comme […] l’aptitude […] à l’exercice de la violence est avant tout une charge» et même ceux qui se conforment aux normes de la virilité ne parviennent pas toujours à faire illusion. Nombreux sont les perdants. Pierre Bourdieu décrivait moqueusement les comportements agressifs ou violents comme «une sorte d’effort désespéré, et assez pathétique […] que tout homme doit faire pour être à la hauteur de son idée enfantine de l’homme». Reprenant cette analyse, les chercheurs réunis dans l’ouvrage Boys don’t cry soulignent l’intérêt de «se mobiliser pour modiﬁer un ordre patriarcal» au sein duquel les hommes (pourtant premiers bénéficiaires) sont loin de s’épanouir. L’idéal viril a des effets destructeurs, disent-ils, chiffres à l’appui.

Les ravages de l’autocensure émotionnelle

Sur le plan psychologique, tout d’abord. Alors que les femmes intériorisent et font des dépressions, les hommes extériorisent et… pètent les plombs. Ils ne s’autorisent que les coups de colère. La rage est légitime pour eux. Pas la tristesse, ni l’anxiété. Vulnérables, eux ? Jamais ! Plutôt que prendre un tranquillisant, ils boivent, ils cognent, ils tuent ou se suicident. Ces comportements agressifs ou violents sont d’ailleurs accentués dans le cadre du travail, car les hommes surinvestissent leur carrière ou leur métier : par opposition aux femmes qui ont souvent une famille à gérer et qui, du coup, peuvent construire une image de soi positive en tant que mères, les hommes, eux, ne peuvent trouver de la valeur que dans la sphère professionnelle. L’image du «chef de famille» continue de prévaloir : c’est à l’homme de pourvoir aux besoins de sa famille, d’aller au front et de se battre. Pour peu qu’il se sente dénigré au travail, qu’on lui retire son poste ou qu’il perde son travail, le voilà nu, privé de resources et, d’une certaine manière, castré.

La formule de Marx : «être dominé par sa domination»

Plus les hommes se sentent déconsidérés dans leur entreprise, plus ils prennent des risques pour prouver leur valeur, plus la fréquence des accidents de travail augmente. Il en va de leur honneur. «Si une femme ne “fait pas carrière”, elle n’en demeurera pas moins femme ; alors que si un homme ne fait pas carrière – ou du moins ne s’épanouit pas dans son métier et/ou n’est pas reconnu comme tel à son niveau de compétence – son identité de genre est en jeu.» Dans un chapitre consacré aux problèmes de santé en France, quatre sociologues (Patrick Guiol, Aurélie Hess-Miglioretti, Pascale Mériot, Jorge Muñoz) affirment qu’il en coûte 1,4 million d’euros à la France, soit quelque 17 % du déﬁcit de la sécurité sociale. Paradoxalement, alors que les femmes sont, proportionnellement, plus nombreuses à connaître un arrêt de travail, elles sont bien moins fragiles que les hommes, dont la virilité semble toute entière suspendue à des jeux de pouvoir.

A LIRE : Boys don’t cry! Les coûts de la domination masculine, dirigé par Delphine Dulong, Erik Neveu et Christine Guionnet, Presses universitaires de Rennes, 2012.

NOTE 1 : « Femmes et hommes face à la mort et à la maladie, des différences paradoxales », in: Femmes et hommes dans le champ de la santé. Approches sociologiques (dirigé par P. Aïach, D. Cèbe, G. Cresson, C. Philippe), Paris, ENSP, 2001, p. 117-147.

POUR EN SAVOIR PLUS : Le sexisme médical peut-il tuer ? ; Pourquoi les mouches de labo sont-elles mâles ?

juillet 06, 2020

Lien pour '«Ceci n’est pas une petite fille»
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8:12

«Ceci n’est pas une petite fille»

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Le tableau de Magritte, intitulé “La trahison des images”, montre une pipe surmontée de la phrase «ceci n’est pas une pipe ». Il serait, en effet, difficile de fumer avec. Le même raisonnement s’applique-t-il aux peintures représentant des petites filles nues ?

L’américain Stu Mead fait partie des artistes les plus controversés à l’heure actuelle. Il dessine des nymphettes léchées par des diables et des filles pré-pubères qui se caressent dans des fontaines. Montrer son travail, c’est –inévitablement– s’attirer des ennuis. Sous prétexte de lutter contre la pédophilie, assimilant les fillettes en papier à de vraies personnes, les détracteurs de Stu Mead l’accusent de commettre un crime. Les fillettes en papier ne peuvent pourtant ni sentir, ni souffrir ? Ce sont des êtres imaginaires, des fictions matérialisées à l’aide de pinceaux sur une surface plane, des «chimères artistiques, qui, en tant que telles, n’agressent aucun enfant ni ne transgressent aucune loi démocratique en vigueur». Toutes innocentes qu’elles soient (objectivement), ces images suscitent pourtant la colère de certaines personnes.

Campagne de haine à Marseille

En 2004, lors de l’exposition collective «When Love Turns to Poison» au Kunstraum Bethanien de Berlin, une des peintures de Mead (“Première communion”) est vandalisée par un intégriste. En 2008 lors d’une exposition de Mead à la Hyaena Gallery à Burbank (Californie), quatre artistes associés à la galerie la quittent en guise de protestation. En 2015, l’exposition Berlinhard à l’atelier du Dernier Cri à Marseille déclenche une campagne de haine (assortie de menaces de mort) sur les réseaux de la fachosphère. En 2020, pourtant, une galerie d’art associative, E²/Sterput (à Bruxelles) consacre courageusement une exposition (intitulée «Divines») au travail de Stu Mead (1). Pour défendre le travail de Stu Mead, la galerie E²/Sterput publie même un livre d’art (Nympha Stumeadiana), en 150 exemplaires, dans une édition de luxe vendue seulement 20 euros, accompagnée d’un essai élogieux en faveur de l’artiste.

Les nymphes à l’origine du don de propétie

La préface, signée Déline Luca, présente ceci d’admirable qu’elle évite tout effet de manche : Stu Mead n’y est pas présenté comme un martyr, ni comme une victime du puritanisme. Ce serait trop facile. Stu Mead est au contraire présenté comme coupable : coupable de nympholeptie. «Mead est, après Balthus, Bellmer et Darger, le dernier grand nympholepte de la peinture», explique Déline Luca, par allusion au Phèdre, un texte dialogué (datant du 4e siècle avant Jésus-Christ) dans lequel Socrate raconte qu’il est toujours dangereux d’approcher des sources, parce qu’elles sont habitées par des nymphes. Quand les nymphes voient un homme, elles s’emparent de son esprit. Subjugué, le voilà nymphólêptos –littéralement “frappé par les nymphes”– dépossédé de lui-même, rendu fou. Socrate dit que cette folie déclenchée par les nymphes est celle, exactement, qui transporte les pythies visionnaires. Elles ont reçu des nymphes une forme d’inspiration quasi-surnaturelle que Socrate nomme «l’art de la folie» (manike).

Eidolon : idole, image, simulacre

En français, hélas, le nom des nymphes s’est abâtardi : il a fini par donner «nymphomane», soit l’équivalent d’obsédé-e sexuel-le. Dans Phèdre, les nymphes étaient présentées comme «la frémissante, oscillante, scintillante matière mentale dont sont faits les simulacres» - ainsi que le formule Roberto Calasso (2), c’est-à-dire comme de purs fantasmes à l’origine du génie créateur. Dans notre société moderne, on ne voit plus les nymphes comme des formes d’enchantement. Quand Déline Luca affirme que Mead est nympholepte, elle se réfère bien sûr au sens ancien : aucune petite fille réelle n’a été maltraitée pour faire des tableaux. Celles que Stu Mead représente ne sont que des idoles fantasmagoriques, conçues en réaction au réel. Dans le réel, Stu Mead n’a pas eu de chance. Il est né à Waterloo (dans l’Iowa, aux États-Unis) en 1955, dans un environnement puritain. Le malheur veut qu’il soit né avec une arthrogrypose : une anomalie congénitale affectant les articulations et les muscles.

«Comme si ces filles possédaient un pouvoir magique»

En grandissant avec ce handicap, il développe avec les filles une relation compliquée, mélange de frustration, d’angoisse et de honte. Dans un entretien avec Ghazi Barakat (publié dans l’ouvrage Innocence instable), Stu Mead raconte : «Quand j’étais petit, j’étais extrêmement émotif envers les filles de mon âge. Si une fille fleurtait avec moi, je devenais très agité ou effrayé. […] Cette anxiété sexuelle associée aux petites filles est restée jusqu’à ce jour.» Exclu des activités sexuelles réservées aux «gens normaux», Stu Mead se crée un univers érotique sur mesure. Il a peur des petites filles ? Il en fait les agents de son théâtre cruel. Il a aussi peur de l’eau ? L’eau devient le moteur de son trouble. Dans ses tableaux, les nymphes relèvent du rêve. Un rêve agité, tentateur, inquiétant, jouissif, choquant… mais un rêve. Faut-il interdire aux gens de rêver ou, même, cauchemarder ? Faut-il s’interdire à soi-même d’être «saisi» par les nymphes de Mead ?

A LIRE : Nympha Stumeadiana, une sélection d’œuvres de l’artiste américain Stu Mead, avec un texte de Déline Luca («Stu Mead, le dernier nympholepte»), catalogue d’exposition de l’exposition “Divines“, éditions E²/Sterput, 2020.

NOTE

1) A Bruxelles, l’exposition «Divines» ne fait pas la moindre vague. Nous sommes en Belgique, normal : la patrie de Magritte et de Benoit Poelvoorde

2) Roberto Calasso, La Littérature et les dieux, Gallimard, 2002, p. 36-37. Cité pr Déline Luca.

juillet 01, 2020

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7:41

Les vauriens solaires de Bolliger

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Voyou récidiviste, René Bolliger grandit dans des foyers de redressement avant de devenir la coqueluche du tout-Paris, l’ami de Cocteau et l’auteur d’oeuvres clandestines dont la galerie Au Bonheur du jour (Paris) dévoile la beauté.

Né à Lausanne (Suisse) en octobre 1911, René Bolliger n’est guère connu que des amateurs de curiosa. Il aurait pu, tout aussi bien, sombrer dans l’oubli. Son oeuvre est presque entièrement secrète, constituée d’ouvrages distribués sous le manteau, d’images confidentielles et d’illustrations dites «hors-commerce», qui circulent de façon parfaitement illégale entre les mains de riches amateurs dont René Bolliger cultive l’amitié dans le Paris nocturne des années 50 et 60. De ce noceur au passé de voyou, on ne sait presque rien. Il faut toute la détermination de Nicole Canet, créatrice de la galerie d’art Au Bonheur du jour (spécialisé dans l’homo-érotisme), pour sortir cet artiste de l’ombre.

Depuis plusieurs décennies, Nicole Canet collectionne les oeuvres de René Bolliger. En juillet 2020, pour la première fois, elle lui consacre une exposition – Les Beaux mâles – marquée par la publication d’un livre rempli d’images inédites et de documents rares. Ce livre (également intitulé Les Beaux mâles) apporte sur René Bolliger toutes les informations patiemment exhumée des archives, glanées au fil d’une longue enquête par deux chercheurs – Raphaël Matthew et Rolf Thalmann – avec qui Nicole collabore, animée par le même désir de sauver la mémoire d’un artiste méconnu.

Mon propre enfant en prison ?

De fait, le livre ne lève qu’«un peu» le voile : la vie de René Bolliger reste manifestement une énigme pour tous ceux qui le connaisse. Y compris pour sa propre mère. Dans la biographie, il est ainsi fait état d’une lettre qu’elle écrit au sujet de son fils, remplie de désarroi : quels que soient les moyens, amour ou sévérité, René n’a fait qu’empirer. Elle craint que son fils n’aille en prisono. La lettre date de 1928. René Bolliger a alors 17 ans, un caractère trouble, une enfance marquée par des accès de dépression, une scolarité chaotique, une timidité maladive, une forte propension à mentir et un orgueil à toute épreuve.

Graine de voyou

On veut faire de lui tantôt un jardinier, tantôt un employé commercial. L’enfant se rebelle, commet des larçins, multiplie les séjours en maisons de correction et en foyers pour mauvais garçons. La police le décrit comme moralement instable. René Bolliger est surtout révolté : on veut faire de lui un modeste citoyen ? Peut-être même un bon père de famille !? Lui SAIT qu’il a du talent. Lequel, il ne sait pas encore. Mais il aspire à un destin. A bout de ressources, l’administration judiciaire le place dans une clinique. C’est là, paradoxalement, qu’il trouve enfin sa voie.

Psychopathe homosexuel et moralement déficient

Lors du premier séjour en clinique, le verdict tombe : «psychopathe homosexuel et moralement déficient» Bien que les médecins le diagnostiquent mythomane, certains l’encouragent à dessiner. D’abord en auto-didacte, puis en élève aux cours de soir de peinture, René Bolliger se met à produire des oeuvres qui attirent peu à peu l’attention des amateurs. En 1949, il part à Paris, pour goûter à la vie de Bohême, obtient l’appui de Cocteau, fréquente les cabarets et devient une figure de la jet-set des sixties.

«Un dessin racé aux accents justes et palpitants»

Officiellement, Bolliger est connu pour ses gravures de chevaux. Son renom, à l’époque, vient de ce qu’il croque à merveille les croupes musclées de montures tenues par des éphébes nus. Les critiques d’art vantent la puissance «racée» de ses équidés, sans trop s’appesantir sur la puissance non moins palpitante des jeunes garçons qui mâtent les bêtes. Mais personne n’est dupe. Sa véritable renommée, Bolliger se la taille dans l’ombre : dans les milieux qu’il fréquente – où se croisent poètes, dandys, stars et fêtards –, René Bolliger devient par excellence le maître des copulations viriles. Ses ardoises griffées à la pointe de diamant et ses dessins à la sanguine sont peuplées de malabars souriants, de matelots déculottés et de «noirs macrophalliques» aux étreintes joyeuses. Il fait de ces corps à corps la matière d’une production souvent «à la commande» : ses travaux sont faits en exemplaires unique et s’écoulent sur le marché de l’art interdit.

Un pied dans la jet set

A cette époque, René Bolliger semble heureux. Il est l’ami de Nicole Barclay (seconde épouse du célébrissime producteur Eddie Barclay), il fréquente Olivier Lange le roi des nuits parisiennes et il fait partie des intimes de Tonton (alias Gaston Baheux) «mythique patron de plusieurs boites de nuit dont le Liberty’s bar […] qui verra en ses murs défiler, Colette, Cocteau, Piaf, Mistinguett, Francis Carco… Haut lieu des nuits parisiennes où se côtoient gays, travestis, personnalités du spectacle, princes et princesses du gotha, actrices hollywoodiennes… Très vite l’endroit devient pour les habitués simplement… chez Tonton.» Il figure même sur une photo aux côtés de Guy Lux (l’animateur TV) et d’une Miss France 1966. D’où vient alors que René Bolliger soit retrouvé mort à Berlin en 1971 ? Et de quoi est-il mort ?

Bolliger «peintre, sans demeure fixe»

«Dans le registre des décès de Francfort-sur-le-Main, en Allemagne, on lit, en date du 23 mai 1971, l’inscription suivante : “René Bolliger, peintre, sans demeure fixe”. Que faisait-il en Allemagne à cette époque ?». Les auteurs de l’ouvrage l’ignorent. Une seule chose de sûre : dispersée dans des collections, longtemps mise au secret, l’oeuvre de René Bolliger a failli rester inconnue du grand public. De lui, les musées n’ont presque rien : trois dessins se trouvent au Kunstmuseum de Bâle. Le Sex Museum Venustempel d’Amsterdam conserve un exemplaire illustré par lui du poème Hombres (Verlaine). «L’un des plus important fonds d’œuvres de René Bolliger est détenu par la galerie parisienne de Nicole Canet, Au Bonheur du Jour.» Ce fond est maintenant dévoilé, sous la forme d’un livre en édition limitée et d’une exposition, du 1er juillet au 26 septembre 2020, à Paris.

A LIRE : Les Beaux Mâles, dessins érotiques 1950-1970 de René Bolliger. Tirage limité à 500 exemplaires dont 20 hors-commerce. Relié – 272 pages – 180 illustrations. Format 21 x 27 cm. Textes de Florent Paudeleux et Nicole Canet. Biographie de Rolf Thalmann et Raphael Matthey. Éditions Galerie Au Bonheur du Jourédition limitée à 500 exemplaires, 272 pages, 180 dessins.

A VOIR : Les Beaux Mâles, exposition du 1er juillet au 26 septembre 2020. Au Bonheur du jour : 1 rue Chabanais - 75002 Paris. Tel. 01 42 96 58 64. Du mardi au samedi 14h30-19h30.

juin 29, 2020

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14:55

«Culture du viol» : ces mots ont-ils un sens ?

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«Culture du viol» : ces mots ont-ils un sens ?

Venue des Etats-Unis, l’expression “rape culture” se banalise en France. Problème : cette expression utilisée à tort et à travers sert maintenant à légitimer des discours en parfaite contradiction avec le message initial que ces mots portaient.

Lorsqu’elle est née à la fin des années 2000, l’expression «culture du viol» avait une raison d’être. Il s’agissait de désigner, sous une forme synthétique, les différentes causes de l’injustice sexuelle. A la question «Pourquoi, dans certaines société, la majorité des agressions sexuelles sont-elles commises par des hommes sur des femmes ?», répondre en trois mots, c’était pratique. Pour ceux et celles qui disaient «culture du viol» l’expression avait un sens précis. Dans l’ouvrage Corps Accord, rédigé par les féministes, elle était ainsi définie : «ensemble de comportements qui banalisent ou qui encouragent les agressions sexuelles : on rend la victime responsable de l’agression (tenue vestimentaire, consommation d’alcool), on met en doute sa parole, on encourage les jeunes garçons à insister pour avoir des relations sexuelles et on juge négativement les femmes qui en ont (slut-shaming)».

Etre séductrice «sans passer pour une salope»

La culture du viol, pour donner un exemple précis, c’était le discours de la presse féminine, incitant la lectrice à «être attirante» mais «sans passer pour une allumeuse». La culture du viol, c’était ces juges reprochant aux victimes leurs tenues ou leurs dessous «affriolants». La culture du viol, c’était aussi ces mises en garde : «Si tu couches le premier soir, il te prendra pour une fille facile», «Si tu mets une jupe trop courte, il te traitera comme une pute», «Refuse-toi si tu veux être respectée». La culture du viol, pour résumer, c’était d’interdire aux femmes la libre disposition de leur corps, en les prenant au piège d’injonctions contradictoires –«être sexy mais pas salope», «s’amuser mais pas avec n’importe qui», «charmer sans aguicher»– toutes chargées du même message : le sexe est dégradant pour une femme. Si elle s’adonne au sexe, il est donc juste qu’elle soit punie, c’est-à-dire avilie.

L’étiquette de pute comme outil de contrôle social

La culture du viol, c’était tout cet ensemble de petites phrases humiliantes désignant, d’une part, la femme «trop» libre comme trainée et, d’autre part, le garçon «pas assez» viril comme tapette. La culture du viol, c’était le discours incitant les hommes à se conduire de façon agressive pour prouver leur valeur et interdisant aux femmes d’avoir une sexualité récréative, sous peine d’en subir les conséquences. Deux manières de légitimer le viol. Soit en justifiant les inconduites des mâles, soit en justifiant le sort réservé aux fauteuses de trouble. «Après tout, elle cherchait…», «Quand on s’habille comme ça, faut assumer», «Elle sortait avec n’importe qui, alors…». Voilà tout ce que l’expression «culture du viol» dénonçait pêle mêle. Il n’est pas difficile de comprendre l’aspiration à la liberté qui sous-tendait son usage : pour ceux et celles qui parlaient de «culture du viol», la meilleure manière d’en finir avec le viol c’était –bien évidemment– d’encourager les femmes à séduire activement, en quittant la posture passive de la petite souris qui attend son matou.

Des mots retournés contre eux-mêmes

De façon implicite, les adeptes de cette expression militaient pour que les filles s’autorisent à draguer, à faire le premier pas, à être actives sexuellement… Hélas. Ces idéaux semblent avoir disparu, remplacés par leur exact contraire. L’expression «culture du viol» n’est maintenant plus utilisée qu’à contre-sens, en vue de défendre des positions exactement inverses à celles qui prévalaient autrefois. Pour ses nouveaux utilisateurs-ices, l’expression «culture du viol» ne sert plus qu’à censurer des images érotiques, des textes littéraires et parfois même, comble de l’ironie, des articles féministes. La chercheuse Laura Kipnis en a fait les frais. Dans son livre Le sexe polémique, elle raconte ainsi l’histoire : en mars 2015, des élèves organisent une manifestation contre elle à l’aide de matelas. Elles prennent exemple sur une étudiante de Columbia –déboutée de sa plainte pour agression sexuelle– qui avait trainé pendant un an son matelas avec elle pour faire une oeuvre d’art-performance. Sur les campus américains, le matelas est devenu le symbole de l’agression sexuelle.

L’obsession de protéger les femmes…

De quoi ces étudiantes accusent-elles Laura Kipnis ? D’avoir publié un article qui participe de la «culture du viol», car il contient des idées offensantes. L’article en question (intitulé «La paranoïa sexuelle frappe le milieu académique») établit que plus un système protège les femmes –en les assignant au statut de personnes qui toujours subissent–, plus il les fragilise. Dans cet article, Laura Kipnis s’inquiète : «l’obsession pour un imaginaire mélodramatique d’impuissantes victimes et de puissants prédateurs [se fait] au détriment de qui l’on prétend protéger les intérêts, nommément les étudiantes. Et quel en est le résultat ? Elles se sentent plus vulnérables que jamais.» Peu après la publication de l’article, des étudiantes affirment s’être senties «blessées» par cette lecture, apportant une confirmation éclatante aux propos de la chercheuse. Hélas pour Laura Kipnis, l’affaire tourne au vinaigre. La controverse prend des proportions telles qu’elle manque se faire renvoyer de l’Université. Tout ça au nom de la «culture du viol».

… renforce les préjugés contre le «sexe faible»

Dans un ouvrage passionnant consacré à ce qu’elle appelle une véritable chasse aux sorcières, la chercheuse contre-attaque. «Dans les universités, l’expression «culture du viol» en est venue à servir une rhétorique de l’urgence», dit-elle. Soi-disant pour lutter contre la «culture du viol», les autorités déploient tout un arsenal (mesures punitives, surveillance généralisée, justice expéditive, délation encouragée) qui contribue à exacerber les peurs, donc les fragilités, mais surtout à renforcer cette même «culture du viol» en dissuadant les filles de sortir du rang. Rien de plus efficace que la politique de terreur pour décourager leur émancipation. Plus les institutions (avec la collaboration des médias) prétendent défendre le sexe qu’elles jugent faible, plus elles valident l’idée que la femme ne PEUT PAS être sexuellement active, ne PEUT PAS draguer, puisqu’elle est avant tout une victime. «Tout ça crée un climat dans lequel la présomption de la femme comme réceptive par défaut aux avances des hommes est la règle», résume Laura Kipnis dans une interview à Libération.

Le triomphe du féminisme carcéral

Mise au service du tout sécuritaire, de l’intimidation sur les réseaux sociaux, des campagnes de haine et de l’appel au boycott, l’expression «culture du viol» permet maintenant à ceux et celles qui s’en arrogent l’usage de défendre des positions diamétralement opposées à celles qui permettraient d’en finir avec le viol. C’est le triste constat de Laura Kipnis : «La politique sociale inspirée par les préoccupations féminines a connu un tournant belliqueux axé sur la sécurité et, pour le décrire, on a eu recours à l’expression «féminisme carcéral», inventée par Elizabeth Bernstein, sociologue au Barnard College : plus de surveillance, plus de réglementation, un empressement à troquer les libertés individuelles contre d’illusoires promesses de sécurité, et la même orgueilleuse incapacité à analyser la situation. C’est ce féminisme carcéral qui guide aujourd’hui les universités, dans un esprit profondément conservateur et répressif, détournant les ressources financières destinées à l’éducation vers l’appareil punitif.»

Les militantes pseudo-radicales : des néo-conservatrices ?

Au sein du féminisme, il y a toujours eu affrontement entre courants puritains et courants émancipateurs. «Les féministes soi-disant radicales des années 1980 (le qualificatif a toujours été inapproprié) étaient des bégueules myopes, qui n’ont pas hésité à faire alliance avec les chrétiens conservateurs contre le démon de la pornographie (tout comme certaines féministes de la première vague avaient rejoint les prohibitionnistes dans leur lutte contre le démon du rhum)», rappelle Laura Kipnis. Aujourd’hui, les voilà de retour. Ces militantes qui se réclament du féminisme ne font que recycler les pires clichés du XIXe siècle, à l’aide de mots expurgés de leur signification première. Pour elles la «culture du viol», ce sont les images de beautés dénudées… comme si l’érotisme était le monopole des hommes. Pour ces nouvelles puritaines, la femme ne saurait qu’être dégradée et avilie par le sexe. Ca ne vous rappelle pas quelque chose ?

Haro sur la salope… pardon, je voulais dire femme-objet

Pour Laura Kipnis, l’ardeur avec laquelle ces militantes crient au scandale dès lors qu’une femme est mise en scène comme «objet de désir» est en tout point similaire aux jugements moraux sur les salopes. Il s’agit –en tordant des concepts féministes pour en faire les outils d’un nouvel ordre moral– de jeter le discrédit sur toutes les femmes qui s’affichent comme «trop» libres sexuellement, «trop» attirantes, «trop» désirables ou «trop» désirantes. Remplacez l’expression «femme-objet» par «allumeuse» dans les discours de ces pourfendeuses du machisme (sic) et vous obtiendrez… un discours machiste, parfaitement misogyne. «On retrouve là, en effet, dans une nouvelle livrée, l’appétit familier du mouvement anti-pornographie pour le récit de la femme captive, confirme Laura Kipnis. Cette nouvelle version ne tombe certes pas dans l’anti-pornographie, ce qui ferait ringard (de nos jours, même les mères de famille de banlieue prétendent aimer la porno), mais la saga défraîchie de femmes tenues en joue par les pulsions sexuelles masculines ne manque pas de popularité.»

A LIRE : Le Sexe polémique. Quant la paranoïa s’empare des campus américains, Laura Kipnis, traduit par Gabriel Laverdière, éditions Liber, 2019.

POUR EN SAVOIR PLUS : «Les leçons de morale du CSA» ; «Haro sur les publicités “sexualisées”» ; «L’érotisme, c’est du sexisme ?» première partie, «L’érotisme, c’est du sexisme ?» deuxième partiE ; «Sexe = violence ?» ; «Etre contre le sexisme, pas contre le sexe» ; «Pourquoi les femmes ont-elles peur dans la rue ?» ; «Harcèlement de rue : violence ?» ; «Eye rape : le viol par le regard»

juin 24, 2020

Lien pour 'Port du masque : danger, perte d'identité ?
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10:00

Port du masque : danger, perte d'identité ?

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Au Japon, les hommes qui vivent seuls sont de plus en plus nombreux. Pour compenser la solitude, certains portent des masques de jeunes femmes ou de poupées. A voir samedi, sur le site du musée du quai Branly.

Ce week-end, c’est historique, le musée du quai Branly inaugure son premier colloque dématérialisé, l’occasion de montrer des images inédites, qui ne seront visibles qu’une seule et unique fois. Le colloque s’intitule «Identités Désirées». Le hasard veut qu’il ait été programmé au moment même où l’épidémie s’est répandue en France. Il devait avoir lieu dans le vrai musée, avec de vrais gens de chair et d’os. Il se déroule, finalement, dans une version en LiveStreaming et à distance, sur la chaine YouTube du musée : samedi 27 et dimanche 28 juin, de midi à 17h20, une douzaine de chercheurs et d’artistes aborderont la question de savoir ce que signifie porter un masque ou se déguiser sur les réseaux. Pourquoi certains humains ne veulent-ils plus être eux-mêmes ? Pourquoi désirent-ils se changer en femme ? En chat ? En épouse de personnage de jeu vidéo ?

Devenir avatar ? S’unir à un héros de jeu vidéo ?

La question peut sembler saugrenue. A la lumière de l’épidémie, elle prend cependant l’aspect sinistre d’une prémonition : maintenant, de plus en plus de gens s’amusent à utiliser des avatars pour télé-travailler. Or le choix d’avatar est loin d’être anodin. Par ailleurs, de plus en plus d’humains se mettent à porter des masques. Comme l’explique le sociologue Dominique Boullier, dans la conférence inaugurale du colloque («Extension du domaine du fake»), cela peut sembler normal dans des pays comme le Japon, mais en Occident cela implique un «bouleversement profond des moeurs», générateur d’angoisses. «Surtout en France, dit-il, où la question du voile resurgit au moins une fois par an», le port du masque obligatoire force les gens à repenser dramatiquement leur vision du monde.

Des fantômes amoureux d’autres fantômes

Pour les plus inquiets, il n’est d’ailleurs pas indifférent que le mot virus désigne aussi bien le Covid que les infos en ligne : «masque et fake news, même combat», disent-ils. Pour eux, le masque est le symbole d’un monde voué à devenir toujours plus faux, artificiel et, donc, dangereusement détaché de l’emprise que le corps nous donne sur le réel. Ont-ils tort ou raison ? Le colloque, qui n’était –à l’origine– destiné qu’à étudier des phénomènes sociaux au Japon, pourrait peut-être apporter des réponses. Profitant de l’épidémie, les chercheurs se questionnent : faut-il craindre que les gens, forcés de se masquer, deviennent anonymes ? Les masques favorisent-ils la perte d’identité ou pire, la dilution des individus dans un monde hyper-connecté ? Sommes-nous condamné-es à ne plus nous exprimer qu’à travers des écrans et à nous séparer physiquement les un-es des autres ? Allons-nous devenir des fantômes amoureux d’autres fantômes ?

Un colloque avec des vidéos d’art dedans

Pour répondre à toutes ces questions, le colloque «Identités Désirées» diffusera en LiveStreaming des vidéos enregistrées de conférences, qui seront ensuite mises en ligne et accessibles de façon permanente sur le site du musée. Mais le jour même de l’événement certaines vidéos d’art seront également diffusées, une seule et unique fois. Parmi ces vidéos, j’aimerais ici parler de celle qui s’intitule Spotting Tsuma (Rechercher une épouse), car elle a été réalisée tout spécialement pour le colloque, pendant le confinement avec des morceaux de tournage qui n’étaient pas destinés à être montrés. Cela rend le document exceptionnel. D’autant plus exceptionnel, d’ailleurs, qu’il a fallu pas moins de dix ans pour en réunir toutes les pièces.

Imaginez un monde privé de femmes

Imaginez un monde privé de femmes. Le film commence ainsi : les femmes ont disparu de la terre. Elles n’existent plus qu’à l’état de fantasmes. Comment faire face ? Spotting Tsuma, oeuvre de poétique-fiction, a été réalisé par un couple franco-japonais – Alain Della Negra et Kaori Kinoshita – à partir de rushs de repérage et d’entretiens tournés au cours des dix dernières années.

«Il est difficile de combler le manque tout à fait»

Entre fable et documentaire, Spotting Tsuma offre –en un raccourci vertigineux de 26 minutes– une longue et patiente enquête menée dans différentes milieux, tous masculins, tous marqués par le manque. Que faire quand on se sent seul ? Quatre types de réaction face à l’absence de femmes sont documentés : l’achat d’une love doll, le travestissement en femme, le déguisement en poupée et les jeux de simulation amoureux. Prenons le premier cas : celui des hommes qui s’achètent une poupée. Leurs témoignages sont les plus émouvants. Celui de Kotaro, par exemple, un retraité aux cheveux poivre sel : «Le fait qu’il n’y ait plus de femmes créé un choc véritable. Malgré nos efforts, il est difficile de combler le manque tout à fait.» Dans son petit studio, les vêtements de la poupée occupent une grande partie de l’espace. On se croirait dans le studio d’une jeune fille.

La poupée comme double

Kotaro aime une poupée qui s’appelle Saori. Chaque jour, il lui consacre tous ses soins, l’habille de jolies tenues, la coiffe et lui fait prendre des poses. Lorsqu’il la manipule, c’est comme s’il se dédoublait en pensée… Une partie de lui se transfère dans la poupée. «Les hommes sont romantiques, explique Tsuchiya, créateur d’Orient Industry, la firme pionnière dans le commerce des love dolls. Quand ils ont une poupée, ils projettent sur elle leur ex-copine […]. Les sentiments sont indispensables pour faire l’amour à une poupée.» Pour Tsuchiya, il semble évident que les hommes sont des êtres au coeur tendre. Curieusement, tout au long du film, c’est le même message qui revient. Les femmes n’ont pas besoin des hommes au Japon. C’est pour ça qu’elles ont disparu en les laissant seuls, dans leur pauvre monde… seuls face au besoin déchirant d’une présence.

Les garçons-filles japonais

Plus le film avance, plus il devient troublant. Pour compenser la solitude, certains hommes se travestissent. Ils font partie d’une communauté d’otoko-no-ko, soit des garçons au look androgyne qui se retrouvent lors de soirées vêtus, coiffés et maquillés en femmes, afin de mesurer leur pouvoir de suggestion. Lequel d’entre eux possède la plus haute maîtrise dans l’art du nyotai-ka (incarnation du féminin) ? Pour mieux se préparer à la compétition, certains vivent en femme, afin que celle qu’ils invoquent de leurs voeux reste le plus souvent possible à leur côté. Se travestir, c’est invoquer la femme, disent-ils. Lorsqu’ils se regardent dans un miroir, ils ont l’impression qu’elle est là. C’est une des scènes les plus troublantes du film.

Une poupée silencieuse

Une poupée silencieuse dans une pièce à tatami. Plongée dans ses pensées. Sa peau, synthétique, a été cousue pour recouvrir entièrement le corps. Sous cette enveloppe couleur saumon, un être bouge sans qu’on puisse deviner sa nature. Un homme adepte de kigurumi (transformation en personnage style manga) explique ainsi le phénomène : «Il faut respecter le principe d’identification avec une poupée. Il ne faut surtout pas montrer qu’il y a quelqu’un à l’intérieur. Pourtant, la vérité, c’est qu’il y a un homme à l’intérieur.» Il affirme que le plaisir, face à la poupée, c’est ressentir «le spectre de l’homme qui habite la poupée». Au Japon, ainsi que Spotting Tsuma le dévoile, par touches énigmatiques, si les hommes se déguisent et enfilent des masques ce n’est pas pour se perdre.

Faire du masque un jeu de cache cache avec ?

Le changement d’identité offre à ces hommes l’espoir de faire advenir celle qu’ils attendent en secret. «Nous sommes particulièrement touchés par ceux qui essaient de contrer la solitude, par ceux qui tentent des gestes pour dépasser l’anxiété qui nous paralyse, et nous rend bien souvent spectateurs de notre existence. C’est ce que font ces hommes, nous semble-t-il.» Pour Alain della Negra et pour Kaori Kinoshita, toutes mystérieuses qu’elles soient, leurs pratiques sont porteuses d’espoir.

A VOIR : Spotting Tsuma, film à diffusion unique d’Alain della Negra et Kaori Kinoshita, samedi 27 juin, 16h.

Dans le cadre du colloque international “Desired Identities. New Technology-based Metamorphosis in Japan” (en anglais, avec sous-titres en anglais), qui avait lieu en LIVE STREAMING sur la Chaine YouTube du musée du quai Branly-Jacques Chirac. Ce colloque aborde le phénomène “kyara-ka” (transformation en personnage fictif) ainsi que les stratégies et pratiques numériques liées à la présentation de soi : avatar, vocaloid, e-cosplay, VTubing...

Organisé par le groupe de recherche européen EMTECH, en collaboration avec le département de la recherche du musée du Quai Branly, ce colloque se déroule en ligne les samedi 27 et dimanche 28 juin 2020 : deux jours pendant lesquels, entre midi et 17h20, les internautes peuvent voir les présentations sous la forme de vidéos (30 mn) entrecoupées de pauses, de court-métrages inédits et de rendez-vous avec les chercheurs pour poser des questions dans un espace de rencontre dédié.

FILMOGRAPHIE d’Alain della Negra et Kaori Kinoshita : «The cat, the reverend and the slave», 2010. «Bonheur académie», 2017

ILLUSTRATION : photo d'Inuyamai Nuko, artiste japonais spécialisé dans la fabrication des masques pour amateurs de kigurumi et créateur du cercle Nukopan.

juin 22, 2020

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7:48

Sexistes et vulgaires, les pin-ups ?

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Adieu posters de charme. Les images de femmes nues disparaissent maintenant des garages, des casernes et des cabines de routier. Pourquoi ? Dans un ouvrage intitulé “La pin-up à l'atelier”, l’anthropologue Anne Monjaret enquête sur un monde (bientôt) perdu.

En 2017, lors d’une visite au musée de l’usine Peugeot (à Sochaux), Anne Monjaret s’aperçoit qu’il manque quelque chose dans la reconstitution d’un atelier de garage : les calendriers sexy. Ont-ils été retirés par la direction du musée ? Jugés trop offensants pour le grand public ? Elle ne le saura jamais. L’épisode cependant lui donne envie d’y consacrer un livre, à la fois drôle et nostalgique, illustré des photos qu’elle prend depuis la fin des années 1990 dans les lieux – souvent masculins – où elle enquête : salles de garde d’hôpitaux, locaux techniques, vestiaires d’ouvriers… De cette «pratique d’affichage en milieu de travail, désormais controversée, car non respectueuse des femmes», Anne Monjaret fait l’objet d’une enquête extraordinairement pointue (La pin-up à l’atelier. Ethnographie d’un rapport de genre) qui analyse les pin-ups dans leur contexte d’apparition.

Des vrais, des durs, des hétéros-straights

Il est courant de voir dans ces images de femmes «punaisées» (pin-up) quelque chose de vulgaire, voire pire : une forme de sexisme. De cette imagerie populaire et souvent méprisée, l’anthropologue fournit bien sûr une analyse critique. Il n’est pas anodin, dit-elle, que ces posters ou ces cartes postales soient placardés dans des lieux peuplés d’hommes : elles contribuent à les souder, en rendent «visibles les valeurs communes au groupe d’appartenance». Il s’agit, pour les travailleurs, d’afficher leur adhésion aux valeurs macho-viriles. Qu’ils soient ouvriers, artisans, routiers ou militaires, ceux qui «décorent» leur espace de travail avec un modèle sexy le font pour se conformer aux règles qui structurent le groupe. La pin-up permet de montrer patte blanche. Autrement dit, de signifier qu’ils sont des hétéros.

Les pin-ups comme outils de construction identitaire

«Il s’agit de s’entourer de “femmes pour s’apprécier entre hommes”», explique Anne Monjaret (citant le titre d’un célèbre ouvrage sur la culture des Alpha Mâles). Les photos découpées de filles en bikini jouent le rôle de signaux d’appartenance. «Je suis des vôtres» et gare au contrevenant qui punaiserait une pin-up dominatrice (toute de cuir vêtue) ou une photo trahissant des goûts jugés déviants. «L’accrochage de ces images féminines s’apparente à une pratique d’initiation ritualisée», ajoute la chercheuse, car elles marquent, pour les apprentis, «l’entrée au travail tout comme l’entrée dans une classe d’âge qui annonce une maturité sexuelle.» Un peu comme dans la «maison des hommes», ces espaces –réservés aux hommes– où les garçons sont éduqués à la virilité par leurs aînés, les lieux de travail décorés de pin-ups fonctionnent comme des matrices.

«Ils doivent prouver qu’ils ont des couilles»

A l’origine, en 1982, l’expression «maison des hommes» est employée par Maurice Godelier pour désigner ces bâtiments dans lesquels les Baruya (en Papouasie) initient les jeunes garçons qu’ils mettent, dans un lieu clos, à l’abri de tout contact féminin afin de les transformer en vrais mâles. Dans les années 1990, le sociologue Daniel Welzer-Lang reprend l’expression –qu’il transforme, légèrement, en «maison-des-hommes»– et l’applique à tous les lieux où les hommes se retrouvent (caserne, bistrot, internat, club de gentlemen) pour mesurer leur virilité et, au passage, inculquer aux plus jeunes leur sens des valeurs. «Ils doivent prouver qu’ils ont des couilles», explique Welzer-Lang, c’est-à-dire «se montrer sans cesse différents et supérieurs aux femmes». Ceux qui pleurent, se montrent faibles ou refusent les joutes viriles sont traités de «gonzesses».

Quand le soupçon de féminité pèse sur un homme…

Dans les espaces fortement marqués par la division sexuelle des tâches, les hommes construisent leur identité autour de cette hantise : surtout ne pas passer pour une femmelette. Un homme, un vrai, est actif c’est-à-dire qu’il ne se fait pas pénétrer. Il domine. Il est le plus fort. Afin d’affirmer leur virilité, les membres des corporations masculines utilisent les pin-ups à la façon d’objets-repoussoirs. Par opposition à eux (eux, les «mecs»), les femmes sont figurées comme des poupées gonflables. «Leur corps, souvent dénudé, est jaugé, jugé», annoté, commenté, parfois même découpé de façon obscène. Pour les hommes qui tapissent les murs de ces photos, il s’agit de se protéger en s’entourant d’images qui réduisent les femmes au statut honni d’êtres passifs, offerts et disponibles.

Le paradoxe des pin-ups

Le paradoxe avec ces images aguicheuses c’est qu’elles fournissent aux hommes matière à rabaisser les femmes dans le seul but d’écarter d’eux le danger suprême, celui d’être pris soi-même pour une femme. A l’instar des statues de démons – qui ornent les cathédrales afin d’écarter le mal–, les pin-ups servent d’images protectrices, de talismans magiques destinés à chasser la menace qui pèse sur la virilité. Ce qu’Anne Monjaret dévoile, au fil de sa démonstration, c’est donc toute l’ambiguïté de ces archétypes, qui sont à la fois des putains (méprisées) et des saintes (vénérées). D’un côté, les images sexy servent à disqualifier la femme. D’un autre côté, elles ont la valeur d’ange-gardien et leurs corps s’offrent comme des remparts pour préserver les mâles…

Les gros seins qui «font barrière»

Les pin-ups jouent le même rôle que les icônes, insiste Anne Monjaret qui fait le lien avec ces jolies filles que les pilotes d’avion peignaient, pendant la seconde guerre mondiale, sur le nez de leurs appareils. Elles protègent les avions. Quelques siècles plus tôt, sous la forme des figures de proue, elles protégeaient les navires en dressant leurs seins nus de sirène face à l’océan. La comparaison est-elle osée ? Pas tant que ça. Anne Monjaret note que les pin-ups des ateliers de mécanique sont souvent disposées de façon telle que les «touristes» se sentent un peu mal à l’aise lorsqu’ils pénètrent dans le «territoire» délimité par les paires de fesses ou seins. «Répulsif, cet affichage de filles nues crée des frontières», explique la chercheuse qui mentionne à plusieurs reprises le fait que les ouvriers prennent un malin plaisir à décorer leur espace pour dissuader les «étrangers» (supérieur hiérarchique, visiteuse importune) d’y pénétrer.

Images de charme : images pieuses ?

Ces figures protectrices font office d’images sacrées. Anne Monjaret raconte que certains hommes se confient à elles comme à des statues d’église et les traitent avec égard afin qu’elles servent de porte-bonheur. «Dans la menuiserie d’un musée, les ouvriers avaient coutume, les jours de froid, de rhabiller d’un soutien-gorge et d’une culotte, confectionnés sur mesure, à l’aide de papier découpé «Sylvie» – leur playmate – qui trônait sur l’un des murs. “C’est pour ne pas qu’elle nous porte la poisse”, m’a expliqué l’un des agents.» Autre détail révélateur : la plupart des pin-ups sont jaunies, craquelées. Bien qu’elles soient anciennes, les hommes les gardent avec affection parce qu’elles ont compté dans leur vie.

La fin d’un monde

Faut-il le regretter ? Les pin-ups disparaissent maintenant. Avec elles, toute une catégorie d’hommes –travailleurs manuels, tâcherons, turbineurs– s’en va dans l’oubli. «L’atelier a été un temps l’un des derniers bastions d’une identité ouvrière mais, au tournant des années 2000, il est plus que marqué et déstabilisé par les nombreux facteurs de changement. Je me demande même si ces ouvriers, dont certains sont fonctionnaires, n’appartiennent déjà pas à l’histoire, à un passé révolu, explique Anne Monjaret. Dans tous les secteurs, les besoins se sont renouvelés et, avec eux, les conditions de travail. Le développement de la sous-traitance, la valorisation de la polyvalence, la mobilité des personnels, l’arrivée des femmes ont eu des retentissements sur les organisations internes.»

«L’homme devient également un homme-objet»

Les ouvriers eux-mêmes n’adhèrent plus au modèle social que ces images incarnent : beaucoup d’entre eux les trouvent déplacées. «Ce qui est rejeté ici, c’est bien la culture des pères. La construction d’un espace viril et plus encore d’un esprit de corps, n’a, semble-t-il, plus lieu d’être.» Spontanément, certains ouvriers enlèvent les pin-ups quand leur atelier s’ouvre à des stagiaires ou à des femmes. Celles-ci, d’ailleurs, collent à leur tour des pin-ups, mais mâles. «Semant le trouble dans les codes d’érotisation établis des almanachs», les Dieux du stade modifient les codes de virilité. Les femmes aussi peuvent «consommer» des mâles, offerts, dévêtus, à mater, comme de la chair fraiche. Faut-il s’en offusquer ?

Calendriers de femmes âgées et brouillage des repères

Longtemps, les calendriers et les cartes de nus féminins ont été critiqués comme les symboles d’un ordre inégalitaire. Maintenant que le rapport s’inverse, ou plutôt s’égalise, et que les hommes à leur tour se déshabillent, faut-il continuer à crier haro sur ces images ? Anne Monjaret cite le cas de ces femmes qui, spontanément, créent leurs propres almanachs de nus dans un but charitable ou pour défendre une autre image de la femme. «Les jeunes pin-up ou éphèbes n’ont plus l’exclusivité», dit-elle, mentionnant même le cas d’un calendrier d’ouvriers posant nus (à l’usine Chaffoteaux-et-Maury en Bretagne, en 2009), pour lutter contre des licenciements. S’agit-il d’un épiphénomène ou d’un signe des temps ?

A LIRE : La pin-up à l’atelier. Ethnographie d’un rapport de genre, d’Anne Monjaret, éditions Créaphis, mars 2020.

juin 17, 2020

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9:06

La faim, la tristesse ou l’amour ?

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Filmez un visage impassible. Puis filmez, au choix, un bol de soupe fumante, le cadavre d’une petite fille ou une femme alanguie au regard de braise. Faites un montage en alternant ce plan visage avec les autres plans : selon le montage, le visage aura l’air d’exprimer une émotion différente.

Dans les années 1920, le réalisateur et théoricien du cinéma Koulechov met en évidence cet étrange phénomène : les spectateurs ont l’impression que le visage de l’acteur est différent, selon le type d’image qui précède ou qui suit… Koulechov en déduit qu’on peut créer du sens rien qu’en collant deux plans bout à bout. Isolément, ils ne veulent rien dire. Ensemble, ils font une histoire. La leçon est bien retenue. L’alternance entre un gros plan visage et un gros plan sur autre chose devient une ficelle classique du porno et du film d’épouvante. Si le plan d’un couteau précède ou suit le plan d’un visage horrifié, le public comprend tout de suite qu’il va y avoir un meurtre. Si le plan d’un corps nu précède ou suit celui d’un visage extatique… c’est une histoire de coeur ou de cul ?

Quand l’émotion s’inscrit sur un visage

Le plan visage, appelé “reaction shot” en jargon cinématographique, devient le moteur de films à petits et grands frissons. On y cherche avidement la trace de passions… mais sans trop savoir lesquelles : elles sont difficiles à déchiffrer. Comment interpréter la bouche ouverte, les yeux écarquillés ? Parfois le montage ménage un suspens. Le protagoniste est confronté à quelque chose qu’on ne voit pas. Il y réagit et l’émotion s’inscrit sur son visage. Est-ce de la douleur, du plaisir, du dégoût ? «Durant ces quelques secondes de suspense avant la révélation […], le souffle est suspendu, le cours normal des événements est interrompu, le monde, brisé, déconstruit par un simple regard.» Pour le chercheur Éric Falardeau, auteur d’un essai sur le gore et sur le porno (Le corps souillé), le plaisir esthétique éprouvé face au gros plan sur un visage relève presque de l’épiphanie : c’est une apparition. Cette apparition ne prend sens, d’ailleurs, qu’au moment même où l’image du visage disparaît, remplacée par l’image d’un couteau qui s’abat (ou d’un pénis qui entre) pour «déchirer la chair» et, ce faisant, «donner à voir le contrechamp de ce regard.»

Ceci est-il une pipe ?

Que se passe-il en l’absence de contrechamp ? Dans son essai, Éric Falardeau note qu’il a existé des tentatives de maintenir l’énigme. La plus célèbre est celle d’Andy Warhol. En 1964, alors que le cinéma porno est illégal, Andy Warhol filme un jeune homme au visage d’ange qui embrasse longuement une femme, puis longuement se fait sucer… ou pas. Intitulé Blow Job, le film ne montre que son visage, en plan fixe, durant 35 minutes. «En dépit de son titre évocateur, rien ne nous confirme que ce dernier reçoit une fellation», explique le chercheur. Il n’y a pas de plan sur ce qui provoque le trouble apparent du protagoniste et le spectateur en est réduit à le contempler, en projetant sur ses expressions changeantes des sensations de plaisir… qui pourraient être aussi bien de douleur. Dans Screening sex, l’historienne du cinéma Linda William raconte que lorsque ce film expérimental est diffusé (lors de fêtes privées ou dans des clubs accueillant les élites d’avant-garde de l’époque), les spectateurs qui viennent en espérant voir une «pipe» (blow job) en sont pour leurs frais. Frustrés, mais enthousiastes, ils restent cependant jusqu’au bout, hypnotisés par l’image. «Dans quelle mesure sommes-nous sexuellement affectés lorsque nous contemplons un spectacle sexuel à l’écran ?», demande-t-elle, en soulignant l’extraordinaire capacité de l’humain à «sentir» physiquement ce qu’il voit. Même quand c’est imaginaire.

A LIRE : Le corps souillé : gore, pornographie et fluides corporel, d'Éric Falardeau, éditions L’Instant même, 2020.

A LIRE : Screening Sex, une histoire de la sexualité sur les écrans américains, de Linda Williams, éd. Capricci.

juin 15, 2020

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9:04

Pourquoi la «robe» est-elle liée au verbe «dérober» ?

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Pourquoi la «robe» est-elle liée au verbe «dérober» ?

Pourquoi «dérober» et «robe» sont-ils apparentés, de même que les mots «rapine» (le vol) et «rape» (le viol) ? La langue met en rime des termes qui font du vêtement féminin –gage de son intégrité–, l’équivalent d’un butin ou le fruit d’un larçin.

En cuisine, si l’on vous demande de «dérober des patates», cela ne veut pas dire qu’il faut les voler mais qu’il faut les peler, c’est-à-dire leur enlever cette peau joliment nommée «robe des champs» sous laquelle se trouve leur chair nue. On «dérobe» aussi les fèves (lorsqu’on les sort de leur cosse) ou les tomates (en les plongeant dans l’eau bouillante). Une fois «dérobés» – c’est-à-dire, littéralement, «privés de leur robe» –, les fruits et légumes sont nus.

Vol à l’arrachée

Existe-t-il un lien entre l’idée du vol et celle du viol ? Bien qu’ils soient presque homophones, ces deux mots n’ont rien à voir sur le plan étymologique. «Viol» vient du latin vis, «force, violence» et désigne une agression brutale. «Vol» vient du latin volare, «voler dans l’air» et désigne le mouvement de traverser le ciel. C’est à partir d’une expression propre aux fauconniers que, vers le XVIe siècle environ, le terme «voler dans l’air» a pris progressivement le second sens de «voler le bien d’autrui». Ceux qui utilisent des rapaces pour chasser parlent en effet du «vol de la perdrix» pour désigner le fait qu’un faucon fonce sur une perdrix et l’emporte dans ses serres. Il file avec sa proie… tel un voleur à la tire.

Du rapace au ravisseur

Comme par un fait exprès, les mots «rapine», «ravisseur» et «rapace» viennent du même verbe latin (rapio) qui signifie «emporter, saisir, arracher» et qui donne… to rape (violer) en anglais. Presque rien ne sépare, dans l’imaginaire populaire, l’image du «rapt» – c’est-à-dire l’enlèvement brutal – et le fait de «ravir l’honneur» d’une femme, suivant une expression maintenant périmée. Bien que les mots «vol» et «viol» aient des origines distinctes, ils vont si souvent de paire que tout le vocabulaire du plaisir s’en trouve contaminé. On le voit dans ces expressions qui assimilent le baiser – geste intime – à quelque chose que l’on «dérobe» (baiser volé) et le «ravissement» – synonyme d’agression – à un transport de jouissance extrême.

D’un homme volage : «trousse-galant», «trousseur de jupons»

De même, sont inséparables les verbes «détrousser» (prendre par violence ce que quelqu’un porte sur lui) et «trousser» (soulever une jupe pour en venir à ses fins) qui dérivent de la même racine : en bas latin, torsare (qui a donné le mot «retors») désigne le fait d’empaqueter, de mettre en faisceau ou de nouer en botte. On trousse du foin, par exemple. Mais on trousse aussi une volaille, quand on attache ses membres repliés afin de la faire cuire. On trousse bagage, quand on fait ses valises rapidement. A l’inverse, on détrousse un voyageur quand on le déleste de ses affaires. «Dépouillé» de ses biens, le voilà lui aussi tout nu, finalement, que ces femmes dont les robes ont été soulevées.

Robe vient du germanique raubön, «piller»

Il peut sembler curieux que le vêtement long soit associé à l’idée du vol. Mais, pour les étymologistes (Olivier Schopfer, par exemple) rien de plus logique : «le verbe «dérober» dérive de l’ancien français rober, «voler, dépouiller», lui-même issu du germanique raubön, «piller»». En vieil allemand, «le butin» se dit rauba. En anglais «voler, dévaliser» se dit to rob. Progressivement le mot robe aurait donc fini par désigner ce dont on a délesté une personne. Après avoir été volée, elle n’a plus rien sur elle. Même plus sa robe, devenue «butin» entre les mains des agresseurs.

Robin Hood, Rob Roy… Tous les voleurs sont en robe ?

Le nom de Robin des bois (qui vole les riches pour donner aux pauvres) provient d’ailleurs de cette racine qui associe les mots «robe» et «dérober». Un «robin» est un voleur. Ce n’est pas un hasard : les hommes de loi, les juges ou les avocats sont aussi nommés «robins» car ces «hommes de robe» ont mauvaise réputation (1). En vieux français, la «robinerie» désigne la filouterie de ces bandits que sont les magistrats et le mot «roberie» signifie «vol, tromperie». Il semblerait par ailleurs que ce surnom de Robin ait été anciennement donné aux moutons, par allusion à leur «robe de laine» (2). Par un curieux retournement de sort, le mot «robin» a donc fini par désigner à la fois les canailles qui portent des robes et les victimes qui s’en font dépouiller… Les malheureux moutons, par exemple, qui se font tondre la laine sur le dos : leur robe leur est dérobée.

NOTES

(1) Cité par le CNRTL, Anatole France aurait ainsi écrit dans un roman (Lys rouge, 1894) : «Cette effervescence des bourgeois, (....) cette poussée des fiscaux et des robins, qu’on a appelée la Révolution.»

(2) C’est une hypothèse avancée par dans le dictionnaire étymologique de Gilles Ménage (1750) qui mentionne par ailleurs ce fait que les moutons étant considérés comme des bêtes stupides, leur nom désignait les personnes sottes et prétentieuses. C’est dire si le mot «robin» était négatif.

juin 10, 2020

Lien pour 'Pourquoi ces visages convulsés ?
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9:39

Pourquoi ces visages convulsés ?

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A l’époque baroque, certains peintres inaugurent les tableaux d’émotions fortes. Le Caravage par exemple représente un garçon mordu par un lézard dont les traits sont déformés par un cri guttural. On retrouve curieusement le même genre de visage dans les films gore ou porno. Pourquoi ?

Dans l’Europe de la Réforme qui voit se mettre en place un idéal d’épargne et d’économie, les artistes de la Contre-Réforme répliquent avec des tableaux outranciers qui constituent l’envers du modèle protestant. C’est à la même époque que se multiplient les statues en pâmoison, aux paupières révulsées, de saintes mystiques et les visages obscènes de Méduse. Ces représentation frappantes et perturbantes seraient-elles les ancêtres des films de tripe ou de sexe ?

Quel est le point commun entre le gore et le porno ?

Dans un très stimulant ouvrage intitulé Le corps souillé, le chercheur québécois Éric Falardeau s’intéresse au lien qui unit ces deux genres cinématographiques : l’exhibition spectaculaire des émotions (psychiques) et de leur pendant corporel (les fluides). Les mises en scène excessives du porno et du gore sont transgressives, dit-il, parce qu’elles montrent des passions (à une époque qui les condamne) et des convulsions de chair, jugées de nos jours parfaitement suspectes. Dans notre société – dominée par les valeurs du contrôle de soi–, les «transports» et les effervescences sont devenus des pathologies. Celui ou celle qui perd la maîtrise de ses sens ferait bien de consulter. Trop d’envies ? Addiction ! Trop de pulsions ? Danger.

Attention, pulsions !

Pour Éric Falardeau, le porno et le gore ne pouvaient apparaître qu’en réaction au puritanisme, comme les reflets inversés d’un monde qui a le mépris du corps, des affects, et de tout ce qui nous rappelle à notre condition mortelle. Bien qu’elles constituent l’exact envers de ce monde pasteurisé, les images gore et porno expriment donc en creux cette répulsion vis à vis de la chair dont elles célèbrent pourtant les noces… sanglantes ou spermatiques. Dans un chapitre consacré aux gros plans, le chercheur note l’insistance avec laquelle la caméra nous impose des visions d’habitude réservées aux chirurgiens ou aux gynécologues. Ces images pulvérisent «l’ordinaire quotidien» dit-il, en citant Marc Bruimaud (auteur d’un essai sur Gérard Damiano) : «notre fascination résulte de cette aporie : plus la caméra, négligeant tout effort narratif, s’obstine à exhiber la matérialité brutale des peaux et des chairs, […] plus elle nous entraîne vers l’abstraction». Pour nous, qui vivons dans un monde expurgé des réalités concrètes de la mort ou de la maladie, les images gore et porno ont quelque chose d’irréel.

Plein la vue : action, réaction

Les explosions d’hémoglobine et de sécrétions génitales, qui portent à leur paroxysme les séquences de violence ou de sexe, participent pleinement de cette stratégie de sidération visuelle : il s’agit de nous reconnecter de force à cette enveloppe qui expulse des sucs sous nos yeux. «Il s’agit de permettre l’identitification», résume Éric Falardeau, en faisant du corps un «théâtre d’événements». Ce à quoi le spectateur assiste c’est non plus une histoire dont il lui faut chercher le sens, mais une action pure commise sur un corps qui réagit à cette action, suivant un enchaînement inévitable, par des prurits et des émissions de jets organiques divers. Bien qu’il n’exclut pas, bien sûr, une part d’aléatoire (le geyser sera-t-il saccadé ou brumisé ?), ce côté mécanique, programmé, des scènes d’orgasme ou d’agonie a sur nous un effet quasi automatique : nous voilà, physiquement, par contamination, saisi-es d’effroi ou d’excitation à la vue de ces corps humides. Le gros plan sur la chair ouvert active en nous des palpitations. Nous donnons une «réponse» aux stimuli.

La “frénésie du visible”

Pour doper ces réponses, les réalisateurs de porno et de gore disposent d’ailleurs d’une arme massive : le montage en alternance des gros plans sur l’anatomie suppliciée et sur le visage de la «victime». «Le gore et la pornographie accordent autant d’importance à l’action, soit le meurtre ou le sexe, qu’à la réaction, soit le déplaisir ou le plaisir. […] Par exemple, on enchaînera des plans de pénétration vaginale avec des plans sur le visage de l’actrice. […] Le but, à l’intérieur du gore comme de la pornographie, réside dans ce que Linda Williams a défini sous le nom de “frénésie du visible”, soit un court instant où il est possible de capter, d’enregistrer l’inconnu, la “vérité”, la révélation du plaisir (de la peur ou de la douleur). Moment ultime de bris dans la narration puisque le visage se fige dans une stase extatique ou horrifique, censée révéler un état.» Dans le gore comme dans le porno, l’expression du visage revêt une telle importance qu’elle est parfois figée par un ralenti extrême ou par un effet «snapshot», photo instantanée, qui fixe à son acmé le moment de la révélation suprême.

L’«effet-Méduse»

Philippe Dubois, historien de l’art, nomme ce figement expressif l’«effet-Méduse». C’est le moment où le visage, transformé en masque, rend tangiblement visible, donc «objectif» ce qui relève par essence du subjectif : le monde intérieur, invisible, des émotions se manifeste par ses effets sur le corps. «Traits tendus, sourcils relevés, bouche ouverte…». C’est aussi le moment, dit Dubois où «le figement expressif tend à installer la mort sur les visages». Le visage qui jouit et celui qui expire ne semblent d’ailleurs parfois plus faire qu’un. A l’écran, les émotions ambiguës qui les traversent laissent comme une empreinte qui –si elle se constitue au bon moment (ce que Dubois appelle le kairos)– touche à l’éternité.

Cauchemar et kairos

Dans le gore, «ce moment est particulièrement important», rappelle Éric Falardeau, puisqu’il introduit ou suit l’apparition d’un tueur armé (ou du hardeur dégainé). Comme dans un cauchemar, il y a, d’un côté, la face d’une femme qui bouge au ralenti et, de l’autre, un homme qui la pénètre à coups redoublés. Alors que le couteau ou le pénis entrent par saccades, dans un mouvement de répétition spasmodique et frénétique, le visage de la victime semble au contraire se figer dans sa souffrance ou jouissance, jusqu’à devenir une image arrêtée. D’où la question : le porno et le gore sont-ils des films qui nous permettent, symboliquement, de punir notre corps ? Ou, au contraire, de se le réapproprier, au fil de visionnages «participatifs» ponctués par les mêmes scènes obsessionnelles ?

A LIRE : Le corps souillé : gore, pornographie et fluides corporel, d'Éric Falardeau, éditions L’Instant même, 2020.

Gérard Damiano : les peaux, la chair, les nuits, de Marc Bruimaud, éd. Flament, 2018.

« Glacé d’effroi. Les figures de la Peur ou les passions de l’expression à la représentation », de Philippe Dubois, Traverses, n°25, 1982, p. 137-147.

POUR EN SAVOIR PLUS : «Esthétique du sperme» ; «Le selfie, c’est porno ?» ; «Existe-t-il encore des tabous dans la pornographie ?» ; «Quels tabous le porno transgresse-t-il ?» ; “Evil Dead, le film préféré de Fellini ?“ ; «Les archives somatiques et le cul».

juin 09, 2020

Lien pour 'Les pantalons pour femme, et pas le contraire
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8:03

Les pantalons pour femme, et pas le contraire

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Les pantalons pour femme, et pas le contraire

Quand une femme porte un pantalon, c’est normal. Quand un homme porte une jupe, c’est un travesti. Pourquoi le mot «travestissement» ne s’applique-t-il qu’aux hommes ? La réponse dans un ouvrage qui parle pêle-mêle de saints à seins et des Cendrillons à moustache.

Le monde est injuste : alors que les femmes peuvent sans problème emprunter des vêtements aux hommes, les hommes en robe se font regarder de travers. De cette anomalie, la chercheuse Elizabeth Fischer fait la matière d’une petite enquête aux origines du pantalon. Mais de quand date ce vêtement ? Et pourquoi les femmes peuvent-elles le porter sans passer pour des «perverses» ? Son article est le premier d’une série de recherches rassemblées sous le titre Travestissements. L’ouvrage, dirigé par Anne Castaing et Fanny Lignon réunit les travaux d’historiennes ou d’anthropologues sur des sujets aussi variés que l’histoire d’un moine du XIIe siècle appelé Joseph mais (de son vrai nom) Hildegonde et la description de drag-comédies TV brésiliennes. Chaque chapitre offre l’occasion de rappeler cette vérité : que les vêtements sont des signaux codés et que les codes fluctuent dans l’espace/temps. Prenez la robe, par exemple : jusqu’au XVIe siècle, en France, c’est un vêtement masculin aussi bien que féminin.

La robe comme vêtement pour homme ?

«Jusqu’au XIVe siècle, hommes et femmes portent une même robe longue (cotte) descendant jusqu’aux pieds, et couverte d’un vêtement long de dessus (surcot, houppelande). À l’origine, le terme «robe» désigne un long vêtement couvrant, porté indifféremment par les deux sexes.» Cette robe, bien sûr, n’est pas ajustée de la même manière. A partir du XIIIe siècle, les hommes la portent avec une ceinture sur les hanches, alors que les femmes portent une robe serrée à la taille ou sous la poitrine. Au XIVe siècle, la tenue raccourcie des combattants, conçue pour ne pas gêner les mouvements, généralement portée sous une armure, est adoptée comme «tenue de cour» par les nobles qui s’exhibent en pourpoints courts et en chausses. Cette mode du vêtement «bifide», très ajusté aux fesses, rembourré à l’entrecuisse, se répand parmi les hommes : plus seyant.

Noblesse d’épée, noblesse «de robe»

L’ancêtre du pantalon n’est d’abord réservé qu’aux gens d’arme, bien sûr. Pour les personnes exclues du métier de la guerre – les femmes, les clercs, les prélats, les administrateurs – la robe reste de mise et jusque de nos jours ainsi qu’en témoignent certaines tenues portées par les avocats ou les universitaires. Longtemps, le mot robe reste d’ailleurs associé au prestige et à l’honneur d’une fonction. Elizabeth Fischer cite pour preuve ces expressions toujours en usage dans la langue française – «gens de robe», «charge de robe» – pour désigner les magistrats et les avocats. A partir de la Renaissance, cependant, la «silhouette bifurquée» s’impose comme une forme de géométrie virile (suivant la belle expression de Georges Vigarello), marquant avec ostentation le masculin comme bastion de la force. Au XIXe siècle, alors que le partage des rôles s’accentue, la «syntaxe vestimentaire» oppose de façon radicale des mâles moulés dans des uniformes ultra-collants et des femelles aux jambes dissimulées sous les multiples couches duveteuses de leurs crinolines.

Les femmes ont TOUT pris aux hommes…

Avec l’entrée graduelle des femmes sur le marché du travail, et sous l’influence du sport, tout change. D’abord en jupe-culotte, puis en pantalon, les femmes s’approprient peu à peu l’intégralité du vestiaire masculin : pull-over, T-shirt, smoking, bottes, training… Dans les supermarchés, aucune pièce de vêtement masculin n’est refusée aux femmes. Le contraire n’est pas vrai. Il n’existe dans la penderie des hommes aucune pièce empruntée à la garde-robe féminine. Pas de quoi se réjouir, assène Elizabeth Fischer. Il serait naïf de croire que les femmes ont de la chance, comparées aux hommes. «Le féminin peut emprunter au masculin, alors que le contraire est moins bien toléré socialement, voire rejeté. Si les fillettes peuvent porter du bleu, pourquoi les petits garçons ne peuvent-ils être vêtus de rose ?» Réponse : parce que les filles sont encouragées à s’approprier les attributs masculins, «dans une visée d’empowerment», alors que les garçons sont, au contraire, invités à rejeter le féminin, perçu comme un affaiblissement.

… parce que la société place le bien du côté de l’homme

Un pantalon rend la femme forte. Une jupe avilit et dégrade l’homme. Pour le dire autrement : le masculin est une qualité, le féminin un défaut. Voilà ce que signifie le fait qu’on perçoive l’homme en robe comme «travesti» (transgressif) et la femme en pantalon comme… une femme (normale).

A LIRE : Travestissements. Performances culturelles du genre, sous la direction d’Anne Castaing et Fanny Lignon, Presses Universitaires de Provence, 2020.

ILLUSTRATION : Place de la Concorde (8e), les Parisiennes adoptent la mode du pantalon lancée par Marlène Dietrich, années 1930. Photo : Keystone-France

juin 04, 2020

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8:30

Que signifie "abandonner" ou "trahir" ?

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Les mots sont notre façon de penser le monde, donc de nous définir et de nous défendre. Dans “Etymologie pour survivre au chaos”, la chercheuse italienne Andrea Marcolongo a choisi «99 mots pour retrouver notre voix», parmi lesquels : amour, abandon, trahison.

«Chaque fois que nous choisissons un mot, nous mettons de l’ordre dans le chaos, nous donnons des contours et une consistance au réel ; chaque fois que nous prononçons un mot, il est notre reflet. Sans le langage, nous ne ferions que tâtonner dans la confusion, incapables de dire la réalité et ce que nous ressentons. C’est pour cela que nous devons prendre le plus grand soin des mots.» Dans un ouvrage d’étymologie intimiste (Etymologie pour survivre au chaos, aux éditions Les Belles Lettres), la chercheuse Andrea Marcolongo défend l’idée que – sans mots – l’humain perd ses moyens, ses buts ou sa raison d’être.

Pourquoi les Tahitiens s’ôtent si souvent la vie

En 1973, l’anthropologue Robert Levy enquête sur l’île de Tahiti pour comprendre pourquoi le taux de suicide y est anormal, excessif. Robert Levy s’aperçoit que la langue tahitienne, pourtant si précise concernant la notion de douleur physique, ne possède aucun mot concernant la douleur psychique : il est impossible pour les habitants de «mettre un mot» sur la tristesse, la mélancolie, l’angoisse, ni même la culpabilité. Incapables de la «dire», les Tahitiens ne peuvent exprimer leur souffrance qu’en se tuant. Robert Levy nomme ce phénomène hypocognition : soit la douleur de «connaître moins» et, donc, d’être impuissant pour faire face au chaos.

Les mots qui nous manquent

«Les étymologies servent à ceci : à ne pas rester submergés, à ne pas avoir les mots qui nous manquent face à l’immensité de ce que nous ressentons», conclut Andrea, invitant les lecteurs à choisir «scrupuleusement» leurs mots lorsqu’ils sont plongés dans l’adversité. Choisir des mots précis, ceux qui reflètent au plus près notre pensée et nos émotions, c’est la discipline à laquelle la chercheuse nous convie en termes vibrants… car il en va de notre vie, dit-elle. On ne peut pas se construire en tant qu’être humain sans exigence de lucidité, c’est-à-dire sans tenter de saisir ce qu’est notre réalité.

«Sans mots, nous sommes élidés de la réalité»

La réalité prenant «forme et consistance» dans les mots, nous courons deux dangers si nous usons de formules toutes faites. Le premier, c’est de perdre nos repères face au désordre des émotions. Comment faire de l’ordre en soi si l’on n’est pas sincère et si l’on se cache derrière des mots «de pacotille qui ne signifient rien» ? Le deuxième danger, c’est de se laisser duper par des termes faux qui trahissent notre pensée et même nos idéaux. Comment réclamer le respect si l’on s’en remet par facilité à des mots creux, empruntés à d’autres personnes, qui sentent le perroquet ?

Quelle part de nous passons-nous sous silence ?

«Les mots compromis sont toujours le symptôme d’une pensée compromise», affirme Andréa, qui établit le parallèle entre le chant V de l’Odyssée et nos propres parcours brisés. Rappelez-vous Ulysse, dit-elle : c’est l’histoire d’un homme qui fait naufrage sur une île inconnue dont la reine se nomme Calypso. Son nom vient du verbe kalyptô qui signifie «cacher, envelopper». Elle tombe amoureuse d’Ulysse et le retient sept ans sur son île, l’entourant d’affection et l’enveloppant de soins. Au bout de sept ans, bien qu’elle lui offre l’immortalité, Ulysse la quitte parce que «la Nymphe ne lui plaisait plus».

Bannir quelqu’un de sa vie

Andrea raconte avoir longtemps «éprouvé compassion» pour cette femme et cela d’autant plus qu’Ulysse la quitte froidement. Il préfère rester mortel et rentrer chez lui. Dans un double mouvement, il abandonne Calypso et la bannit de sa vie. Les deux mots sont liés, bien sûr. Le verbe abandonner remonte à l’expression du XIIIe-XIVe siècle «a ban donner», autrement dit «laisser à quelqu’un» (par extension : «mettre en nourrice»). «En résumé : je ne veux pas de toi, pas maintenant, je ne peux pas – quelqu’un d’autre se chargera de te nourrir, et, s’il le faut, de t’aimer. Je ne veux pas de problèmes, donc : je te donne, je t’a ban donne» résume la chercheuse.

Abandonner : mettre au ban

De même qu’on dit «mettre au ban de la société», le verbe «abandonner» sonne comme une condamnation. Il est tiré du mot germanique ban (parole) qui désigne le fait de prononcer des mots, l’équivalent d’un arrêt de mort. Abandonner, expulser, extrader, exiler, c’est tout comme : «ceux qui nous abandonnent nous “donnent” littéralement, et de la douleur qu’ils provoquent en fermant la porte derrière eux, ils s’en moquent éperdument. Des yeux “de chien au bord de la route”, dis-je souvent pour rendre en mots la douleur que comporte l’abandon. Une corde autour du cou, attaché à la rambarde et l’espoir qu’une voiture, n’importe laquelle, s’arrête».

Le verbe «trahir» signifie d’abord «donner»

Notant que ceux ou celles qui nous abandonnent le font souvent avec des phrases banales (encore un mot dérivé du ban), Andrea Marcolongo note que le verbe «trahir» tire aussi ses origines d’une expression neutre, bien éloignée de l’acte cruel à laquelle le mot renvoie : étymologiquement, «trahir» vient du verbe latin tradere, qui signifie «transmettre, donner, remettre, faire passer». Tradere donne en français moderne les mots «traduction» (qui signifie «transmettre un message dans une autre langue»), «tradition» («transmettre une mémoire aux nouvelles générations») et «trahison» («remettre quelqu’un entre les mains de quelqu’un d’autre»).

La «donation» de Juda

S’il faut en croire Andrea, la «trahison» n’était, à l’origine, qu’une simple «livraison». «Le verbe prit définitivement une connotation négative –celle qui nous rend fou de jalousie ou de douleur– à partir de la traduction en latin du texte de l’Évangile, où le verbe tradere est employé lorsque Jésus est livré aux gardes après la trahison de Juda.» Pour avoir «remis» Jésus aux soldats, Juda fit de la trahison cet acte chargé du sens terrible qu’il a de nos jours. Trahir, quoi de plus atroce ? Mais il y a pire que la trahison entre humains. Il y a la trahison de ceux et celles qui se cachent derrière des mots vides, dérisoires, et qui s’en remettent aux rhétoriques d’emprunt.

Quel est le coût du mensonge ?

Invitant ses lecteurs à s’exprimer de façon personnelle et à choisir soigneusement leurs propres mots, Andréa Marcolongo prie que la langue devienne «sincère et authentique comme la vie telle qu’elle est vécue […] Intègres, les étymologies nous contraignent à nous révéler, à nous comprendre, à nous dépouiller de milliers d’excuses, pour être, à notre tour, les étymons à la source de nos vies : des hommes et des femmes réels, authentiques, fidèles.» Lorsque nous prononçons une phrase convenue, par facilité, «nous offensons notre propre faculté de raisonnement, parce que s’il y a moins de mots, la pensée n’existe plus», ajoute-t-elle, insistant sur cette vérité : qu’employer des mots faux, c’est se trahir soi-même.

A LIRE : Etymologie pour survivre au chaos, Andrea Marcolongo, traduit par Béatrice Robert-Boissier, éditions Les Belles Lettres, 5 juin 2020.

ILLUSTRATION : Ulysse et Calypso, Arnold Böcklin, 1882, Kunstmuseum de Bâle.

juin 02, 2020

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8:54

Vous êtes L, G, T, B, Queer, Intersexuel ou A ?

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Vous êtes L, G, T, B, Queer, Intersexe ou A ?

Un des effets les plus spectaculaires de la libéralisation sexuelle est que de plus en plus de personnes stigmatisées, car non-conformes aux normes, peuvent revendiquer leur sexualité comme «une orientation». Les asexuel-les, par exemple. Bonne chose ?

En 2019, l’arc-en-ciel de l’orientation sexuelle a pour sigle anglais LGTBQIA+, soit lesbiennes, gays, transgenres, bisexuel-les, queers, intersexes et… asexuel-les. Ca y est, les asexuel-les ont eu gain de cause. Les voilà officiellement «reconnu-es», au même titre que les homos. Mais leur communauté ne sera pas la dernière à obtenir droit de cité : le plus (qui vient après LGTBQIA) laisse prudemment la porte ouverte à toutes les personnes qui se sentiraient exclues de la liste. Au Canada, ce sigle –qui comprend maintenant douze orientations– est d’ailleurs devenu : LGBTTIQQ2SAAP (le second T étant pour travesti-e ou transsexuel-le, le second Q pour questioning soit «hésitant-e», le second A pour allié-e, le 2S pour two-spirited soit «bi-spirituel-le», et le dernier P pour pansexuel-le). Cette prolifération de catégories a-t-elle un sens ?

Inflation taxinomique absurde

Le fait qu’elle désigne pêle mêle des pratiques, des sentiments, des fantasmes, des hésitations ou des attitudes fait de cette liste fourre-tout le miroir grossissant d’une inflation taxinomique absurde. Bien que les asexuel-les ne soient qu’une catégorie parmi d’autres, j’aimerais étudier le phénomène par la petite serrure de leur cas. Si je m’appuie sur leur cas (plutôt que sur celui des bis ou des homos) c’est par facilité. Mon propos pourrait tout aussi bien porter sur une des autres «orientations sexuelles» : elles sont toutes à mettre dans le même panier (1), c’est-à-dire qu’elles reflètent toutes la même contradiction. Il me paraît en effet contradictoire de combattre un ordre social qui enferme des hommes et des femmes dans des catégories cliniques en revendiquant la légitimité de ces mêmes catégories.

La biopolitique ou comment séparer les homos des hétéros…

Dans un article intitulé «Tracer des frontières pour garantir l’ordre sexuel du monde», la chercheuse Marianne Blidon formule ainsi l’idée : «L’ordre sexuel du monde consiste à opérer des découpages, à tracer les limites et donc à inclure –ou exclure– d’un système de droits et de références les individus ou des groupes d’individus selon leur appartenance, leurs pratiques ou leur appréhension du monde». L’idée n’est pas neuve bien sûr. Dès 1976, Michel Foucault dénonce, sous le nom de biopolitique, la mise en place des catégories sexuelles comme instruments de disciplinarisation, notant que le processus commence, au XIXe siècle, lorsque des médecins sexualisent des pathologies mentales (2) et construisent des familles de cas psycho-pathologiques qu’ils appellent des «monomanies érotiques» puis des «perversions».

… et les obsédés des inhibés

Sous l’influence de ces médecins, les «comportements non conformes aux normes sont devenus mauvais non plus parce qu’ils étaient immoraux, vicieux ou débauchés (des péchés) mais parce qu’ils étaient désormais perçus comme anormaux, non-naturels et pervers (des maladies)», résume Leonore Tiefer. Dans un texte consacré à la médicalisation du désir, elle note qu’au XXe siècle le concept de «santé sexuelle» se propage, au détriment des personnes qui n’ont aucune sexualité partagée. Petit à petit, la distinction entre bonne et mauvaise sexualité se mesure au nombre d’orgasmes : il en faut ni trop, ni trop peu. En 1980, le Manuel des troubles mentaux (DSM III), mis au point par l’association américaine de psychiatrie, accueille une nouvelle entité clinique : le «désir sexuel inhibé» (Inhibited Sexual Desire, ISD). Les personnes sans désir sont donc classées malades.

La réprobation sociale des abstinents

Dans le DSM IV, l’ISD est rebaptisé «troubles du désir sexuel hypoactif» (Hypoactive Sexual Desire Disorder, HSDD) et défini comme «la persistence ou récurrence d’une déficience (ou absence) de désir et de fantasmagorie». En 2013, le DSM V le redéfinit comme un symptôme du «trouble d’intérêt et d’excitation sexuelle» (Sexual Interest/Arousal Disorder, SIAD), en précisant que l’absence de désir doit durer au minimum 6 mois, causer une détresse et n’être pas liée au partenaire, ni à des facteurs religieux, médicaux (dépression) ou autre (image de soi). En établissant le caractère pathologique des conduites asexuelles, le DSM ne fait jamais qu’apporter une caution pseudo-scientifique à des préjugés moraux et idéologiques : dans notre société, une vie conjugale sans sexe est considérée comme insalubre et une relation sexuelle sans orgasme comme malsaine, voire hautement suspecte.

Peut-on vivre sans envies ou sans rapports ?

Il peut paraître légitime que les personnes abstinentes s’insurgent contre de tels préjugés et se battent pour qu’on cesse de les traiter comme des malades. Ne plus avoir d’attirance sexuelle, préférer la tendresse aux «interactions génitales», rester seul-e plutôt qu’être mal accompagné-e : rien de plus commun. Cela nous est arrivé à tou-tes. Parfois, sur des périodes très longues et, contrairement aux idées reçues, ces phases «sans» ne sont pas forcément associées à une souffrance (pour citer Emmanuelle Richard, dans Les corps abstinents). Elles peuvent même être porteuses d’une renaissance. Le problème, c’est que pour lever le stigmate qui les frappe, certaines personnes revendiquent l’appellation contrôlée d’«asexuel-le» et définissent leur état non pas comme transitoire mais définitif, donnant ainsi l’apparence d’un fondement naturel à une identité qui leur a été socialement imposée.

L’ordre social : diviser pour régner

Il est toujours dangereux de faire ghetto, lorsqu’on prétend vouloir briser des murs. Encore plus dangereux de se prévaloir d’une étiquette nosographique, quand on affirme être parfaitement normal ou sain. Pierre Bourdieu le décrit très bien dans son travail sur les rapports hommes-femmes : c’est par la «division» qu’un système social s’impose, autant que par la «classification». Dans le cas des asexuel-les, le système encourage certaines personnes à tracer une frontière entre elles et les autres (comme s’il n’existait aucun continuum) et, surtout, à se construire autour d’un diagnostic, à ne plus en sortir, à se figer dans cet effet de croyance. Il ne s’agit pas pour moi, ici, de dire que l’asexualité (ou l’homosexualité, ou l’hétérosexualité) n’existent pas, mais juste de pointer ce fait que l’asexualité (ou tout autre penchant) n’est pas une manières objective, ni stable, d’indiquer qui on est. On est toujours plus que ce qu’on croit être.

Mon identité est-elle réductible à une «orientation» ?

Les orientations sexuelles sont des constructions, avec tout ce que cela suppose d’adhésion factice à un modèle de vie, à un discours, à des définitions qui confirment souvent le préjugé que la société a des communautés dont elle favorise la prolifération. Le préjugé concernant les asexuel-les, c’est qu’il s’agit de personnes marquées soit par leur éducation religieuse (des coincé-es), soit par un complexe (des moches), soit par une expérience douloureuse (des blessé-es). Pour justifier le droit à la reconnaissance, les personnes auto-baptisées asexuelles ne manquent d’ailleurs pas de valider ce jugement de valeur qu’elles reportent sur d’autres, en se défaussant : «Moi, je suis émancipé-e. Moi, je ne suis pas devenu comme ça après une dépression (une rupture, un accouchement…). Moi, c’est ma nature. Moi je le vis bien. Moi je suis sain-e.» Mais dans leur volonté de se définir comme des asexuel-les «authentiques», des personnes qui seraient «nées comme ça», ils et elles s’enferment dans une conception dogmatique de l’humain («Asexuel-le, c’est mon identité») et, ce faisant, normalisent un nouveau type d’assignation.

LA SUITE DE CET ARTICLE : «Que signifie “abandonner” ou »trahir” ?«

A LIRE : «Tracer des frontières pour garantir l’ordre sexuel du monde», de Marianne Blidon, dans Dessiner les frontières, ouvrage dirigé par Michelle Auzaneau et Luca Greco, éditions ENS, 2018.

Histoire de la sexualité 1. La Volonté de savoir, Michel Foucault, Paris, Gallimard, 1976.

« Nouvelles réflexions sur la domination masculine », de Pierre Bourdieu, dans Cahiers du Genre, n° 33, 2002.

« Women’s sexual problems : is there a pill for that? », de Leonore Tiefer, dans The Wrong Prescription for Women : How medicine and media create a need for treatments, drugs, and surgery, ouvrage dirigé par Maureen C McHugh et Joan C Chrisler, 2015.

«Des perversions sexuelles aux troubles paraphiliques : comment le consentement s’est imposé comme la valeur centrale dans les classiﬁcations médicales», d’Alain Giami, dans Sexualité et droits de l’Homme: vers la notion de droits sexuels, ouvrage dirigé par Alain Giami et Bruno Py, éditions des archives contemporaines, 2019.

«Santé sexuelle : la médicalisation de la sexualité et du bien-être», de Alain Giami. Dans : Le Journal des psychologues N°250, 2007.

NOTES

(1) Y compris la catégorie “hétérosexuelle”, qui perdant son statut dominant, finira bien elle aussi par revendiquer le droit d’être dans la liste.

(2) Pour en savoir plus : «Les perversions sont-elles sexuelles ?», de Julie Mazaleigue-Labaste, La perversion, journée d’´etudes internationale IHPST, Jun 2012, Paris, France. URL : halshs-00779284

POUR EN SAVOIR PLUS : «Faut-il militer pour le droit au sexe ?» ; «Pour en finir avec l’asexualité» ; «Faites-vous le compte de vos orgasmes ?»: «Petite histoire du sexo-flicage» ; «Viagra: bande ou crève»; «Pourquoi les photos de gens beaux nous attirent ?»; «Pour ou contre le Viagra féminin ?»

mai 25, 2020

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9:15

Pourquoi il faut se méfier de MeToo

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En avril 2017, juste avant l’émergence de #MeToo, la chercheuse Laura Kipnis publie un livre explosif (Le Sexe polémique) pour dénoncer le climat de paranoïa et de délation qui frappe les Universités américaines… et qui se propage maintenant chez nous.

C’est l’histoire d’un étudiant américain âgé de 18 ans, Simon, et de sa petite amie, 19 ans. Ils s’aiment, ils ont des relations sexuelles. Un jour, Simon, qui manque de confiance en lui-même, demande à sa petite amie si elle peut le sucer. «Il pensait se montrer aguicheur en faisant sa demande» mais c’est un peu raté. Elle le suce sans entrain. Au bout de 30 secondes, voyant qu’elle n’y prend pas plaisir, Simon, arrête tout. Plusieurs mois passent. Le malheur veut qu’ils se séparent. Simon apprend qu’une plainte est déposée contre lui. Après une brève audience à huis clos, le voilà expulsé de l’Université pour avoir fait usage de «contrainte émotionnelle et verbale» envers son ex-copine. Simon se voit «attribuer pour la vie l’étiquette de délinquant sexuel», résume Laura Kipnis. Cela signifie qu’il ne pourra plus continuer ses études, car les établissements refusent les candidats reconnus coupables de «mauvais comportement».

Au nom de la lutte contre les agressions

Des exemples comme celui-là, Laura Kipnis en a des tonnes. Aux Etats-Unis, elle est devenue l’archiviste des cas d’injustice les plus flagrants du système. Le système, dit-elle, transforme en «agression sexuelle» le simple fait de demander une fellation. «Combien de postulats rétrogrades sur le sexe n’accrédite-t-on pas au nom de la lutte contre les agressions ! Non seulement la capacité d’agir de la femme a-t-elle été dans ce cas complètement gommée, mais notez la prémisse implicite du raisonnement : les étudiantes ne sont pas les égales des hommes en matière de force émotionnelle ou de maîtrise de soi, et elles requièrent qu’une horde d’administrateurs universitaires viennent pallier leur faiblesse. Autre prémisse implicite : le sexe est dangereux, et pendant ces trente secondes la femme a subi une blessure suffisamment grave pour exiger une réparation officielle.»

Mieux vaut punir un innocent…

Dans Le Sexe polémique, un livre à charge magnifiquement traduit aux éditions Liber, Laura Kipnis attaque. Le système de la délation, dit-elle, est une forme d’hystérie encouragée par les institutions qui prétendent le faire au nom de l’égalité entre les sexes. En Amérique, ces institutions sont les administrations des Universités, grassement payées pour garantir l’ordre. Il s’avère que le Ministère de l’Education prive de financement tout établissement qui n’appliquerait pas strictement le titre IX (une loi contre la discrimination sexuelle). Pour montrer patte blanche, les Universités ont donc créé des Comités de surveillance qui ne peuvent justifier leur existence qu’en trouvant des coupables, c’est-à-dire en les créant de toutes pièces sur la base de simples rumeurs. Il suffit qu’une enseignante «soupçonnée» d’être lesbienne parle à deux étudiantes en chuchotant (parce qu’elles se trouvent dans une bibliothèque et qu’il est interdit d’y parler à voix haute). Elle est convoquée sans savoir de quoi on l’accuse, puis suspendue.

… que laisser passer un suçon

Parfois l’inquisition se met en place sur la seule foi d’une plainte déposée par un tiers. Laura Kipnis cite le cas d’un étudiant accusé d’avoir violé une jeune femme qui soutenait pourtant avoir été consentante. «Les soucis commencèrent quand une connaissance de la femme remarqua un suçon sur son cou et le signala aux autorités.» Sur la base de ce seul suçon, l’étudiant fut expulsé, privé de tout avenir. Méfiez-vous du sexe, ironise Kipnis, car même entre adultes consentants il peut faire de vous un criminel. Sous couvert de protéger les femmes, les Comités ne font qu’exercer le règne de la terreur. «Ces tribunaux étranges et arbitraires sont en train de fleurir partout au pays, privant les étudiants et les professeurs de leurs droits et, dans plusieurs cas, les traînant dans la boue au seul but de donner l’illusion que le monde universitaire se mobilise contre les agressions sexuelles».

«Une évolution désastreuse pour le féminisme»

Faut-il voir une avancée dans ce mouvement qui encourage les femmes à porter plainte dès lors qu’une relation s’est mal passée ? Pourquoi les Comités soutiennent-ils les élèves même quand leur plainte est, de toute évidence, le résultat d’une confusion, d’un mal-être, d’un mélange mal digéré de culpabilité, de rancune et d’ignorance ? A qui profitent ces faux procès ? Pas aux femmes, répond Laura Kipnis. Celles-ci sont les premières victimes de la police des moeurs, pour deux raisons. La première raison, c’est que la bureaucratie accroit son pouvoir sur la base d’un discours doloriste qui cantonne systématiquement les femmes dans le rôle de proies passives, influençables, fragiles, incapables de savoir ce qu’elles veulent, inaptes à décider de leur sort. Bref, on fait d’elles des idiotes immatures. Or «les femmes ont passé les derniers cent cinquante ans à demander qu’on les traite comme des adultes consentants».

Plus de délation, moins de viols ? Pas si sûr

La deuxième raison c’est que loin de faire baisser le nombre de viols, le paternalisme contribue probablement à les augmenter. «Les politiques et les règlements qui renforcent la féminité traditionnelle (qui a toujours retenu les récits des dangers auxquels la femme est exposée plutôt que ceux inspirés par sa capacité d’agir) sont la dernière chose au monde qui pourrait réduire les agressions sexuelles.» En surprotégeant la femme on la dissuade de se prendre en charge. Se croyant à l’abri (puisqu’elle pourra porter plainte !?), la voilà incapable de poser ses limites clairement. On l’encourage à se percevoir comme une proie passive, et non pas comme une personne qui sait ce qu’elle veut, qui fait ce dont elle a envie. On la persuade que si ça se passe mal, ce sera toujours la faute de l’autre (puisque l’autre est un prédateur). Mais qu’en est-il dans la réalité ?

Faut-il voir la sexualité comme un danger ou une expérience ?

Dans le vrai monde, faire des expériences, c’est prendre des risques et accepter la part d’échec qui va avec. Comment rendre les femmes fortes avec un discours permanent de mise en garde contre les périls du sexe ? «Être maître de son propre corps, surtout pour les femmes, est un talent qui s’acquiert et qu’on doit enseigner«, soutient Laura Kipnis, critiquant avec véhémence le discours sécuritaire (puritain) dominant. «Pour ce qui me concerne personnellement, je me demande qui j’aurais pu devenir sans toutes mes mauvaises expériences sexuelles, sans mes professeurs imparfaits et sans ma liberté de commettre des erreurs. J’ai pu prendre des risques qui m’ont préparée à affronter plus tard d’autres risques, créatifs et intellectuels, et ce précisément parce que [moi et ma génération, celle des personnes nées à la fin des années 1960] nous ne pensions pas au sexe comme à ce qui aurait pu nous nuire.»

A LIRE : Le Sexe polémique. Quant la paranoïa s’empare des campus américains, Laura Kipnis, traduit par Gabriel Laverdière, éditions Liber, 2019.

POUR EN SAVOIR PLUS : «Les leçons de morale du CSA» ; «Haro sur les publicités “sexualisées”».; «Sexe = violence ?» ; «Etre contre le sexisme, pas contre le sexe» ; «Le désir féminin existe-t-il ?» ; «Le nez de Gogol sucé par des sangsues» ; «Est-ce que les femmes se font baiser lorsqu’elles jouissent ?» ; «Femmes, la nuit vous appartient aussi» ; «La première idée, c’était d’évacuer le phallus» ; «Toute ma vie, j’ai rêvé d’avoir les fesses en l’air» ; «L’érotisme, c’est du sexisme ?» première partie, «L’érotisme, c’est du sexisme ?» deuxième partie.

mai 20, 2020

Lien pour 'Evil Dead, le film préféré de Fellini ?
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8:54

Evil Dead, le film préféré de Fellini ?

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Vous voyez les gros plans d’éjaculation dans le porno ? Eh bien, dans le gore, c’est pareil mais en rouge. Intitulé “Le corps souillé”, l’essai qu’Éric Falardeau consacre aux fluides corporels défend l’idée que sperme ou sang, peu importe : mépriser le porn ou le gore trahit la même haine du corps.

Le mot gore vient de l’expression «she was gored to death» : «elle a été encornée à mort». Par allusion à ce coup dans le ventre, qui fait jaillir les liquides, le gore désigne un cinéma de l’effusion. Il faut que ça gicle ! Dans un Mémoire de maîtrise remanié en essai, Éric Falardeau –réalisateur du film Thanatomorphose (2012), doctorant en communication et enseignant à Montréal– met en regard les recherches sur le porno (porn studies) et les travaux consacrés aux films style abattoir. Sa démarche n’est pas nouvelle. Ainsi qu’il le souligne volontiers, nombreux sont les chercheurs, hommes et femmes, à s’être intéressé-es au sujet. Tout l’intérêt de son livre –Le corps souillé–, c’est qu’il dresse un inventaire presque complet (1) de leurs recherches, organisées en chapitres incisifs, avec le désir de défendre la cause. Pour Éric Falardeau, il s’agit tout d’abord d’en finir avec l’idée que gore et porno ne méritent pas qu’on s’y intéresse. Au contraire, dit-il : ces genres dits «mineurs» réconcilient deux dimensions de l’humain (le corps et l’esprit) malheureusement dissociées dans l’Occident judéo-chrétien.

Mépriser le porno/gore c’est mépriser les affects

Prônant la réconciliation entre la chair et la pensée, l’auteur affirme que la fascination exercée par les scènes de sexe ou de torture vient de ce qu’elles génèrent en nous, physiquement, des réponses. Ce sont des images «sensationnelles», c’est-à-dire susceptibles de générer des sensations : effroi, excitation… Notre poitrine se serre, nos pupilles se dilatent devant des tripes ou des fellations. Mais il existe bien d’autres types de films capables de nous remuer, à l’instar des mélos qui font pleurer, des comédies qui font rire ou des films d’exploits qui donnent le vertige. Faut-il s’en étonner ? Chaque fois qu’ils exercent un pouvoir sur nos corps, ces films sont jugés «populaires», vulgaires. Pour l’historienne du cinéma Linda Williams, il n’y a là rien d’innocent : les élites ont en horreur des divertissements qui font perdre le contrôle. La distinction posée entre érotisme et pornographie ne tient qu’à ce système de valeur, basé sur la haine du corps. Quand les organes dominent la raison, c’est du X (c’est mal). Quand l’esprit seul est touché, c’est érotique (c’est bien).

Un cinéma «participatif» : stupeur ou tremblement ?

Dénonçant cette «posture morale», Éric Falardeau propose de réhabiliter toutes les catégories de films ayant pour «première raison d’être la provocation de réactions corporelles, tel[le]s que la comédie, l’horreur, le mélodrame, la pornographie et le suspense.» Ces films grand public que la théoricienne Carol J. Clover nomme des films de «genre corporel» sont caractérisés par l’exhibition de corps en proie à des émotions intenses (plaisir, douleur, ivresse) destinée à provoquer chez le spectateur, «par une sorte mimétisme sensoriel», l’épanchement de larmes, de rire, de cris et l’envie frénétique de jouir, fuir ou danser. Il peut paraître curieux d’affirmer que rien ne sépare une comédie musicale d’un porno ou d’un slasher, et pourtant. L’histoire n’est qu’un prétexte pour «montrer un minispectacle», explique l’auteur, qui parle aussi de «parenthèse». Dans les comédies musicales : la parenthèse est un numéro de claquettes. Dans les films de cape et d’épée : un duel. Dans les films de vampire : un baiser fatal. Dans les péplums : une grande bataille.

Plus il y a de «parenthèses», plus on jouit

«Les scènes de mises à mort pour le gore et celles d’actes sexuels pour la pornographie constituent des types de «parenthèses», c’est-à-dire qu’elles interrompent le déroulement du récit pour présenter plus en détail une action a priori non primordiale à la compréhension de l’histoire.» Bien qu’il s’agisse de scènes parfaitement inutiles sur le plan narratif (on pourrait en faire l’élipse que ça ne changerait rien à la compréhension de l’histoire), ce sont elles que les spectateurs attendent et dont ils goûtent le côté répétitif, ultra-codifié, autant que les infinies variations, parce qu’elles agissent comme des boutons : elles déclenchent toujours la même réaction physique. Sursaut de peur, jet d’adrénaline, flash d’euphorie, hyperthermie… Tout l’enjeu de ces films, c’est d’activer en nous, sur commande, les effets d’affects divers (stress, faim de sexe ou soif de pleurer), sans qu’on puisse leur résister. Plus le film nous capture, plus il nous ébranle, plus nous sommes ravi-es et subjugué-es.

«Très très gros plan» sur une femme qui gémit

Dans son essai, Éric Falardeau note cependant que le gore et le porno se distinguent des autres (sous-)genres de films à «effets corporels», en ce qu’ils font bien plus que mouvoir les corps. Dans le gore et le porno, «la participation affective du spectateur à la monstration est encore exacerbée par l’usage du très très gros plan». De façon significative, ce gros plan montre en alternance le détail cru d’une anatomie (organes génitaux ou intestins sanglants) et l’expression d’un visage ravagé (par la jouissance ou par l’horreur). Comme par hasard, le bouquet final d’un porno (l’éjaculation faciale) est appelé en jargon money shot, le «plan cash», ou meat shot, le «plan viande». «Dans le gore, le sang gicle à l’écran et libère son spectateur de sa position, de son enchaînement à l’image et à son plaisir, la pornographie fait gicler le sperme pour signifier la fin d’un “numéro”», conclut Éric Falardeau qui associe le geyser final à une forme de triomphe. Lorsqu’à l’écran des liquides jaillissent –traversant la barrière des conventions sociales qui veulent que les liquides ne sortent pas du corps–, le spectateur (homme ou femme) synchronise ses réactions corporelles avec celles qu’il voit exprimées par l’image, traverse la barrière qui le sépare de la fiction et ne fait plus qu’un, enfin, ne fait plus qu’un avec lui-même, corps et pensée enfin réconciliés.

A LIRE : Le corps souillé : gore, pornographie et fluides corporel, d'Éric Falardeau, éditions L’Instant même, 2020.

NOTE (1) Aucune trace de Marc Godin, l’auteur du tout premier livre d’art consacré au gore.

POUR EN SAVOIR PLUS : «L’école du vice et de la soumission» ; «Cadavre exquis de la débauche» ; «Faites un don d’organes… sexuels»

mai 18, 2020

Lien pour 'Abstinence : tous concerné-es ?
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10:33

Abstinence : tous concerné-es ?

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«La sexualité a longtemps été pour moi la chose la plus naturelle au monde». Jusqu'à ce que… A l’âge de 34 ans, la romancière Emmanuelle Richard fait le point sur ses 5 années d’abstinence et interroge d’autres personnes "sans" : pourquoi n’ont-elles aucune relation ?

«Je n’aurais pas cru vivre un jour un temps long sans aucune sexualité partagée […], jusqu’à la disparition même de toute sexualité solitaire, de la moindre idée de désir et de masturbation.» Dans un ouvrage d’enquête en terrain sensible –Les corps abstinents (Flammarion)–, Emmanuelle Richard énumère les raisons qui peuvent amener des hommes et des femmes à ne plus faire l’amour. Ils sont trente-sept, âgés de 18 à 60 ans, soit quinze hommes et vingt-deux femmes, rencontré-es au cours d’une année. «La somme de ces témoignages constitue, à mon sens, une parole inédite, variée et multiple, surprenante et troublante, qui participe, via des biais indirects, à la déconstruction des stéréotypes de genre et de relation, en même temps qu’elle vient questionner notre rapport à la solitude, à la norme, aux prescriptions.» Certain-es souffrent, d’autres pas. Certains se sentent abstinents au bout d’une semaine. «Pour d’autres, ce sera après six mois ou plusieurs années.» Les raisons de leur abstinence sont toujours si différentes qu’il semble impossible d’en dresser un portrait type. Comment les classer ?

«La peur nue d’être à jamais seule»

Faute de mieux, Emmanuelle Richard structure son ouvrage en neuf chapitres qui correspondent à neuf cas de figure. En alternant le récit de son expérience vécue avec les paroles recueillies, elle dresse du phénomène une peinture d’autant plus bouleversante qu’on s’y reconnaît. Inévitablement, ses mots réveillent des souvenirs. Il y a par exemple le récit de cette séance (décembre 2018) chez l’ostéopathe, au cours de laquelle submergée par «la peur nue d’être à jamais seule», Emmanuelle réprime ses larmes alors que le médecin (qui fait semblant de ne rien remarquer ?) prend soin d’elle, de peau à peau. «C’est là, que c’est monté : la tristesse à couper le souffle. Comme un étranglement.» Elle réalise que depuis cinq ans personne ne l’a touchée. Personne n’a juste posé une main apaisante sur elle. Elle n’a non plus jamais caressé, ni étreint, durant tout ce temps-là, dont on comprend, petit à petit, qu’il a suivi une rupture amoureuse, puis une grave dépression.

Un speculum spécial pour une femme spéciale

Dans ce chapitre inaugural, intitulé «Sans contact», Emmanuelle fait le parallèle avec le cas de Sandrine, une femme dont le dernier contact sexuel remonte à juillet 1987 et pour qui l’abstinence relève de la normalité parce que, depuis son enfance, elle se punit en mangeant trop, puis en vomissant, à répétition. C’est une femme frêle, «isolée volontaire», qui tenait une librairie de philosophie avant de devenir femme de ménage, et qui raconte : «Au mois d’août, me voilà dans le cabinet d’une toute jeune gynécologue, remplaçante comme de bien entendu, pour un contrôle de routine. Nous ne nous connaissons pas, questions-réponses d’usage. L’heure de l’examen sonne. Stress maximum dès lors qu’il me faut écarter les cuisses. Et là, j’entends cette demoiselle me dire, avec beaucoup de douceur, qu’elle allait utiliser un spéculum de vierge et que ce ne serait pas douloureux. J’ai cinquante-quatre ans.»

Hors d’état de jouir

Intitulé «Hors d’état», le deuxième chapitre n’est pas moins perturbant. Il mentionne le cas d’un garçon, jeune, séduisant, mais comme étranger à lui-même. Tout en ayant des rapports sexuels, il les vit à distance, de façon passive : son abstinence est «une forme de renoncement absolu», c’est-à-dire qu’il ne prend jamais l’initiative et qu’il répond au désir de l’autre mais sans jamais être présent. «Pour mon expérience, une période dite d’abstinence va de pair avec l’abandon de toute forme de proactivité qui irait vers la séduction : c’est l’absence de désir, qui va jusqu’à la perte de désirer le désir lui-même.» Quand il a des relations, elles sont sans volonté. Quand il n’en a pas, cela peut durer un an. Parfois il se force (l’appétit vient en mangeant ?), mais «sans succès». L’appétit ne revient pas. Pour lui aussi, tout a commencé par une rupture amoureuse. Il lui est devenu impossible de goûter aucun baiser, aucune caresse. Mort-vivant ? Lui parle «d’espace vide». Il traverse son désert.

Des corps «captifs de leurs fantômes»

«Ces dernières années, j’ai pris conscience de la fragilité de la pulsion vitale qu’est la libido. Celle-ci dépend autant de l’état de notre confiance en nous que de notre santé physique et mentale ; de notre climat émotionnel ; de la manière dont nous nous sentons juste ou non dans la vie que nous menons». Avec des mots posés, d’une douceur déchirante, Emmanuelle Richard tend en miroir ces récits croisés en soulignant que l’abstinence relève moins d’un état permanent que d’une sorte d’enchainement fatal : il suffit d’un rien. La naissance d’un enfant, une maladie, un complexe, une rupture, un deuil. Puis, le temps faisant, à force de se refuser, ou de ne plus pouvoir, on s’enfonce dans l’idée d’être inapte : «pas de désir, pas de confiance en soi, rien à donner, rien à recevoir»… pour finalement tomber dans le cercle infernal d’une perte totale de moyens. Jusqu’à quand attendrons-nous ? Retrouverons-nous un jour la connexion perdue avec le corps ?

A LIRE : Les corps abstinents, d’Emmanuelle Richard, éd. Flammarion, fev. 2020.

EXTRAIT : «Tout le monde est, a été ou sera privé de sexualité partagée à un moment ou un autre, pour mille raisons envisageables. Qu’il s’agisse d’abstinence choisie ou subie – pour prendre du recul ; pour raisons de santé physique, psychique ou climat émotionnel inapproprié ; par peur de ne pas être à la hauteur, défaut d’estime de soi en conséquence de possibilités matérielles limitées ; de rupture ou de deuil ; de manque d’opportunités, ou d’insatisfaction quant à l’attractivité de celles-ci ; de difficultés à entrer en contact ; de divergences d’envies avec son ou ses par-tenaires ; de lassitude ; de volonté de pris d’autonomie sexuelle et/ou émotionnelle ; de libération ou de désintérêt par rapport à un mot d’ordre qui ne nous satisfait plus ; de saturation quant à l’immixtion de l’extérieur dans notre sexualité et à l’obligation de performance ; d’exigences en tout genre ; de besoin de sûreté pour confier son corps à l’autre ; de quête de sens… Nous sommes tous concernés.» (Les corps abstinents, d’Emmanuelle Richard)

ILLUSTRATION : Photo «Dame blanche - Fiction nuptiale», de DOOL (Diane Ottawa et Olivier Lelong), 2019.

mai 13, 2020

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9:14

Le Japon se protège avec un "monstre" viral

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Le Japon se protège avec un "monstre" viral

Au Japon, pour se protéger, il y a les masques bien sûr, mais aussi l'“amabie”, une sirène de l'époque Edo qui aurait le pouvoir de chasser les épidémies. Pour activer sa magie, il faut en reproduire l'image. Le gouvernement l'utilise dans la lutte contre le Covid. Des versions sexy de l'amabie se multiplient.

L’amabie (アマビエ) est un cryptide, un animal imaginaire à bec d’oiseau, au corps d’écaille, muni de trois queues de poisson. La légende dit qu’en mai 1846 cette sorte de sirène serait apparue, sortant des flots, à des humains et leur aurait dit : «Si une maladie se propage, montrez une image de moi et les malades seront guéri-es.» A plusieurs reprises, cette légende aurait resurgi, des milliers de personnes reproduisant l’image de ce yôkai («monstre» ou créature fantastique) afin d’en faire leur talisman. C’est maintenant la quatrième fois dans son histoire que le Japon se laisse saisir… par la fièvre de l’amabie. Le gouvernement lui-même utilise son image (inspirée d’une estampe conservée à Kyôto) comme mascotte dans la lutte contre le Covid. Cette lutte est d’ailleurs estampillée Ekibyô Taisan (élimination de l’épidémie), à l’aide d’une expression hautement auspicieuse qu’on retrouve dans les temples et des sanctuaires.

Voici la plus célèbre estampe (ce serait la première gravure répertoriée) représentant l'amabie:

Et voici sa version «officielle» reprise par le Ministère de la Santé, du Travail et des Affaires Sociales.

Une image pour lutter contre le virus ?

Depuis un mois, le «meme» de l’Amabie se répand sur les réseaux. Un meme est un élément ou un phénomène repris et décliné en masse sur Internet. Celui de l’amabie bénéficie d’une campagne intitulée «Amabie Challenge» (#アマビエチャレンジ) qui invite tous les artistes ou amateurs à reproduire l’image de l'amabie. Dans les écoles, des concours sont également organisés.

Les pâtissiers proposent des Amabie wagashi, qui immunisent du coronavirus, vendus avec des certificats.

Les cafés proposent des Amabie Latte, pour exorciser le mal.

Il y a des bières, des bouteilles d’alcool en série très limitée pour se voir «accorder les bienfaits d’Amabie-sama» (go-riyaku ni azukaru).

Des lignes ferroviaires invitent les candidats au voyage, à bord de trains placés sous la protection magique de l'amabie.

Des cosplayeurs et cosplayeuses, comme Richie ou Yunmao Ayakawa, se déguisent en combattants contre le mal.

Les propriétaires de chat mettent à contribution leur animal : ils organisent en ligne des festivals de cosplay félin, convertissant leurs animaux en yôkai domestique.

Les fabricants de butsudan (autels pour les morts) proposent de placer les âmes des défunts sous la protection de l’Amabie.

L'amabie se décline aussi en versions moe, sous la forme d’illustrations sexy, de poupées articulées (voir ci-dessous celle de la firme Volks), de personnages de jeux vidéo customisés, d’héroïnes manga, etc.

L’art et la création sont aussi des gestes barrières

Cette médecine qui passe par la médiation des images et de l’art peut sembler naïve. Mais elle a probablement des vertus bien supérieures à celle qui – sous l’appellation de “scientifique” – réduit l’humain à son seul corps, sans tenir compte du fait que la santé dépend de notre équilibre, de nos aspirations, de notre place dans le monde. C’est ce que l’anthropologue Jacques Mercier avait magnifiquement démontré dans son exposition “Les maîtres du regard” (consacrée aux talismans d’Ethiopie) en 1992 : « La maladie n’est pas seulement un fait biologique.»

Et voici la «danse de l’Ekibyô Taisan», pour repousser au loin le virus.

コロナ退散の踊りで祈願するアマビエ姉さん。フルバージョン。慎重に行動してこのコロナ禍を耐えしのごう💪 #でっかいおっぱいでみんなを元気にしたい #アマビエ #アマビエチャレンジ pic.twitter.com/YYBtLVucL3 — 佐本三国 (@dezakinian) April 3, 2020

Merci à Kenta Saito (賢太さん、有り難うございます!!!!).

mai 11, 2020

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9:02

Des femmes nues dans des cercueils ?

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A la fin du XVe siècle, dans les riches familles italiennes, les chambres à coucher s’ornent d’images érotiques –les premiers nus de la renaissance– qui ne sont pas destinés à être vus de n’importe qui. Curieusement, ces nus sont allongés. Comme les gisants !?

Les premiers nus «modernes» apparaissent dans la seconde moitié du XVe siècle en Italie. Ces images sont peintes sur des panneaux ornant la tête du lit, par exemple, afin qu’en se couchant les jeunes époux aient sous les yeux des Venus alanguies et des dieux dénudés. Les scènes antiques sont censées leur inspirer des pensées conformes à ce qui est attendu d’eux : la reproduction. Mais leur dimension transgressive n’échappe pas aux contemporains (1). On les cache. Les images les plus «obscènes» ne se trouvent d’ailleurs pas sur la tête du lit (trop visibles). Elles sont dissimulées dans l’intérieur des coffres de mariage appelés cassoni que les fiancés offrent alors (par paire, symbole de l’attachement conjugal) à leur future épouse pour y ranger sa dot…

Les coffres voluptueux pour jeunes mariés

Au départ, ces coffres nuptiaux n’ont rien d’offensant. Sur le devant, un large panneau représente une scène allégorique ou une scène de vie : chasse au cerf, innocent repas de fête. Progressivement, un autre motif apparaît en secret : des femmes nues allongées déploient leurs charmes sulfureux sur le panneau intérieur du couvercle. Dérobées au regard quand le coffre est fermé, elles surgissent «d’un mouvement à quatre-vingt-dix degrés de son support», ainsi que le formule Delphine Lesbros. Dans un article consacré à ces troublantes figures d’apparition, elle note que jusqu’ici les personnages couchés dans l’art occidental étaient des morts. Les nus allongés des cassoni, en appui sur un coude, les hanches et la poitrine face au spectateur, évoque celle des banqueteurs (mangeurs allongés sur des banquettes) dont l’origine est attestée «en Assyrie au milieu du VIIe siècle avant notre ère […] et qui gagne le monde grec au tournant du VIIe et du VIe siècles».

La position allongée des transis

Bien que cette pose demi couchée soit fort peu confortable, elle est si fortement associée à l’idée du banquet –donc du pouvoir et de l’aisance– qu’elle finit par être adoptée chez les Etrusques pour les couvercles des sarcophages, ornés de statues représentant le défunt et la défunte (souvent en couple) «parés de tous leurs atours pour franchir le seuil de la mort avec ostentation». Faut-il y voir un hasard ? C’est la ville de Florence qui lance la mode des coffres nuptiaux, dont la forme se rapproche des sépultures antiques. Or seuls quelques kilomètres séparent Florence de la cité étrusque de Fiesole… Lorsque les peintres de la renaissance reprennent le motif funéraire de la personne allongée, par effet de renversement, ils ne le placent pas sur un couvercle de sépulture (une boîte à cadavre) mais sur celui d’un cassoni (une boîte contenant entre autres des draps pour un lit deux places, de la lingerie et des layettes). S’agit-il d’un hasard ?

Hommage à Daniel Arasse

La forme du coffre nuptial rappelle celle d’un cercueil. Son couvercle, relevé, fait apparaître une figure allongée qui rappelle une statue funéraire. La similitude est frappante. Même s’il reste difficile de comprendre comment le passage a pu se faire entre les statues souriantes des morts et les nus érotiques de la renaissance, on ne peut qu’être frappé (à l’instar de Delphine Lesbros) par le continuum qui lie les couples, à plusieurs siècles de distance, qu’ils soient au seuil de la vie nuptiale ou… éternelle. La chercheuse dédie d’ailleurs son article à Daniel Arasse, qui fut son maître et à qui elle rend hommage. On doit à Daniel Arasse un texte un peu hermétique mais très beau sur un des premiers tableaux de nu recensé au XVIe siècle, lorsque les figures de femmes allongées se levèrent des coffres où elles étaient enfermées et dissimulées, pour aller orner des tableaux sur les murs, en exposant leur chair de façon transgressive.

Voir, c’est être vu

Intitulé «La femme dans le coffre», le texte fondateur de Daniel Arasse porte sur la Vénus d’Urbin de Titien (Florence, Offices, 1538) montrant une beauté demi-couchée sur une banquette, la main logée entre les cuisses, les yeux plantés dans ceux du spectateur et derrière laquelle on distingue, dans le fond d’une pièce dallée, une servante accroupie devant le couvercle relevé d’un cassoni.

De ce tableau inouï, perturbant, Daniel Arasse délivre la clé : il ne s’agit pas d’une scène montrant une jeune mariée (ni une prostituée) allongée dans une pièce au fond de laquelle se situe une servante. La femme au premier plan c’est celle que la servante regarde sur le couvercle. Nous qui regardons cette femme, nous sommes placés exactement dans la position de la servante, subjuguée par cette vision en gros plan. L’image de la femme nue est donc un tableau dans un tableau, une image en abyme (pareille à celle de la vache qui rit dont les boucles d’oreille s’ornent d’une vache qui rit), renvoyant l’acte de voir à celui d’ouvrir une boîte interdite. On ne viole pas des sépultures sans encourir une malédiction. On ne regarde pas Vénus sans devenir coupable. Que les premiers nus de la renaissance aient d’abord été peints dans des coffres éclaire en tout cas certainement notre compréhension de ce qu’est la modernité.

A LIRE : « Vice-Versa. Regard sur les figures couchées dans les couvercles des forzieri », de Delphine Lesbros, Images Re-vues [Online], 2006.

«La femme dans le coffre », de Daniel Arasse, On n’y voit rien, Descriptions, Paris, Denoël, 2000.

NOTE (1) Savonarole, notamment, les dénonce comme des turpitudes. «Ainsi la jeune mariée chrétienne apprend davantage sur les ruses de Mars et de Vulcain que sur les délicieux martyres des femmes saintes racontés dans les deux testaments.» Il réclame la destruction de tous ces meubles offensants et sous son influence un immense bucher sera dressé à Florence, voyant disparaître des centaines de chefs d’œuvre.

ILLUSTRATIONS

(1) Coffre venant de l’atelier de Giovanni de ser Giovanni Guidi (Lo Scheggia), Statens Museum for Kunst.

(2) Sarcophage étrusque.

mai 04, 2020

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8:33

Comment définir les mots "amour" et "fromage" ?

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Comment définir les mots "amour" et "fromage" ?

Dans “Le palais aux 37 378 fenêtres”, Corinne Desarzens retrace les aventures d’un encyclopédiste qui eut treize enfants de trois femmes. En seulement 10 ans, il publia 58 volumes d’une Encyclopédie mythique, récemment exhumée de l’oubli.

C’est l’histoire vraie d’un moine italien –Fortunato Bartolomeo De Felice– qui traduit Descartes et Leibniz puis aide son amour d’enfance –la comtesse Panzutti– à s’échapper du couvent-prison où son mari l’avait fait séquestrer. Elle aime un autre homme. Ils se quittent. Fortunato, devenu mendiant erre à travers l’Europe avant de s’installer en Suisse, où il se convertit au protestantisme, fonde un pensionnant pour jeunes gens et une imprimerie, avant de se lancer dans un projet fou : rassembler la somme colossale du savoir en cette fin du monde qu’est la fin du XVIIIe siècle. Son modèle est l’Encyclopédie de d’Alembert et Diderot, publiée entre 1751 et 1772 (17 volumes de texte, plus 11 volumes de planches)… On peut mieux faire, pense Fortunato. A cette époque, alors que le droit d’auteur n’existe pas, l’Encyclopédie «de Paris» génère dans toute l’Europe une flopée de copies, éditions pirates et contrefaçons.

L’Encyclopédie d’Yverdon

Fortunato décide de fournir une version qui surpasse toutes les autres. Il s’entoure d’une trentaine de collaborateurs, presque tous protestants : historiens, biologistes, philosophes… Seul Voltaire lui résiste (faute de flatteries ?) : il refuse de prendre part au projet. Corinne Desarzens affirme que ce même séditieux Voltaire, à l’époque, craint tellement d’être condamné qu’il utilise dans ses correspondances le mot «fromage» pour désigner les livres interdits (1). Elle le cite, mélangeant des extraits authentiques d’époque avec des bouts de Jean-Louis Céline, au fil d’emprunts triturés similaires à ceux que Fortunato faisait subir aux articles (2). Le résultat peut déconcerter, car truffé de pièges : qui dit quoi ? De toutes ces libertés qu’elle prend avec l’histoire, Corinne Desarzens fait la matière d’un livre qui avant tout relève du cut-up : Casanova y croise Cendrars et des listes à la Prévert y prennent le relai de descriptions épouvantables des tortures infligées aux chats dans cette Europe encore féodale.

Sans interdits, comment désirer ?

Citant des bouts d’Encyclopédie, la romancière s’amuse à mélanger les genres. Elle fait la description précise des moeurs de l’époque. Nous sommes dans les années 1770. Dans la petite ville d’Yverdon (alors placée sous l’autorité de Berne), les savants réunis par Fortunato s’entendent à dire qu’«il n’existe pas d’érotisme spécifiquement protestant, car le protestantisme est une religion de la liberté». La sexualité est forcément moins amusante, comme dit Corinne, dans une société qui ne voit le corps de chair que comme un mécanisme à démonter. L’Encyclopédie d’Yverdon, qui paraît au rythme invraisemblable d’un volume tous les deux mois, est d’ailleurs surnommée l’Encyclopédie protestante, par allusion à son style dépouillé, sa minutie scrupuleuse, son souci de décrire des choses observées.

Pourquoi nier l’âme des plantes ?

Un Chat est un «animal quadrupède qui a 26 dents, 8 mamelles, 5 doigts aux pieds de devant et seulement 4 à ceux de derrière». La Nostalgie est la «Lune à son dernier quartier éclairé par la bruine». La Mort est la «Destruction des organes vitaux, en sorte qu’ils ne puissent plus se rétablir». Ces définitions sont-elles authentiques ? Pas forcément. Corinne Desarzens fait exprès de nous perdre, en citant des dictionnaires modernes mêlés de proverbes mapuche. Sa démonstration n’en reste pas moins exacte : à la différence de l’Encyclopédie française (D’Alembert-Diderot) qui s’attaque à la religion comme à la source de de toutes les erreurs, l’Encyclopédie d’Yverdon se veut scientifique MAIS spirituelle. Qui sait : il y a peut-être une âme dans les plantes. Pourquoi la nier, sans preuves ?

Un banquet «Fromage, amour, mort»

Pour écrire l’article Fromage, un pasteur (Gabriel Mingand) se déplace en personne dans les alpages et enquête. Jamais article sur le fromage ne sera plus complet que cette description quasi ethnographique des procédés de fabrication. Fasciné par cette définition, Corinne Desarzens y consacre un chapitre étonnant qui articule la notion de tabou et de dégoût. Dans un monde «libéré» des interdits, dit-elle, l’ultime rempart de notre imaginaire érotique c’est la répulsion. Celle que peuvent provoquer certains fromages par exemple. Leurs odeurs et leurs textures lui inspirent une liste de 54 adjectifs –corsé, souple, cassant, fleuri, végétal, onctueux– et l’étonnant récit d’un banquet, au cours duquel Fortunato et ses collaborateurs goûtent à tous ces fromages bourrés d’amines aux noms suggestifs : putrescine, cadaverine, spermicine…

«Une fois évaporés tous les parfums»

«Matière inquiétante que le fromage, persévérant dans l’état surprenant entre la vie et la mort». Tout en examinant la caillette (l’estomac d’un veau) qu’ils se passent de main en main comme une méduse, les savants se confrontent aux pâtes molles, parfois marbrées de bleu-vert, et parlent de la façon dont les fromages sont fabriqués. Il faut mélanger le contenu de la caillette (présure) avec le lait d’une vache arrachée à son petit. Ce lait «réincarné par l’action des sucs digestifs du petit veau, attaquant la sécrétion de sa propre mère» est aussi transformé par des bactéries qui sont les mêmes, exactement, que celles qui nous dévoreront. «Il existe une sorte de triomphe momentané à consommer ces prémices de notre propre condition ultime», écrit Corinne Desarzens (3), en bouclant la métaphore de ce fromage pareil à nos désirs : d’autant plus forts qu’ils se rapprochent du seuil de péremption. Son roman porte finalement moins sur l’Encyclopédie d’Yverdon que sur cette prodigieuse tendance qu’ont les êtres vivants à éclore, aimer ou créer quand ils sentent venir l’extinction.

«L’amour cesse de vivre dès qu’il cesse d’espérer ou de craindre»

A LIRE : «Le palais aux 37 378 fenêtres», de Corinne Desarzens, Editions de l’Aire, 2019.

A LIRE : L’Encyclopédie d’Yverdon est disponible depuis 2003 sous forme de DVD.

NOTES

(1) Corinne cite un extrait authentique de sa lettre au chevalier Jacques de Rochefort d’Ally, en page 248.

(2) Parfois même, Corinne Desarzens met, seules au milieu d’une page «des phrases / belles comme des portiques / longues comme / des nuits sans sommeil» et dont il faut deviner l’origine.

(3) Cette phrase ainsi que la phrase qui ouvre le paragraphe sont empruntés par l’auteur à Jim Stillwaggon, compagnon américain d’Anne Hovart, de la librairie Centrale (qui n’existe plus à Ferney-Voltaire, en Suisse) qui organisèrent ensemble la Première Conférence Mondiale sur le Fromage, marathon de dégustation sur le thème « Cheese, mort, sexe et folie » le 26 mars 2006.

EN SAVOIR PLUS : Billet d’Etienne Dumont

ILLUSTRATION : «Le chemise enlevée», de Fragonard, 1770. Copyyright Photo : Jean-Louis Mazières, FlickR

avril 29, 2020

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11:29

"Vous êtes trop près" : le cri du coeur ?

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"Vous êtes trop près" : le cri du coeur ?

Koike Yuriko, la gouverneure de Tôkyô, est devenue l'inspiratrice d'un jeu vidéo dans lequel une femme en tailleur strict sépare des gens qui ne respectent pas les règles de distanciation, en criant “Vous êtes trop près” : mitsu desu ! Sa phrase fait fureur sur les réseaux. Formule magique pour éloigner le mal.

Début avril, lors d’une conférence de presse portant sur l’épidémie, la gouverneure KOIKE Yuriko s’exclame à quatre reprises «Mitsu desu» (密です, littéralement «c’est dense», «c’est trop serré»), afin de repousser la horde de journalistes qui se précipitent sur elle avec leurs micros. Son cri est immédiatement mixé en rythme techno par des internautes moqueurs.

Le côté costaud de Koike impressionne. Sur TikTok, la voilà transformée en agent d’intervention des forces spéciales : mitsu desu ! Poussez-vous bon sang !

Sur les réseaux sociaux, des petites vidéos des conférences de presse circulent. Yuriko devient une redresseuse de torts cyborg, prête à tout pour écarter les gens : «Poussez-vous ! J’ai dit : poussez-vous plus loin !

Le 11 avril, un créateur (créatrice ?) de jeu surnommé-e Gunjo Chikin (poulet outremer) repense au cri de Yuriko alors qu’il (elle) rentre du travail à pied et croise des groupes de passants compacts : «Il y avait des gens sur mon chemin, et j’ai pensé que ce serait drôle de pouvoir les balayer». Ce soir-là, Gunjo Chikin créé un petit jeu en ligne intitulé Mitsu desu qui consiste pour le joueur à disperser les passants en criant “Vous êtes trop près”. Les niveaux de difficulté augmentent avec des MP (Mask Points). Quand le joueur ne parvient pas à éviter un passant, on entend «Dame !» («Dégage !)».

Le jeu s’intitule “Mitsu desu” et fait allusion aux prescriptions officielles, surnommées les «trois densités» (san-mitsu), à savoir les trois types de rapprochements à éviter (énumérés dans la vidéo ci-dessous) : 1. Mippei (le fait d’être dans un endroit mal aéré, serrés les uns contre les autres). 2. Misshu (la foule, le fait d’être dans un rassemblement de gens). 3. Missetsu (le contact intime, la promiscuité amoureuse).

Ironie du jeu, : parmi les passants à écarter, il y en a un à l’image d’ABE Shinzô, fortement critiqué au Japon pour sa gestion de l’épidémie. Il a pris pour mesure (entre autres) la distribution de deux masques par foyer. Problème : quand on est trois ou quatre, on fait quoi ? Dans le jeu, Shinzô tend deux masques à Yuriko qui le balaie d’un revers de clic : «Mais pousse-toi !». Quand le jeu s’achève, une voix rappelle aux joueurs de «rester à la maison».

Confinement aidant, les Mitsu dance fleurissent aussi en ligne : des danseuses transcrivent sous forme chorégraphique les recommandations de KOIKE Yuriko. Ce qui donne…

Suite au succès faramineux de Mitsu desu, le 20 avril, un étudiant en design numérique, Motulo, met en ligne sur Twitter un extrait de la version en 3D du jeu Mitsu desu. L’extrait montre Yuriko voler dans les airs et courir à travers une ville pour séparer des gens qui dansent en groupe en criant “Mitsu desu”.

Le 23 avril, le jeu est mis en ligne sur Internet sous le titre Mitsu desu 3D.

Au mêmer moment, des joueurs japonais de Minecraft s’amusent à transformer le jeu en Mitsu-desu-craft. Ils fabriquent des masques à leurs avatars et se défient les uns les autres de respecter les deux mètres de distance recommandés.

Un autre jeu parodique, intitulé Yokero - san-mitsu (避けろ！三密, «Evitez ! Les trois densités») consiste à avancer dans un couloir tout en évitant des images de Yuriko : il faut respecter la sôsharu disutansu ! Ironie : le joueur est figuré par un masque.

A noter : san-mitsu est un mot du lexique bouddhique désignant «les trois mystères» que sont le corps de Bouddha, la parole de Bouddha et l’esprit de Bouddha. Mitsu, «densité» peut aussi se traduire «secret» par allusion au fait que l’épaisseur ou la densité d’une chose masque son essence.

avril 27, 2020

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8:59

Les habits neufs de la masculinité

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Parce que les mâles aussi peuvent avoir des bourrelets, trop de poils ou pas d’érection, les voilà invités à se mettre nus. Une fois par mois, la série “Les garçons bleus” dresse le portrait d’un homme, en moins d’une minute, pour répondre à la question : qu’est-ce qu’un homme?

Qu’ils soient «musclés, minces, ronds, petits, grands», anonymes ou connus, peu importe : ces personnes-là – douze en tout – refusent de jouer l’homme fort, celui qui répand sa semence à tout va. Le rôle du macho, ils n’en veulent pas : trop toxique. A ces douze participants, le projet de documentaire animé «Les garçons bleus- 12 portraits» consacre 45 secondes : c’est juste le temps qu’il faut pour se déshabiller. La série se veut décomplexée. Elle propose de diversifier l’image qu’on se fait des hommes, en exposant leur corps nu au repos, tout d’abord, mais surtout leur parole intime. Chaque séance d’effeuillage s’accompagne en voix off d’un récit singulier ou d’une réponse à la question : «Comment tu te sens dans ton corps? Tu te sens comment en étant nu? Comment tu vois ta place dans la société d’aujourd’hui?»

Ci-dessous, Jeffrey, en avant-première sur Les 400 culs :

Comment encourager les hommes à se livrer ?

Le protocole de tournage est toujours le même. Face à la caméra, chacun d’entre eux retire le haut, le bas puis le slip (c’est vite fait), avant d’effectuer une petite chorégraphie sans prétention. Florent dessine, par exemple (sa vidéo est en bas de l’article). Davi fait un pas de flamenco (voir plus bas). Jérémie souffle dans un ballon (voir plus bas). La mise en scène repose sur la banalité des gestes. La nudité elle-même –mise à distance derrière un traitement au stylo bic (le plus banal des stylos au monde)–, ne paraît ni choquante, ni spectaculaire. Elle n’est que le moyen de rendre une parole plus sobre, en la dépouillant des tentations liées au paraître. Habillé, l’humain s’agrippe à son image. Nu, le voilà bien obligé de lâcher prise. C’est toute l’originalité de cette série que de forcer d’abord les hommes à s’exposer physiquement, en préalable à l’entretien.

La nudité comme exercice de renoncement

Benjamin Bonnet, le producteur de la série, estime le strip indispensable à la démonstration : «le combat pour l’égalité homme femme ne se gagnera que si on redéfinit la virilité autrement que comme un outil de domination or on s’aperçoit bien que se mettre nu (donc dans une forme de vulnérabilité) oblige à se reposer la question de son phallus triomphant.» Pour qu’un homme se livre vraiment, il faut d’abord le faire renoncer à cette posture, artificielle par excellence, de la dureté virile. C’est cette posture qui pourrit la vie des hommes, insiste Benjamin. Les comportements qui sont attendus d’eux dérivent en effet tous de l’équation «mâle = érection». Dans notre société, un homme doit bander. Sa sexualité est perçue comme l’équivalent d’une fonction réflexe, centrée sur le génital. Par opposition, la sexualité de la femme est généralement vue comme quelque chose de très cérébral. Et si c’était faux ?

La sexualité masculine : une fonction «biologique» ?

Il est courant de croire que les femmes jouissent avant tout «dans la tête» et, inversement, que la fonction sexuelle masculine, dérivant d’un besoin physiologique naturel, relève d’une réponse mécanique à un stimulus. Sous-estimant la dimension émotionnelle et psychologique du désir masculin, notre société n’admet pas les pannes : il y a des pilules pour ça. Comme s’il suffisait d’une tumescence pour régler le problème, l’industrie pharmaceutique contribue grandement à renforcer les préjugés qui réduisent l’homme à sa queue. C’est justement «contre ces préjugés» qu’il importe de se battre, explique Benjamin Bonnet. Pour en finir avec les comportements machistes, sa réponse peut paraître insignifiante. Quel impact peuvent avoir ces dessins animés d’une minute diffusés gratuitement, chaque dernier mercredi du mois, sur YouTube, Facebook et Instagram ? L’avenir nous le dira. Si leur diffusion était relayée sur les réseaux sociaux, la puissance de ces mini-strips pourrait s’avérer bien plus grande que prévue. Alors, faites circuler.

A VOIR : websérie Les garçons bleus - 12 portraits. Mise en ligne de janvier à décembre 2020 : le dernier mercredi de chaque mois à 14h, sur YouTube, Facebook et Instagram. Une version de 2 min par épisode de la série a été pré-acheté par France Télévisions pour une diffusion sur Slash à partir d’octobre 2020.

PRESENTATION : Les garçons bleus - 12 portraits. est un projet de série documentaire animée qui met en valeur la diversité des corps masculins et les histoires que ces personnalités singulières ont à raconter. Des hommes de tous âges et toutes origines sont magnifiés au stylo BIC bleu en rotoscopie par l’artiste Francisco Bianchi. La série est produite par Mood Films Production (créée par Benjamin Bonnet). Avec le soutien du CNC Talents et de la SACEM

QUATRE QUESTIONS A BENJAMIN BONNET ET FRANCISCO BIANCHI

Le projet a commencé quand ? A l’initiative de qui ?

Benjamin - La diffusion sur Instagram du projet a démarré le mercredi 29 janvier à 14 heures avec épisode 1: florent. La pré-production date de début 2019 et le concept du documentaire animé est né d’une réflexion entre Francisco et moi sur comment mettre en valeur ses dessins au stylo bille bleu et une envie de parler du masculin en interrogeant 12 modèles dans un panel le plus divers possible.

Francisco - Benjamin a vu mon projet d’illustration les garçons bleus et quelques petites animations que j’avais faites et postées sur mon compte Instagram, et il m’a proposé qu’on réfléchisse à une oeuvre audiovisuelle.

Comment faites-vous pour « recruter » les modèles ?

Benjamin - C’est un choix commun dans nos réseaux de proches ou des personnalités qui nous semblent avoir des choses à raconter sur leur masculinité. Pas d’appel au casting sauf pour le 12ème garçon que nous aimerions avec un corps handicapé ou mutilé et qui assumerait de se mettre à nu dans l’optique de valoriser et magnifier sa différence et de lui donner la parole. Dans les 11 garçons que nous avons interviewés 4 sont hétérosexuels, 2 bisexuels, 5 homosexuels. Mais la question de leurs préférences sexuelles n’en est pas une.

Francisco - La série ne parle pas de sexe, mais de nudité, de rapport au corps…

C’est compliqué de faire se déshabiller quelqu’un ?

Benjamin - C’est une question de confiance et de respect. Il faut bien expliquer la démarche, le fait que les rushs de la vidéo ne seront pas utilisés en tant que tel mais seulement pour faire l’animation. Le tournage se passe en équipe très réduite dans un studio à Pantin pour préserver l’intimité. Seuls sont présents, Pablo l’ingénieur son, Francisco le réalisateur et moi même.

C’est quoi être un homme maintenant ? Avoir des organes génitaux masculins ? Avoir un comportement masculin, conforme aux normes sociales ?

Francisco - Honnêtement, je ne sais pas. C’est justement parce que je me posais moi-même cette question que j’ai décidé de mettre en place le projet, afin de demander à plusieurs personnes leurs ressentis.

POUR EN SAVOIR PLUS : «Fonction sexuelle masculine et sexualité féminine», d’Alain Giami, Communications, n°81, 2007 (Corps et techniques, sous la direction de Georges Vigarello et Thierry Pillon).

avril 22, 2020

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13:30

Aimeriez-vous faire un bébé à un robot ?

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Aimeriez-vous faire un bébé à un robot ?

Entrer dans l’utérus d’une créature artificielle ? Voir comment le sperme humain “épouse” un ovaire synthétique ? Laval Virtual vous propose de vivre cette expérience en direct aujourd’hui. A 11h20, pendant une heure, rencontrez une des créatrices de ce dispositif.

La proposition peut sembler incongrue. Il s’agit, de plonger en pensée dans les bras d’un ovaire géant (comme si l’on était réduit à la taille d’un spermatozoide), puis de se fondre en lui, et de se démultiplier en cellules proliférantes, jusqu’à former un embryon. Après quoi, sortir à l’air libre… en rampant le long d’un goulot. But : « renaître », mais pas dans n’importe quelle peau : dans celle d’un hybride humain-robot. Au Japon, l’expérience est menée depuis 2019 sous des formes sans cesse changeantes. Elle est proposée par l’équipe Internal Space, affiliée à la Japanese Advanced Institute of Science and Technology (JAIST). Composée de six chercheurs-euses, cette équipe s’est donnée pour but de « promouvoir l’entente et l’harmonie avec les robots ». Il s’agit de lutter contre l’influence délétère des films de SF-catastrophe – 2001 l’Odyssée de l’espace, Terminator ou Alien – qui présentent toujours le robot comme l’équivalent d’un Golem fou.

Dangereuses les machines ?

Dangereuses les machines ? Pas du tout. Au Japon, le message se veut rassurant et les médias serinent que « les robots sont des amis ». Depuis au moins 25 ans, il ne passe pas un jour sans qu’un article répète la leçon : grâce aux robots, les humains se sentent moins seuls. Ca fait de la compagnie. Il n’est d’ailleurs pas innocent que les robots japonais soient souvent développés avec l’air enfantin, fragile ou vulnérable, suivant des principes contraires à ceux qui prévalent ailleurs. Dans la plupart des laboratoires à travers le monde, les recherches s’appuient sur le principe néolibéral du robot performant : les ingénieurs entendent faire des copies optimisées de l’humain, des copies qui, disent-ils, pourraient très vite surpasser l’original.

Voulez-vous des robots-esclaves… ?

Au Japon, d’autres choix conceptuels et idéologiques sont actuellement opérés. Il ne s’agit pas de produire des robots-esclaves afin qu’ils nous remplacent (soi-disant pour nous aider). Il s’agit de produire des robots en apparence inutiles, peu fiables, inefficaces et, somme toute, dépendants de l’humain. Le robot-matriciel imaginé par l’équipe d’Internal Space fait partie de ces mille et un projets qui, au Japon, obtiennent la faveur des autorités en dépit de leur consternante vacuité. Cela peut sembler navrant de bêtise, ou ridicule (à l’aune des critères utilitaristes) mais c’est peut-être notre seule et unique issue de secours (si nous voulons échapper à l’industrialisation prochaine de robots-avocats, robots-dentistes ou robots-musiciens) : «ces robots nous apprennent à aimer», explique Shoko Kimura, une des membres de l’équipe. Ils n’existent pas pour faire les choses à notre place, ils existent pour nous encourager à faire ce que nous savons faire de mieux. En tant qu’humains, nous savons créer de l’attachement émotionnel. Nous avons cette extraordinaire capacité d’empathie pour des choses qui n’ont ni vie, ni sentiments. Pourquoi ne pas en tirer partie ?

… ou des robots de présence ?

Si vous voulez en parler avec elle, Shoko Kimura est disponible sur un espace de chat à 11h20, aujourd’hui. Pendant 10 minutes, elle expliquera le concept du dispositif « Into the womb - Born again » qu’elle contribué à mettre au point avec ses collègues. Puis, pendant, 45 minutes, elle répondra aux questions. La rencontre aura lieu dans le cadre prestigieux de Laval Virtual dématérialisée en un Laval Virtual World. Depuis sa création en 1999, Laval Virtual, – le plus important événement au monde concernant les technologies VR/AR – organise un salon qui rassemble des centaines d’artistes et ingénieurs venus faire la démonstration de gadgets ou de produits bizarres. Cette année, Laval devient véritablement « virtual ». Vous avez maintenant rendez-vous, depuis votre écran (ordinateur PC ou Mac), avec tous les créateurs du salon. Une application mobile a même été spécialement créée pour l’occasion, afin de faciliter les rendez-vous d’affaire dans des espaces privatifs.

Laval Virtual, c’est aujourd’hui !

Cela prend 5 minutes. Tout d’abord vous devez vous inscrire gratuitement : https://www.laval-virtual.com/accreditation/. Ensuite vous recevrez un lien pour télécharger l’application Laval VIrtual World (« une sorte de Second Life mais orienté BtoB ! », résume Nicolas Toueille, responsable communication de l’événement). Après quoi, créez votre compte et votre avatar. Puis vous pouvez vous balader dans le monde et notamment via le menu en haut à gauche : « Go To > Conference Hall > ConVRgence ». Là vous arrivez dans une salle ou plusieurs Posters sont présentés. Ce sont les thèses des doctorants ou docteur. Ils seront normalement présent pour expliquer leur travail. Je vous conseille vivement d’aller écouter celui de Liudmila Bredikhina, sur le phénomène en plein essor des virtual Tubers. Vous avez aussi la possibilité de télécharger l’application mobile pour du networking, ajoute Nicolas Toueille.

Renaître, pourquoi pas

Concernant Shoko Kimura, elle montrera probablement une vidéo un peu bizarre : celle d’une démonstration d’amour humain-robot. Cette vidéo a été réalisée au Japon, avec l’aide de la firme FOVE, une firme totalement indépendante, créée par une passionnée de jeux d’amour (j’ai fait son portrait ici, il y a un an), qui a développé des casques de Réalité Virtuelle uniques au monde : ils permettent d’interagir par le regard (sans l’aide de manettes) avec les créatures en 3D. Pour Shoko Kimura, l’idée c’est que les visiteurs enfilent la peau d’un spermatozoide et qu’ils partent à l’aventure dans l’utérus d’un robot femelle. S’ils suivent le flow, dit-elle, ils entreront nécessairement en contact avec l’ovaire. L’ovaire est une bulle de plastique géante que les visiteurs doivent prendre dans leurs bras afin que la bulle les accueille : elle est munie de bras qui se referment sur eux et les serrent très fort. Le “hug” de la procréation ? Désormais fondus à l’ovaire, ils se voient devenir un embryon puis un foetus. Il n’y a plus pour eux qu’à ramper dans une sorte de conduit en fibre capable de triturer, masser puis expulser. La naissance !

Votre fille est une cyborg qui danse

Une fois nés, les visiteurs enlèvent le casque et se retrouvent nez à nez avec leur progéniture. A défaut de le vivre en vrai, allez voir l’expérience. Elle s’achève en chorégraphie. L’enfant issue de vos amours est une Dancing Doll, une poupée-automate customisable avec laquelle il est possible de danser. Prenez-lui la main : elle vous fait faire une pirouette. Les Dancing Dolls sont produites par Volks, la mythique firme japonaise qui a inventé les Super Dollfies.

A VOIR : Into the womb, born again, Laval Virtual, 22 avril, 11h20-12h20

A SUIVRE :

avril 20, 2020

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9:56

La jalousie est-elle un vilain défaut ?

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Pour mettre en garde les amants des dangers de la jalousie, il est courant de leur rappeler l’histoire de celle qui fut tuée par son propre époux. Cette histoire est inspirée d’un célèbre mythe antique qui… ne parle que de vent. Comment comprendre cette métaphore ?

Il y avait une femme si jalouse qu’elle interdisait à son compagnon de regarder les autres. Un jour que, terrorisé, il n’osait plus lever les yeux et fixait le sol du regard, elle entra dans une colère violente : «tu regardes les femmes dans le reflet de tes chaussures !».

Il l’aimait. Il la quitta. La morale de cette histoire (aussi vraie que navrante) pourrait être la suivante : rien ne nuit plus à l’amour que l’amour… quand il se nourrit de la peur d’être quitté-e.

En l’an 1 de notre ère, dans L’art d’aimer, Ovide dénonce «ce fatal penchant qu’ont tous les amants à croire ce qu’ils redoutent». Il y consacre un chapitre intitulé : «Ne pas croire trop vite à l’existence d’une rivale». Sa démonstration repose sur une légende bien connue (1) dans l’antiquité, l’histoire d’une beauté appelée Procris et de son séduisant époux Céphale. Lorsqu’elle est découverte à la Renaissance, cette histoire d’amour connait un immense succès.

La légende Céphale et Procris

A la fin du XVe siècle en Italie, pour avertir les jeunes couples des dangers de la jalousie, il arrive qu’on leur offre des coffres ou des tableaux ornés de cette légende. L’artiste Piero di Cosimo en donne la version parmi les plus douloureusement réalistes : une femme au visage pâle, la gorge transpercée, expire sous les yeux d’un grand chien aux couleurs du deuil. L’image peut sembler macabre. Elle est tirée du dernier épisode de l’histoire de Procris et Céphale, dont le final tragique s’éclaire à la lumière d’une légende traversée par la métaphore de l’air en mouvement…

Une déesse enlève un humain

Le chasseur Céphale, réputé pour sa beauté, est (selon certaines versions) le fils de Déioné, un descendant d’Éole, le dieu du vent. Il a épousé Procris, fille d’un roi d’Athènes, avec laquelle il coule des jours heureux. Un jour, la déesse de l’aube –Éos (pour les Grecs), Aurora (pour les Latins)– a le coup de foudre et l’enlève. Cette déesse est condamnée à poursuivre les mortels d’un amour perpétuel, qui ne peut pas durer. Quand ils meurent, elle les perd. Ses larmes donnent la rosée du matin. Il est dit qu’Aurora s’est également unie avec le Vent du crépuscule et que de cette union naquirent les Vents du nord (Borée), de l’Ouest (Zéphyr) et de l’Est (Euros). Elle a des doigts de rose pour «ouvrir la porte du jour». Céphale succombe-t-il aux avances effrénées de la déesse ? Certaines versions affirment qu’il leur résiste.

Le roi qui éjaculait des serpents, des scolopendres et des... ?

Pour le détacher de Procris, Aurora engage Céphale à éprouver la fidélité de son épouse. Elle lui propose de le métamorphoser. Sous les traits d’un riche marchand, Céphale rentre donc en inconnu dans son palais. Sept années ont passé depuis son enlèvement. Procris lui est restée fidèle. Déguisé en tentateur, il lui fait des offres auxquelles elle résiste, mais de moins en moins. Ses présents sont somptueux. Désespérée et seule, elle finit par céder. Pour l’humilier, au moment même où Procris cède, Céphale reprend son apparence normale. Dans Histoire d’amour, Stéphane Audeguy raconte : «Révoltée par ce procédé déloyal, Procris s’enfuit». Certaines versions racontent qu’elle se met au service du roi Minos, qu’elle guérit de sa stérilité : il éjaculait des scorpions suite à une malédiction (1). D’autres versions racontent qu’elle se réfugie en Crète auprès de la déesse Artemis-Diane.

«Fifty-fifty» ou comment égaliser les torts

Dans la première version, Minos, pour la remercier, lui offre un chien «rapide comme le vent» nommé Lelaps («ouragan») et un javelot magique capable non seulement de toucher droit au but mais de revenir dans la main, comme un boomerang. La deuxième version raconte que –ayant rallié la troupe des nymphes qui chassaient avec Diane– Procris se montre si triste que le déesse, apitoyée, lui offre le chien et le javelot. Forte de ce soutien, Procris décide de rentrer chez elle. Elle souhaite prendre sa revanche. Déguisée en éphèbe, elle se fait passer pour un jeune chasseur et devient, grâce à ses atouts maîtres, le «compagnon» de chasse favori de Céphale.

«Brise légère, comble-moi, viens sur mon sein»

Plein d’envie pour ses succès à la chasse, Céphale propose de lui acheter le chien et le javelot. Procris, sous les traits du garçon, refuse puis suggère un marché : en échange de relations sexuelles, il-elle consent à lui céder ses précieux biens. Marché conclus, les deux hommes s’isolent et s’enlacent… moment choisi par Procris pour se dévoiler. Mesurant l’infamie de sa conduite, Céphale demande pardon. Pour sceller cette réconciliation, Procris lui offre le chien et le javelot avec lesquels, chaque matin, à l’aube, Céphale part chasser. Des jours heureux s’écoulent. Mais l’histoire hélas ne s’arrête pas là. Il s’avère que Céphale prend l’habitude, aux heures les plus chaudes, de se reposer près d’une source, dans un bois isolé, et d’appeler la brise en termes caressants : «Aura uenias». «Brise légère, comble-moi, viens sur mon sein, viens éteindre mes feux ! Toi, ma volupté suprême»

Des soupçons de trahison non fondés…

Quelqu’un, se méprenant sur ces paroles ambiguës, s’empresse d’aller rapporter à Procris que Céphale est l’amant d’une nymphe. Procris, rongée d’angoisse, veut prendre son époux sur le fait, s’élance vers le mont Hymette, puis se glisse en tapinois dans les buissons entourant la clairière où elle espère voir arriver «Aura», sa rivale inconnue. Céphale, qu’elle épie, s’étend sur l’herbe et convoque la brise pour le rafraichir. Recouvrant ses esprits, Procris, saisie de joie, se relève et veut «s’élancer dans les bras de son époux», raconte Ovide. Mais Céphale –attribuant le bruit dans les feuillages à la présence d’une bête– lance d’un trait la pointe de métal infaillible qui perce son amante dont l’âme… est emportée par la brise. Elle expire dans les bras de celui qu’elle pensait volage. Désespéré, Céphale s’enfuit sur une île qui prend le nom de Céphalonie.

… justifient-ils l’espionnage et la dissimulation ?

Que déduire de cette histoire ? Chacun à leur tour, croyant être trompé, les amoureux se trompent en se faisant passer pour autre. A l’image du javelot qui revient toujours dans la main, les tromperies suscitent par «retour de bâton» une rupture absurde. Ovide insiste sur l’aspect inconséquent des héros : ils prennent leurs peurs pour des vérités. Mais elles ne sont que du vent. A travers tout le récit, les allusion au vent sont d’ailleurs multipliées : Céphale fils du Vent (Éole) a épousé une femme dont la soeur a été enlevé par le Vent du Nord (Borée). Cette femme lui offre un «Ouragan» (Lélaps) et un javelot qui vole dans les airs. Puis elle rend son dernier souffle après avoir pensé que la brise (Aura) allait lui arracher Céphale comme autrefois l’aube (Aurora), la mère des Vents, avait tenté –en vain– de le faire. Pour résumer : beaucoup de souffles pour rien. «Ne soyez pas trop promptement crédule», prévient Ovide qui, pourtant, réserve à cette légende une place chère dans son coeur. Il y consacre parmi ses plus beaux vers.

QUI SÈME LE VENT, RECOLTE LA TEMPÊTE

A LIRE : Les métamorphoses d’Ovide, Bernard Blanc, L’Harmattan, 1995.

POUR EN SAVOIR PLUS :

Un article de Bernard Sergent «Celto-hellenica I. Celtchar et Kephalos» (numéro thématique : Mélanges Pierre Lévêque. Tome 1 : Religio, Collection de l’Institut des Sciences et Techniques de l’Antiquité, 1988)

Un blog avec une note sur Céphale et Procris, illustrée d’une photo de statue à Rambouillet.

avril 15, 2020

Lien pour 'Homme de pouvoir : sexo-maniaque ?
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8:28

Homme de pouvoir : sexo-maniaque ?

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«Les hommes politiques ont un rapport pathologique aux femmes.» Dans “Histoire érotique de l’Elysée”, l’historien Jean Garrigues essaye de résoudre l’énigme : les obsédés sexuels vont-ils à l’Elysée ? Ou l’Elysée transforme-t-il en obsédé sexuel ?

Spécialiste des affaires politiques, Jean Garrigues consacre à l’Elysée un livre foisonnant d’anecdotes et d’indiscrétions, entraînant son lecteur dans les antichambres d’un pouvoir qui semble n’être jamais que le paravent des inconduites et des excès. «L’exercice du pouvoir, à toutes les époques et sous tous les régimes, s’est toujours accompagné d’une frénésie de conquêtes amoureuses, à laquelle répondait la fascination pour celui qui tenait entre ses mains la destinée des autres.» Citant le psychanalyste Jean-Claude Liaudet («s’approcher du politique, c’est approcher l’Olympe»), Jean Garrigues évoque la dimension aphrodisiaque du régime de commandement. Dès qu’ils accèdent aux sommets de l’Etat, les puissants ne se tiennent plus. «Si l’on en croit une anecdote racontée par Georges-Marc Benamou, nommé conseiller à la culture par Nicolas Sarkozy, il se serait fait apostropher ainsi par ce dernier dans les couloirs de l’Élysée : “Tu verras, tu vas avoir toutes les femmes que tu veux. Tu vas baiser comme un fou !” Boutade révélatrice, que confirme le témoignage de Séverine Tessier, une attachée parlementaire qui avait créé le collectif «Les Insistantes» en 1997 afin de dénoncer le sexisme ambiant : “Pour de multiples raisons –stress, pouvoir, ego–, les hommes politiques ont un rapport pathologique aux femmes et à autrui en général…”» Jean Garrigues confirme : rares sont les chefs à avoir résisté. Dans ses Mémoires (Le Pouvoir et la Vie), Valéry Giscard d’Estaing l’exprime en termes galants : «Pendant mon septennat, j’ai été amoureux de dix-sept millions de Françaises.» Jean Garrigues traduit : «il les lui fallait toutes».

Une maison de… plaisance ?

L’histoire de l’Elysée, dont il dresse la fresque flamboyante, commence en 1715, sur une moquerie : un aristocrate arriviste (le Comte d’Evreux) sollicite un poste honorifique. Le Régent, ironique, lui répond : «Je vous l’accorderai lorsque vous aurez un palais». Qu’à cela ne tienne. Le Comte d’Evreux s’achète un terrain aux limites de Paris, situé à proximité de ce que l’on commence à appeler Champs-Elysées (1) et y fait bâtir une luxueuse maison de «plaisance» : les parties fines s’y multiplient. «Bien que les chefs d’État […] aient mis un point d’honneur à transformer ce qui était à l’origine un hôtel particulier voué au libertinage en un palais solennel de la République, on y respire encore un parfum»… de vice et de trahison. Pour Jean Garrigues, l’Elysée reste imprégné par l’odeur amère de ses origines. Il s’avère que le Comte avait une femme. Il ne l’avait épousée que pour sa fortune. La toute jeune Marie-Anne, alors âgée de 12 ans à peine (il en avait 38) était la fille d’Antoine Crozat, surnommé par Saint-Simon «le plus riche homme de Paris». Elle était gracieuse mais le Comte la méprisait (une roturière). Il se montrait si odieux qu’elle finit par déposer une demande en séparation de biens. Le 14 décembre 1720, le Comte d’Evreux inaugura le Palais qu’il avait fait construire avec la fortune de sa femme et ce soir-là, «en plein milieu du bal, il prit le bras de son épouse et la raccompagna jusqu’à son carrosse en la priant de ne plus jamais reparaître en ces lieux. C’est en compagnie de sa maîtresse, la duchesse de Lesdiguières, qu’il termina la nuit dans sa nouvelle demeure.»

«Nous n’irons plus aux bois, les lauriers sont coupés…»

La demeure était faite pour abriter des amours volages. «C’est donc dans ce cadre fastueux que le comte d’Évreux, qui n’avait eu pour seul mérite que d’épouser la fille d’Antoine Crozat avant de la répudier, coula des jours heureux avec sa maîtresse, goûtant sans vergogne aux voluptés», jusqu’à ce que le destin le rattrape : le père de Marie-Anne «lui infligea pour se venger une cascade de procès qui le ruinèrent littéralement» et le comte y mourut, seul, en 1753. L’hôtel fut alors vendu à Jeanne-Antoinette Poisson, plus connue sous le nom de Pompadour (duchesse). Après avoir été la maîtresse du roi, elle était devenue sa confidente et aussi celle qui choisissait pour lui «les jeunes créatures appelées à satisfaire ses appétits». Cette femme était puissante mais détestée des Parisiens au point que des émeutes la chassèrent de l’hôtel. La vindicte de l’opinion était telle qu’elle recevait des lettres d’injures et des menaces de mort. «Contrairement à ce que l’on aurait pu penser, le séjour à l’Élysée de la “coquine du roi” n’est donc en rien marqué par l’érotisme, si ce n’est dans les paroles d’une comptine devenue célèbre qu’elle y aurait composée : “Nous n’irons plus aux bois, les lauriers sont coupés…” C’était une allusion poétique aux maisons de passe qui entouraient l’hôtel d’Évreux, traditionnellement signalées par des feuilles de lauriers, et dont un décret royal venait d’interdire la fréquentation.» L’histoire est-elle vraie ? Toujours est-il que la Pompadour cessa d’y loger.

Un «insupportable fumet de machisme»

Après sa mort, l’hôtel passa de mains en mains, ses pièces d’apparat converties en boudoir ou en écrins pour les plaisirs. C’est à l’Elysée que les prostituées appelées «Merveilleuses » se pressaient sous le Directoire. C’est là qu’«Adolphe Thiers, Léon Gambetta, Georges Clemenceau, Félix Faure et les autres, sacrifièrent pour la plupart au culte des jolies femmes, maîtresses et courtisanes, comme à un usage social de rigueur», avant de céder la place aux séducteurs boulimiques de l’après-guerre, experts en double-vie clandestines dont Mitterrand fut la tête de proue. Dans cet ouvrage de 200 pages, agrémenté d’un index impressionnant (Bardot, Barrès, Blum, Bokassa, Bonaparte, Boutin…), Jean Garrigues trace d’une plume palpitante, irrésistible, les différentes formes de l’érotisme politique et de ses dérives moins plaisantes : plaintes pour viol étouffées, scandales sordides, comportements abusifs impunis… «Comment raconter une telle histoire, sans tomber dans l’accumulation d’anecdotes plus ou moins grivoises, et souvent plus ou moins vraies ? En ayant sans cesse à l’esprit que les comportements amoureux des hommes de pouvoir sont d’abord et avant tout le reflet des normes et des coutumes qui régissent les rapports sociaux de leur époque, que ce soit entre les sexes, entre les âges ou entre les catégories sociales. Il s’en dégage au long cours un insupportable fumet de machisme archaïque, lié au sexisme et à la phallocratie. De ce fait, et au-delà du tempérament et des spécificités des uns et des autres, il y a dans une histoire de ce type une valeur d’homologation socioculturelle qui est passionnante à analyser. Cette histoire d’érotisme et de pouvoir, c’est au fond l’histoire des relations amoureuses de Louis XV jusqu’à Emmanuel Macron, et c’est peut-être ce qui en fait le prix.»

A LIRE : Une Histoire érotique de l’Elysée, de Jean Garrigues, éd. Payot, oct. 2019.

NOTE (1) Alors appelée Grand Cour, l’avenue des Champs-Elysées est à l’origine une vaste route bordée de platanes, que Louis XIV avait fait aménager par André Le Nôtre (le paysagiste du château de Versailles) et qui était devenue un lieu de promenade pour la noblesse.

avril 13, 2020

Lien pour 'Le complexe de castration : vous y croyez ?
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8:51

Le complexe de castration : vous y croyez ?

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En Occident, la masculinité reste sous-tendue par l’angoisse dite “de castration”, c’est-à-dire par le rejet violent d’une féminité perçue comme une «perte» du pénis. Serait-il possible de penser la différence des sexes autrement qu’en termes de «moi, j’en ai une, et toi pas» ?

En 1922, Freud publie un texte intitulé La tête de Méduse dans lequel il raconte ce traumatisme commun aux hommes qui, enfant, auraient vu le sexe de leur mère. Bien qu’il soit relativement normal qu’un enfant soit perturbé s’il a vu quelque chose d’interdit, Freud élucubre un récit différent. De cette banale histoire de transgression, il donne une lecture très subjective. Si la vision d’une vulve hirsute provoque un choc, ce n’est pas seulement parce qu’elle transgressive, c’est surtout et avant tout, dit-il, parce qu’elle s’accompagne d’une prise de conscience : «la femme ne possède pas de pénis». Vision d’épouvante, affirme Freud, qui fait du corps féminin le lieu d’un fantasme personnel auquel il donne le nom de «complexe de castration». Son raisonnement est le suivant : aux yeux de l’enfant, «la femme [étant] châtrée, une menace pèse sur la possession de son propre pénis à lui». S’il faut en croire le père de la psychanalyse, le garçon associera forcément l’image de la vulve à celui d’un organe tranché.

Les vulves vous causent-elles de «l’effroi» ?

Pour appuyer cette thèse fantaisiste, Freud fait l’analogie avec le mythe de Méduse, qui fut décapitée. La décapitation, dit-il, est une métaphore de la castration. L’histoire raconte que la tête tranchée de Méduse, hideuse, avait gardé le pouvoir de pétrifier ceux qui la voyaient. La vulve, explique Freud, possède le même pouvoir : elle fige les spectateurs d’effroi, les pétrifie d’horreur. Leur pénis qui durcit en témoigne. Face à la menace de la castration, l’homme n’a d’autre choix que réaffirmer la puissance phallique, en dressant son pénis afin de se rassurer. Plus tard, brodant sur cette théorie, Freud développe l’idée que le fétichisme (des talons hauts par exemple, des seins ou des corsets) est une façon pour l’homme de surmonter sa peur en faisant comme si la femme en avait un : le fétiche est le substitut du pénis absent chez la femme.

«Elle l’a vu, sait qu’elle ne l’a pas et veut l’avoir»

En 1925 (1), ajoutant une ligne de réflexion à sa théorie, il compare le cas des hommes et celui des femmes lorsqu’ils et elles découvrent la différence des sexes. Dans les deux cas, c’est un choc, dit Freud, causé par la découverte d’une «absence de pénis». Cette absence est vécue par les hommes comme menace, par les femmes comme frustration. En grandissant, le garçon traumatisé développe des fétichismes pour lutter contre l’angoisse de castration (2). Quant à la petite fille, réalisant avec terreur son «manque» de pénis, elle va tout faire pour en récupérer un sur le plan symbolique… Lorsqu’elle deviendra grande, elle mettra au monde un garçon, par exemple. Pour Freud, le complexe de castration affecte les deux sexes, mais de façon différente. Durant toute sa vie, l’homme sera rongé par l’«angoisse de castration» et la femme obsédée par l’«envie de pénis». L’homme vivra dans la peur, la femme dans l’insatisfaction. L’homme sera anxieux et paranoïaque ; la femme insatiable et rancunière.

La femme est-elle en pénurie de pénis ?

Dès 1925, cette théorie est critiquée. Le primat du phallus, notamment, suscite la controverse : pourquoi les femmes se percevraient-elles comme «en moins» de pénis, alors qu’elles sont tout simplement en moins de droits et de libertés ? Bien que le concept de castration véhicule et renforce les clichés misogynes, en réduisant (encore et toujours) la femme au statut de mâle «manqué» et son sexe au rang d’organe atrophié voire «absent», il est volontiers repris par les freudiens. Il devient même central chez Lacan qui invite à identifier un complexe de castration derrière tous les comportements. La cigarette étant de forme phallique, fumer devient un «geste barrière» contre la perte de virilité. Conduire un bolide est interprété comme une l’expression compensatoire et manifeste du désir de pénis. Perdre une dent revient à somatiser une blessure narcissique intime… La castration devient le concept à tout faire et, surtout, le moyen idéal de faire taire les femmes en les assignant de façon méprisante au statut d’éternelles frustrées. «Tu veux un pénis ? Viens le chercher, chérie.»

N’ayez pas peur : ça ne mord pas !

En 1975, exaspérée par la castration-mania, une chercheuse nommée Hélène Cixous –alors enseignante en lettres, romancière récompensée par le prix Médicis et créatrice de la revue Poétique (avec Gérard Genette et Tzvetan Todorov)–, publie Le Rire de la Méduse dans la revue L’Arc. Cet article qui, en France, passe rapidement aux oubliettes (3), devient culte à l’étranger. Il est traduit dans de nombreuses langues et, dès 1976, enseigné dans les Universités en Amérique du nord, inspirant une foule d’artistes et de penseurs subjugués par cette langue frondeuse, lyrique, avec laquelle Cixous attaque ce qu’elle appelle «le dogme de la castration» : «On nous a figées entre deux mythes horrifiants : entre la Méduse et l’abîme. Il y aurait de quoi faire éclater de rire la moitié du monde, si ça ne continuait pas.» Invitant les adeptes de Freud à «regarder la Méduse en face», Hélène Cixous ironise : cette vulve qui n’a jamais tué personne, elle ne ferait pas de mal à une mouche. Au fond, Doktor, de quoi avez-vous peur ?

«Ils ont besoin que la féminité soit associée à la mort»

N’est-il pas étrange que certains mâles soi-disant «s’effondrent à découvrir que les femmes ne sont pas des hommes?» Pour Hélène Cixous, cette fable n’est qu’un leurre, le moyen stratégique de perpétuer une véritable guerre des sexes en dressant, littéralement, les uns contre les unes. Aux femmes, on a fait croire qu’elles n’avaient qu’un «trou» entre les cuisses, que leur sexe était passif et que leur sexualité procédait du manque, du vide ou de l’attente. Inversement, aux hommes on a fait croire que leur destin était de pénétrer, conquérir, embrocher, mais jamais le contraire. Afin qu’ils ne cèdent pas à la tentation, on leur a raconté cette histoire de Méduse –le pire danger c’est la féminité–, afin qu’ils se construisent par opposition à elle, dans le refus et la terreur de tout ce qui est négativement imputé aux femmes : l’émotivité, la sensualité, la douceur… Mais pourquoi les hommes sortiraient-ils perdants d’explorer cette part refoulée d’eux-mêmes ? Et réciproquement, pourquoi les femmes devraient-elles avoir honte de «se taper» des garçons ou d’exprimer leurs envies ?

Le peu enviable destin de l’homme

Plaignant l’homme, parce qu’il est élevé «dans l’effroi», Cixous écrit : «À force d’affirmer le primat du phallus, et de le mettre en œuvre, l’idéologie phallocratique a fait plus d’une victime : femme, j’ai pu être obnubilée par la grande ombre du sceptre, et on m’a dit: adore-le, celui que tu ne brandis pas. Mais du même coup on a fait à l’homme ce grotesque et, songes-y, peu enviable destin d’être réduit à une seule idole aux couilles d’argile. Et, comme le notent Freud et ses suivants, d’avoir si peur d’être une femme !» Dans Le Rire de la Méduse, militant pour que tou-te-s acceptent leurs ambivalences, Hélène Cixous affirme «vouloir le deux, et les deux, l’ensemble de l’un et l’autre non pas figés dans des séquences de luttes et d’expulsion ou autre mise à mort, mais dynamisés à l’infini par un incessant échangement de l’un entre l’autre sujet différent […]» Il n’y a aucune raison que les femmes continuent de faire allégeance au manque, conclut-elle. «Rien n’oblige» non plus les gens «à penser la constitution du sujet en termes de drame à répétitions blessantes, et à renflouer sans cesse la religion du père.»

A LIRE : Le Rire de la Méduse et autres ironies, Hélène Cixous, éditions Galilée, 2010.

«En-corps, brèves observations sur le manifeste d’Hélène Cixous», de Martine Reid, Tangence, 2013.

NOTES

(1) Sigmund Freud (1925), « Quelques conséquences psychiques de la différence sexuelle anatomique », in Œuvres complètes, Paris, Puf, 2000, vol. XIV.

(2) Sigmund Freud (1927), « Le fétichisme », in Œuvres complètes, Paris, Puf, 1994, vol. XVII.

(3) Le texte ne fut d’ailleurs pas disponible en volume avant 2010, soit 35 ans après sa publication.

POUR EN SAVOIR PLUS :

Un beau portrait d’Hélène Cixous (Le Temps)

«Qu’est-ce que la féminité ?»

«Invention de la femme : viens poupoule, viens !»

«La première idée, c’était d’évacuer le pénis»

«Sommes-nous sexuellement libérés ?»

«Faire l’amour pour faire plaisir ?»

avril 06, 2020

Lien pour 'Du sexe en réseau pour pas craquer
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20:58

Du sexe en réseau pour pas craquer

» ‎ Les 400 culs

Par peur de l’infection, beaucoup de personnes ont cessé de s’embrasser, de se toucher, craignant même de dormir ensemble. Comment faire pour rester sexuel (mais sain) ? L’association Erosticratie propose des solutions. Une par jour, sauf le dimanche.

«La «distanciation sociale» est à l’ordre du jour, et c’est également valable pour notre vie sexuelle.» Le 26 mars 2020, la compagnie We Vibe, «premier fabricant de sextoys connectés pour couples», fait parvenir à la presse française les résultats d’un questionnaire envoyé à peine 6 jours plus tôt aux membres de son panel de testeurs hommes et femmes. Sur les 1200 personnes ayant répondu aux questions, «78 % pensent que le nombre de séparations et de divorces va augmenter en raison de la situation actuelle liée au coronavirus». Autre chiffre révélateur : «une personne sur six a le sentiment que son ou sa partenaire est plus souvent en colère contre elle ou lui.» De façon assez contradictoire, les autres résultats de l’enquête soulignent l’augmentation sensible du désir (1). Il y a donc, d’un côté, des personnes qui témoignent de leur inquiétude face à l’avenir du couple et, de l’autre, des personnes qui affirment avoir plus d’envies et de désirs.

Quand le danger est intérieur…

Le questionnaire ne comporte aucune question relative à la peur de l’infection. Il est pourtant probable que cette peur existe : si l’un des deux poursuit des activités à risques, comment faire ? Il est courant de penser que l’existence d’un danger dope la libido, mais avec le virus on ne peut pas jouer à Tarzan qui arrache Jane de la gueule d’un lion. C’est Tarzan le danger. Ou Jane elle-même, comment savoir. Cela jette un froid. On s’abstient et on compte les jours. Mais dans un an (minimum), quand le vaccin sera disponible, se regardera-t-on encore ? Ou récitera-t-on cette phrase terrible de Michel Houellebecq : «Avant, lorsque les humains vivaient ensemble, ils se donnaient mutuelle satisfaction au moyen de contacts physiques» (La possibilité d’une île).

…le salut vient de l’extérieur

Craignant que l’épidémie d’abstention sexuelle fasse plus de victimes que le virus lui-même, l’association Erosticratie «vous invite chez vous pour érotiser votre confinement.» Du lundi au samedi, elle propose chaque jour une surprise, un bonbon vidéo ou audio en ligne sur sa chaîne YouTube, à 21 heures. L’association se compose de volontaires tous terrains : hétéros queer, bis, homos et pervers divers. Il y en aura pour tous les goûts.

Lundi : «Litt’érotique». Une lecture de Baudelaire, Ghérasim Luca, Anaïs Nin, Despentes, Nerval, un conte érotique, des textes originaux…

Mardi : «Dans mon kink». Un-e érosticrate présente l’histoire de son fétichisme : pour les baskets, par exemple, ou pour le métal. Mardi 7 avril, Ness Harper (dominatrice, connue pour les Goûters du divin marquis), présentera ses fétiches BDSM.

Mercredi : «Singuliers souvenirs». Un-e anonyme confie son souvenir sexuel le plus insolite.

Jeudi : «ASexMR». Un scénario chuchoté, avec des son qui font frissonner. Dans la peau d’un VRP en sextoys, William K, par exemple, jouait des lubrifiants et des plugs comme d’instruments de musique concrète très douce, en plages sonores presqu’inaudibles.

Vendredi : «Erosti’ouïe». Des productions audio pour vous faire…. Récit, pseudo-dialogue, dans le style des Jerk Off Instructions (les appels téléphoniques pour se masturber).

Ne manquez pas ces rendez-vous de 21h, car certaines vidéos seront supprimées juste après leur diffusion.

Le samedi de 15h à 17h, l’association offre en alternance deux programmes : un atelier d’écriture intitulé «Plumes d’Eros» et une discussion thématique, sur Skype intitulée «Erosticauserie». Samedi 11 avril, Sacha Cynabre animera une Erosticauserie sur Les starters du désir. Attention : pour les événements du samedi, les jauges sont limitées, inscription par mail surasso@erosticratie.fr.

Les ateliers d’écriture sont de 2 types : ceux d’écriture individuelle se déroulent sur Skype, avec une jauge de 10 personnes maximum. L’animatrice ou l’animateur guide les participant.e.s, qui produisent individuellement un texte (par exemple une nouvelle érotique). Les ateliers d’écriture collaborative ont lieu sur un pad (un document sur lequel toutes les personnes enregistrées peuvent intervenir). Les participant-es, produisent collectivement un texte, en intervenant sur la même page (le prochain atelier, samedi 18 avril, animé par William K. fonctionnera de cette manière).

Une équipe de fantasmeuses/fantasmeurs bénévoles

Coordinatrice du projet, Moiselle Pardine raconte : «L’idée d’actions dans le cadre du confinement a émergé alors qu’un projet parallèle de performances polymorphes était mise en sommeil par l’épidémie : le public ne pouvant venir à nous, c’était à nous de nous inviter chez lui. Nous sommes une équipe de douze personnes : huit à la production (audio, vidéo, atelier, causerie) et quatre assurant l’aspect technique (diffusion sur notre chaîne YouTube, gérer les inscriptions du samedi, etc). Evidemment nous sommes tou-tes bénévoles. Animé-es par quoi ? Par le même élan qui guide toutes les actions de l’Erosticratie : la passion pour l’érotisme et les arts et medias de celui-ci ; la volonté d’ouvrir à d’autres horizons que la norme établie ; la joie de travailler ensemble, le plaisir et l’amusement que nous y trouvons ! Et, spécifiquement, apporter un peu de légèreté, d’animation, en aidant un public le plus large possible à pimenter, oniriser cette période difficile et très anxiogène.»

A VOIR : Erosticratie en confinement

NOTE 1 : Les autres données chiffrées du questionnaire We Vibe sont les suivantes :

1. Pour les couples étant ensemble pendant le confinement, une personne sur trois avoue avoir plus d’appétit sexuel qu’avant et une personne sur quatre trouve que son ou sa partenaire a plus de désir sexuel qu’à l’accoutumée.

2. Une personne sur cinq, en quarantaine avec son partenaire, déclare avoir actuellement plus de relations sexuelles que d’ordinaire.

3. Le désir de se masturber augmente : 50 % des couples ensemble pendant le confinement et 73 % des couples vivant le confinement séparément ressentent davantage le désir d’avoir des relations sexuelles en solo.

ILLUSTRATION : Résidence Erosphère 2019. Photo (c) Victoire Renard

Spéciale dédicace à Andreas et Michael.

avril 01, 2020

Lien pour 'Proust en confinement : petits coins, grands plaisirs
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9:00

Proust en confinement : petits coins, grands plaisirs

» ‎ Les 400 culs

À l’heure de la crise sanitaire, les uns se ruent sur les rouleaux de papier WC. Tandis que d’autres, commodément confinés, se plongent dans Proust. Marc Martin, auteur du livre “Les tasses – toilettes publiques, affaires privées”, fait partie de ceux-là : il dévoile un penchant peu connu de l'écrivain.

«De Proust à prout il n’y a qu’une lettre». La boutade peut paraître gratuite, mais elle s’appuie sur une recherche qui met au jour un petit pan inédit de mur jaune. Intitulé Proust aux tasses, cet essai bourré de citations troublantes ouvre la voie à un champ d’étude qui, n’avait jusqu’ici pas eu l’heur d’être traité convenablement. On savait déjà que Proust avait des penchants homosexuels, même s’il s’en cachait. On savait aussi qu’il frayait les bordels pour hommes. Mais savait-on qu’il fréquentait les pissotières ? L’idée d’enquêter sur cet aspect peu connu de Proust vient à Marc Martin au détour de sa recherche sur les tasses, ces «petits coins» publics qui voient le jour au tournant du XIXe siècle et qui lui inspirent un ouvrage de 300 pages, récemment sélectionné par le Prix Sade avec dix autres titres (sera-t-il finaliste ? La réponse le 26 septembre prochain).

Pourquoi Proust fréquentait-il les tasses ?

En 2019, dans cet ouvrage consacré aux pissotières, Marc Martin ne livre que quelques indices sur le sujet. «Quel est donc le point commun entre une tasse (de thé) et le pantalon jaune (pisse) du Baron de Charlus - qui séjourne (inlassablement) dans la pissotière rue de Bourgogne ? Quel est le point commun entre un bout de pain (grillé) et l’odeur que donne aux urines cette tige (exquise) appelée asperge ? Le point commun, encore un, entre la place de la Madeleine (à Paris) et la fameuse madeleine (imbibée) de son enfance ?» Au vernissage de l’expo à Paris (1), choqué de voir la mémoire de Proust souillée par ces allusions, un journaliste puriste (ou puritain) met l’artiste en demeure de fournir des preuves. Voilà qui est fait, enfin presque. L’essai s’accompagne de collages délicieux et, depuis quelques jours à peine, il est en libre accès sur le site de l’auteur qui affirme : «je n’ai rien inventé, juste décrypté et rassemblé des réflexions savantes qui sont plus ou moins restées sous le tapis jusqu’ici». Il ajoute s’être beaucoup amusé en écrivant ce texte. Son enthousiasme sera-t-il contagieux ?

Alors la madeleine, trempée dans quoi à votre avis ?

La démonstration s’appuie sur l’argot même que les «invertis» élaborent dans les années folles pour désigner leurs lieux de rendez-vous : plutôt que pissotière, ils utilisent les mots «tasse» et «théière». «L’expression «prendre le thé» signifiait alors copuler ; “notamment entre homosexuels”, précise un dictionnaire d’argot. […] Outre Atlantique, cette pratique souterraine dans les toilettes publiques était connue sous le nom de «tearooming» (littéralement, faire salon de thé). Professeur de français à New York, Jarrod Hayes s’est penché sur la passion que Proust vouait ainsi aux salons de thé. Car le mot «thé» apparaît quatre-vingt-sept fois dans La recherche ! Un avant-goût des saveurs de ce thé copulatif. Dans Proust in the Tearoom, l’essayiste insinue que tous ceux qui prennent le thé «en sont» (dans le sens «sont au courant»).»

La Recherche : un rébus pour initiés ?

Notant que la Petite Madeleine porte les mêmes initiales que Proust Marcel, Marc Martin propose de décoder La recherche à la lumière de cette hypothèse : que tout y parle des plaisirs dérobés par Proust à l’ombre des édicules. Prenez l’odeur d’iris qu’il évoque au début de son oeuvre (odeur imprégnant le petit cabinet où, enfant, il s’isole) : n’est-il pas étonnant que ce parfum ait longtemps servi de désodorisant ? De sa petite enfance jusqu’à l’âge de 29 ans, Proust habite au 9 boulevard Malesherbes, tout près de la fameuse pissotière place de la Madeleine, exsudant des odeurs corrompues : l’épisode fameux de la «pistière» (où le baron Charlus s’attarde des heures durant) témoigne que Proust n’ignorait rien des rencontres qu’on pouvait y faire.

Des miettes de mémoire

En 1987, le romancier Philippe Boyer avait déjà évoqué cette idée dans une étude sur le fameux tableau de Vermeer (Vue de Delft) auquel Proust consacre parmi ses pages les plus inoubliables. Mais pourquoi tant d’insistance sur ce détail presque invisible du «mur jaune» ? Faut-il y voir un lien avec «cette singulière pratique de plaisir solitaire à laquelle s’adonnaient volontiers, dans ces pissotières, certains amateurs : laisser s’amollir un morceau de pain dans l’urine pour, y goûtant ensuite, en jouir» ? Marc Martin souligne cette propension stylistique de Proust à opérer par «glissement», en transposant des expériences limites. Quelle transgression inavouable peut-elle faire «tressaillir» l’écrivain lorsqu’un biscuit imbibé de thé fond dans sa bouche ?

A LIRE : Proust aux tasses, de Marc Martin, essai illustré de 3 collages numériques, avril 2020. C’est le premier volume d’une série de fascicules thématiques autour des pissotières, tous prochainement publiés aux éditions AGUA. Le téléchargement de la version numérique est gratuit ici.

A LIRE : Marc Martin, Les tasses, dirigé par Marc Martin, éditions AGUA, 2019.

A VOIR : « Les tasses à Bruxelles », exposition de Marc Martin à LaVallée, centre d’art vivant à Bruxelles. Initialement prévue en mai, elle est reportée à mi-août. Un vernissage spécial aura lieu en ouverture de la Belgian Pride 2020 (elle aussi reportée), à partir du 21 août. Les collages-queer de Proust feront partie des nouvelles installations.

A ECOUTER : La soupeuse, morceau composé par le génial Hector Zazou, chanté par Jeanne Foly, avec la collaboration de Jean-Luc Henning, VXZ 375, Bazooka. Disponible sur l’album vinyle «La Perversita» (pochette de Kiki Picasso), 1979.

NOTE (1) : L’exposition « Marc Martin, Les Tasses » (initialement organisée à Berlin, au Musée de l’homosexualité, en 2017-2018, puis déplacée à Paris, au Point Ephémème en 2019) est programmée à partir du 21 août, à l’occasion de la Belgium-Pride, à Bruxelles-LaVallée.

POUR EN SAVOIR PLUS

«Tasse : le dernier salon où l’on ose ?»

«Amours secrètes : quid de Proust ou Genêt ?»

«Marcel Proust et les muses du bastringue»

mars 30, 2020

Lien pour 'Des femmes contre le droit de vote ?
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11:17

Des femmes contre le droit de vote ?

» ‎ Les 400 culs

Jusque dans les années 1970, les femmes n’étaient pas toutes en faveur du suffrage féminin. Certaines même ont milité contre, ainsi que le dévoile une exposition d’affiches aussi drôles qu’étonnantes, dans le parc des Bastions à Genève.

En France, les femmes obtiennent le droit de vote en 1944. En Suisse, c’est plus compliqué : il y a des votes au niveau fédéral (qui concernent le pays entier) et des votes au niveau cantonal (qui concernent la région où l’on vit). Il faut attendre 1959-1960 pour que les premiers cantons (Vaud, Neuchatel puis Genève) introduisent le suffrage féminin qui est finalement accepté en 1971 au niveau fédéral mais qui reste refusé dans certains cantons jusqu’en 1990. Cela fait de la Suisse le pays qui, en Europe, reste le plus longtemps traversé par d’hilarants débats pour ou contre… débats dont témoignent les affiches ci-dessous (exposées au parc des Bastions à Genève), succulentes de préjugés ou de mauvaise foi.

Le plus drôle, ce sont ces affiches «pour», parfois tout aussi rétrogrades que les «contre». Celles-ci, par exemple, demandent aux hommes de prouver leur amour en faisant «cadeau» du suffrage féminin à leur compagne, comme on offrirait un bouquet de fleurs ou une boîte de chocolats. Soyez galants ! Prouvez que vous êtes un vrai chevalier. Le vote des femmes n’est donc pas présenté comme le moyen d’en finir avec une inégalité mais, au contraire, de la reconduire en préservant le rapport de force : la femme est en dette.

Fortement mobilisé, le thème de la fleur –synonyme de romantisme– suggère l’idée stéréotypée que le suffrage féminin apportera une touche de douceur dans ce monde de brutes. Sous-entendu : ouvrir les urnes aux femmes, c’est permettre à la Suisse de devenir «jeune et jolie», en ajoutant quelques boutons de fleur aux austères lauriers de la fédération.

Du côté des «contre», les arguments sont de deux sortes, tout aussi stéréotypés, mais volontiers alarmistes. Premier argument : les femmes qui font de la politique sont des dragons et des viragos. Leur donner le droit de vote, c’est s’exposer à subir la tyrannie de mégères frustrées ou, pire, de lesbiennes psycho-rigides ne buvant que de l’eau.

Deuxième argument : les femmes étant des êtres influençables, mentalement fragiles («souvent femme, varie»), il convient de les protéger de l’influence pernicieuse des partis.

Les manoeuvres politiques pour séduire le sexe faible pourraient non seulement détourner les femmes de leurs devoirs de mère et d’épouse mais mettre en danger l’harmonie du foyer. Or il importe que l’homme, en rentrant du travail, puisse profiter d’un bon repas sans subir d’inutiles querelles.

De façon très révélatrice, les campagnes «contre» sont défendues non seulement par des hommes mais par des femmes –souvent issues des classes les plus aisées de la société– qui prônent une séparation claire des rôles : il serait nuisible, disent-elles, que les femmes renoncent à être elles-mêmes et calquent leur comportement sur celui des hommes, en se mêlant de politique. Ces féministes séparatistes défendent l’idéal d’un monde binaire, dans lequel la division biologique des sexes s’appuie sur une répartition des compétences et des sphères de vie. Elles estiment que l’homme et la femme sont distincts, donc complémentaires (lui fait la guerre ; elle fait l’amour). Donner le droit de vote aux femmes, c’est mettre en danger le concept même de féminité, ainsi que cette affiche ci-dessous l’explique, à l’aide d’une photo de jeunes Allemandes, en 1953, à Berlin-Est.

Que penser de ces arguments ? On pourrait dire, en citant le sociologue Pierre Bourdieu, que ces affiches nous mettent «sous les yeux notre propre inconscient culturel en matière de masculinité et de féminité». Bien qu’elles puissent paraître dépassées, elles ne le sont pas vraiment. Longtemps, les femmes se sont opposées au suffrage féminin, inspirant du coup aux affichistes le slogan «Pourquoi vouloir être plus féministes que les femmes?»

Il peut sembler curieux, avec la distance, qu’une telle résistance ait pu perdurer dans le rang des femmes. Pierre Bourdieu y consacre un article passionnant (Nouvelles réflexions sur la domination masculine) en 2002. La “domination masculine”, dit-il, n’est pas (comme le mot domination pourrait le laisser entendre) un système opposant oppresseurs mâles et opprimées femelles. C’est en réalité une aliénation collective (Bourdieu parle de «domination symbolique»), c’est-à-dire un système où les oppresseurs sont aussi des victimes et les opprimées… des complices.

C’est un système dans lequel hommes et femmes partagent les mêmes représentations féminin-masculin, qu’ils-elles ont «intériorisées» ou plutôt «incorporées» et qu’elles-ils reproduisent sans même s’en rendre compte. Bourdieu insiste sur l’idée du corps : la soumission n’est pas «un acte de la conscience», mais un acte corporel, donc rendu quasi instinctif. De la même manière qu’il nous est difficile de nous défaire des habitus sociaux (se serrer la main, s’embrasser, problématique en temps d’épidémie), il est difficile pour les femmes de se défaire des reflexes –physiquement assimilés– qui les conduisent à reproduire bien malgré elles les schémas qui les défavorisent.

«S’il est vrai que la domination symbolique est une domination qui s’exerce avec la complicité du dominé, ou, plus précisément, avec la complicité des structures que le dominé a acquises dans la confrontation prolongée avec des structures de domination et à travers l’incorporation de ces structures, il est évident qu’il ne suffit pas de prendre conscience de ces structures ; il faut transformer profondément les dispositions acquises, par une sorte de rééducation, -celle qui est nécessaire pour perdre un « mauvais pli », une mauvaise tenue de raquette, un mauvais accent, etc., et on sait combien c’est long, et difficile, parfois- et, inséparablement, il faut changer les conditions de production de ces dispositions, de ces structures incorporées, et il faut donc changer l’ordre symbolique.» (Pierre Bourdieu, 2002)

A LIRE : « Nouvelles réflexions sur la domination masculine », de Pierre Bourdieu, Cahiers du Genre, 2002.

mars 23, 2020

Lien pour 'Une femme sur l'herbe du printemps
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12:22

Une femme sur l'herbe du printemps

» ‎ Les 400 culs

C'est l'histoire d'une nymphe que son bien-aimé tue, par accident. À l'époque des Médicis, le peintre Piero di Cosimo en fait un tableau-énigme que Stéphane Audeguy tente de résoudre dans son “Histoire d'amour”, un roman qui commence à Paris, après un attentat, en 2019.

Alice et Vincent s’aiment dans Paris moribond. Ils vivent près de la Zone (place de la République) entourée d’une enceinte de confinement. Dans leur rue –d’innombrables commerces ayant fait faillite après l’attentat terroriste– les rideaux de fer sont baissés. A la télévision, les reportages diffusent en boucle le spectacle des incendies qui ravagent la Grèce : réchauffement climatique. Le front de flammes va atteindre Delphes. Une journée ordinaire de l’année 2019. Vincent se rend au vernissage d’une artiste qui prétend dénoncer (encore une) la domination masculine à l’aide de techniques qui «reconduisent, tout en prétendant les détruire, un certain nombre de pratiques féminines : le tricot, l’aquarelle, la couture». Plus tard, Vincent se retrouve au Louvre devant une statue de Diane et, se penchant vers un détail du marbre –serait-ce une cicatrice sur le corps blanc de la déesse ?–, il s’étonne : Alice possède la même. Puis il s’évanouit.

Dans la peau d’Actéon, le chasseur

Il se réveille dans la peau d’Actéon qui s’enivre du sang des bêtes. C’est le début d’une histoire où se tissent les destins mêlés d’hommes, au fil d’un jeu bizarre de coïncidences. A différentes époques, ils traversent une horreur toujours renouvelée sans savoir que leurs vies se répondent en écho. Ils poursuivent la même femme. Elle n’a jamais le même visage. Ils sont les pièces d’un puzzle qui tourne autour d’un tableau ancien. Ce tableau est lui-même une énigme. Il a été réalisé par le célèbre peintre du quattrocento Pierre de Côme (Piero di Cosimo), en 1495, et porte pour titre La mort de Procris. Ce tableau est connu parce que Pierre a peint le ciel en fondant les couleurs bleues pâles du bout des doigts, y laissant de nombreuses empreintes digitales. Dans Histoire d’amour, Stéphane Audeguy, ex-enseignant en histoire du cinéma et des arts, transpose sa passion pour la renaissance italienne dans la trame d’un récit labyrinthique, rempli d’images en abîme. L’image principale, c’est celle d’une femme qui agonise.

Les paupières closes, dans une prairie printanière

Le tableau La mort de Procris s’inspire d’un mythe bien connu dans l’antiquité, dont Ovide fait le récit (notamment dans Les métamorphoses). Stephane Audeguy le résume ainsi : «la nymphe Procris a suivi par jalousie son mari Cephale à la chasse. Quand Cephale aperçoit un buisson bouger, il croit à la présence d’un gibier, lance son javelot, tue celle qu’il aimait.» Dans la version rapportée par Ovide, Cephale prend la mourante dans ses bras «et c’est sur [s]es lèvres que la malheureuse rend l’âme.» Dans le tableau, pourtant, on ne voit pas Cephale. Procris reste seule, sous le regard triste d’un faune qui lui caresse le front et d’un grand chien songeur. Un filet de sang gicle du cou de la femme, dont une main est recroquevillée. Sur une grève, dans le fond, trois molosses «semblent commenter la nouvelle de cette mort tragique». Des petits navires se perdent dans l’horizon. Une mort solitaire.

«Ce fatal penchant qu’ont tous les amants»

Pierre de Côme lui-même mourra ainsi, en 1522, lors d’une épidémie de peste. Il sera retrouvé, gisant au pied de l’escalier menant vers sa chambre. Ce tableau est-il prémonitoire ? Dans Histoire d’amour, le narrateur –Vincent– ne cesse de l’examiner, sans parvenir à en comprendre les bizarreries. Pourquoi un faune ? Où est Céphale ? De quoi parlent les chiens ? «Comme un mystère éclairant le monde», le tableau se dérobe aux explications mais fournit la matière à Stéphane Audeguy d’une étonnante hypothèse : et s’il s’agissait d’une vision mêlant les souvenirs de plusieurs vies ? A l’instar du héros de Usual Suspect (film au cours duquel un suspect improvise une fiction en s’inspirant de ce qu’il voit dans la salle d’interrogatoire), Stéphane Audeguy s’empare de chaque élément du tableau pour construire un récit de vie antérieure. Les chiens sur la grève, les navires, le corps abandonné deviennent chacun la clé d’une histoire d’amour différente, vécue dans différents espaces-temps par des personnages qui ne sont peut-être qu’un seul et même être, éternellement en quête d’une seule et même femme.

La même bien-aimée à travers toutes les vies antérieures

Ainsi se dessine, lentement, l’idée qu’aimer c’est d’abord retrouver celle ou celui qu’on attend, avant même d’être né-e. Dans Histoire d’amour, chaque récit fait l’effet d’un mirage. Les personnages se sentent seuls, étrangers au monde qui les entoure, jusqu’à ce que surgisse cette femme dont ils ignorent pourquoi c’est elle et aucune autre. Peu importe son nom. Alice, Fiora, Souaragui, Ariccia… Elle reste celle qui fut rencontrée nue, au bord d’un lac, en Grèce, à l’époque des nymphes et des métamorphoses. Elle est aussi celle que l’on perd, à n’en plus finir, avec le sentiment déchirant que l’histoire s’arrête trop tôt. Mais n’est-ce pas, exactement, ce qui fait l’essence de l’amour ? Lorsque Cephale perd Procris, Ovide raconte (dans L’art d’aimer) que cette histoire est exemplaire car l’amour est souvent son pire ennemi. Aimer, c’est vivre dans la peur de perdre l’autre. L’autre qu’on a eu tant de mal à (re)trouver.

A LIRE : Histoire d’amour, Stéphane Audeguy, éd. Seuil, 2019.

mars 18, 2020

Lien pour 'Petite histoire du sexo-flicage
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9:00

Petite histoire du sexo-flicage

» ‎ Les 400 culs

Au XIXe siècle, les femmes sont perçues comme "trop" sexuelles. Au XXe siècle, les voilà "pas assez" et sommées de se conformer aux nouveaux standards sociaux : "jouissez, je le veux". Les médecins prescrivent des pilules roses pour soigner… quoi ? L'HSDD. Histoire du phénomème.

1952 : la frigidité et l’impuissance sont classés comme des «désordres sexuels» dans le premier Manuel DSM des maladies mentales. C’est l’aboutissement logique d’une révolution entamée au début du XXe siècle, sous l’impulsion de médecins (Havelock-Ellis, Freud, Reich) et de personnalités progressistes (Magnus Hirschfeld, Marie Stopes) qui luttent contre la répression sexuelle et affirment que le plaisir contribue à l’épanouissement personnel… avec tout ce que cela suppose de normatif. Père de la libidométrie, Reich invente des instruments pour mesurer la jouissance dont il essaye d’optimiser l’intensité en vue de «réformer» l’individu.

1953 : Alfred Kinsey publie Le comportement sexuel de la femme qui s’appuie sur des entretiens avec 6 000 femmes, et dans lequel il établit que les Américaines font l’amour en moyenne deux fois par semaine. L’originalité de son travail, c’est qu’il fait de l’orgasme une unité de mesure universelle pour quantifier l’activité sexuelle, réduite à la portion congrue d’un processus physiologique caractérisé par une succession de contractions génitales. Au cours des années qui suivent, l’approche scientifique du plaisir opère par progressif rétrécissement à un schémas de pulsations standard, dont les médecins entendent fournir la formule idéale, celle qui sera jugée statistiquement «normale».

1964 : les laboratoires Reid-Provident (plus tard rachetés par Solvay Pharmaceuticals), commercialisent Estratest, un produit hormonal (aux oestrogènes et testostérones) pour femmes ménopausées souffrant d’une baisse de désir. Les femmes ménopausées sont invitées à se percevoir comme des malades. Les médecins prescrivent le produit à tour de bras, sans se soucier des conséquences (pilosité, risques de cancer accrus, etc). Les ventes de ce produit (1) atteignent les 110 millions de dollars en 2001.

1966 : William Masters et Virginia Johnson publient l’ouvrage “Human Sexual Response” basé sur l’observation directe de 382 femmes et 312 hommes, dans lequel ils établissent que les troubles du désir sont avant tout liés à la mésentente conjugale. Bien que leur approche de la sexualité soit plutôt psychologisante, Masters et Johnson postulent que l’orgasme relève d’un processus proche de l’automatisme qu’il est loisible, voire fortement recommandé de reproduire afin d’en augmenter les bénéfices (bien-être et harmonie du couple). Masters et Johnson façonnent une norme de la jouissance féminine qui, d’une part, s’inscrit dans le cadre de la sexualité hétérosexuelle et, d’autre part, fait du plaisir un phénomène biologique qu’ils certifient sous l’appellation de «cycle de la réaction sexuelle». Sous couvert d’en objectiver les manifestations, ils tracent avec un soin méticuleux la courbe de ses acmées et ses plateaux d’intensité, réduisant l’acte d’amour à un algorithme.

1980 : cette approche mécaniciste, fonctionnelle de la sexualité est validée dans le DSM III qui (normalisation oblige) accueille une nouvelle entité clinique : le désir sexuel inhibé (Inhibited Sexual Desire, ISD). Dans le DSM IV, l’ISD est rebaptisé troubles du désir sexuel hypoactif (Hypoactive Sexual Desire Disorder, HSDD) et défini comme «la persistence ou récurrence d’une déficience (ou absence) de désir et de fantasmagorie sexuels».

1991 : les chimistes de Pfizer font des essais cliniques sur un médicament pour la pression sanguine. Ils découvrent que ce produit provoque des érections dont ils mesurent la durée et la résistance : le Viagra est né.

1997 : la première réunion centrée sur les troubles et les dysfonctions sexuelles féminines soutenues par l’American Foundation for Urologic Disease se déroule à Cape Cod (Massachussetts). Cinq autres réunions suivent coup sur coup entre 1998 et 1999 (Cape Cod, Amterdam, Boston) qui aboutissent «à la proposition d’une nouvelle classification des troubles sexuels féminins (FSD) et […] à la fondation de l’International Society for the Study of Women’s Sexual Health (ISSWSH)» en 1999 (2). Des experts en médecine sexuelle, ayant partie liée avec l’industrie pharmaceutique, se mettent à créer des échelles diagnostiques pour justifier les concepts de «fonction sexuelle» et de «dysfonction sexuelle». La libido politiquement correcte est en marche.

Mars 1998 : la FDA approuve la vente du Viagra aux Etats-Unis. Pour les hommes, ce produit devient prescripteur : il s’agit d’avoir un «comportement sexuel responsable».

1999 : le Journal de l’association médicale américaine publie une étude établissant que 43% des Américaines souffriraient de dysfonction sexuelle (contre 31% des Américains).

2000 : Leonore Tiefer, une sexologue lance une campagne intitulée New View pour défendre l’idée que la baisse de libido ne saurait être tenue pour «anormale» sans tenir compte du contexte : tout dépend de la fatigue, des obligations familiales, des problèmes relationnels, de l’éducation religieuse… Pour Leonore Tiefer, les dysfonctions sexuelles sont une invention des industries techno-médicales et pharmaceutiques. Sous couvert de défendre des valeurs positives (le plaisir, l’épanouissement personnel), elles indiquent ce qui est socialement attendu des femmes.

2004 : après avoir travaillé 8 ans sur une version pour femme du Viagra, Pfizer abandonne. Le Viagra provoque une tumescence des organes génitaux chez la femme comme chez l’homme, mais –chez la femme– cette tumescence ne s’accompagne d’aucune excitation. «Il y a une déconnection entre les changements physiologiques et les mentaux chez les femmes», explique Mitra Boolel, qui dirige l’équipe de recherche. Pfizer décide alors d’attaquer la dysfonction à sa source : au cerveau. Cette relocalisation du désir a des conséquences fatales. Lorsque les «experts» déplacent le siège de la sexualité (de l’appareil génital vers l’hypothalamus), ils se mettent malheureusement à développer un discours rétrograde, confortant l’idée d’une différence biologique entre l’homme et la femme.

2005 : le journaliste Ray Moynihan publie un article dans le British Medical Journal : «Le marketing d’une maladie : dysfonction sexuelle féminine», expliquant que les entrepreneurs en pharmacologie ont transformé des «variations du désir en pathologies» dans le but d’ouvrir de nouveaux (et juteux) marchés.

2006 : la firme Boehringer Ingelheim découvre –lors de recherched sur un anti-dépresseur– que la Flibansérine est susceptible de booster la libido des femmes (mais n’a aucun effet sur les hommes).

2008 : une étude menée sur 31 000 femmes concernant la recherche de traitements contre les problèmes sexuels féminins associés à de la détresse (étude surnommée PRESIDE), publiée par la revue Obstetrics & Gynecology, établit qu’une femme sur dix souffre d’HSDD. Une autre étude (sur 3500 femmes) établit qu’il y a entre 6 et 13% de femmes souffrant d’HSDD en Europe (contre 12 à 19% aux USA).

2009 : une étude établit qu’entre 2006 et 2007, deux millions d’ordonnances pour de la testostérone ont été données à des femmes souffrant d’une baisse de libido alors qu’aucun consensus n’existe sur l’efficacité réelle de ces thérapies. Pour le dire plus clairement : les femmes sont prêtes à tout pour rebooster leur libido, y compris prendre des produits non autorisés ou dangereux pour leur santé.

2009 : dans le documentaire Orgasm Inc., la cinéaste Liz Canner amène le public dans les coulisses de la course à la création du premier médicament pour soigner la dysfonction sexuelle féminine, avec un regard très critique sur la façon dont les lobbies techno-pharmaceutiques manipulent l’opinion publique, créent la panique et induisent les femmes à penser qu’elles ne sont pas normales si elles ne font pas l’amour deux à trois par semaine minimum.

Juin 2010 : la FDA rejette la demande d’approbation de la Flibansérine, parce que les tests cliniques montrent que ses effets sont presque égaux à ceux des placebos.

2011 : Sprout Pharmaceuticals rachète la Flibansérine.

2012 : le marché de la dysfonction érectile atteint 4,3 milliards de dollars pour les produits Viagra, Cialis, Stendra/Spedra, Levitra, Staxyn, MUSE, Zydena, Mvix et Helleva.

2013 : la définition du HSDD est révisée ou plutôt supprimée du DSM V. L’hypoactivité disparaît de la liste des maladies. Le DSM V parle uniquement de troubles de l’excitation et de l’intérêt sexuel féminin (FSIAD), défini comme «une absence de désir ou d’excitation pendant au moins six mois, causant une détresse significative et non-corrélée à des problèmes relationnels, médicaux, culturels ou religieux«.

Juin 2013 : la FDA rejette la demande d’approbation de la Flibansérine, portée par Sprouts sous le nom d’Addyi, parce qu’elle considère les bénéfices du médicament peu importants, compte tenu des risques liés aux effets secondaires (somnolence, vertiges, maux de tête ou nausée).

Décembre 2013 : Sprout fait appel et obtient le soutien de l’ISSWSH qui envoie une pétition signée par 4000 personnes.

Avril 2014 : plusieurs organisations de féministes (la coalition New View, Our Bodies Ourselves, le National Women’s Health Network et l’American Medical Women’s Association), écrivent une lettre à la directrice de la FDA, Janet Woodcock, afin que la Flibanserine soit rejetée.

Juin 2014 : une ligue rassemblant 24 organisations oeuvrant dans le champ de la santé et des droits humains, financée par Sprout Pharmaceuticals, lance une campagne intitulée Even the Score («égaliser les scores»), pour lutter contre l’inégalité concernant les pannes sexuelles. Les hommes peuvent bénéficier de 26 médicaments (41 en comptant les génériques) et les femmes… zéro (à part la testostérone sur laquelle aucun consensus ne se dégage).

Octobre 2014 : la FDA organise deux jours d’audition au cours desquels les experts peuvent s’exprimer pour ou contre.

Mars 2015 : Even the Score announce que 11 membres du Congrès (tous des démocrates) ont encouragé la commissaire de la FDA à approuver la Flibanserine.

1er juin 2015 : Even the Score lance une pétition en ligne sur change.org et recueille plus de 60 000 signatures en faveur de la Flibanserine. La contre-pétition lancée par New View pour son rejet n’est signée que par 652 supporters.

18 août 2015 : la FDA publie un communiqué indiquant que le »premier médicament visant à traiter les troubles du désir sexuel hypoactif (HSDD) chez la femme“ a été approuvé sous le nom commercial Addyi. Dans les jours qui suivent, Sprout est racheté par le canadien Valeant Pharmaceuticals pour 1 milliard de dollars.

Octobre 2015 : le médicament est commercialisé

Décembre 2016 : échec commercial de l’Addyi, «dû à ses effets secondaires tels que maux de tête, nausée, fatigue et baisse de la pression artérielle, à sa relative absence d’efficacité et à son prix élevé.» Dans un article qui résume toute l’histoire d’Addyi, le psychosociologue Alain Giami conclut : «Un article du New York Magazine annonce que les chercheurs sont retournés à leurs paillasses et que des travaux en cours menés sur la stimulation électrique de certaines zones cérébrales présenteraient des résultats prometteurs pour le traitement des troubles du désir chez les femmes. La quête du secret du désir sexuel féminin et de sa localisation cérébrale n’a donc pas touché à sa fin. De nouvelles controverses ne manqueront pas d’opposer les tenant·e·s de la biologisation et de la pharmaceuticalisation de l’esprit humain et du désir sexuel à celles/ceux qui considèrent que les principales dimensions du désir sexuel sont psychologiques et relationnelles et que la diminution du désir sexuel n’est pas forcément une maladie qui peut se traiter à l’aide d’un médicament.»

A LIRE : « L’invention des médicaments des troubles féminins du désir : controverses autour de la sexualité féminine », d’Alain Giami, dans l’ouvrage Les sciences du désir. La sexualité féminine de la psychanalyse aux neurosciences, dirigé par Delphine Gardey et Marilène Vuille, éditions le bord de l’eau, 2018.

A LIRE : Corps accord : guide de sexualité positive (adapté du classique anti-pharma Our bodies, Ourselves), édité par le collectif La CORPS féministe, éditions du Remue-Ménage, 2019. (L’organisation La CORPS féministe est créée en 2014 dans le but de diffuser des savoirs féministes et indépendants des intérêts pharmaceutiques sur la santé, la sexualité et le corps)

NOTES

(1) Les ventes d’Estratest sont illégales, car ce produit n’a pas reçu l’approbation de la Food & Drug Administration (FDA) qui régule les produits de santé aux États-Unis.

(2) « La médecine sexuelle : genèse d’une spécialisation médicale ? », d’Alain Giami, Histoire, médecine et santé, n°12, 2018.

POUR EN SAVOIR PLUS : «Faites-vous le compte de vos orgasmes ?»

«Un orgasme par minute, vingt minutes, sans s’arrêter»

«A quoi reconnait-on qu’une femme simule ?»

«Faut-il en finir avec les tabous ?»

«Viagra: bande ou crève»

«La culotte peut-elle être chaude et la tête froide ?»

«Excitée ? Moi, jamais !»

mars 16, 2020

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7:41

Pour ou contre le Viagra féminin ?

» ‎ Les 400 culs

En 1998, lorsque le Viagra est commercialisé, des voix s’élèvent : quid des femmes ? Nombreuses sont celles qui souffrent d’une perte parfois brutale de désir. Elles réclament un excitant. D’autres femmes, cependant, s’y opposent. Avec quels arguments ?

Katherine Campbell aimait le sexe encore plus que son mari. Après la naissance de leur premier enfant, sa libido a disparu. «Nous faisons encore l’amour, mais par obligation.» Lorsqu’elle affiche publiquement sa détresse, cette jeune mère de 31 ans exprime l’espoir d’un miracle. : «Je sais qu’il y a des millions d’autres femmes comme moi», dit-elle. A ces consommatrices potentielles, l’industrie pharmaceutique fait des offres parfois tentantes : des crèmes aux oestrogènes et des patchs de testostérone (1) sont mis au point pour les femmes ayant perdu leur désir suite la ménopause, une ovariectomie ou une chimiothérapie. Mais avec quels effets secondaires ? Une autre branche de la recherche s’intéresse aux molécules qui affectent les cellules cérébrales : certaines activent les récepteurs de la mélanocortine dans l’hypothalamus (une zone du cerveau impliquée dans l’excitation sexuelle). D’autres libèrent de la gonadotropine «qui oriente le circuit de la récompense vers le désir sexuel» ou de l’ocytocyne, baptisée «hormone de l’amour» (2). D’autres agissent sur le circuit de la sérotonine et de la dopamine : c’est le cas de la Flibanserine, développée par la firme allemande Boehringer Ingelheim. Dans les premières publications, qui remontent à 1995, la Flibansérine (alors appelée BIMT-17) est considérée comme un antidépresseur mais, au cours d’essais cliniques, il apparaît qu’elle est susceptible de stimuler le désir sexuel chez la femme. Faut-il y avoir recours ? Dans un article qui expose de façon très neutre les discours pour et contre («L’invention des médicaments des troubles féminins du désir»), le psychosociologue Alain Giami avance une réponse…

Le camp des pour : Even the score

Le camp des pour regroupe «un groupe de clinicien·ne·s travaillant avec l’industrie pharmaceutique» au nom de l’égalité entre les sexes. Il s’agit pour eux (et elles) de créer un «Viagra rose» pour lutter contre une maladie de femme, inventée en 1980 sous le nom de «troubles du désir sexuel hypoactif» (HSSD). Cette maladie apparaît dans le DSM III (le Manuel des maladies mentales) et repose sur l’idée que l’absence ou la diminution d’intérêt sexuel est la preuve d’un dysfonctionnement du système corporel féminin. Pour les tenants de cette position, une femme doit être sexuellement disponible et, cela, en permanence. Si elle ne l’est plus, il s’agit de la soigner. Afin de défendre cette idée, les firmes pharmaceutiques (notamment Boeringer-Ingelheim, Sprout et Trimmel) sponsorisent des associations de patientes souffrant d’une perte de libido, afin qu’elles militent en faveur d’une solution médicale. Aux Etats-Unis, la coalition Even the Score («égaliser le score») –créée le 4 juin 2014 dans le but de «prêter voix» aux Américaines qui réclament un équivalent féminin du Viagra– regroupe dix-huit associations «œuvrant dans le champ de la santé et des droits humains» ainsi que sept sponsors de différents secteurs industriels. Le principal acteur de cette coalition s’appelle Irwin Goldstein. Il est urologue, mais surtout «fondateur et rédacteur en chef de la revue The Journal of Sexual Medicine, ancien président de l’International Society of Sexual Medicine, clinicien hospitalier et privé en médecine sexuelle.» Un ponte.

Le camp des contre : New View

Le camp des contre regroupe des sexologues et des psychologues indépendantes, membres de la coalition New View of Women’s Sexual Problems (littéralement, “une nouvelle vision des problèmes sexuels des femmes”). Créée en 2000, la coalition New View est non seulement initiée mais dirigée par Leonore Tiefer, «une psychologue et sexologue […] engagée dans l’activisme féministe et anti-pharma.» En lutte contre ce qu’elle appelle la «médicalisation du sexe», Leonore Tiefer défend l’idée que le désir des femmes relève avant tout de facteurs psychologiques et sociaux : «leurs problèmes ne sont pas réductibles aux classifications nosographiques dominantes». Pour le dire en d’autres termes : si les femmes ne jouissent pas, c’est bien souvent parce qu’elles n’osent pas se masturber, ni demander à leur partenaire un cunnilingus, ou bien tout simplement, parce que leurs conditions de vie sont difficiles. Difficile de se sentir érotique entre un évier de vaisselle sale, les couches à changer et les factures à honorer. Pour Leonore Tiefer, les «passages à vide» ne sauraient être assimilés à des pathologies : «bien au contraire, dans un certain nombre de situations, ce serait la seule forme de réponse adaptée», résume Alain Giami. Ainsi qu’il le souligne, la mise à disposition d’un médicament contre le HSSD revient à «stigmatiser» les femmes qui sont déjà en souffrance et à les «placer en situation de vulnérabilité accrue.»

Deux systèmes dogmatiques renvoyés dos à dos

Qui a tort, qui a raison ? Refusant de départager les camps, Alain Giami se contente de noter l’existence –des deux côtés– de présupposés discutables : dans le camp des pour, on réduit le problème de désir à une dysfonction, sous prétexte que la femme doit rester sexuellement performante. Leonore Tiefer a certainement beau jeu de critiquer ce parti-pris idéologiquement tendancieux. Dans un texte intitulé “Les problèmes sexuels des femmes : y’a t-il une pilule pour ça ?” (3), elle se moque de la façon dont le DSM III (le manuel des maladies mentales) a défini ce qu’était une sexualité dite «normale» et répandu «l’idée, faussement évidente, selon laquelle “le sexe correct” c’est l’excitation génitale, l’orgasme, l’érection et la lubrication. Le DSM ne parle que de performance et ne mentionne jamais ni le plaisir [qu’on tire d’une relation sexuelle] ni le sens [qu’on lui donne]: Le DSM ne parle non jamais d’expérience subjective, de priorités, de communication, de préférences, d’étape dans un parcours individuel, ni de style de vie.» Pour Leonore Tiefer, la médicalisation du sexe est une vaste opération de propagande visant à introduire la logique du management dans la vie intime. Tout convaincant qu’il soit, son raisonnement présente cependant quelques failles. Ainsi qu’Alain Giami le démontre (4), dans le camp des contre on réduit le problème de désir à sa dimension purement psycho-sociale, sous prétexte que la femme est «plus compliquée» que l’homme. «C’est la “double morale sexuelle implicite” sous-jacente à cette position qui reste critiquable au regard du principe de l’égalité entre les sexes», dit-il, en déplorant que les tenants de New View admettent que l’homme soit «soigné» avec du Viagra, mais pas la femme… N’est-ce pas perpétuer une vision rétrograde de la différence des sexes ? Pourquoi serait-il normal que la femme ait moins de désir que l’homme ?

La suite mercredi.

« La médecine sexuelle : genèse d’une spécialisation médicale ? », d’Alain Giami, Histoire, médecine et santé, n°12, 2018.

« Fonction sexuelle masculine et sexualité féminine. Permanence des représentations du genre en sexologie et en médecine sexuelle », d’Alain Giami, Communications, n°181, 2007.

NOTES

(1) Dès 1964, les laboratoires Reid-Provident (plus tard rachetés par Solvay Pharmaceuticals) lancent Estratest pour les femmes ménopausées qui ont une libido en berne. Mais ce produit n’obtient jamais l’autorisation de la FDA, à la différence du Premarin (Pfizer) en 1994, du Vagifem (Novo Nordisk) en 1999, de l’Intrinsa (Procter & Gamble) en 2004 puis de l’Osphena (Shionogi Inc) en 2013, les premières crèmes hormonales autorisées sur le marché américain.

(2) Source : «Les médicaments pour l’amélioration du désir et du plaisir sexuels chez la femme», PsychoMédia, 11 février 2009

(3) « Women’s Sexual Problems: Is There a Pill for That?”, de Leonore Tiefer, dans l’ouvrage The wrong prescription for women (dirigé par Maureen C. McHugh et Joan C. Chrisler), Praeger Publishers Inc, 2015.

(4) « Des divergences se font entendre, en particulier entre les associations médicales et scientifiques et les associations féministes […]. Les unes considèrent l’absence de désir sexuel comme la conséquence d’un désordre biologique et neurologique, suscitant une grande souffrance chez les femmes qui en seraient atteintes. Les autres refusent d’attribuer l’absence de désir sexuel à des causalités biologiques ou neurologiques en insistant sur l’effet d’un contexte relationnel adverse face auquel l’absence de réponse sexuelle et de désir sexuel constituerait une réponse adaptée. Donc d’un côté l’absence de désir sexuel est une maladie à traiter et de l’autre une expression de bonne santé et de refus de conditions de vie adverses et pathogènes.» Source : «L’invention des médicaments des troubles féminins du désir : controverses autour de la sexualité féminine», d’Alain Giami, dans l’ouvrage Les sciences du désir (dirigé par Delphine Gardey et Marilène Vuille), le bord de l’eau, 2018.

mars 12, 2020

8:41

Que veulent les hommes ?

» ‎ Les 400 culs

Question à 1 euro : les hommes et les femmes sont-ils si différents qu’on croit ? Dans “La vie sexuelle en France”, la sociologue Janine Mossuz-Lavau affirme que l’écart tend à diminuer. Les femmes veulent plus de sexe. Et les hommes… plus d'amour.

Sur internet, on trouve ce bout de dialogue :

«Vous aurez beau faire, Monsieur, dit la jolie marquise, vous n’aurez jamais mon cœur.

— Je ne visais pas si haut, Madame.»

«Faussement attribué à Molière, cet échange résume très bien les milliers de stéréotypes qui courent sur les différences susceptibles d’être relevées entre les hommes et les femmes.» D’une plume enjouée, Janine Mossuz-Lavau s’amuse des «certitudes» (1) qui continuent de courir en France : «en simplifiant, pour faire l’amour, les femmes devraient nécessairement être amoureuses, tandis que les hommes tenteraient d’abord d’assouvir leurs besoins sexuels. Les premières n’en auraient pas tellement, alors que les seconds en connaîtraient d’irrépressibles. L’opinion publique applaudit. D’après la dernière grande enquête quantitative sur la sexualité (en date de 2006), […] 73 % des femmes et 58 % des hommes estiment que les hommes ont plus de besoins sexuels que les femmes. (2)» Même les jeunes partagent cette idée : «La femme veut de l’amour. Pour en avoir, elle accepte le sexe. L’homme veut du sexe. Pour en avoir, il accepte l’amour.»

«Ca date de l’époque préhistorique»

Pour illustrer ce cliché courant, la sociologue cite les propos recueillis auprès d’un nommé Pascal (34 ans) : «Je pense vraiment que, pour schématiser, les hommes sont là pour trouver un maximum de partenaires sexuelles dans leur vie. Ça date vraiment du Moyen Âge. Qu’est-ce que je raconte ? De l’époque préhistorique, du côté animal, de pouvoir polliniser un maximum, pour avoir le plus de descendance possible. Et que les femmes ont plus tendance à vouloir trouver le reproducteur idéal. Et du coup, j’ai l’impression, une fois qu’elles ont trouvé un homme qu’elles aiment, quand elles sont heureuses avec lui, elles vont moins… Quand il y a un couple, un homme et une femme, la femme va moins avoir envie d’aller voir ailleurs. Elle va y aller quand elle sera délaissée par son petit copain. Elle va y aller quand elle est triste. Ça peut arriver de faire des écarts. Mais je trouve que l’homme, il a plus envie de multiplier les partenaires sexuelles. Alors que les femmes ont plus envie d’en avoir un seul, du coup c’est le bon et elles ont moins envie d’aller voir ailleurs. C’est ce que j’ai pu observer le plus souvent.»

Les mâles modernes sont-ils «féminisés» ?

Curieusement, ce même Pascal –pourtant persuadé que l’homme est «programmé» pour aller voir ailleurs– affirme être devenu fidèle : depuis qu’il a rencontré la femme de sa vie. Lorsque Janine Mossuz-Lavau mène l’enquête, sur 65 participant-es, elle ne relève qu’un seul et unique cas de mâle «pollinisateur». Il s’agit d’un célibataire –alcoolique, cocaïnomane– qui prend plaisir à mépriser les femmes (toutes des putes) parce qu’il a raté sa vie. A cette seule exception près, les hommes que la sociologue rencontre affirment tous avoir besoin d’aimer et d’être aimés. Même ceux qui croient que l’homme est «par nature» un amateur de sexe. Qu’en déduire ? Que les mâles sont «féminisés» ? Janine Mossuz-Lavau réfute cette idée : «ce n’est pas un camp qui l’emporterait sur l’autre (nous sommes loin de la guerre des sexes), mais deux camps qui se rapprocheraient», explique-t-elle. Autrement dit : «des hommes se mettent à adopter certains de ces comportements étiquetés “féminins” et des femmes empruntent à leur tour des traits assignés jusque-là aux hommes.»

La pseudo «féminisation» de la société

Pour Janine Mossuz-Lavau, «le soi-disant triomphe des femmes, la féminisation / maternisation de la société qui réduirait à néant ces pauvres hommes, de même que ces femmes masculinisées, guerrières à l’assaut de tous les pouvoirs, ce sont des marronniers, rituellement exploités par les médias lorsqu’ils sont en manque de copie et d’imagination.» Ce qu’elle observe lors de son enquête –après une année d’entretiens intimes avec des personnes de tous âges, de tous milieux et de toutes tendances– c’est que les hommes autant que les femmes ne se conforment plus vraiment aux attentes relatives à leur genre. Il y a Didier (56 ans), par exemple, qui papillonne beaucoup mais affirme avoir besoin d’admirer ses partenaires : «j’ai jamais considéré les femmes comme juste un jouet. Toutes les femmes que j’ai rencontrées m’ont rendu moins con.» Kevin (27 ans) affirme n’avoir «jamais été fan» des coups d’un soir : «autant me masturber», dit-il. Cédric (25 ans) qui a tenté Adopteunmec, Badoo, Tinder puis Meetic raconte que «ça change tout» quand il se sent complice d’une partenaire : c’est moins «fade».

«Aujourd’hui, hommes et femmes se soustraient aux normes ancestrales.»

L’enquête de la sociologue met également au jour des changements sensibles dans les parcours d’homosexuels : bien qu’ils soient souvent présentés comme de «pur baiseurs», beaucoup ont besoin d’un ancrage affectif. Certains vivent en couple longue durée. «Serge (54 ans) est en couple avec Philippe depuis vingt-sept ans. Ils s’aiment. Ce qui ne les empêche pas d’avoir “des histoires libertines”.» D’un côté les plans culs. De l’autre la vie à deux. Beaucoup de couples hétérosexuels adoptent des contrats similaires : ceux qui pratiquent l’échangisme ou le poly-amour, bien sûr, mais aussi ceux dont la vie sexuelle, usée par 10 ou 20 ans de vie commune, a fini par disparaître. Ils s’aiment toujours. Ils ne font plus l’amour ensemble. Ils se laissent libre, plus ou moins tacitement, d’avoir des partenaires à côté. Bien qu’il s’agisse d’un tabou –peut-être le «dernier vrai tabou» en France, ainsi que l’affirme Janine Mossuz-Lavau– elle en a relevé un grand nombre d’occurrences.

«Le principe du bon plaisir et du “je prends, je jette”»

Du côté des femmes, il y a aussi des cas éclairants de personnes qui échappent aux stéréotypes, sans états d’âme. Certaines étudiantes, par exemple, accumulent les plans culs pour se «décharger». Elsa (23 ans) recrute ses sex-friends sur des sites de rencontre, accordant la priorité à sa future carrière : «Je me vois pas faire des masses de concessions au niveau travail pour la vie amoureuse, quoi. De la même façon que ça me paraît impensable d’avoir des gamins.» Adrienne (21 ans) affirme avoir besoin d’amour, mais ne s’interdit pas d’aller sur Internet pour rencontrer des inconnus. Si jamais elle trouve le bon, parfait, mais pas question de «se sacrifier» pour lui : «Je ne veux pas me fermer des opportunités professionnelles pour un mec.» Anaïs (27 ans) non plus ne s’interdit rien. Elle a compris que «l’amour et la sexualité étaient deux choses bien dissociées». Aujourd’hui, conclut la sociologue, les aventures sans lendemain sont devenues une composante essentielle de la vie des filles. Elles ont leur «réserve opérationnelle» d’amant-es.

«Hommes et femmes diffèrent-ils dans leur vision/pratique de l’amour ?»

Au fil de cette enquête construite comme un roman d’initiation, Janine Mossuz-Lavau donne la part belle aux confidences de ses 65 témoins. On sent le plaisir qu’elle a de recueillir leurs expériences. Certaines ne sont pourtant pas heureuses. Au tout début de l’ouvrage, notamment (dans les chapitres consacrés à l’enfance et à «l’entrée dans la danse»), les hommes et les femmes victimes de viol, d’agressions sexuelles et d’inceste livrent des aperçus glaçants de leur passé. Ils et elles sont nombreux. Leurs récits, d’ailleurs, sont en tous points similaires, que la victime soit une fille ou un garçon. La même horreur s’en dégage. Ce qui confirme les propos de la sociologue : en bien comme en mal, nous sommes de plus en plus égaux face au sexe.

A LIRE : La vie sexuelle en France. Comment s’aime-t-on aujourd’hui ?, de Janine Mossuz-Lavau, La Martinière, 2020.

NOTES :

(1) Sa première enquête sur la vie sexuelle en France est parue en 2002 aux Éditions de La Martinière.

(2) Nathalie Bajos et Michel Bozon (dir.), Enquête sur la sexualité en France, p. 554.

POUR EN SAVOIR PLUS :

«Idée reçue : l’homme demande, la femme refuse»

«Les femmes préfèrent un homme plus riche qu’elles»

«Les hommes sont-ils plus attirés par les cruches ?»

«Excitée ? Moi, jamais !»

«La culotte peut être chaude et la tête froide ?»

mars 09, 2020

8:02

Le Viagra : bande ou crève

» ‎ Les 400 culs

Il est courant de penser que le Viagra est la preuve –encore une– de la domination masculine, puisqu’il n’existe aucun équivalent pour les femmes (comme si leur désir comptait pour zéro). C’est effectivement injuste. Mais le Viagra avantage-t-il vraiment les hommes ?

Et si le Viagra était la preuve éclatante du sexisme qui frappe les hommes ? En 1998, le psychosociologue Alain Giami entame une recherche sur la pilule qui vient d’être mise sur le marché par le géant pharmaceutique Pfizer. Le Ministère de la santé s’inquiète de savoir si les «cachets bleus» ne pourraient pas causer des infarctus. Est-ce dangereux pour la santé ? Au cours de son enquête, Alain Giami établit rapidement que le Viagra (citrate de sildénafil) est sans danger. Sans danger… ou presque. Sur le plan symbolique, le Viagra fait des dégâts, puisqu’il renforce les pires clichés frappant les hommes, réduits au rang de pénis sur pattes. C’est ainsi qu’Alain Giami l’expose dans un article écrit à la façon d’un polar. La scène du crime : l’Université de Boston. La victime : le sexe «fort». L’auteur du meurtre : un conglomérat de chercheurs en urologie et d’entrepreneurs travaillant pour l’industrie pharmaceutique.

L’industrie des biotechnologies au pouvoir

Tout commence en 1982 : un chirurgien français, Ronald Virag, découvre que lorsque des hommes s’injectent de la papavérine dans les corps caverneux, leur pénis devient turgescent. En 1983, des urologues de l’Université de Boston se mettent à étudier ce qu’ils appellent le «dysfonctionnement sexuel masculin», qu’ils assimilent à une panne de moteur : pour eux, la cause est mécanique. Ainsi qu’Alain Giami le souligne, l’impuissance était jusqu’ici généralement attribuée à des troubles émotifs, liés (tout comme la frigidité) à des contextes sociaux, conjugaux ou familiaux. Pour les psys et les sexologues, la «perte de virilité» était le plus souvent interprétée comme le résultat soit d’un refoulement, soit d’une mésentente au sein du couple. Lorsque les chercheurs en chimie se mettent à tester les «molécules de l’érection», non seulement ils réduisent l’impuissance à sa seule dimension biologique, mais ils en font une pathologie.

Comment priver l’homme de coeur et d’esprit

La «construction médicalisée de l’impuissance masculine», ainsi qu’Alain Giami la désigne, s’appuie sur l’invention d’une nouvelle entité clinique appelée «dysfonction érectile». Le terme est proposé en 1989 (dans un article intitulé Impotence) par les urologues du «groupe de Boston», qui le définissent comme «l’incapacité à maintenir une rigidité suffisante pour avoir un rapport sexuel». Dans leur article, il n’est question ni de libido, ni de plaisir, ni de désir. Leur analyse se limite à la seule «capacité érectile du pénis». En faisant l’impasse sur le coeur et sur l’esprit des individus, leur nosographie présente l’avantage de justifier une approche strictement fonctionnelle du trouble. Par ailleurs, elle légitime un traitement pharmacologique. Pour mieux le légitimer, elle créé même un effet panique en gonflant les chiffres des soi-disant «malades» concernés : dans leur article, les urologues affirment que 10 millions d’Américains souffrent d’impuissance.

Comment légitimer la vente d’un produit

Il s’avère qu’à peine deux ans plus tôt, en 1987, trois chercheurs (Robert Furchgott, Louis Ignarro et Ferid Murad) ont découvert les effets spectaculaires du monoxyde d’azote (NO) sur le pénis (1). En 1992, la NO devient «la molécule de l’année» et, cette même année, Pfizer dépose son brevet sur le sildénafil. Lorsque les urologues créent le concept de «dysfonction érectile», ils ne font jamais que préparer le terrain à l’invasion commerciale des produits qu’ils entendent bien prescrire aux patients. Dénonçant ce qu’il appelle une «stratégie médico-scientifique», pour ne pas dire une véritable collusion d’intérêts institutionnels et financiers, Alain Giami déplore les effets délétères de cette imposture : Pfizer veut à tout prix éviter que le Viagra soit perçu comme un aphrodisiaque (2). Question d’image. S’appuyant sur la nouvelle terminologie mise au point les urologues, la firme fait en sorte que les pilules bleues ne soient délivrées que sur ordonnance.

Comment créer de nouveaux besoins

Il s’agit de vendre un «médicament». Et pour cela, tous les moyens sont bons… Y compris faire en sorte que les troubles du désir soient identifiés –ou plutôt diagnostiqués– comme un problème de tuyauterie (ce qui fait de l’homme l’équivalent d’un système de vidange) mais aussi comme un «problème majeur de santé publique» (ce qui fait de chaque homme un patient potentiel). Sous prétexte de «dépistage», le lobby pharmaceutique lance des «campagnes d’information et de sensibilisation» des médecins afin que ceux-ci incitent leurs patients à parler de leur vie sexuelle et, si possible, à demander du Viagra sur ordonnance. En parallèle, des campagnes «d’éducation du patient» (selon les propres termes des lobbies qui les sponsorisent) sont menées à grands frais dans la presse (3). La propagande s’appuie aussi sur des colloques au cours desquelles des «experts» sont encouragés à présenter des «données scientifiques» sur la dysfonction érectile, sans questionner le concept même de «dysfonction». Tout le monde est-il dupe ?

Un médicament de confort ?

Pas vraiment. Parmi les consommateurs, beaucoup prennent les cachets dans un but «récréatif» et les achètent sur Internet, sans prescription. Les pouvoirs publics en ont bien conscience : l’Assurance Maladie doit-elle rembourser un aphrodisiaque ? «Le risque de dérapage financier est d’autant plus grand que ce produit hors norme va immanquablement susciter une demande dépassant largement la sphère des hommes souffrant de réels troubles de l’érection» (Le Monde, 17 oct 1998). Le Comité Consultatif National d’Ethique (CCNE) affirme que la collectivité ne saurait subventionner «l’amélioration des performances sexuelles» des individus (4). Il recommande que le Viagra ne soit remboursé que dans le cas, exceptionnel, des invalides (blessés médullaires et autres) et en profite pour accuser les lobbies d’avoir créé une «nouvelle maladie», c’est-à-dire de «nouveaux besoins auxquels la société serait obligée de répondre».

Réduction du domaine du désir

Les promoteurs de la «dysfonction érectile» n’ont pas partout à fait réussi leur coup. Malheureusement, ainsi qu’Alain Giami le note, le mal a été fait. A cause du Viagra, les hommes qui ont des problèmes de désir sont sommés de se «soigner», c’est-à-dire d’ignorer, voire de nier la part émotionnelle de leur trouble. Sous le contrôle de l’industrie pharmaceutique, la sexualité masculine n’est plus envisagée que sous l’angle génital, mécanique, fonctionnel. Leur corps ne trouve plus place dans l’imaginaire collectif que comme objet à manager. A problème d’«engin», solution technique. On appelle cela la libération. Mais n’est-ce pas plutôt une aliénation ? Dans un tel système –qui impose aux individus la maîtrise de leurs «fonctions» (érectiles ou reproductrices)–, la gestion des organes devient affaire de responsabilité individuelle c’est-à-dire que les hommes et les femmes n’ont plus vraiment le choix : puisqu’il existe des pilules, plus personne n’a d’excuse. Tu te poses des questions existentielles ? Prends des anti-dépresseurs. Tu veux faire carrière ? Prends un contraceptif hormonal (5). Tu veux être un homme ? Prends du Viagra.

A LIRE : «De l’impuissance à la dysfonction érectile. Destins de la médicalisation de la sexualité» d’Alain Giami, in : D. Fassin, D. Memmi (eds). Le gouvernement des corps, Paris, éditions EHESS, 2004, p. 77-108.

NOTES

(1) pour lequel ils obtiendront le prix Nobel en 1998, quelques semaines après la mise sur le marché du Viagra (Alain Giami, email, mars 2020).

(2) Il n’y aura jamais d’essais cliniques auprès de «volontaires sains» (Alain Giami, email, mars 2020).

(3) «Une campagne européenne d’éducation du patient a été lancée au cours de l’hiver 2001 par l’Association pour le Développement de l’Information et de la Recherche sur la Sexualité (ADIRS). Cette campagne, pourtant financée par l’industrie pharmaceutique, ne comporte jamais le nom des sponsors, ni le nom du médicament. Elle répond, terme à terme, aux campagnes destinées aux médecins, en incitant les «patients» à «en parler avec votre médecin» sur le thème de «comment dire à votre médecin que vous souffrez de troubles de l’érection”.» Source : Alain Giami, De l’impuissance à la dysfonction érectile. Destins de la médicalisation de la sexualité, 2004.

(4) «La position du CCNE servira de fondement à l’Arrêté du 15 janvier 2001 autorisant le remboursement de l’alprostadil en IIC comme »médicament d’exception”.» Source : Alain Giami, De l’impuissance à la dysfonction érectile. Destins de la médicalisation de la sexualité, , 2004.

(5) «La technique permet à l’individu de « se réaliser » en fonction d’un plan, d’un programme, d’un cahier des charges, contraint en grande partie par des impératifs économiques, et soulage ce faisant la sphère publique, les autorités, les collectivités, de la lourde charge de définir ensemble, démocratiquement, des objectifs et un destin commun. » Source : Mon corps ne vous appartient pas, de Marianne Durano, Albin Michel, 2018.

février 24, 2020

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Pendant des années, la journaliste Maïa Mazaurette fait venir des hommes dans sa cuisine, pour les croquer. Révélés par la galerie Analix Forever, à Genève, ses dessins de nus mettent en scène la virilité sous des angles inédits. L'occasion de redéfinir le mot “mâle”.

A l’âge de 41 ans, alors qu’elle visite une exposition consacré à l’érotisme gay, Maïa Mazaurette, s’extasie de ne voir que des corps d’homme et ressent la nostalgie d’un moment où son regard, devenu enfin la norme, peut enfin se satisfaire. «Dans ce monde, il n’y a pas de assez de place pour le désir des femmes, dit-elle. L’idée courante c’est que les femmes veulent être désirées mais n’ont pas de désir. C’est faux.» A New York où elle vit avec son compagnon – un homme de théâtre – Maïa se met en tête de faire venir des hommes chez elle, qu’elle paye pour poser nus sur la table de la cuisine. Ce ne sont pas des modèles professionnels mais des collègues de son mari, des comédiens, qu’elle sélectionne en les voyant jouer. «Je les choisis sur un biceps ou sur une belle paire de fesses». Parfois aussi, c’est son mari qui lui recommande un acteur : «Fais-le poser, il devrait te plaire.» Elle leur propose un prix. Ils viennent pour la séance, un peu intimidés parfois, car ce n’est pas leur métier. Elle les fait entrer dans une pièce dont toutes les fenêtres ont été opacifiées avec du papier kraft afin de supprimer la notion du temps qui passe. Elle met en sourdine un morceau de musique de deux minutes, qui tourne en boucle. Elle les fait monter nus sur la table et les place dans les positions qu’elle désire, en les manipulant comme des poupées, touchant leurs cuisses, leur torse, afin qu’ils adoptent exactement la posture désirée.

Faire du sexe masculin une icône christique

Puis elle fait ses croquis. Rehaussés de peinture d’or comme les icônes sacrées et parfois aussi brodés de fil rouge ou blanc, les esquisses mettent en scène des corps mâles alanguis, dont les postures d’abandon s’apparentent à celles des peintures classiques de martyrs ou de héros déchus. Maïa Mazaurette fait du nu «sur le tas», dans tous les sens du terme, c’est-à-dire que – n’ayant jamais suivi de formation artistique – elle s’entraîne toute seule au dessin pendant des années et elle le fait au contact physique du modèle, dans un rapport de proximité qui rompt avec la tradition. «Dans les académies d’art, les élèves n’ont pas le droit de toucher le modèle et se placent à environ trois mètres. Maïa, elle, ne veut pas de cette distance.» Pour la galeriste Barbara Polla – celle par qui ces oeuvres érotiques sont enfin révélées au public, jusqu’au 6 mars, à la galerie Analix Forever – la démarche de Maïa Mazaurette est parfaitement originale car elle brise les conventions. «Maïa refuse que les modèles prennent l’initiative des poses. Elle veut diriger. Il s’agit de placer l’homme dans une situation de lâcher-prise.» Il s’agit, surtout, d’empêcher que le modèle adopte des poses style Musclor : poitrine bombée, muscles bandés, tendons saillants, sphincter vissé.

En finir avec les postures de la virilité

Les «corps héroïques», Maïa les trouvent peu érotiques. «Ce ne sont pas les poses qui m’intéressent, dit-elle. Et c’est aussi pour ça que j’ai choisi des acteurs plutôt que les modèles professionnels.» Parce qu’ils n’ont pas la plastique parfaite. Parce qu’ils se sentent en danger. Parce qu’ils doivent accepter qu’une femme les mettre sur le dos, cuisses écartées, anus offert et testicule ballant. Maïa Mazaurette les veut passifs. Quand ils sont sur le ventre, elle n’hésite pas à venir très près, par derrière, pour regarder leur urètre et en faire le meilleur croquis possible. Pour elle, les «vrais» hommes ce sont ceux qui s’abandonnent à ce regard posé sur eux. «Longtemps les hommes ont pu s’abstraire d’être jugés physiquement en se disant “Moi, ce qui compte c’est mon prestige, mon argent, mon statut social. Les femmes c’est important qu’elles soient belles, mais moi en tant qu’homme je peux me passer de mon enveloppe physique.” Or cela devient de moins en moins vrai. Les hommes, eux aussi, peuvent se présenter comme des êtres désirables. Et c’est aux femmes de mettre en place cette nouvelle dynamique dans les rapports.»

Dessiner l’homme avec un anus : respecter son intégrité ?

Parmi les visiteurs, beaucoup s’étonnent qu’on puisse trouver beau leur corps. Certains viennent se confier : «Moi je n’ai jamais été complimenté», dit l’un. «On ne m’a jamais dit que je sentais bon ou que j’avais une peau douce», avoue l’autre. «La société juge peu acceptable qu’un homme soit un objet érotique, résume Maïa Mazaurette. On manque aussi cruellement d’une histoire de la femme artiste et de l’homme modèle.» On manque surtout, bien plus cruellement, d’une histoire de la femme qui trouve l’homme beau, même au repos. Beaucoup de femmes attendent de leur partenaire qu’il bande. Il doit être dur pour se faire admirer. Son sexe doit être en érection, car les femmes sont nombreuses à dédaigner ces parties de l’homme –anus, prostate, testicule, urètre– qui sont pourtant partie prenante de son intégrité. «Le sexe masculin est une combinaison 5 organes dont un seul est considéré comme important», s’indigne Maïa, comparant cette omission à une véritable excision culturelle, similaire en tous points à celle du clitoris. Dans ses oeuvres, il n’y a pas d’omission. L’homme est là tout entier, avec ses frissons. Avec sa verge demi molle. Avec sa tendresse.

Éloge du pénis

Citant sa galeriste Barbara Polla – auteure d’un très beau livre intitulé Éloge de l’érection –, Maïa ajoute ceci, concernant le pénis, qu’il est «toujours en transition», dans l’espace comme dans le temps. «Dans le temps, c’est un moment de grâce qui va disparaître. Dans l’espace, parce que s’il y a pénétration, il va entrer et sortir. Ce n’est pas pas pour rien que le dieu du voyage chez les grecs est Hermès, représenté par un pénis, car il ne fait que passer.»

A VOIR : «Princesse», exposition de Maïa Mazaurette, galerie Analix Forever, du 12 février au 6 mars 2020. Atelier AMI, galerie Analix Forever : 10 rue du Gothard à Chêne Bourg, Genève, Suisse. Du mercredi au vendredi de 13h à 17h30 et sur RV (barbara.s.polla(@)gmail.com)

A LIRE : «Apologie de l’inversion», un texte de Barbara Polla à propos des oeuvres de Maïa Mazaurette, in: Curiosités Contemporaines, Ed. Lisa Toubas, 2019. En PDF à télécharger ici

A LIRE : Éloge de l’érection, dirigé par Barbara Polla (avec Paul Ardenne, Vincent Cespedes, Dimítris Dimitriádis, Maria Efstathiadi, Rodolphe Imhoof, Maro Michalakakos, Elisa Nicolopoulou, Dimitri Paleokrassas, Elli Paxinou & Denys Zacharopoulos), éditions Le Bord de l’eau, 2016.

VIDEO : Je me suis permis d’utiliser l’excellente interview de Maïa Mazaurette réalisée en vidéo par Jean-Marc Lebeaupin, pour le site ArtSixMic

février 05, 2020

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9:51

Faire «l’expérience d’un allaitement virtuel» ?

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Faire «l’expérience d’un allaitement virtuel» ?

En décembre 2019, à Tôkyô, le fan d’une star aux gros seins débourse un million de yens afin de pouvoir la téter en réalité virtuelle. Le plus étrange, c’est que cette star japonaise est en réalité… ?

Note TAKEHANA est ce qu’on appelle une V-Tubeuse (You Tubeuse virtuelle) c’est-à-dire qu’elle anime une chaîne YouTube sous la forme d’un personnage de dessin animé. Avec sa forte poitrine, sa voix de pinson et ses oreilles de chat, elle fait partie des stars les plus populaires sur l’Internet japonais. Sa première apparition en ligne date du 24 juin 2018. Habillée en soubrette, Note TAKEHANA remue ses formes suggestives dans un décor de maid café. Il est possible de lui «parler» (écrire) en direct lors de sessions au cours desquelles Takehana accueille les internautes comme s’ils étaient des clients réguliers. Elle leur dit des choses gentilles et répond aux questions. Parfois aussi elle chante (karaoke) ou joue à des jeux vidéo en faisant des commentaires. Son style mignon lui vaut les faveurs de 37 000 adeptes, parmi lesquels beaucoup rêvent de l’approcher. En décembre 2019, l’un d’entre eux a la chance de pouvoir téter son lait. La séance d’allaitement lui coûte plus 8300 euros (un million de yens).

Un crowdfunding pour obtenir trois millions de yens

Cette séance exceptionnelle est proposée dans le cadre d’une campagne de financement partificipatif visant à améliorer l’apparence de la star : elle n’existait jusqu’ici que sous la forme relativement «plate» d’une image animée. Il lui faut trois millions de yens pour passer en version 3D et, ainsi, faire valoir son bonnet généreux. Les supporters de la star sont invités à lui permettre de réaliser son voeu : «aidez-moi à passer dans le monde en trois dimensions», demande-t-elle (vidéo ci-dessus). En contrepartie de leurs dons, Takehana s’engage à leur faire parvenir des cadeaux : lettre de remerciement signée de sa main, porte-clé à son image, housse de polochon imprimé (daki makura), portrait d’elle sur papier photo (bromide)… Les contributeurs qui versent 1600 euros (200 000 yens) peuvent même recevoir un appel personnalisé : Takehana propose d’assurer un service de réveil matin par téléphone. Et si jamais leur don dépasse 8000 euros ? Elle offre un allaitement (junyû) au cours d’une séance «d’incarnation virtuelle» (bâcharu juniku).

Une offre privilège pour le plus généreux donateur

Surprise. A peine la campagne a-t-elle démarrée qu’un fan achète le «ticket» le plus cher, réservé à une seule et unique personne : il sera l’heureux élu de la séance d’«allaitement» par la star virtuelle. Nous sommes le 29 mars 2019. Takehana, héberluée, annonce la nouvelle sur son compte Twitter : «Hein ? C’est pas vrai ?» (?e?? uso?). 15 000 retweets.

Séance d’allaitement au biberon virtuel

La nouvelle est immédiatement relayée par la presse qui s’étonne : contrairement à ce que l’on pourrait croire, la séance d’allaitement ne sera pas faite au sein mais au biberon en 3D. Pourquoi ? Faudrait-il ménager la jalousie possible des autres adeptes de Takehana ? Ou serait-ce un effet du succès formidable rencontré par le biberon pour adultes au Japon ? Il s’avère en effet que, depuis 2018, la firme Morinaga, spécialisée dans les produits laitiers, commercialise un «lait en poudre pour adulte» (otona tame no kona miruku) surnommé «Milk Life» (miruku seikatsu), parce qu’il est censé rallonger la vie. Il fallait bien ouvrir un nouveau marché dans le contexte de la dénatalité… Maintenant, quand on tape «idole à gros seins» (honyû idol) sur Internet, on voit des photos et vidéos de Japonais-es adultes qui boivent au biberon.

Les seins secrets de Takehana

Pour en revenir à Takehana. Suite au succès faramineux de sa campagne de financement, elle obtient bien plus que les 3 millions espérés : 5, 77 millions de yens. Ce qui lui permet non seulement de s’offrir une magnifique paire de seins en 3D mais quantité de tenues nouvelles, dont une robe de mariée, afin que les fans puissent symboliquement l’épouser. Le jour du lancement, le plus chanceux d’entre eux se voit enfin offrir la séance d’allaitement au biberon virtuel… probablement doublée d’une séance d’allaitement véritable, avec du lait en poudre. Le lait en poudre a-t-il été personnalisé ? Y a-t-on ajouté de la vanille pour donner l’impression d’un lait de jeune fille vierge ? Aucun détail n’est livré à la presse qui se contente d’applaudir.

Accident de «doublage» en direct

Au Japon, le succès des V-tubeuses est tel que la plus fameuse d’entre elles (Kizuna Ai) a été choisie comme ambassadrice du Japon pour les JO. Personne ne sait qui se cache derrière cette jolie jeune fille et la plupart de ses adeptes affirment ne pas désirer le savoir. Suivant une sorte d’accord tacite, la plupart des V-tubeuses sont déclarées comme étant des filles, afin de ne pas casser le rêve. Mais la réalité, bien sûr, c’est que les jolies filles cachent souvent des hommes… Pour les fans qui fantasment sur les stars virtuelles, il peut être douloureux de voir brusquement apparaître le vrai visage de leur bien-aimée. Les technologies du V-Tubing présentent parfois des défauts. En plein direct, il arrive que le système bugge, déclenchant ce qu’on appelle un «outing facial» (kao-bare). Et c’est pourquoi, très rapidement, certaines V-Tubeuses ont préféré dire la vérité. Takehana en fait partie. Elle ne s’en est jamais cachée. Elle (ou plutôt il) est donc officiellement un graphiste spécialisé dans les jeux vidéo et les cartes à jouer. Ses fans le surnomment Note Mama, car il est la «maman» de très célèbres personnages féminins.

Takehana ne s’en cache pas

Jouit-il de se féminiser ? Lors des séances en direct sur sa chaîne YouTube, Note Mama excelle à jouer son rôle de midinette rougissante. Mais il ne cache rien des trucages, allant jusqu’à afficher l’écran du logiciel qu’il utilise pour synthétiser sa voix.

En parallèle, il laisse parfois des mains apparaître, qui sont censées être les siennes : mais ce sont des mains de femme !?

Tout est fait pour maintenir une forme d’ambiguïté. La séance d’allaitement n’est qu’un jeu parmi bien d’autres, visant à faire vaciller les frontières. Quand Takehana (version animée) s’amuse à montrer sa culotte, mime la pudeur, roucoule des petits cris, le fait qu’il s’agisse d’un homme rend la performance d’autant plus troublante. Quand il chante, éteignant parfois le synthétiseur, il laisse brusquement entendre sa voix «nue»… Au Japon, les travestis numériques sont nommés nekama, abréviation de net-okama. Depuis juin 2018, ceux qui utilisent un double féminin pour faire du V-Tubing sont appelés des babiniku, «chair de beauté virtuelle» (bâcharu bishojo niku). Ils disent que les babiniku sont le produit d’une rencontre entre une âme et un corps. L’homme en eux est une «âme» (tamashii). Leur apparence féminine digitale est un «corps de chair» (nikutai) dans lequel ils se sont «incarnés» (juniku suru).

NOTE : cette recherche a été effectuée en prévision du colloque «Identités désirées. Métamorphoses et nouvelles technologies au Japon», co-organisé avec le groupe de recherche EMTECH (Freie Universität Berlin) et le Département de la Recherche et de l’Enseignement du musée du quai Branly – Jacques Chirac. Il aura lieu mercredi 29 et jeudi 30 avril 2020 (salle de cinéma, musée du quai Branly), en accès libre.

février 03, 2020

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8:06

Un chewing gum qui fait grossir les seins ?

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Un chewing gum qui fait grossir les seins ?

Après l’explosion de la bulle économique, fin 1990, le Japon communie dans l’amour des “honyû idol”, playmates à l’aspect maternel. Ce goût pour les seins gonflés perdure-t-il ? En décembre 2019, il était possible de recevoir la tétée d'une star virtuelle.

Au début de l’année 2005, le nouveau produit à la mode sur le marché du «bust-up» se nomme B2Up. La boite de 50 chewing gums coûte 5600 yens et le mode d’emploi précise qu’il faut en macher entre trois et quatre par jours pour bénéficier des effets «positifs» de l’extrait de plante Pueraria Mirifica dont ils sont composés. Alors que la crise sévit, chaque mois, de nouveaux produits relancent la mamelle-mania : thé aux isoflavones, crèmes aux hormones de croissance, gels de massage dopants, soutien-gorges utilisant les radiations atmosphériques et les ondes ultrasoniques pour augmenter le volume des poitrines… Les hônyû idol sont également appelées mochiri, parce que la pate blanche du riz pilé (mochi) – quand on la fait cuire – se met à gonfler jusqu’à l’explosion. Les mots qui désignent les seins au Japon font d’ailleurs allusion à des seins remplis de «lait» (nyû) : bakunyû (seins explosifs, prêts à déborder, 爆乳), kyonyû (seins géants, 巨乳), hônyû (seins riches, 豊乳), binyû (beaux seins, 美乳)… Quant au mot «poitrine» (oppai, オッパイ), il n’est lui-même pas sans évoquer l’allaitement du nourrisson, avec sa connotation légèrement infantile de «nénés».

La tendance oppai ga ippai («plein de seins»)

Le phénomène de mode génère d’étranges offres de service. En 2003, au plus fort de l’oppai ga Ippai – la tendance «plein de seins» - de nombreuses vidéos montrent des femmes qui pressent leurs seins pour en faire gicler du lait. Des magazines se spécialisent dans les pin-ups qui se têtent elles-mêmes. Les couvertures de mangas amateurs s’ornent de jeunes filles juchées au sommet de leurs seins, transformés en colline ou en ballons de silicone, aux tétons dilatés comme des lances à lait. Le fantasme de l’éjaculation mammaire se répercute à la télévision : les speakerines, choisies au tour de poitrine, et désormais nommées kyonyû joshi-ana (présentatrices TV à gros seins), annoncent des émissions au caractère de plus en plus outrancier. Eiko Koike et Megumi – les superstars de l’agence Yellow Cab, spécialisée dans les honyû idol – doivent affronter les animateurs de talk-show surexcités qui les assaillent de plaisanteries douteuses : «Faites-vous du beurre avec vos seins ?».

Faire du café au lait humain

Paradise TV, une chaîne du cable pour adultes, lance un concours national de la meilleure allaiteuse. L’émission s’intitule Bonyû Mama-san Daishûgô Bonyû Matsuri : «Le grand rassemblement des mamans qui allaitent au sein. La fête de l’allaitement». Les quatre candidates au titre de championne, âgées de 21-28 ans, gonflées d’espérance, doivent tout d’abord devant les caméras vider leurs glandes galactophores jusqu’à la dernière goutte. La seconde épreuve consiste à faire un expresso avec son propre lait. L’expresso le plus mousseux est classé N°1. Quant à la dernière épreuve, elle consiste à allaiter de jeunes hommes. Le premier qui jouit désigne la gagnante.

Le combat des bonnets

A Osaka, l’établissement Misoji n’a pas attendu cette émission pour offrir le même service à ses clients : dès 2002, ils peuvent boire le lait à la source. Les hôtesses qui travaillent à Misoji offrent donc l’allaitement tarifé, et pour ceux qui préfèrent déguster dans un verre, elles extraient le liquide garanti 100% frais. A Osaka, une des villes les plus excessives (voire underground) du pays, les clubs ne reculent devant aucune faute de goût pour appâter la clientèle. En 2005, comme par réaction à tant d’excès, la balance semble s’inverser. Les hinnyû (petits seins 貧乳) reviennent timidement à la mode. Sur Nihon TV, la série dramatique Gokusen, dans laquelle joue une des plus plates poitrines du Japon – Yukie Nakama (78-59-80) – bat le record d’audience, inaugurant peut-être un retour aux ex-aequo. Hinnyû contre bakunyû. Le combat des bonnets ne fait que commencer.

Une décennie passe. Quel bilan ?

Dix ans après le début du phénomène – dans un contexte de crise qui perdure – il semble que les gros seins restent une valeur sûre : récemment, le fan d’une star virtuelle débourse plus de 8000 euros (un million de yens) afin de pouvoir téter son lait en réalité virtuelle.

La suite au prochain article.

Cet article fait partie d’un dossier : « Un chewing gum qui fait grossir les seins ? » ; « Faire l’expérience d’un allaitement virtuel ? »

ILLSTRATION : image prise sur la vidéo YouTube (Maa Channeru) de l’influenceuse japonaise Masami, intitulée «Vous êtes plutôt “petits seins» ? «Gros seins» ? Le chemin qui mène aux seins géants« (anata wa hinnyû-ha ? Kyonyû-ha ? Hônyû e no michi. 24 avril 2019.

janvier 29, 2020

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8:43

L’hystérie a changé de… visage ?

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«Les chirurgiens esthétiques auraient‑ils pris la place des couturiers d’antan, vendant bouches ou nez à des femmes fourvoyées ?» Dans “Les Embarras du féminin”, Cristina Lindenmeyer affirme que l’hystérie est loin d’avoir disparu. Elle a juste fait un lifting.

«Son visage est lisse, ses pommettes, légèrement remontées. Sa bouche protubérante, ses dents d’une blancheur excessive attirent mon attention. À la regarder de plus près, je remarque l’absence de toute ride d’expression. Cette femme, assise devant moi, se lève, et alors je suis surprise de voir son dos voûté. Je suis prise par un sentiment de trouble !» La première fois qu’elle reçoit V** dans son cabinet, la psychanalyste Cristina Lindenmeyer est frappée par l’allure «trafiquée» de sa patiente. Qu’y a-t-il derrière ce masque de peau liposucée ? Une banale histoire de petite fille qui se pense laide ou décevante ? Non. Une hystérie. L’hypothèse peut sembler ahurissante.

Officiellement, l’hystérie n’existe plus

Cela fait longtemps que l’hystérie a officiellement disparu de la typologie des troubles mentaux. Eliminée du Manuel international de santé mentale (rest) dans les années 1970, l’hystérie reste fortement associée à l’image de femmes demi-nues, échevelées, dont les crises de convulsion attirent des foules de voyeurs excités. Les hystériques du XIXe siècle font figure de frustrées qui refoulent leurs désirs et miment le coït sous couvert de convulsions. Il semblait naturel que ces femmes disparaissent en même temps que le puritanisme de cette lointaine ère victorienne… Qui pourrait croire qu’à notre époque – marquée par les plans culs et l’idéal du «droit à l’orgasme» – il existerait encore des femmes hystériques ?

«Comment je vais faire sans mes implants ?»

Cela peut paraître aberrant et pourtant. Cristina Lindenmeyer affirme que cette maladie non seulement n’a pas disparu mais s’est considérablement banalisée. Elle en veut pour preuve la multiplication des «demandes de chirurgie esthétique, souvent formulées par des femmes» qui s’offrent un lifting plutôt que de se confronter à leurs problèmes d’ego ou de psyche. V**, par exemple, vient la voir avec une question : «Comment je vais faire sans ces implants ?» Un médecin lui a expliqué qu’ils étaient défectueux. Il faut les retirer. Pour V**, cette perspective est insupportable : «Sans elles, je ne suis rien». Cristina Lindenmeyer est attérée. Faut-il à ce point douter de soi pour ainsi «s’engager dans les voies d’une “hyperféminité” de façade» ? Et tout cela avec la bénédiction des chirurgiens?

L’hystérique : une femme qui fait son show

Pour Cristina Lindenmeyer, l’hystérique est avant tout une femme qui se sert de son corps comme d’une scène de théâtre. Il s’agit d’attirer l’attention. Dans quel but ? Pour faire diversion. La stratégie de l’hystérique est par essence contradictoire : attirer les regards (sur sa bouche siliconée) pour détourner l’attention (de son malaise). Elle fait de son anatomie une mise en scène tapageuse qui à la fois exprime et dissimule «les conflits inconscients les plus variables.»

L’hystérique : hyper-érotique en apparence

Citant la psychanalyste Jacqueline Schaeffer, qui utilise la formule du «rubis qui a horreur du rouge», Cristina Lindenmeyer explique : le rouge est la couleur que le rubis exhibe, en même temps qu’il absorbe toutes les couleurs du prisme. Telle est la nature paradoxale de l’hystérique qui «s’exprime corporellement avec un comportement séducteur très érotisé en même temps que sa sexualité génitale est contre‑investie et cliniquement marquée par la frigidité et l’inhibition. Ainsi, elle brouille les pistes et le plaisir de séduire prévaut au détriment du plaisir génital.» Insistant sur l’«étonnant contraste entre cette inflation d’artifices féminins employés et le désert libidinal qui affecte son être», Cristina Lindenmeyer décrit l’hystérie comme un refus du féminin manifesté par une surabondance de signaux empruntés aux canons de la bombe standard : gros seins et bouche pulpeuse.

Paraître au point de… disparaître

«En définitive, les artifices féminins déployés pour tromper l’autre la protègent (de sa difficulté) d’être une femme. C’est ici précisément que l’offre sociale, et particulièrement celle de la société de consommation qui est la nôtre, profitant de cette configuration narcissique et de son sentiment d’incertitude, retient l’hystérique emprisonnée dans ses rets. Ce symptôme en phase avec la société actuelle lui permet de rester au niveau du paraître et de faire l’impasse sur l’être», conclut Cristina Lindenmeyer, non sans critiquer le recours aux transformations esthétiques «de comblement» (antirides) ou «d’augmentation» (mammaire, mais également technologiques et biotechnologies, thèmes aussi développés dans son livre) comme une nouvelle modalité de la gestion de l’angoisse. Une gestion hystérique donc puisqu’elle évacue sa détresse en «sauvant» les apparences.

Innovation et aliénation, scientificité et illusion

Dans cet ouvrage qui traite non seulement des chirurgies plastiques, des prothèses de jambe ou des reconstructions du sein, Cristina Lindenmeyer questionne la logique inconsciente de «réparation» du corps à travers quatre destins de femmes marqués par l’épreuve : cancer, anorexie, mutilation, enfant malformé… L’offre technoscientifique comme réponse à ces épreuves n’est pas la solution, dit-elle, parce qu’elle réduit l’humain à n’être que le support de ses maladies, et son corps à n’être qu’une machine défectueuse. Il y aurait d’un côté le «désordre» et de l’autre la «guérison conçue comme le retour à l’ordre». Mais quel ordre ? Celui d’un monde matérialiste, qui juge les individus à l’aune de leur productivité.

L’origine du mal

Citant Georges Canguilhem, qui dénonce le concept de «guérison» comme «fin d’une perturbation et retour à l’ordre antérieur, ainsi qu’en témoignent tous les termes à préfixe “re” qui servent à décrire le processus : restaurer, restituer, rétablir, reconstituer, récupérer, recouvrer», Cristina Lindenmeyer attire l’attention des médecins devenus si «complaisants » avec l’ordre social et pour qui le «retour à l’ordre, donc à la guérison, telle qu’elle se fonde sur le modèle social, renvoie en médecine à un modèle devant garantir l’illusion d’un état antérieur de stabilité. Autrement dit à cette illusion s’ajoute l’idée de retour au point d’origine, là où le mal a commencé à se développer.» Au-delà du bien et du mal, Cristina Lindenmeyer invite à s’interroger. Et si nos souffrances psychique étaient également le début du commencement ?

A LIRE : Les Embarras du féminin, de Cristina Lindenmeyer, postface de Jean-Michel Besnier, éd. PUF/Humensis, oct. 2019.

janvier 27, 2020

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12:03

La femme à 6 doigts et l’invention du divorce

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La femme à 6 doigts et l’invention du divorce

C’est l’histoire d’un roi amoureux d’une femme qui aurait eu 6 doigts à une main. Par sa faute, le roi fut excommunié. Dans “Les revers de l’amour”, l’historienne Sabine Melchior-Bonnet raconte l’invention du divorce.

Durant l’antiquité, les romains et les germains pouvaient renvoyer leur femme. La tradition perdure sous le christianisme : on répudie beaucoup et surtout «dans les familles riches», explique l’historienne Sabine Melchior qui consacre un ouvrage foisonnant – Les Revers de l’amour (éditions PUF) – aux ruptures conjugales. Que signifie «rompre» à l’époque des Carolingiens ? Quel est le pourcentage des meurtres passionnels au Moyen-Age ? Notre époque facilite-t-elle les séparations ? Pour illustrer son propos, l’historienne raconte les 18 histoires de rupture les plus marquantes de notre histoire. Cela va du récit tragique d’Héloïse et Abélard jusqu’à l’accident mortel de la princesse Diana. En filigrane de ces récits, c’est l’histoire même du mariage qui se dessine. L’occasion de découvrir dans quelles étranges circonstances l’église anglicane a vu le jour : une histoire d’amour, celle d’Henri VIII d’Angleterre.

Henri (18 ans) épouse Catherine (24 ans)

Lorsqu’il monte sur le trône d’Angleterre, en 1509, Henri VIII, âgé de 18 ans, épouse une femme «loyale, courageuse, fière et ne cédant au luxe que ce que son rang réclame» : Catherine d’Aragon. Elle fait tout pour servir son mari. Elle assure le gouvernement du royaume quand il part en campagne. Mais elle ne parvient pas à lui donner un fils. «Vingt années de mariage et six grossesses ne suffiront pas à lui épargner l’humiliation et le scandale d’être traînée en justice, répudiée, exilée de la cour», résume Sabine Melchior-Bonnet qui raconte le drame en trois actes.

«Le drame se déroule en trois actes»

Au premier acte, «le roi Ferdinand d’Aragon et la reine Isabelle de Castille donnent leur fille Catherine en mariage à Arthur, fils du roi d’Angleterre Henri VII : il s’agit d’assurer l’alliance des deux royaumes, Espagne et Angleterre […]. Les négociations matrimoniales commencent vers 1495 – la fillette a 10 ans – et durent plusieurs années ; […] avant de donner leur accord, les souverains espagnols doivent arbitrer entre plusieurs propositions, calculer la dot, les frais du voyage, le déplacement des suivantes, le coût de la maison de la princesse». En 1501, lorsque l’infante âgée d’à peine 16 ans débarque à Plymouth, avec à peine trois mots d’anglais en bagage, elle se retrouve seule. Son fiancé est si fragile qu’il meurt quatre mois après leurs noces, sans l’avoir touchée. Tuberculose.

Une infante vierge qui se morfond

De nouvelles négociations ont lieu : il s’agit de lui faire épouser le jeune frère d’Arthur, Henri, devenu héritier de la couronne. Comme l’union d’une veuve avec le frère du mari défunt pose problème, il faut tout d’abord obtenir une dérogation du pape, qui tarde… «Les décès successifs de deux papes retardent la réponse ; la bulle n’arrive qu’en 1504.» Après quoi, il faut vaincre les réticences d’Henri VIII. Le mariage n’a finalement lieu qu’en 1509. Catherine a 24 ans et sa vie de femme peut enfin commencer. Hélas, «les fausses couches, les naissances d’enfants mort-nés se succèdent ; seule la petite Marie née le 18 février 1516 va survivre.» Henri VIII s’inquiète : pas d’héritier mâle !?

Une épouse délaissée

Au deuxième acte, il y a une reine petite et grosse, au corps fatigué par les grossesses, aux cheveux ternes, qui ne parvient plus à remplir sa fonction (génitrice). Le roi la trompe. En 1514, il a une courte liaison avec la sœur du duc de Buckingham. En 1519, il fait un enfant à une demoiselle d’honneur de la reine, Elizabeth Blount (qui met au monde un petit garçon). En 1521, Henri VIII prend ensuite «pour maîtresse la jolie et légère Marie Boleyn, fille d’un conseiller royal». En 1525, il la troque pour sa soeur, succombant aux charmes d’Anne Boleyn, alors âgée d’environ 20 ans (Catherine en a 40) et qui revient tout juste de la cour des Valois, où elle a appris les finesses de la langue française, de la mode et de la danse.

Qui est Anne Boleyn ?

Anne Boleyn n’est pas d’une éclatante beauté, «mais elle est intelligente, spirituelle, cultivée, artiste et surtout obstinée ; de grands yeux noirs en amande, des traits fins, des cheveux noirs qui encadrent un long cou, un corps svelte : elle a beaucoup de charme selon les uns, mais selon les autres, son teint est bistre et sa figure maigre ; sa bouche laisse voir une dent mal rangée, et elle cache un kyste au menton sous la collerette, sans parler d’une difformité, une main à six doigts [ou serait-ce l’existence d’un ongle surnuméraire sur le petit doigt ?]. Elle joue du luth et sa conversation est vive et enjouée. En vérité, son immense talent est de savoir se faire désirer.» Anne résiste à tous les hommages, refuse les prétendants. En 1526, Henri VIII lui écrit des lettres enflammées : «Mon petit cœur, je vous assure que je trouve le temps plus long depuis votre départ […]. J’aspire tant à me retrouver un soir dans les bras de mon aimée dont j’embrasserai bientôt les jolis seins.»

Rupture entre l’Angleterre et la papauté

Dès 1527, le roi lui parle de mariage. Anne Boleyn l’encourage. Il s’agit d’obtenir l’accord du pape. La stratégie première d’Henri : invalider son mariage avec Catherine à la lumière des textes du Lévitique (qui condamne le mariage entre une veuve et le frère du mari mort). Las, le pontife refuse d’annuler ce mariage. Deuxième solution : faire juger le cas par des prélats anglais. En 1529, un procès est solennellement organisé. Henri et Catherine sont cités à comparaître. Catherine opte pour une défense poignante, se jetant publiquement aux pieds de son époux : «Sire, je vous supplie au nom de l’amour qui a pu exister entre nous et pour l’amour de Dieu. Prenez en pitié une pauvre femme […] J’ai porté vos enfants et qu’y puis-je si Dieu les a rappelés à lui ?». Shakespeare relate la scène jusqu’aux plus petits détails, qu’il a recopiée sur des sources jugées sûres, datant de 1533.

Naissance de l’église d’Angleterre

Après sa diatribe pathétique, Catherine se relève, fait une révérence puis se retire en refusant de répondre aux questions. Henri VIII, hypocritement, invoque la loi de dieu. «L’interdiction du Lévitique relève du droit divin, et dans ce cas le pape ne peut pas exercer son autorité ecclésiastique» Henri VIII déssaisit le pontife de son autorité. Le schisme est consommé lorsqu’en 1533 les pouvoirs anglais prononcent la nullité du mariage royal. La reine Catherine reçoit l’ordre de se retirer dans un vieux château retiré. Henri VIII et Anne Boleyn se marient. Rome excommunie les coupables mais qu’importe : désormais, Henri VIII considère qu’il est le «Chef Suprême de l’Église et du Clergé d’Angleterre», donc au-dessus des anathèmes. Suite à ce schisme spectaculaire, la rupture du mariage est admise par cette religion qui prendra plus tard le nom d’anglicane. D’une certaine manière, Henri VIII a inventé le divorce, résume l’historienne… pour les beaux yeux d’une maîtresse.

Anne Boleyn, mort d’une reine

Lorsqu’elle épouse son roi, Anne Boleyn est enceinte de ce qu’il croit être un beau garçon. Des fêtes superbes ont été préparées en vue de marquer l’événement. Mais c’est une fille. «Anne fait ensuite deux fausses couches successives en 1534 et 1536. Dieu punit-il le souverain pour ce que l’Église nomme son concubinage royal ? Déjà Henri VIII a pris une nouvelle maîtresse et retiré à Anne ses faveurs.» En 1536, 5 hommes proches d’Anne Boleyn sont accusés d’être ses amants : l’un d’entre eux avoue sous la torture. Les autres nient en vain : tous coupables. Anne clame son innocence mais la sentence tombe : le bucher ou l’épée, au bon plaisir du roi. Par clémence, ce sera une décapitation. Le 17 mai 1536, le divorce d’Henri VIII et Anne Boleyn est prononcé. Anne est exécutée le surlendemain. Dix jours après, le 30 mai, le roi épouse sa nouvelle bien-aimée, une beauté blonde et pâle nommée Jeanne Seymour dont le portrait par Hans Holbein se trouve au Musée d’art de Vienne.

A LIRE : Les revers de l’amour. Une histoire de la rupture, de Sabine Melchior-Bonnet, éditions PUF, 2019.

POUR EN SAVOIR PLUS : «De quand date la monogamie en Occident ?»

janvier 22, 2020

Lien pour 'Moto et libido: rêve d'acier
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8:21

Moto et libido: rêve d'acier

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II y a des livres qui vous électrisent. “Moto notre amour”, de Paul Ardenne, fait bien plus que l’éloge des grosses mécaniques : il vous embarque dans une chevauchée sauvage, écumante de foutre et d’effroi.

Historien (Université d’Amiens), critique d’art, écrivain et auteur d’une trentaine d’ouvrage (parmi lesquels Extrême: esthétiques de la limite dépassée), Paul Ardenne fait gicler des phrases, pleine d’une envie contagieuse de vitesse. Dès le premier chapitre de Moto notre amour, on ne regarde plus les motos comme avant : des engins bruyants pour adeptes de heavy metal ? Livrant pour commencer la longue liste des hommes morts en moto, ceux qui étaient ses amis ou ses héros, Paul Ardenne corrige : c’est une monture instable, indissociable «des allégories de l’accomplissement et du danger qui peuplent la geste motocycliste, dans le lignage des romans de chevalerie». Celui qui la chevauche forme avec elle un étrange binôme, l’équivalent d’un centaure, mais schizophrénique, composé pour moitié de turbos rugissants, pour moitié d’un humain vulnérable.

Vous vouliez de la haute tension ?

«Quand on a conduit des motos surpuissantes dans l’unique but de les pousser à leur extrémité, on ne peut plus regarder ces machines sans pressentir en elles cette potentielle promesse d’orgasme dont elles sont les ambassadrices autoritaires.» S’il n’y avait pas le risque, le plaisir ne serait pas aussi vif, explique Paul Ardenne qui donne à cette évidence une profondeur singulière en faisant le récit personnel de ses «chutes» qu’il compare à celle des anges rebelles et d’Icare aux ailes fondues. Lui aussi s’est crashé, heurtant le bitume comme au ralenti, ou passant sous les roues d’une voiture en plein freinage, avant de rester immobile, le «sang s’écoulant à haut débit» de son corps dépecé. Cette vie que la moto rend si intense et vertigineuse, il faut en payer le prix. C’est celui que les motard «paient au culte de “Sainte Gamelle”, patronne des chutes motocyclistes.»

«Tu meurs-je meurs et vice-versa»

Opposant la «mort solidaire» à la «mort solitaire», Paul Ardenne note que la mort en moto présente ceci de singulier qu’elle ne s’effectue jamais seule : «la moto se désintègre, le corps se désintègre, […] la désintégration de l’un des éléments se révélant inconcevable sans l’autre.» C’est ce rêve de fusion, qu’elle soit orgasmique ou létale, qui traverse tout le livre et qui injecte dans les mots son côté haletant. Quand il roule, «le motard se meut dans l’air sans protection, le monde vient taper sur lui. Ni carrosserie ni climatisation. Seul avec les éléments, au milieu d’eux.» Il pourrait être nu qu’il ne serait pas plus désarmé. Exposé au soleil, au froid, au vent, le motard jouit de plonger vivant dans le vortex d’un monde traversé à plein régime, lorsque sa vision, rétrécie en tunnel, lui donne l’impression d’avoir un corps d’acier qui carbure et que ce sont «ses poumons, avalant de l’air à grandes goulées, qui gavent les injecteurs»

Stade du “miroir” dans un réservoir

Ce désir de fusion date de son enfance. À La Rochelle, gamin, il avait pris l’habitude de se réfugier dans un magasin de motos, lorsqu’ un jour, «une majestueuse BMW noire –une R50 à fourche Earles, à la peinture profonde– est passée devant moi, m’imprimant sur son réservoir. » Il se voit reflété dans l’acier. «Je serai dorénavant ce corps, pense-t-il, et je le serais sous cette forme-là, un reflet sur la surface spéculaire d’une moto.» Des années plus tard, il fait chromer le phare de plusieurs de ses machines afin de s’y mirer. Pour mieux leur appartenir. Pour ne faire qu’un avec elles dans le regard mouillé des passantes. Narcisse en quête de virilité ? Oui, dit-il, insistant sur l’image d’une machine qu’on «tient entre ses cuisses», assumant sans honte d’adhérer toujours au rêve romantique du rebelle qui roule «vite, fort, bruyamment» mais surtout «seul» avec sa machine, même lorsqu’il est en horde. Même lorsqu’il a une passagère.

Seul, même lorsqu’il a une passagère ?

Le magnétisme de la moto tient peut-être à cela : c’est un objet jaloux, possessif et qui isole son pilote. Pour Paul Ardenne, l’utilisation d’un système intercom sur une moto (le pilote et le passager peuvent discuter tout en roulant) relève de l’aberration, «tant elle contredit ce qui fait l’essence de la pratique motocycliste, à savoir la concentration de l’usager sur sa machine et sur lui-même.» Rouler implique le silence et tient de la liturgie. L’humain se recueille, à l’écoute du chant que produit sa machine. Puis vibre à l’unisson. Lorsqu’elle passe du bas régime clapotant de chalutier à la vitesse de 4500 tours/minute, celle «d’une furie mécanique emballée comme une vierge folle», il se sent possédé par les dieux.

Son aphrodisiaque ? Le chant de la moto

Les motos sont des musiciennes qu’on choisit à l’oreille, explique Paul Ardenne, énumérant l’extraordinaire variété des plaisirs acoustiques procurés par les machines, allant jusqu’à comparer les types de cylindrées, les blocs moteur, les valves du pot d’échappement, avec une passion vibrante. L’intensité de son plaisir atteint son sommet dans les tunnels. Ces lieux sont un «miracle», offrant «la possibilité de créer, avec sa seule poignée des gaz, un espace double. D’une part, l’espace du déplacement proprement dit […] et de la projection sonore projetée en avant de la course de la machine. D’autre part, l’espace du son, qui naît d’un autre déplacement physique, volume créé par l’onde sonore», qui ne correspond pas au premier, procurant la même griserie qu’un shot ou qu’une hallucination.

Peut-on «faire l’amour» à une moto ?

Il est aussi beaucoup question dans ce livre du commerce que la moto entretient «avec le corps de celui qui la conduit», des rêves sexuels étranges qu’elle suscite, des caresses intimes qu’on lui réserve et des jeux triangulaires, remplis d’ambiguïté, que la machine favorise. C’est un roman d’amour avec des scènes explicites, traversé d’une pluie de fulgurances et qui prend parfois les allures d’un testament. Si l’on se sent un peu à bout, triste, démotivé, «en panne», il faut plonger dans ce bain de mots parce qu’ils transmettent le goût de la peur et de l’envie, «l’un et l’autre positionnés juste là, sous le réservoir et sous mon cœur.»

Moto notre amour, de Paul Ardenne, avec une postface de l’anthropologue (et motard) Franco La Cecla, Flammarion, 2010.

Il semblerait que le livre n’ait pas été réédité (il n’est plus dans le catalogue de Flammarion), dépêchez-vous de l’acheter avant que tous les exemplaires aient disparu.

Merci à Barbara Polla

janvier 20, 2020

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10:14

Faut-il tomber dans le panneau ?

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Au nom de «la parité», la moitié des panneaux de passage piéton ont été féminisés à Genève. Les nouveaux panneaux représentent des femmes âgées, enceintes, grosses, aux cheveux crépus et en couple… Ou comment créer toujours plus de clivages et de divisions dans la société.

Nous sommes des êtres sociaux. La mise en récit du monde est notre façon de donner un sens à la réalité. Si le récit dominant voit des formes d’oppression dans les signalétiques routières, nous verrons de la phallocratie même dans les pictogrammes les plus inoffensifs.

L’humanoïde piéton cachait un mâle privilégié ?

Longtemps, les femmes ont marché dans les villes en pensant que le pictogramme «piéton» était pour elles. Maintenant les voilà sommées de devenir aware, c’est-à-dire en colère : on les a trompées. Car ce pictogramme n’est pas celui d’un être humain. C’est celui d’un homme blanc, hétérosexuel, d’âge moyen, de poids moyen et en pleine possession de ses moyens. Autrement dit : le parangon du mâle dominant. Pendant toutes ces années, les femmes étaient-elles donc victimes d’une forme d’hypnose ? Elles s’identifiaient au piéton, sans penser à mal. Elles ne se sentaient pas exclues. Mais un nouveau récit tente de s’imposer : celui de la victimisation. Ce nouveau récit pose que la fameuse «silhouette qui traverse» sur les panneaux de passage piéton contribue à véhiculer des «indications rétrogrades sur la place des hommes et des femmes dans la société» (1). Voilà ce pictogramme transformé en symbole de l’inégalité foncière entre les sexes. Ouf, sauvées (?!). Cette inégalité vient d’être enfin brisée, dans la ville de Genève, la première ville au monde à féminiser des panneaux de passage piéton.

Genève, ville pionnière de la ségrégation génitale

Depuis le 15 janvier 2020, deux-cent-cinquante panneaux permettent à Genève de traverser la rue sous l’égide d’un personnage féminin, au choix, enceinte, vieille, lesbienne, noire ou en surpoids. L’initiative de la maire de Genève, Sandrine Salerno, peut paraître grotesque (2). Elle est surtout dangereuse, et cela à plusieurs titres. Les médias français ou suisses ont déjà énuméré quelques unes des conséquences potentiellement fatales de cette opération. Dans la Tribune de Genève et dans Le Temps l’argument le plus souvent repris est qu’«en genrant les panneaux de manière caricaturale, on produit une nouvelle discrimination.» C’est ainsi que l’exprime la députée de gauche, Salika Wenger, largement soutenue par des collègues, y compris de partis rivaux. «A force de vouloir faire de l’inclusion, on exclut davantage, confirme le député Julian Alder. Il y aura toujours des personnes qui se sentiront non représentées.» Sur les six nouveaux panneaux installés (à grands frais) dans la ville, aucun ne met en scène de gay, d’handicapé-e, de bouddhiste, ni de punk à chien. Sous le prétexte d’«élargir le spectre de la diversité», ces panneaux ne font que frustrer toutes les personnes qui ne s’y reconnaissent pas, ouvrant la voie à des réclamations sans fin.

Des stéréotypes… pour lutter contre les stéréotypes ?

Par ailleurs, aucun ne met en scène une femme en pantalon et aux cheveux courts : à trop vouloir réparer l’injustice soi-disant faite aux femmes, les concepteurs des panneaux ont fini par verser dans les clichés les plus éculés. Le problème avec les pictogrammes c’est en effet qu’ils doivent être lisibles, par tout le monde, dans l’espace public. Le pictogramme est par essence caricatural. La «silhouette qui traverse» avait le mérite de figurer l’humain sous la forme la plus épurée, sans préjuger de ses qualités (sexe, âge, ethnie, morphologie, etc). Avec ces nouveaux panneaux, voilà les femmes ramenées 50 ans en arrière, à l’époque des robes et des cheveux longs. Féminiser la signalétique, c’est reproduire la division binaire déjà à l’oeuvre dans les WC publics. C’est surtout accréditer l’idée (incroyablement misérabiliste) que les femmes ne sauraient se déplacer dans la ville comme les autres humains : il leur faudrait des panneaux spéciaux, parce que sinon elles seraient blessées.

Des panneaux qui rappellent à l’ordre

Comment peut-on voir du féminisme dans une conception de la femme si manifestement rétrograde, qui recycle les clichés misogynes du XIXe siècle ? Cette initiative non seulement ramène les femmes à leur sexe mais à leur faiblesse supposée. Comble du sexisme : ces panneaux féminisés –qui renvoient les piétons à leur assignation de genre– fonctionnent comme un rappel à l’ordre de façon tout à fait comparable au harcèlement de rue. Dans la ville, plus possible de se promener tranquillement, en profitant juste d’être soi. Il faut désormais être son organe génital, sa couleur de peau, son grand âge ou son surpoids… en attendant la création de toutes sortes d’autres catégories réductrices de l’humain, dans lesquelles les autorités «éclairées» entendent enfermer leurs citoyens (hommes et femmes), sous couvert de les éduquer.

NOTES

(1) Source : une «Proposition d’activités pédagogiques pour les élèves de 7e à 9e années», publiée dans le Canton du Vaud en 2016, à l’attention des professeur-es, afin de les encourager à enseigner aux enfants le petit catéchisme de la victimisation (au prétexte d’enseigner l’égalité homme-femme). Il y aurait beaucoup à dire sur la façon dont certaines théories sociologiques sont simplifiées à outrance et appliquées de façon abusive et néfaste à tous les pictogrammes, sans distinction de genre (sic), sans nuance et finalement sans reflexion jusqu’à délivrer un message en contradiction totale avec les intentions initiales de leurs auteur-es.

(2) Et pendant ce temps-là, à Genève, on continue d’abattre des vieux arbres et de détruire des maisons anciennes alors que les citoyens multiplient les pétitions pour arrêter le désastre.

janvier 15, 2020

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8:48

De quand date la monogamie en Occident ?

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De quand date la monogamie en Occident ?

Pendant un millénaire, dans un Occident à peine christianisé, on peut avoir plusieurs femmes et s’en séparer. Les hommes sont polygames et le droit les autorise à renvoyer leur épouse. Jusqu’à "l'affaire" du roi Philippe.

Il est arrivé qu’à l’occasion de telle ou telle affaire de président adultère, certaines personnes se moquent : «Vous, en France, vous êtes autant polygames que nous. Mais vous le faites en trichant». Que penser de ce genre d’affirmations ? Histoire du mariage, un pavé publié dans la formidable collection Bouquins (Laffont) et qui se lit comme un polar plein de rebondissements, répond un peu à la question : au fond, de quand date notre «monogamie» ? Et quelle valeur a-t-elle ?

Charlemagne (742-814) se marie cinq fois et n’attend pas toujours qu’une femme meurt pour en épouser une autre. Pour s’allier avec la fille du roi des Lombards (Désirée), il déclasse sa première femme (Himiltrude) au statut de concubine. Moins d’un plus tard, Désirée est déclassée à son tour, au profit d’une princesse alémanique. Le cas de Charlemagne est loin d’être isolé. Les grands seigneurs carolingiens sont polygynes, c’est-à-dire qu’il leur suffit de déclarer «concubine» leur épouse pour pouvoir épouser une autre femme… tout en ayant autant de concubines qu’ils le désirent. L’historien Charles M. de La Roncière note dans un chapitre éclairant d'Histoire du mariage (Robert Laffont, 2009) que «Les concubines du bon roi Dagobert étaient si nombreuses qu’il renonçait à les nommer toutes».

Lors de l’effondrement de l’Empire carolingien, vers 820, les évêques interviennent dans les affaires matrimoniales. Ils tentent de moraliser le mariage en imposant l’idéal de l’union unique, à vie. Problème : la coutume du concubinage – très répandue dans l’aristocratie – trouve des formes de légitimité dans la Bible : après tout, le patriarche Jacob n’avait-il pas des concubines ? Les nobles du 9e siècle, en Francie, sont d’autant plus attachés à leurs concubines que celle-ci sont toujours des princesse de haut rang, qui garantissent des stratégies d’alliances complexes, indispensables au maintien de la paix et aux négociations territoriales.

L’épiscopat n’a cure de ces stratégies lignagières. Sous le règne de Louis le Pieux (814-840) – quatrième fils de Charlemagne – les évêques mènent une véritable purge à la Cour : le nouvel empereur chasse les ex-compagnes de son père. Mais la polygynie a la vie dure. Louis II dit «le Bègue» (846-879) épouse ainsi en première noce une femme (Ansgarde de Bourgogne) qu’il a enlevée dans une abbaye puis la répudie afin d’épouser Adélaïde de Paris. Scandale ? Non. Ainsi qu’un évêque l’observe à l’époque, il suffit d’un rien pour qu’une épouse soit répudiée. Elle est de moins haute naissance qu’une autre ? Moins riche ? Moins belle ? Si elle ne sert plus ses intérêts, «le mari s’estimait autorisé à se séparer d’elle et à se remarier, résume Charles de La Roncière. Les évêques et les conciles (Troyes, 878) firent plusieurs fois état de toutes ces répudiations, préoccupantes par leur nombre, par leur désinvolture et par leur éclat.» Comment faire obstacle au remariage de ces inconstants ?

En 860, lorsque Lothaire répudie sa femme, un prélat nommé Hincmar fait opposition : «selon la loi de l’église et la doctrine catholique, un mariage légitime ne peut être rompu.» Hincmar en réfère au pape Nicolas Ier, qui refuse lui aussi de reconnaître le mariage. En 866, Waldrade est excommuniée. Lothaire tente de plaider sa cause, mais en vain. La lutte cependant ne s’arrête pas là. Les nobles résistent. Ils continuent de répudier. Eclate ensuite l’affaire du remariage de Philippe Ier, roi de France : il avait répudié sa femme Berthe (après l’avoir fait enfermer au château de Montreuil où elle mourut probablement de chagrin), pour épouser, en 1092, Bertrade déjà mariée au comte d’Anjou. Le pontife ne tergiverse pas. Fait inouï pour l’époque : deux conciles condamnent Philippe 1er. Le 16 octobre 1094, trente-deux évêques prononcent l’excommunication du roi.

Le couple royal vit pendant 10 ans sous le coup de l’anathème… avant, finalement, de plier. Lors du concile de Paris, «en 1105, devant un parterre d’évêques et d’abbés, le roi, pieds nus, vêtu en pénitent, prêta le serment de n’avoir plus aucun rapport avec Bertrade et de ne lui parler qu’en public», raconte Charles de La Roncière. Tint-il parole ? Apparemment pas. Malgré leur serment, Philippe et Bertrade (désormais absous) poursuivent leur vie commune. Mais le mal est fait : un roi s’est humilié devant le Pape. Pour les nobles, c’est une trahison, qu’ils dénoncent dans un «déchaînement d’invectives». Trop tard, une page de l’histoire est tournée. Le «mariage exogame, monogame et indissoluble» s’impose comme la norme. Sont désormais bannis le concubinage et «toute l’écume suspecte des pratiques séculaires de la noblesse», conclut l’historien.

A LIRE : Histoire du mariage, dirigé par Sabine Melchior-Bonnet et Catherine Salles, éd. Robert Laffont, coll. Bouquins, 2009.

ILLUSTRATION : https://www.wikiwand.com/fr/Berthe_de_Hollande

janvier 13, 2020

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7:38

Eye rape : le viol par le regard

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A partir de quel moment le regard posé sur vous porte-t-il atteinte à votre intégrité ? Venu des Etats-Unis, le concept de «eye rape» gagne l’Europe. Pourra-t-on bientôt porter plainte contre un regard jugé insistant, dégradant ou non-désiré ?

14 juin 2019, Genève. Lors d’une grande marche pour les droits des femmes, une cohorte d’adolescentes se met à scander un slogan –«Ne nous regardez pas !»–, en faisant tout ce qu’elle peut pour attirer l’attention. Longeant la terrasse d’un café où des gens sont paisiblement attablés, elles redoublent d’énergie –«Ne nous regardez pas !» Fusillant du regard les hommes (héberlués) devant qui elles passent, elles leur intiment l’ordre de détourner les yeux, comme si le fait d’être vues portait atteinte à leur personne. Le spectacle est absurde mais significatif : partant du principe que le «regard masculin» (male gaze) est par essence celui d’un prédateur –un regard qui vous déshabille–, certaines femmes l’assimilent à une forme insupportable de domination.

Faut-il mettre le regard dans la liste des «violences» ?

On pourrait s’en moquer ou s’en inquiéter, au choix. Le fait est que, d’année en année, les sensibilités s’exacerbent. Ce qui nous semblait normal il y a 30 ans devient maintenant scandaleux, au point que –portant un regard rétrospectif sur notre propre vie– nous en venons à nous étonner d’avoir subi sans broncher (et sans séquelles) des traitements qui relèvent désormais du pénal. A l’époque, ce n’était pas bien grave. Maintenant, c’est une «violence». Dans un article passionnant – «Histoire de la violence sexuelle, histoire de la personne» (publié dans l’ouvrage collectif Intimités en danger), l’historien Georges Vigarello dresse le même constat : le concept de violence ne cesse d’être ajusté, au fil de remaniements juridiques qui traduisent le souci croissant, presque schizophrénique, de protéger la liberté individuelle. Mais jusqu’où ce souci peut-il mener ?

Une relation sexuelle obtenue par tromperie

Prenons deux cas de viol similaires, dit-il. En 1828, la cour de Besançon doit juger le nommé Gaume qui, profitant du sommeil de la «femme Fallard» s’est fait passer de nuit pour son mari afin de consommer «l’acte du mariage». Il est démasqué et dénoncé au matin. S’agit-il d’un viol ? Les juges admettent que la femme a été abusée, mais refusent de reconnaître Gaume coupable car il n’a pas fait usage de la force. «L’erreur ou le défaut de consentement n’a pas été accompagnée de violence». Presque trente plus tard, rebelote. En 1857, la cour de cassation doit juger un certain Dubas qui s’est introduit de nuit dans le lit d’une femme, à Nancy, en se faisant passer pour son mari… obtenant d’elle tout ce qu’il veut, jusqu’à ce qu’elle comprenne l’erreur, crie, se débatte et porte plainte. Cette fois, les juges tranchent en faveur du viol, «attendu que ce crime consiste dans le fait d’abuser d’une personne contre sa volonté».

Quel changement entre les deux jugements ?

En 1828, les juges définissent le viol comme une relation sexuelle accompagnée de violence physique. En 1857, les juges inventent la notion de violence morale qu’ils définissent comme un moyen d’atteindre son but «en dehors de la volonté de la victime». L’importance croissante accordée à la notion de liberté individuelle «conduit très vite, durant le siècle, à réinterroger l’effet des coercitions», explique Georges Vigarello qui cite le Dictionnaire Larousse de 1876 : «Il y a viol toutes les fois que le libre arbitre de la victime est aboli.» Il s’agit, en réaménageant la loi, de protéger le droit qu’ont les individus de disposer d’eux-mêmes. Nous l’avons bien intégré à notre système de valeurs : ce souci nous paraît normal. De la même manière, nous estimons parfaitement juste que la loi interdise à quiconque de nous toucher le sexe ou de nous embrasser les seins (sans permission). L’affaire Soraya, par exemple…

L’affaire du baiser volé

Tout le monde s’en rappelle. Le 14 octobre 2016, l’animateur Cyril Hanouna encourage son chroniqueur, Jean-Michel Maire à embrasser Soraya Riffy. Celle-ci refuse à deux reprises : «j’ai dit non». Cyril Hanouna lui demande «pour quel motif», comme s’il ne suffisait pas qu’elle n’ait pas envie. Elle bégaye une excuse, qui encourage Hanouna à insister lourdement. Jean-Michel Maire finit par se pencher sur elle, «juste un smack» (dit-il), et lui embrasse la poitrine alors qu’elle tend sa joue. En janvier 2018, Soraya Riffy porte plainte. Il s’avère que depuis 1992, en France, le délit de harcèlement sexuel punit «toute atteinte sexuelle [attouchements sur les fesses, les seins ou le sexe] commise avec violence, contrainte, menace ou surprise » (article 222-22 du Code pénal). Dans le cas de Soraya, le baiser a clairement été obtenu par surprise.

Tolérance zéro pour les abus

De ce «dérapage» télévisuel, beaucoup de spectateurs (hommes et femmes) s’offusquent. «L’accroissement de l’autonomie rend toujours plus intolérables nombre de comportements imposés sans partage, fondés sur une asymétrie relationnelle, transformant en inacceptables brutalités ce qui a pu longtemps être tacitement “accepté”. D’où la remise en cause radicale d’attitudes, de gestes, de comportements, de mots censés brutaliser la victime ou viser son humiliation, jusque-là plus ou moins tus ou vaguement endurés», commente Georges Vigarello. L’exigence est d’ailleurs si forte que, ces dernières années, la loi sur les agressions sexuelles n’a cessé d’être peaufinée, afin que soient interdits tous les abus, même les plus bénins (ou crétins, au choix). Depuis 2012, la définition du harcèlement sexuel s’est d’ailleurs à ce point élargie qu’elle inclut maintenant les notions dangereusement floues de «dignité» et d’«offense».

Que signifie se sentir «offensé-e» ?

«Le harcèlement sexuel est le fait d’imposer à une personne, de façon répétée, des propos ou comportements à connotation sexuelle qui, soit portent atteinte à sa dignité en raison de leur caractère dégradant ou humiliant, soit créent à son encontre une situation intimidante, hostile ou offensante.» Problème : si un homme, sous couvert de me montrer ses photos de vacances, me laisse voir une photo de lui, nu, dois-je me sentir offensée ? Retournons le problème : si une femme a envie de mater et fréquente le club de gymn pour se régaler des culturistes, est-ce dégradant ? Pris au pied de la lettre, le texte de loi qui définit le harcèlement sexuel ouvre le champ à toutes les plaintes possibles, autorise tous les excès de victimisation. Il est d’ailleurs symptomatique que certaines app encouragent maintenant à dénoncer le «regard» comme une forme de harcèlement sexuel.

Regarder quelqu’un c’est lui «faire violence»

A Lausanne, depuis novembre 2019, une app permet de «signaler» à la police toutes les formes d’inconduite sexuelle, telles que : «sifflement», «remarque à caractère sexuel/sexiste», «bruitage, gestes obscènes», «frottement», et… au sommet de la liste, «regard insistant». Cela peut sembler légitime, bien sûr. Sur le site «Paye ta shnek», une contributrice raconte : «des collègues à mon beau-père souvent restent pas loin devant la maison à glander et dès que je passe il me fixe de haut en bas et même quand je me retourne je les regarde droit dans les yeux en mode énervé, ils continuent et c’est flippant…». Le regard, dans ces conditions, peut en effet être terrorisant. Mais est-il bon de le sanctionner juridiquement ? Ainsi que Georges Vigarello le souligne, cette «volonté de redéfinir tout acte d’abus et de domination en y introduisant la loi» fragilise plus qu’elle ne protège les individus. Elle témoigne en tout cas certainement d’une forme de panique collective face aux injonctions impossibles de notre société.

Etre «objectifié-e» = être une victime ?

La société exige que nous soyons des individus libres et autonomes, c’est-à-dire disposant de nous-mêmes. La propagande actuelle (qui sacralise la «liberté individuelle» sous la forme d’une liberté de choix réduite au consumérisme) nous encourage à dénoncer tout acte qui fait de nous des «objets» passifs et à condamner toute image qui montre l’humain comme «objet» de désir. Dans notre système de pensée, «objet», c’est mal. Seul le «sujet» est respectable. Le problème, c’est que nous ne pouvons pas tout contrôler dans la vie : impossible de forcer les gens à nous voir (percevoir) tels que nous souhaitons être vu-es (jugé-es). Que faire si untel a de moi une image qui ne correspond pas à celle que j’aimerais donner ? Porter plainte pour «atteinte» à ma volonté ?

Jusqu’où peut aller le rejet des «emprises» ?

Jusqu’où peuvent aller ces lois qui répriment, avec toujours plus de finesse, toutes ces choses qui nous font «violence» dès lors qu’elles n’ont pas été choisies par nous ? Tout en insistant sur la légitimité de lois qui protègent les individus, Georges Vigarello dénonce le fait que ces lois ne soient jamais que les miroirs déformants de nos obsessions. En Occident, nous sommes obsédés par l’idée d’exercer notre pouvoir de décision. Nous voulons tout décider : notre apparence, notre corps, notre image, notre destin et même les contenus auxquels nous sommes exposés (voire la vogue des «signalements » en ligne, permettant de faire supprimer tous «les contenus qui paraissent inappropriés»). «D’où ce vertige possible, dont la société américaine devient un exemple extrême sinon caricatural, modèle illustrant une avancée toujours plus grande de la loi dans les gestes privés au point de punir quelquefois la seule “intention sexuelle” ou même le seul “visual harassment” (le regard trop insistant porté à quelqu’un).»

A LIRE : «Histoire de la violence sexuelle, histoire de la personne», de Georges Vigarello, dans l’ouvrage collectif Intimités en danger, dirigé par Muriel Flis-Trèves et René Frydman. PUF, Hors-Collection, 2019.

POUR EN SAVOIR PLUS : «La théorie du “male gaze” : critique»

CET ARTICLE FAIT PARTIE D’UN DOSSIER : «Pourquoi les femmes ont-elles peur dans la rue ?» ; «Harcèlement de rue : violence ?» ; «Eye rape : le viol par le regard» ; «Une appli pour lutter contre les agressions sexuelles» ; «Peut-on encore draguer au travail ?»

janvier 08, 2020

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8:48

Harcèlement de rue : "violence" ?

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Les femmes tolèrent de moins en moins les avances non-désirées, les sifflets dans la rue et les mains au panier. Pourquoi assimilent-elles ce qu'on appelle (abusivement) la "drague lourde" à de la violence ?

Depuis le 25 novembre 2019, la ville de Lausanne en Suisse affirme être «pionnière dans la lutte contre le harcèlement de rue» : toute personne victime ou témoin d’un «attouchement», d’une «remarque sexiste» ou d’un «sifflement» peut en effet signaler les faits aux autorités via une app censée encourager les gens à réagir. Le problème avec le harcèlement de rue c’est en effet son côté furtif : à peine le temps de se retourner que le mufle a filé. S’il ne file pas, il nie : «Reste polie, t’as mis une jupe tu cherches. Mais rêve pas hein, moi j’baise pas les salopes». Faut-il pour autant laisser faire ? En 2016, une étude révélait que 72% des femmes de 16 à 25 ans avaient été au moins une fois les cibles de remarques à caractère sexuel dans les rues de Lausanne (1). La plateforme mobile qui vient d’être mise en place devrait aider la police à repérer les harceleurs et renforcer les patrouilles dans les rues à problèmes.

«T’es charmante, tu veux une glace à la menthe ?»

Mais l’app vise également à dissuader les fauteurs de trouble qui, bien souvent, profitent du sentiment d’impuissance de leurs victimes : elles partent sans demander leur reste, honteuses et effrayées, s’enfuient la rage au coeur ou préfèrent ignorer l’importun. A quoi bon. «L’objectif, c’est de donner un outil pour ne pas baisser les yeux», explique dit la députée Léonore Porchet, à l’initiative du projet. Pour encourager les gens à signaler les cas de harcèlement, la ville de Lausanne lance en parallèle une campagne de sensibilisation originale : une vidéo humoristique annonce l’ouverture d’un Musée du Harcèlement de rue. Dans ce musée, un groupe de visiteurs suit une visite guidée au cours de laquelle plusieurs cas sont présentés comme les formes barbares d’un passé révolu. Au XXIe siècle, il y avait donc des hommes qui harcelaient les passantes ?

La violence symbolique est-elle une «vraie» violence ?

Il s’agit de montrer que ces actes relèvent de l’obscurantisme, puisqu’ils présupposent la disponibilité sexuelle des femmes (dès lors qu’elles sont non accompagnées). A terme, les autorités entendent mettre en place des mesures concrètes de repression, mais hésitent : faut-il envisager la judiciarisation ? Cela suppose d’assimiler les incivilités à une forme de violence. Sur ce point, les avis restent partagés. En 2016, lorsque Léonore Porchet dépose son projet, certains de ses collègues parlent de «misérabilisme féministe». Il leur paraît inadéquat d’encourager l’idée que le harcèlement de rue soit comparable à des coups et blessures, puisque ses effets restent invisibles et qu’ils relèvent du subjectif. S’il faut en croire les sociologues, ces violences psychologiques sont pourtant bien réelles parce qu’elles «portent une menace qui pèse, au-delà du moment où elles se produisent, et conditionnent le sentiment de bien-être et de sécurité».

Harcèlement de rue et sentiment d’insécurité

Parmi les recherches menées sur le sujet, celle de la sociologue Marylène Lieber fait partie des plus éclairantes. Entre 2002 et 2003, dans le cadre d’une thèse sur l’appropriation de l’espace public, Marylène Lieber interroge une trentaine de femmes qui, toutes (y compris les plus coriaces), avouent qu’elles évitent certaines rues, à certaines heures. «Si, pour beaucoup de personnes, les commentaires plus ou moins agressifs que les femmes sont amenées à entendre lorsqu’elles sont dans la rue ne sauraient constituer des violences à part entière, il ne faut pas, néanmoins, les considérer comme banals ou sans effet. Il s’agit au minimum de violences symboliques dont les conséquences sont importantes», argumente la sociologue (dans un article intitulé «Le sentiment d’insécurité des femmes dans l’espace public«). Lorsqu’elles émanent de certains hommes (qualifions-les de “malveillants”), les avances même les plus anodines agissent en effet comme des rappels à l’ordre, en indiquant aux femmes qu’elles transgressent les normes en se promenant seules en ville. Ce sentiment d’insécurité entrave leur autonomie de mouvement.

Ca commence sur “T’as de beaux yeux”…

Insultes répétées, compliments hostiles, remarques humiliantes : est-ce moins grave que des agressions physiques ? Pas sûr, répond Marylène Lieber : paradoxalement, elles génèrent des peurs plus intenses et durables, liées au poids d’une menace latente. Il est d’ailleurs absurde de les désigner comme de la «drague lourde», car il s’agit du contraire de la drague. Ce sont des brimades. Elles ne relèvent pas du jeu, ni du flirt. Elles relèvent de la haine. «Certains actes ne sont pas considérés a priori comme violents, mais rappellent aux femmes qu’elles courent un “risque”. Qu’il soit avéré ou non, elles ne le vivent pas forcément bien. “Ben des fois ça commence sur “T’as de beaux yeux”. Mais moi déjà à ce stade-là je suis... terrorisée” […]. La raison principale pour laquelle ces personnes ont peur est qu’elles ne savent pas où cela peut mener, elles anticipent le risque de dérapage, comme cette jeune femme de 24 ans : “5-6 fois, des mecs qui s’arrêtent en bagnole, “Bonjour Mademoiselle” tu vois gentiment, tu te dis “Ah ben il veut un renseignement” et le mec dit “Vous voulez pas gagner de l’argent facilement ?”… Ca fait paniquer. Tu te dis : “Est-ce que tout à l’heure pépère va me suivre dans la petite rue?”»

Libre aux femmes de… se faire harceler

En France, «l’Enquête Nationale sur les Violences Envers les Femmes (Enveff) indique que près d’une femme sur cinq a subi au moins un type de violences à l’extérieur de son domicile en 1999. Or, la seule recommandation que la Direction centrale de la sécurité publique a cru bon d’adresser aux femmes est d’observer la plus grande prudence lorsqu’elles se promènent dans la rue. Dans une fiche intitulée “Conseils de sécurité aux femmes”, elle les incite à prendre “des précautions élémentaires”, telles que marcher “toujours d’un pas énergique et assuré […] si [elles sont] isolées” et ne pas donner “l’impression d’avoir peur”.» Sous-entendu : «une femme seule ne devrait pas flâner sur la voie publique ou s’afficher trop ostensiblement, car elle prendrait le risque d’être agressée.» Pour les autorités, jusque récemment, c’est aux femmes de faire attention. Pour la sociologue, il serait temps d’en finir avec ce discours de mise en garde qui contribue à entretenir le sentiment de peur permanent. Mais il serait peut-être temps aussi d’en finir avec le non-dit : à quand une recherche sur ces hommes ?

Qui sont les harceleurs ?

Quels sont leurs points communs ? Leurs mobiles ? Cette recherche permettrait d’identifier les causes du problème. Elle permettrait surtout d’éviter les amalgames. Actuellement –faute de savoir pourquoi certaines personnes (lesquelles) s’adonnent au harcèlement– la société civile se déchire. Certain-es réclament la «liberté d’importuner», craignant que le tout-répressif ne favorise la montée du puritanisme. D’autres voudraient au contraire que l’état intervienne de façon plus musclée et pénalise les actes jugés répréhensibles… Mais lesquels ? Ce n’est pas en créant des lois pour interdir le «sifflement» qu’on résoudra le problème.

Et pourquoi pas interdire les regards aussi ?
La suite de cette reflexion, au prochain article (Eye rape : le viol par le regard).

A LIRE : « Le sentiment d’insécurité des femmes dans l’espace public : une entrave à la citoyenneté ? », de Marylène Lieber, Nouvelles Questions Féministes, 2002.

CONCERNANT LA «LIBERTE D’IMPORTUNER» : une excellente analyse de Marcella Iacub.

Genre, violences et espaces publics. La vulnérabilité des femmes en question, de Marylène Lieber, Presses de Sciences Po, « Académique », 2008.

« Insécurité dans les espaces publics : comprendre les peurs féminines », de Stéphanie Condon, Marylène Lieber et Florence Maillochon, Revue française de sociologie, 2005.

NOTE 1 : En France, celon une étude réalisée par le Haut Conseil à l’égalité entre les femmes et les hommes, 100% des femmes ont été harcelées au moins une fois dans les transports en commun et 76% des françaises ont été suivies au moins une fois dans la rue.

CET ARTICLE FAIT PARTIE D’UN DOSSIER : «Pourquoi les femmes ont-elles peur dans la rue ?» ; «Harcèlement de rue : violence ?» ; «Eye rape : le viol par le regard»

POUR EN SAVOIR PLUS : ; «Une appli pour lutter contre les agressions sexuelles»; «Peut-on encore draguer au travail ?»

A CONSULTER : Les témoignages sur le site «Paye ta shnek» et sur «Stop, harcèlement de rue»

ILLUSTRATION : publicité pour l’app «Stop Harcèlement de rue - Hé !»

janvier 06, 2020

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9:53

Pourquoi les femmes ont-elles peur dans la rue ?

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Pourquoi les femmes ont-elles peur dans la rue ?

Dans la rue, ce sont les hommes qui se font le plus souvent agresser. Pourtant, ce sont les femmes qui sentent le plus exposées aux agressions dans les espaces publics. Elles ont peur. Mais de quoi ?

Il peut sembler absurde que les femmes aient plus peur que les hommes de sortir en ville, puisqu’elles se font bien moins souvent agresser (physiquement) que les hommes. Leur peur est-elle irrationnelle ? Stupide ? Est-il dans la nature des femmes d’être craintives ? Rien de tout cela, bien sûr. Toute paradoxale qu’elle soit (en apparence), cette peur a une raison d’être. Elle est collectivement construite comme une caractéristique féminine. En d’autre termes : une femme, une vraie, doit avoir peur, afin que sa façon d’investir l’espace public se distingue de celle de l’homme. Ayant peur, la femme doit élaborer des stratégies d’évitement. Mettre un casque sur la tête. Faire mine de téléphoner sur son portable. Baisser les yeux, éviter les tenues sexy. Parfois même, la femme doit s’auto-exclure de certains espaces. Pas cette rue. Pas ce quartier. Pas à cette heure. Gare aux contrevenantes, qui se font rappeler à l’ordre : «Donne ton cul», «Tu baises?», «T’es bonne». On les intimide. Il faut qu’elles aient peur. Les parents sont les premiers à entretenir chez leurs filles le sentiment que leur présence est «illégitime» au-delà de certains horaires et dans certains endroits. Franchir ces limites spatiales, c’est s’exposer au risque de violences.

La division socio-sexuée de l’espace

La construction sociale de la peur s’appuie sur ce que les sociologues appellent «la division socio-sexuée de l’espace». Il convient que les femmes se sentent tout juste autorisées à fréquenter certains lieux, afin que l’ordre règne dans un monde historiquement constitué, dans l’Occident bourgeois (et dans bien d’autres cultures, et de façon parfois bien plus impitoyable), autour de la distinction homme-femme. L’homme à la ville, la femme à la maison. C’est de cette répartition des tâches et des espaces que certains contes diffusent le modèle, dès le plus jeune âge. Tout le monde connaît, par exemple, Le petit Chaperon rouge. C’est l’histoire d’une jeune fille qui doit traverser seule la forêt. Forcément, elle rencontre le loup. Dans un article virtuose, intitulé «Intimité et loup» (publié dans le recueil Intimités en danger), l’écrivaine et blogueuse Titiou Lecoq résume ainsi la morale du conte : «dehors = danger. Pour les jeunes filles de l’époque de Perrault (sa version du conte est publiée en 1697), cela renvoyait à une vieille recommandation.» On ne sort pas impunément de chez soi quand on est une demoiselle.

Dès le Moyen Age, la femme est «domestiquée»

«Au Moyen Âge, le rapport des femmes à l’espace public était déjà de l’ordre de la restriction», rappelle Titiou Lecoq : certaines figures bibliques servaient d’exemples édifiants à l’époque. Elle mentionne celui de Dina, la fille de Jacob et Léa. «Un jour, Dina sort de chez elle pour aller observer le monde. Ce qu’elle ne comprend pas, c’est qu’en sortant pour voir, c’est elle qui est regardée. Le fils d’un roi l’aperçoit et en tombe fou amoureux. Il l’enlève. Les frères de Dina prennent alors les armes, saccagent le pays et tuent tous les hommes. Un massacre provoqué par la curiosité inconsidérée de Dina. L’historienne Carla Casagrande développe longuement la signification concrète de l’histoire de Dina pour les femmes de l’époque dans l'Histoire des femmes en Occident. Le Moyen Âge (1). “Presque systématiquement présente dans les sermons et les traités adressés aux femmes, Dina se tenait là pour leur rappeler, à elles toutes, combien il est dangereux de sortir des maisons et des monastères.” »

La contenance requise pour sortir en ville

Parmi ces traités adressés aux femmes, celui qui s’intitule Le Mesnagier de Paris (écrit fin 1393), dispense les conseils suivants : «Lorsque vous vous rendez en ville […] en cheminant, maintenez la tête droite, les paupières franchement baissées et immobiles, et le regard droit devant vous à une distance de quatre toises, fixant le sol ; évitez de regarder autour ou d’arrêter vos yeux sur un homme ou une femme à droite ou à gauche, de lever la tête ou de laisser votre regard errer sans but.» Ainsi qu’on le voit, dès la fin du XIVe siècle, les femmes sont tenues de «traverser» la ville. Marcher au hasard ou se promener sans but sont des actes d’hommes. Les femmes, elles, doivent avancer à la façon de tanks (blindés, aveugles et rectilignes), comme si la rue était minée. Il s’agit moins de les protéger que de construire en elles la peur d’être «mal» vues. Titiou Lecoq explique : «Sortir de la maison c’était voir et être vue et, pour une jeune fille, cela revenait à être un objet de désir donc de prédation. Elle ne pouvait pas être un individu neutre, libre dans l’espace public.»

L’affaire de la «joggeuse» assassinée

Il peut paraître étonnant qu’en dépit de leur émancipation les femmes soient toujours tenues de craindre les espaces publics comme des lieux d’insécurité. Comment comprendre la persistance de ces peurs ? Pour Titiou Lecoq, il faut y voir le résultat d’un matraquage idéologique. Partout, dit-elle, les femmes s’entendent dire que leur «milieu naturel, c’est la maison». Elle en veut pour preuve le traitement récurrent de certains faits divers : l’affaire Daval, par exemple. «Une jeune femme, Alexia Daval, disparaît. Son mari, Jonathann, assure qu’elle est partie faire un jogging le 27 octobre 2017 et qu’elle n’est jamais rentrée. […] Le corps calciné de la jeune femme est retrouvé le 30 octobre, dissimulé sous des branchages dans une forêt. Aussitôt, l’écrasante majorité de la presse embraye sur ce qu’on appelle alors un “meurtre de joggeuse”. Paris Match se demande s’il est bien raisonnable que les femmes continuent à faire du jogging. Des sites font la liste des bons conseils à l’usage des inconscientes qui voudraient persévérer dans l’activité ô combien dangereuse du jogging (prendre une lacrimo pour aller courir, avoir un sifflet pour appeler à l’aide).»

Il est plus dangereux d’être chez soi que dehors

Alexia Daval est le petit chaperon rouge. «Elle a donc forcément été victime d’un grand méchant loup croisé dans la forêt», ironise Titiou Lecoq qui dénonce la logique délétère des médias. Non seulement ils accréditent l’idée que les femmes sont en danger dehors, mais l’idée –bien plus dangereuse– que c’est aux femmes d’éviter les ennuis. «Prenons deux faits : 1°) Au cours des dix dernières années, sept femmes ont été tuées alors qu’elles étaient parties faire du jogging. 2°) Par an, en moyenne, 125 femmes sont tuées par leur compagnon ou ex-compagnon.» Bien que les meurtres soient le plus souvent commis par un proche, c’est la thèse du méchant loup que la presse a retenue. Or il s’avère que c’est son mari qui a tué Alexia Daval. Il avoue le 17 juin 2019. «Notons qu’à la suite de ces aveux, Paris Match n’a pas fait d’article pour mettre en garde les jeunes femmes contre le mariage», se moque la blogueuse. Pas un JT n’a parlé des homicides conjugaux, pour corriger le tir. De l’affaire Daval, les Françaises n’ont donc retenu que la peur d’aller courir en forêt. Le message reste «dehors=danger». Chaque femme chez elle et les moutons seront bien gardés.

A LIRE : « Intimité et loup », de Titiou Lecoq, dans Intimités en danger, dirigé par Muriel Flis-Trèves et René Frydman. PUF, Hors-Collection, 2019.

NOTE 1 : Carla Casagrande, La femme gardée, in Georges Duby, Michèle Perrot, Histoire des femmes en Occident, Paris, Plon, 1991, Volume 2.

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ILLUSTRATION : affiche de la campagne de lutte contre le harcèlement dans le transport lancée en mars 2018 par la région Ile de France.

décembre 23, 2019

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9:12

La «marchandisation du sexe», un concept pauvre

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La «marchandisation du sexe», un concept pauvre

Condamnant le puritanisme des personnes qui assimilent les rencontres en ligne à un «marché sexuel», le philosophe Richard Mèmeteau attaque : on ne va pas sur un site pour «acheter» de la «marchandise», mais pour «jouer». Jouer à quoi ?

Le 20 février 2016, l’animateur Thierry Ardisson invite une sexologue catholique, Thérèse Hargot, dans l’émission Salut les Terriens (regarder la vidéo à partir 03:00) pour discuter, entre autres, des sex friends. Faussement ingénu, il met en cause les gays : «J’ai l’impression, moi, que c’est la sexualité des homosexuels qui a imprégné la sexualité des hétérosexuels. On a tous des potes homosexuels : pour eux, un coup pour un soir, ce n’est pas grave. Et maintenant c’est un peu pareil partout. C’est-à-dire que, chez les hétéros, y’a : “On baise sans sentiments, juste pour le plaisir de baiser.”» Thérèse Hargot, qui refuse de mordre à cet hameçon-là, préfère répondre : «Ce qui me gêne, c’est qu’à un moment on est dans l’instrumentalisation du corps de l’autre. Ce qui me gêne, c’est qu’on regarde l’autre comme un objet, et un objet sexuel. On n’est pas un objet, on est une personne humaine. Et là du coup y’a une atteinte à sa dignité.»

Faire de l’autre un objet de désir : atteinte à la dignité ?

Dans un essai intitulé Sex Friends (Zone, 2019), Richard Mèmeteau –professeur de philosophie et auteur de Pop culture (Zones, 2014) –, relate l’échange avec ironie : la sexologue a fait «claquer le concept kantien de dignité pile au bon moment», dit-il. Dieu merci, grâce à elle, l’ordre moral est restauré. Mais n’est-il pas caricatural d’opposer strictement le plan cul à l’amour ? «Aujourd’hui, une partie significative des unions commence sur Internet (1), raconte la sociologue Marie Bergström (Les nouvelles lois de l’amour). Les changements intervenus dans la sexualité ne se réduisent pas à ce que les théories d’un libre marché pourraient en dire.» Richard Mèmeteau défend lui aussi l’idée qu’on peut très bien apprécier et respecter quelqu’un avec qui on baise. Le sexe plan Q «zéro sentiment» ? Il n’y croit pas vraiment. «La sexualité se trouve toujours dans un entre-deux».

La marchandisation du sexe : «une chimère»

S’appuyant sur l’idée qu’il existe un «continuum moral» entre l’amour sans sexe et le coït sans âme, le philosophe attaque. Il s’en prend tout d’abord aux concepteurs de dating app. Le site Adopteunmec, par exemple, «affiche un pictogramme où l’on voit un homme tomber dans un caddie poussé par une femme.» A priori, l’idée est bonne. En plantant un décor de supermarché autour des rencontres sexuelles, il s’agit de les dédramatiser : «on dépotentialise leurs enjeux moraux et on décomplexe les femmes qui seraient autrement réticentes à s’abonner à ce genre de sites : vous n’êtes pas des marchandises, mais des consommatrices.» Problème. Est-il valorisant pour une femme de traiter les hommes comme des produits en promotion (2) ? Le seul et unique pouvoir qu’une femme puisse assumer est-il le «pouvoir d’achat» ? N’est-il pas énervant pour une femme d’être sans cesse assimilée à une obsédée… de shopping ?

«Hypermarché de la drague» : une métaphore éculée

La métaphore marketing du supermarché est non seulement insultante pour l’esprit mais terriblement rabaissante pour les utilisateurs (hommes et femmes) du site. Le pire, c’est qu’elle conforte l’opinion négative qu’on peut avoir de la rencontre en ligne, assimilée à un «marché de la drague, miroir de notre consumérisme». Richard Mèmeteau veut en finir avec cette croyance : «nous devrions être réticents à nous approprier cette rhétorique du marché. Contrairement à un marché, le choix de l’objet érotique ou amoureux n’est jamais unilatéral. L’autre n’est pas une tranche de jambon qu’on choisit chez le boucher. Il faut désirer, certes, mais aussi être désiré en retour.» La personne que l’on choisit sur un site peut très bien rejeter votre invitation. La rencontre n’est possible qu’à condition de se présenter et de séduire.

Il faut être deux pour danser le tango

Il est absurde d’assimiler les sexfriends à des «marchandises». Pour Richard Mèmeteau, l’usage du lexique économique trahit une forme de «pauvreté intellectuelle», car la réalité –dit-il– c’est que la drague en ligne ressemble beaucoup plus à un jeu vidéo en multijoueur qu’à un geste d’achat. D’abord, il faut s’identifier, ce qui revient à créer une sorte d’avatar, tout en sachant qu’un gros mensonge ne peut jamais vous mener très loin : «la rencontre réelle est le moment qui conditionne la vérité des échanges en ligne. Et elle arrive très vite. Un tiers des couples qui se sont formés sur les réseaux se sont vus après une semaine et deux tiers dans le mois. On pourrait être tenté de mentir dans la phase qui précède, de s’enjoliver pour permettre la rencontre, mais à quoi bon si celle-ci dévoile la supercherie ?». Il s’agit donc de séduire, sans trop mentir. Tout un art.

On ne dialogue pas avec son jambon

Après avoir créé son profil, il faut –comme au théâtre– engager le dialogue. Or le dialogue suppose du talent. «Chaque geste ou dévoilement implique sa réciproque de la part de l’interlocuteur. On avance en coopérant, tour par tour, message par message. On veut savoir qui montre quelle envie, dévoile quelle photo, affiche quelle intention.» Bien sûr, cet univers de séduction repose en grande partie sur des enjeux sociaux : chacun cherche à obtenir un-e partenaire valorisant-e. «Les filles attendent notamment que les garçons aient accès à une voiture, qu’ils soient capables de dépenser de l’argent pour elles. Les femmes sont ainsi souvent accusées par leurs prétendants de jouer les gold diggers (chercheuses d’or) en se faisant inviter par des garçons. Mais ces éléments ne sont pas suffisants.» Les filles attendent surtout des garçons qu’ils soient populaires, beaux, gentils, cultivés et/ou qu’ils aient de la classe. Quand aux garçons, ils ont aussi des exigences, souvent similaires.

Séduire en ligne, tout un art

Les conditions à remplir pour être séduisant-e font l’objet d’un arbitrage complexe, non-réductible à la simple logique de la transaction économique. Les femmes ne cherchent pas forcément un homme riche, ni un faire-valoir symbolique, ni un mari protecteur. «Personne ne sait de façon objective qui est réellement intéressé par qui. Le jeu et la circulation de l’information ne sont pas aussi transparents qu’un marché ne le supposerait pour pouvoir établir une valeur d’échange. Les informations manqueront toujours pour pratiquer une séduction rationnelle.» Pour évaluer les personnes à qui on a affaire, les critères de classement sont établis sur une échelle de valeur parfaitement normative bien sûr, mais cette norme est brouillée par des stratégies qui consistent, notamment, à refuser tout investissement émotionnel.

Coup de foudre, coup de cul

Beaucoup de «joueurs» (hommes et femmes) affirment ou feignent ne rien vouloir d’autre qu’un «plan cul»… Même si le plan cul en question n’exclut pas l’espoir de s’attacher. «Il s’agit moins d’un modèle économique que d’un principe de pouvoir, conclut Richard Mèmeteau. En réalité, le dating a produit un jeu culturel qui a brouillé les effets de domination économique et les a fait passer au second plan.» Ce qui gouverne les relations maintenant (qu’elles soient sexuelles ou romantiques), ce n’est tant la logique mercantile que les règles d’un jeu délicat qui consiste à se chercher l’un l’autre –à l’aveugle– pour faire avancer la partie à deux. Ces nouveaux scripts de rencontre présentent ceci de spécifique qu’ils dépassent le système classique d’opposition sexe/amour, donnant naissance à une forme inédite d’appariement : l’amitié sexuelle ?

A LIRE : Sex friends. Comment (bien rater) sa vie amoureuse à l’ère numérique, de Richard Mèmeteau, éditions Zones, mai 2019.

Les nouvelles lois de l’amour: Sexualité, couples et rencontres au temps du numérique, de Marie Bergström, éditions La Découverte, 2019.

NOTES

(1) Entre 2005 et 2012, plus d’un tiers des couples américains se sont formés par une rencontre en ligne (35%). En France, il y a un peu de retard, mais «en 2013, environ un couple sur douze était formé par le biais d’un site de rencontres. Le nombre est certainement plus élevé aujourd’hui», explique Marie Bergström (Les nouvelles lois de l’amour, éd. La Découverte, 2019).

(2) La métaphore marketing du supermarché est à double tranchant. Elle aide les femmes à se sentir moins coupables sur les sites de rencontre ? Soit. Mais, surtout, elle «véhicule une sorte d’incapacité à faire face au réel sans l’excuse de la mercantilisation». Pour Richard Mèmeteau, «la raison d’être de cette métaphore est secrètement puritaine : le marché, à tout prendre, c’est moins sale que le sexe.»

SUR LE MEME SUJET : «L’amour est aveugle… enfin… disons, un peu ?» ; «Sites de rencontre : on n’est pas des produits !» ; «Les sites de rencontre libèrent-ils les femmes ?».

Illustration en page d’accueil : Photo © de «Thomas Altfather Good» sur Flickr

décembre 18, 2019

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8:34

Un toucher rectal est-il un viol ?

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«Le sexe doit être consenti, s’il ne l’est pas c’est du viol». Pour beaucoup, c’est une évidence. Mais pas pour les juristes en France. Auteur du best-seller “Le sexe et la loi”, l’avocat Emmanuel Pierrat explique pourquoi la France ne suit pas ses voisins européens en matière de définition du viol.

En mai 2018, le Parlement suédois fait passer une loi qui rend nécessaire le consentement «explicite, verbal ou physique» avant l’acte sexuel. La Suède devient le 10e pays d’Europe à modifier son Code Pénal pour reconnaître la relation «non-consensuelle» comme viol. Mais un consentement peut être obtenu sous la menace, non ? Petite remise au point avec l’avocat associé Emmanuel Pierrat (Ancien Membre du Conseil de l’Ordre, Ancien Membre du Conseil National des Barreaux et Conservateur du Musée du Barreau de Paris).

Pensez-vous que définir le viol comme «une pratique sexuelle effectuée sans l’accord de la personne» peut utilement contribuer à changer les mentalités ?

Le problème avec cette définition du viol, c’est qu’elle ne précise pas ce qu’est le consentement («l’accord»). Même avec un accord exprès, donné préalablement, il faut fournir la preuve de ce qui a été consenti. Comment prouver qu’on a, ou pas, donné son «accord» ? La définition française peut sembler plus «technique» pour le non juriste mais elle permet de condamner les viols effectués dans les zones grises et ambiguës des rapports de force. Le fait de ne pas crier, de ne pas se débattre, est-ce donner son accord ? Une femme qui, sous la menace ou dans un état dit de sidération, qui se déshabillerait devant son agresseur pourrait être considérée comme ayant donné son accord… La loi française permet de reconnaître la contrainte et donc le viol.

En France, le viol est «une pratique sexuelle imposée par violence, contrainte, menace ou surprise». Cette définition fait l’impasse sur la notion de consentement. Pourquoi les juristes français refusent-ils d’adopter ce critère ?

Cette définition ne fait pas l’impasse sur le consentement : elle le définit. L’absence de consentement est caractérisée par la preuve de la violence/contrainte/menace/surprise. En France, dans un système de droit écrit (et non pas soumis à l’interprétation) chaque notion consacrée par la loi doit être précisément définie et ne souffrir aucune interprétation (au risque d’être censurée par une juridiction suprême). Le consentement ne fait pas exception, c’est pour cela que le législateur passe par une définition précise de la notion, sachant que les violence/contrainte/menace/surprise ont été entendues de plus en plus largement ces dernières années et permettent aujourd’hui de condamner énormément de comportements différents.

La définition du viol en France laisse passer certains types de viol à travers les mailles du filet : lesquels ?

Depuis 1810, le viol est une infraction à part entière en droit français, mais sa définition ne cesse d’évoluer. Au départ, le viol désigne uniquement la pénétration vaginale de force.

C’est seulement à partir de 1980 (date à laquelle le viol devient un crime), que la notion de viol s’étend aux autres formes de pénétration forcée – la sodomie ou la fellation. Mais le viol ne concerne d’abord que les femmes.

C’est seulement en 1992, que le viol homosexuel est reconnu. Mais le viol ne concerne les hommes que s’ils sont passifs.

A partir de 1997, certaines décisions reconnaissent le viol quand la victime (homme ou femme) est contrainte à pénétrer l’auteur, notamment dans le cas d’une fellation imposée. Mais les revirements de jurisprudence maintiennent une incertitude juridique.

En 2018, les dernières ambiguïtés sont levées par la loi Schiappa : désormais, l’auteur de la pénétration peut être considéré comme la victime du viol. Cela permet de sanctionner la fellation imposée et les viols commis par des femmes forçant un partenaire masculin à les pénétrer (sous l’effet d’une drogue ou de la menace, par exemple).

Jusqu’ici, une pénétration «classique» – au cours de laquelle l’homme a un rôle actif et la femme un rôle passif –, mais exercée sous la contrainte de la femme, ne pouvait pas être qualifiée de viol. À la suite de la loi Schiappa, promulguée en août 2018, l’article 222-3 du Code pénal dispose désormais que «Tout acte de pénétration sexuelle, de quelque nature qu’il soit, commis sur la personne d’autrui ou sur la personne de l’auteur par violence, contrainte, menace ou surprise est un viol.»

Par ailleurs, pour être réprimé, le viol n’est plus nécessairement commis à l’aide du seul organe sexuel du violeur : un doigt, un bâton, n’importe quel objet suffit pour que la pénétration soit constitutive du crime de viol. Mais, hors de toute connotation sexuelle, et malgré une pénétration consommée, il n’y a pas de viol.

Aujourd’hui, il reste deux zones d’imprécision, faute pour la loi de les considérer comme des organes sexuels et qui sont donc soumis à une appréciation jurisprudentielle : l’anus et la bouche ; il en est de même lors de l’utilisation d’objets pour la pénétration (qui nécessite la caractérisation d’une intention sexuelle, non définie par la loi).

Certains médecins (hommes et femmes) se permettent des touchers vaginaux ou rectaux sur des patient-es n’ayant pas donné leur accord. Pourraient-ils (et elles) être inculpé-es de viol ? Cela serait-il souhaitable ?

Ces derniers mois, il est beaucoup question des pratiques exercées sur des patients endormis, sous le prétexte de former les jeunes médecins. Il faut faire évoluer les mœurs pour que ces pratiques soient enfin perçues pour ce qu’elles sont souvent : le toucher vaginal sans le consentement est un viol. Le toucher rectal est une agression sexuelle.

Pourquoi le toucher rectal non consenti n’est-il qu’une agression sexuelle (et pas un viol) ?

Le viol est une «pénétration sexuelle» et nécessite qu’il soit commis par le truchement d’un organe sexuel (pénis) et/ou sur un organe sexuel (vagin).

La pénétration anale (entendue comme la pénétration d’un pénis dans un anus) est un viol, puisqu’on a bien une des deux conditions supplétives de la pénétration sexuelle : en l’occurrence, l’organe sexuel (pénis). Pareil pour le toucher vaginal, la condition remplie étant celle de l’organe sexuel pénétré (le vagin).

En revanche, dans le cas du toucher rectal, il n’est question ni d’un organe sexuel pénétrant (le doigt n’étant pas un organe sexuel) ni d’un organe sexuel pénétré (l’anus n’étant pas un organe sexuel).

La question se complique quand il s’agit d’un objet : si une connotation sexuelle est démontrée, il y a viol (mais c’est soumis à l’appréciation jurisprudentielle).

Si, au regard de la loi française, le viol concerne uniquement un pénis dans un anus (et non pas une matraque dans un anus), pourquoi lors de l’affaire Théo, a-t-on parlé d’une «suspicion de viol» ?

Lors de l’affaire Théo, certains ont parlé de « suspicion de viol » parce que, même s’il s’agit en droit d’une pénétration non sexuelle (objet dans un organe non sexuel), la jurisprudence ces vingt-cinq dernières années a pu considérer que le fait de pénétrer de manière anale un individu avec un objet pouvait être qualifié de viol. Pour cela, néanmoins, il faut démontrer l’«intention sexuelle». Dans l’affaire Théo, la qualification de viol est donc soumise à une appréciation des juges et à la preuve de l’intention sexuelle de la part des auteurs.

La définition du viol en France contraint les avocats à faire la preuve qu’il y a eu violence, menace, contrainte, etc. Or on sait que la majorité des viols sont commis par des proches, des intimes ou par des personnes exerçant un ascendant, sans l’usage d’armes, ni de menaces. Est-ce que cela faciliterait le travail de la justice si le viol était requalifié comme un acte sexuel effectué sans consentement ?

La véritable question, c’est celle de la preuve. C’est à celui qui se dit victime de prouver ses dires. Le renversement de la charge de la preuve est dangereux potentiellement pour l’auteur qui aurait du mal à prouver le consentement, mais aussi pour la «victime» qui, dans des cas de consentement présumé, devrait démontrer qu’elle n’a pas donné son accord (c’est le cas du viol entre époux).

Une requalification telle que proposée ne faciliterait pas le travail de la justice, puisqu’il resterait toujours la nécessité d’apporter une preuve de cette absence de consentement et qu’en plus elle ferait naître des débats permanents sur la notion même de consentement.

En France, il reste une zone d’ombre, c’est le cas des enfants qui, souvent, se laissent subjuguer par un adulte. Peut-on considérer qu’une petite fille de 11 ans est consentante lorsqu’elle a des relations sexuelles avec un homme de 28 ans ?

Face à l’émoi suscité par différentes décisions de justice dans le courant de l’année 2017, Marlène Schiappa, secrétaire d’État chargée de l’égalité entre les femmes et les hommes, a déposé, en mars 2018, un projet de loi prévoyait un seuil d’âge, fixé à 15 ans, en dessous duquel il est considéré qu’un enfant a toujours été contraint. Cependant, le Conseil d’Etat a rendu un avis, le 15 mars 2018, démontrant la difficulté de la mise en place d’une telle présomption. La loi Schiappa promulguée à la suite de ce projet a donc du abandonner l’idée de la création d’un age minimum pour le consentement.

Si la loi imposait que les gens donnent explicitement leur accord, cela aurait quelles conséquences (bonnes ou mauvaises) ?

La dérive, c’est de croire qu’un consentement préalable écrit est suffisant. «Prenons l’exemple du sadomasochisme et du contrat signé entre Leopold Sacher-Masoch et sa première femme, Wanda de Dounaïeff, et du “safeword”. Il est indispensable pour que le dominé puisse indiquer à son dominant qu’il s’approche des limites ou lui demander de s’arrêter lorsque son élan sadique dépasse l’acceptable et les bornes du consentement. Cette “contractualisation” ne peut cependant que faire naître, pour le juriste, les plus sérieuses réserves sur la validité de tels engagements, dont les vertus sont plus psychosomatiques que juridiques.» (Le sexe et la loi).

On peut aussi dénoncer une pratique née récemment dans certaines universités américaines : faire signer un contrat de consentement avant toute relation sexuelle. Mais cela ne règle pas tous les problèmes, bien au contraire : d’abord, une signature peut être obtenue par la même violence/menace/contrainte que la relation sexuelle elle-même ; ensuite, il ne faut pas perdre de vue que le consentement ne peut pas se donner préalablement puisqu’il faut consentir à la relation sexuelle au moment où elle se concrétise et tout au long de l’acte (on peut changer d’avis même si on a déjà «donné son consentement») ; enfin, il faut reconnaître que ce contrat de consentement vicie les relations, particulièrement entre les hommes et les femmes et favorise la suspicion et l’ère du soupçon.

A LIRE : Le sexe et la loi, d’Emmanuel Pierrat, éditions La Musardine, 5e édition (remise à jour en 2019).

POUR EN SAVOIR PLUS : «Faudrait-il signer un contrat avant de faire l’amour ?» ; «App de consentement sexuel : danger !» ; «Contrat sexuel : simple comme un clic ?»

LA NOTION DE CONSENTEMENT :

«Pourquoi dire Non: pour exciter le mâle ?»

«Un gay vous drague: que faites-vous ?»

«Pourquoi certain-es soumis-es crient Cornichon»

«Tu consens, oui ou non ?»

décembre 16, 2019

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11:23

Le fantasme de… monter dans la grue

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Dans un livre intitulé “Moi, la grue”, Barbara Polla consacre aux grues de chantier une étude troublante mêlant l’image d’une femme qui fait «le pied de grue», en attendant ses clients, et celle d’une structure d’acier vacillante, symbole de nos rêves déséquilibrés.

Des grues de chantier on ne voit souvent que l’aspect négatif, celui d’une urbanisation rampante qui ronge les paysages. Mais parfois, leurs lumières clignotantes la nuit nous donnent envie de nous arrêter… Au bord d’un chantier désert, nous levons la tête : qui peut avoir le courage de monter tout là-haut ? Cette question, l’écrivaine et galieriste suisse Barbara Polla (qui fut aussi directrice de recherche INSERM, spécialiste en immunologie-allergologie et femme politique) se la pose depuis toute jeune. «J’ai toujours rêvé de rencontrer un grutier», dit-elle, sans se cacher d’être attirée par eux. «Je me disais, ce doit être fascinant, cette solitude en hauteur.» Pendant des années, elle rôde autour des chantiers, «espérant reconnaître le grutier parmi les hommes qui sortaient». Mais peine perdue. Ainsi qu’elle l’apprend plus tard, les grutiers ne se mélangent pas. Ce sont les aristocrates des chantiers. Leur métier est à haut risque. «Le soir ils grimpent sur leurs motos, s’en vont solitaires et rentrent chez eux. J’ai toujours aimé les motards, aussi», raconte Barbara.

Les grutiers sont les hommes d’une seule femme

Désespérant de jamais pouvoir assouvir sa curiosité, elle finit par demander l’aide d’une amie architecte qui joue les intermédiaires. C’était il y a quatre ans. Son premier grutier s’appelle Patrick. Elle le rencontre trois fois, puis se rend dans une entreprise de construction pour «faire ses classes». Elle peut enfin les voir au travail, leur parler, les suivre, se nourrir de leur étrangeté ; les grutiers sont des hommes à part. Ils n’ont pas le vertige et ils doivent apprendre à «danser» avec leur grue un ballet qui requiert de la manipuler comme une sorte d’exosquelette. Leur grue, ils l’ont «dans la peau», littéralement. «J’ai compris que je n’avais aucune chance. Les grutiers sont les hommes d’une seule femme». De ce travail de recherche, – et en collaboration avec l’artiste Julien Serve qui accompagne son texte de croquis au feutre noir – Barbara tire la matière d’un livre étrange, construit en forme de dialogue amoureux, mâtinée de regret et de frustration. Lui et Moi échangent des paroles. Lui, le grutier. Moi, la grue.

En patois, gruer signifie «attendre»

«Comme probablement parlent les grues, appuyées contre les murs des villes, une jambe repliée appuyée elle aussi sur le mur. Debout sur une seule jambe, en attendant Godot. Ce n’est pas par hasard qu’on appela les grues des grues : “gruer” ne signifie-t-il pas attendre ? Les grues attendent. Elles attendent le matin, toutes les nuits du monde. Nous avions tout notre temps. Et quand la joie d’attendre pâlissait, alors nous dansions.» Filant autour du métier de grutier la métaphore de la danse, Barbara glisse dans la trame poétique du livre des informations étranges. On apprend que certaines grues portent le nom de topless, quand elles sont sans tirants, et que le plus grand chantier de construction d’Europe se trouve à Aspern, en Autriche. «Quarante trois grues construisent ensemble un tout nouveau quartier, une ville en réalité, pour 20000 habitants et 20000 travailleurs. On dit qu’ensemble elles dansent Le Lac des Grues…»

Tango du haut d’une grue

Ecoutant du Tchaïkovski au sommet de sa grue, le conducteur rêve qu’il participe à ces noces d’échassiers. Là-haut, à 130 mètres de hauteur, ça bouge. Les jours de grand vent, la grue fait tourner la tête : «Elle est toujours en déséquilibre. Elle penche en arrière du côté du contrepoids, et ne se retrouve à l’horizontale que lorsque la charge maximale est au bout de la flèche. Ses lests de base lui assurent une certaine stabilité; ses lests de contrepoids pèsent bien dix tonnes pour compenser les charges.» De fait, chaque grue peut tomber : «Il faut le goût du risque. Beaucoup ont peur. Pas nous. Nous les grutiers, pour la plupart, les vrais grutiers, on est motards aussi… cela va de pair, la grue, la moto. Les femmes, les grues, les motos, le risque. Le risque avec les grues, c’est comme les passagères sur la moto: le risque qu’elles tombent. J’aime pas ça. Le risque maximal, c’est au moment de la prise de la charge.»

Une danse liée au mythe du labyrinthe de Dédale ?

Les hommes des chantiers, Barbara boit leur parole. Cela se sent dans l’écriture, qui s’enroule presque sensuellement autour de ces figures de flèches, d’antennes et de potences aux mouvements vacillants… Toujours sur le point de basculer. «On dit de nous que nous sommes les solitaires du vertige», lui dit un grutier. Autrement dit : bâtir, c’est se perdre aussi. Chose étonnante, Barbara note qu’il existe une légende selon laquelle «Thésée, de retour de Crète, après avoir, grâce à Ariane, délivré les Athéniens du joug des Crétois, se rendit à Délos où il dansa avec les jeunes filles athéniennes une danse qui, en ce temps-là, était en usage et dans laquelle on imitait les tours et les détours du labyrinthe. On nomma cette danse, dans le pays, la danse de la Grue, parce ce que les danseurs dessinaient par leurs révolutions comme des vols de grues dans le ciel.»

Grue, érection, rêve de défier dieu

Pour célébrer la sortie de son livre, publié aux éditions Plaine Page, les bureaux d’architecture de l’Atelier Martel (20e arr. de Paris) organisent une exposition «Moi la grue» mêlant des photos de grues (signées par Guillaume Varone) et des oeuvres originales de Julien Serve, qui brode sur nos «utopies érectiles» , ainsi qu’il le dit : «Le motif principal est une reprise de la Tour de Babel comme représentée par Brueghel.» Pour mettre en lumière l’aspect masturbatoire de ce rêves d’érection – plus haut, toujours plus haut –, Julien Serve y «adjoint des mains» qui se mêlent aux tours et font enfler les édifices. «La Tour de Babel c’est aussi bien évidemment l’échec, le plafond sur lequel viennent s’écraser toutes les utopies qui tendent à prendre corps trop fort. C’est la dispersion des langages, des savoirs, des formes : c’est la débandade collective. C’est cette dispersion que je tente de rejouer au travers de multiples petits fragments dessinés disséminés dans les locaux de l’agence.»

Construire, dit-elle

Comme en réponse aux désirs des hommes, qui enflent puis s’accablent, et dont le mouvement constant vers le haut ne se décourage jamais, le chant d’amour de Barbara Polla fait écho : «C’est à chaque fois un bonheur quand il monte sur moi / À chaque fois une surprise / Et j’aime qu’il reste longtemps / C’est souvent quatre ou cinq heures à la fois…»

A LIRE : Moi, la grue, de Barbara Polla & Julien Serve, éditions Plaine page, collection Les Oublies, décembre 2019.

A VOIR : exposition «Moi la grue», à l’Atelier Martel, du 15 décembre 2019 au 13 mars 2020, de 11h30 à 18h30, avec des oeuvres de Julien Serve (pas les dessins du livre mais d’autres oeuvres «architecturales») et les photos de grues de Guillaume Varone. Adresse : 8 bis, rue d’Annam, 75020 Paris.

A VOIR : exposition et lecture «Moi la grue», à partir du 7 mai 2020 à Genève, dans l’atelier d’architecture 3bm3.

POUR EN SAVOIR PLUS : «Pourquoi dit-on érection pour un gratte-ciel ?» ; «Le pénis est-il un mendiant ?»

décembre 11, 2019

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9:35

Contrat sexuel : simple comme un clic ?

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Les contrats de consentement sur smartphone sont non seulement dangereux mais douteux : peut-on réduire le désir à l'équivalent d'une prestation de service ? Dans son essai “Du Contrat sexuel”, le philosophe Cédric Lagandré critique ce qu'il nomme une véritable mystification.

En 2018, le rappeur Nick Cannon fait scandale aux Etats-Unis lors d’une interview sur VladTV. Il affirme avoir trouvé la solution aux «gros problèmes» soulevés par le mouvement #MeToo : une application baptisée CNCNT (acronyme de «CoNsensual, CoNtractrual and Tested» et qui se prononce Consent), dont il annonce la commercialisation prochaine. Officiellement, cette app est censée «protéger les femmes des rapports sexuels non consentis via la signature d’une sorte de contrat virtuel», ainsi que le résume Léa Marie (journaliste à Slate). Nick Cannon, très fier de lui, explique que l’app permettra aux deux parties concernées de prendre une décision sur des bases saines. Avant de donner leur accord, les partenaires doivent en effet remplir un questionnaire : «Combien de partenaires ont-ils eu ? Ont-il déjà eu des MST ? Se sont-ils récemment faits dépister ? Autant d’informations qui permettront à l’autre personne de décider, en toute connaissance de cause, si elle souhaite s’engager dans une relation intime.»

«Et paf, c’est consensuel»

L’idée peut sembler bonne. Mais Nick Cannon se trahit : il raconte que le questionnaire comporte également des questions du style «Acceptez-vous la fellation ? la sodomie ? d’autres pratiques ?» En riant, le rappeur conclut : «J’appuie sur le bouton, elle appuie sur le bouton, et paf, c’est consensuel». Malaise. Léa Marie dénonce une app qui ne peut profiter qu’aux agresseurs sexuels. Aux Etats-Unis, les avocats soulignent qu’on peut très bien changer d’avis après avoir consenti. Mais il est difficile de se rétracter après une signature de contrat. On se sent pris en faute. On a honte de changer d’avis. Et si, malgré tout, on dit «Non» après avoir dit «Oui» ? Va-t-on rouvrir précipitamment l’application en plein milieu de la relation sexuelle pour cliquer «Je ne suis plus d’accord» ? Devant les juges, il sera de toute manière plus difficile de prouver que l’acte était forcé. Le soupçon de mensonge pèsera sur la victime, aggravant son sentiment de culpabilité, la dissuadant de porter plainte.

Un contrat sexuel pour protéger qui ?

En 2018, dans les médias, les avis sont critiques. L’application CNCNT ne voit jamais le jour. Presque deux ans plus tard, pourtant, les applications proposant des contrats sexuels se sont multipliées : Yes to Yes, Consensual, Yes is Yes, Consent Amour, Contentsy… La presse belge rapporte qu’elles obtiennent du succès jusque dans les Universités. «Si elles détruisent tout romantisme, elles permettent d’éviter tout quiproquo. “À l’heure des #balancetonporc sur Twitter et Facebook, il faut se mettre à l’abri (…) La méfiance est devenue générale” déclare un étudiant de Louvain-La-Neuve à La Capitale.» C’est dans ce climat de panique diffuse que les éditions PUF publient le livre d’un philosophe, Cédric Lagandré, qui éclaire utilement le débat. Intitulé Du contrat sexuel, cet essai rappelle quelques évidences d’une plume roborative : le désir sexuel est-il compatible avec la notion de «contrat» ? Quelles normes délétères se cachent derrière cette obsession de vouloir à tout prix «clarifier» les relations intimes ? L’auteur voit se profiler de dangereuses utopies (1) à l’horizon des app…

Le désir sexuel est-il compatible avec la notion de «contrat» ?

«Le contrat passé en amont du désir, avant le désir, est une négation de l’obscurité du désir, qu’il prétend soumettre à la clarté sans angoisse du marché», affirme Cédric Lagandré qui critique la démarche sur le plan logique : étant donné que le désir se nourrit des fantasmes, des attentes, des projections et des incertitudes concernant l’autre, il «contrevient à l’idée même du contrat, qui suppose la claire connaissance préalable.» Un contrat repose sur l’idée que l’on signe en sachant précisément ce à quoi l’on s’engage. «Si j’ignore ce à quoi je m’engage, ce n’est pas un contrat.» Le contrat par ailleurs suppose qu’une fois signé, il «oblige» la personne et la met en demeure de s’exécuter. Or le désir ne se commande pas. Comme le dit très bien Mymy, une journaliste de Mad’moizelle : «Je n’ai pas envie de dire via une appli à mon partenaire que je suis d’accord pour le sucer. Parce que si ça se trouve, à 2 centimètres de sa bite, j’aurai plus envie. Et ce qui compte, c’est que je me sente capable de lui dire, et qu’il soit prêt à l’entendre.»

Quelles normes se cachent derrière le «contrat» sexuel ?

Pour Cédric Lagandré, il y a derrière la notion de contrat un obscur idéal d’émancipation : «La forme contractuelle prétend affranchir le commerce amoureux des conditions troubles et difficilement déchiffrables de la séduction», dit-il, par allusion à cette obsession propre aux sociétés modernes de poser en modèle l’homme libre, autonome, responsable et performant. Un mâle, un vrai, sait ce qu’il veut et se donne les moyens de l’obtenir. Mais surtout : ses désirs (par opposition aux «pulsions» dites «passionnelles» de la femme) ne sont jamais aliénants. «Quand il joue à l’homme», l’homme se doit de traiter ses désirs comme de simples «envies», faciles à satisfaire, et qui n’entravent ni sa raison ni son libre-arbitre. «Le contractualisme relaie une conception parfaitement “virile” du désir, en contradiction avec l’expérience que fait toute femme, mais aussi tout homme, de l’incertitude, du trouble, quant à ce qu’il vise, quant à ce qui, à chacun, manque.»

Ne désirez-vous vraiment qu’«un moment de volupté charnelle licite» ?

A travers la notion de contrat, Cédric Lagandré critique surtout notre époque «qui s’efforce de neutraliser tout ce que la question sexuelle enveloppe d’angoissant et d’en contenir l’expression aux cabinets feutrés des analystes. La sexualité, n’est-ce pas cette occupation plaisante et somme toute plutôt saine, assez proche du sport, à laquelle toute femme et tout homme peuvent désormais se livrer sans péché et sans conséquence ?» Dénonçant l’équation sexe=bien-être qui domine notre société, le philosophe dénonce cette forme d’utilitarisme qui réduit la part du sexuel dans nos vies au seul «acte», si possible «jouissif » (c’est-à-dire profitable) et bien sûr «sans tabous» (c’est-à-dire hygiénique). Cédric Lagandré se moque : «Les interdits ne sont-ils pas pure superstition ? Et n’est-il pas anormal de vivre avec angoisse sa sexualité ?» Pour lui, cette volonté de transposer la logique marchande dans nos vies intimes relève d’une forme d’utopie éminement malsaine, l’utopie d’un monde délivré du doute.

«Chacun conviendra que le désir n’est pas envie, claire et translucide envie, qui vise à travers notre corps un certain objet. Le désir est défini comme trouble.” (L’Etre et le néant, Sartre)

«L’eau ne trouble pas l’homme qui a soif ; une femme trouble l’homme qui la désire, quoi qu’il en dise lui-même pour se masquer son trouble.» (Du contrat sexuel, Cédric Lagandré)

A LIRE : Du contrat sexuel, de Cédric Lagandré, PUF, octobre 2019.

NOTE : Poussant plus loin son analyse, le philosophe pose une hypothèse : la mode des «contrats sexuels», dit-il, est révélatrice de «ce qui apparaît de plus en plus nettement comme le grand projet moderne», à savoir la production d’«un Âge d’or, où l’individu serait à l’abri de toute angoisse (…) et en particulier des difficultés du rapport à l’autre». Cédric Lagandré nomme ce projet «l’asexisme», c’est-à-dire le refus d’accepter la réalité biologique du corps. «L’antisexisme nie à juste titre qu’il y ait une inégalité naturelle entre les sexes, ou que les dominations qui s’exercent dans le secret de la vie sexuelle puissent être transposées légitimement dans le champ social et politique sous la forme d’une répartition figée des tâches. L’asexisme va plus loin : il nie qu’il y ait même une différence entre les sexes, toute différence étant mise au compte de l’arbitraire culturel et de ses constructions.» L’analyse qu’il propose n’est malheureusement étayée que par un seul exemple. «Sur un plateau de télévision, sans qu’il y ait personne pour en rire, un militant LGBT s’indigne que le présentateur se permette de le désigner comme un homme. “Il faut questionner nos stéréotypes !” […] Constater simplement le sexe de l’autre est d’ores et déjà une violence, l’effet de stéréotypes culturels nauséabonds : il n’y a plus que des “genres”, ceux qu’on choisit dans le secret de sa vie sexuelle, et plus de sexe que la naissance nous impose. La détermination sexuelle n’a plus droit de cité, n’a plus le droit d’être publique.». Cet exemple unique est-il vraiment significatif d’un mouvement de fond «asexiste» ? Très discutable. Personnellement, la lecture de cet essai m’a parfois mise mal à l’aise, et je ne sais trop quoi en penser. Il se peut que la lecture d’un autre livre portant presque le même titre – Le contrat sexuel, de Carole Pateman, publié aux éditions La Découverte, en 2010 – apporte des éléments de réponse plus concluants.

POUR EN SAVOIR PLUS : «Faudrait-il signer un contrat avant de faire l’amour ?» ; «App de consentement sexuel : danger !» ; «Contrat sexuel : simple comme un clic ?»

LA NOTION DE CONSENTEMENT :

«Pourquoi dire Non: pour exciter le mâle ?»

«Un gay vous drague: que faites-vous ?»

«Pourquoi certain-es soumis-es crient Cornichon»

«Tu consens, oui ou non ?»

décembre 09, 2019

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9:15

App de consentement sexuel : danger !

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Donner son consentement sur smartphone avant de coucher avec quelqu’un ? Mauvaise idée, disent les avocats. Ils dénoncent le danger : sous prétexte de «prouver» que votre partenaire était d’accord, les app encouragent les viols.

Début 2018, une entreprise néerlandaise fait le buzz avec Legal Fling («aventure encadrée»), une app conçue pour éviter tout malentendu. Elle fonctionne comme un contrat : les deux parties d’un rendez.vous galant signent un accord formel attestant officiellement de leur volonté de passer à l’acte. Consentent-ils à la relation sexuelle ? Avec préservatif, ou sans ? Autorisent-ils des photos ou vidéos pendant l’acte ? Sont-ils d’accord pour que des mots crus soient utilisés ? Si le contrat est validé sur l’app, les partenaires peuvent enchaîner. Problème. Loin de prévenir les viols, ce genre d’app ne peut que les encourager. Pourquoi ?

Les 4 bonnes raisons de ne JAMAIS signer un contrat sexuel

1. Si une des deux personnes change d’avis au cours de l’acte, elle n’ose plus le faire, car elle se sent tenue par contrat de respecter l’accord.

2. Si une des deux personnes change d’avis, l’autre peut très bien faire la sourde oreille et considérer qu’un contrat signé l’autorise à exercer son «droit».

3. Si une des deux personnes change d’avis, mais que l’autre n’écoute pas, le viol ne sera pas dénoncé devant la justice. La victime se sentira coupable d’avoir dit «oui».

4. Si la victime porte plainte pour viol, le fait qu’elle ait d’abord consenti risque de discréditer son témoignage.

Pour toutes ces raisons, dès 2018,la plupart des juristes déconseillent fortement d’avoir recours à ces app. Mieux vaut parler, apprendre à s’écouter, disent-ils. Cocher des boutons sur un smartphone risque de rendre les partenaires sourds et aveugles à leurs désirs respectifs. Le projet Legal Fling ne voit d’ailleurs jamais le jour : il est refusé sur App Store pour cause de «contenu inapproprié» (les questions sur les pratiques sexuelles consenties). Mais cela n’arrête pas le mouvement. Actuellement, une dizaine d’app en anglais envahissent le marché de la paranoïa sexuelle. Elles sont, semble-t-il, très populaires aux Etats-Unis et menacent d’envahir l’Europe. En voici un aperçu.

YES IS YES

Sur Yes Is Yes, vous pouvez échanger vos consentements par SMS, sous forme de contrat pré-écrit : «Mon nom est (Andrei Popov). J’ai plus de 18 ans et je suis en pleine possession de mes moyens. Je consens à avoir des relations sexuelles avec (Anna Naizorova), le (23 mai 2019). Mon accord sera archivé de façon permanente et confidentielle sur Yes is Yes, à moins que je ne conteste ultérieurement l’aspect consensuel de la relation sexuelle.» Une signature digitale est censée apporter une protection supplémentaire, mais comme on le voit rien n’empêche les parties de se retourner l’une contre l’autre. Si Andrei Popov estime qu’il a été violé par Anna Naizorova le fait qu’il ait préalablement accepté la relation ne pèsera probablement guère dans la balance… Ce qui fait de cette appli (payante, comme la plupart d’entre elles) l’équivalent d’un marché de dupe, sur le plan strictement logique. Ou la parfaite pièce à conviction dans le cadre d’un piège prémédité : un violeur pourrait très bien s’en servir pour faire taire sa victime.

SAY YES

«Nous pensons que le consentement ne devrait jamais être ambigu ou imprécis et c’est pourquoi notre mission est de fournir un moyen simple de savoir si votre partenaire dit “Oui”.» L’app Say Yes prétend faciliter les choses : «plus de conversations embarrassées, en quelques clics vous pourrez partager un moment d’intimité sans stress.» Le mode d’emploi est simple : il faut s’inscrire avec Facebook puis scanner le QR de l’autre personne, marquer son prénom dans la phrase «Je veux dire OUI à (Léa, Louis, Truc-chose)» puis cocher «Je suis sobre». Si vous ou votre partenaire avez bu, l’application vous défend formellement d’aller plus loin. Le consentement n’est pas validé par l’app qui émet un signal d’alerte. Techniquement, Say Yes n’a donc guère d’autre utilité que de faire prendre conscience aux utilisateurs que l’alcool est incompatible avec le consentement. Sur le plan juridique, en revanche, ce genre d’app ne peut décemment pas servir de preuve. Un homme peut très bien utiliser le téléphone de sa victime pour enregistrer son consentement sur Say Yes avant de la violer.

YES MEANS YES

Créée par une association de lutte contre le viol, l’appli Yes Means Yes est probablement la plus paranoïaque de toutes. Elle repose a priori sur le même principe que les autres : inscrivez-vous, enregistrez le nom de votre partenaire puis choisissez entre ces trois options : «Je consens», «Je ne consens pas» et «J’ai changé d’avis». Si l’autre a choisi «Je consens» (comme vous), alors tout va bien : en avant. Mais, dans leur volonté d’être prévoyants, les concepteurs de l’appli ont également rajouté l’option «J’ai été violé-e», afin que vous puissiez dénoncer votre partenaire immédiatement après avoir donné votre consentement. L’appli encourage donc les utilisateurs-ices tout autant à se faire confiance (dire «Oui») qu’à se méfier l’un de l’autre (donner tous les détails du «viol» et le plus vite possible après la relation), ce qui peut paraître quelque peu contradictoire. L’application qui est censée fournir un cadre rassurant à la relation favorise le sentiment que donner son consentement peut être dangereux (ce qui n’est pas tout à fait faux… mais).

CONTENTSY

Sur Contentsy, une application créée pout «répondre aux besoins de la société moderne» (sic), après avoir lu et signé le contrat de consentement, il faut filmer son/sa partenaire en train de lire le contrat, afin d’avoir une preuve plus tangible qu’un simple clic. Il faut ensuite se filmer à son tour en lisant le même contrat. Une fois les deux enregistrements faits, une fenêtre s’affiche : «Vous avez consenti», qu’il suffit de valider. Confirmation est envoyée aux deux partenaires. L’enregistrement audio-vidéo permettra en cas de litige de s’assurer qu’aucune des deux parties n’était ivre, inconsciente ou droguée.

YES TO YES

Sur Yes To Yes, appli spécialement conçue pour les ados, il s’agit d’enregistrer un accord qui, en 25 secondes, fait le tour de toutes les questions importantes, car dire oui à du sexe, ce n’est pas suffisant : encore faut-il savoir à quelles conditions. Du sexe avec ou sans capote ? L’appli propose, par étapes successives, de faire le même vérification de contrôle qu’un pilote d’avion avant le décollage. La check-list commence par la question : «Etes-vous prêt à consentir de façon sécurisée ?» : les partenaires ont le choix de le faire sur un seul téléphone ou, côte à côte, sur leurs téléphones respectifs. Il s’agit ensuite d’identifier son état d’esprit : êtes-vous «romantique», «échauffé-e», «franchement excité-e» ou «pas intéressé-e du tout (mais merci de m’avoir demandé)» ? Après quoi, vient le moment de confirmer que l’on a 18 ans ou plus, que l’on dispose de son libre-arbitre et qu’on a l’esprit clair. Troisième étape : consent-on à avoir une relation protégée ? La liste des moyens va de «capote et pilule» à «ni capote ni pilule» (fortement déconseillé). Dernière étape : il s’agit d’enregistrer sa voix et/ou de se filmer : «Je consens aujourd’hui (date) à avoir une relation avec (nom) à tel endroit (adresse) à telle heure». L’enregistrement vaudra pour preuve. Jusqu’au dernier moment, l’application propose la possibilité de changer d’avis : «Pardon mais Non». La dernière fenêtre s’ouvre alors : «Félicitations, vous avez tous les deux consentis. N’oubliez pas de vous protéger et rappelez-vous que le consentement peut être annulé à tout moment. Si votre partenaire l’indique, la relation sexuelle doit cesser.» Merci de le signaler.

CONSENT AMOUR

Officiellement conçue pour «résoudre le plus important problème de notre époque», Consent Amour est l’équivalent d’un chaperon. Vous craignez que des camarades de campus ou des collègues de travail profitent d’une fête arrosée ou d’un rendez-vous de travail pour vous entreprendre ? Au lieu d’utiliser What’s App, vous pouvez vous servir de Consent Amour pour échanger avec eux. Avantage : l’application garde en mémoire toute la trace de vos échanges et notamment le fait que vous ayez clairement spécifié «Je refuse tout contact physique d’aucune sorte. Non c’est non». Inconvénient : si un homme vous aborde en disant «On prend un café ?», c’est un peu bizarre de lui répondre «Je refuse tout contact physique». Le consentement, disponible sous la forme d’un «Certificat de consentement» (!?) reste dans les archives pendant 30 jours, ce qui vous laisse suffisamment de temps pour la copier et la mettre à l’abri. Le certificat inclut des enregistrement audios-vidéo du style : «Moi, Barbara, née le tant, déclare en mon âme et conscience, que je désire avoir une relation sexuelle avec XX, en ce jour de l’an 2019.»

POUR EN SAVOIR PLUS : «Faudrait-il signer un contrat avant de faire l’amour ?» ; «Contrat sexuel : simple comme un clic ?»

LA NOTION DE CONSENTEMENT :

«Pourquoi dire Non: pour exciter le mâle ?»

«Un gay vous drague: que faites-vous ?»

«Pourquoi certain-es soumis-es crient Cornichon»

«Tu consens, oui ou non ?»

décembre 04, 2019

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9:07

Féminisé: le mâle à l'envers

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Dans les années 1930, un amateur de lingerie féminine dessine en secret des images honteuses dont il fait peu à peu la matière d’un roman plein de sévices et de frissons. Sauvée de l’oubli, près d’un siècle plus tard, son oeuvre intime est enfin dévoilée.

Compiègne. Sous-préfecture de l’Oise. Une ville de droite au début du siècle dernier, dirigée pendant près de trente ans (1904-1935) par un ex-lieutenant de cavalerie puis par le banquier James-Henri de Rothschild, amateur de chasse à courre. La forêt de Compiègne est un cadre idéal pour cette occupation de privilégiés. Mais que cachent les dessous de cette ville pour nantis ? Des histoires de soubrette mâle. Culotte de soie bordée de dentelles, perruque blonde, fouet, bottines lacées… C’est à Compiègne que Nicole Canet découvre ce trésor surprenant : un collectionneur lui cède 65 dessins, rehaussés de gouache, qui représentent, par étapes successives, l’irréversible transformation d’un jeune homme bien sous tout rapport en soubrette martyrisée.

Education pas très sentimentale

«L’auteur des dessins serait-il l’un de ces rejetons de la haute bourgeoisie compiégnoise, boudant le polo […] pour des jeux plus troubles ?» Impossible de savoir. Les dessins datent des années folles et leur style, d’abord hésitant, se fait de plus en plus raffiné, précis, au fur et à mesure que le héros (l’héroïne) subit cravache, bâillon, clystère et pénétrations forcées. Le texte reste inachevé. Il raconte la malheureuse «prise en main» d’un garçon, transformé en jouet sexuel, contraint de porter des tenues de filles et empalé sur des piloris. Sa tante, une maîtresse-femme, lui fait subir ses pires caprices. «Une éducation loin d’être sentimentale», ainsi que le formule malicieusement Nicole Canet.

Travestissement forcé dans l’entre-deux-guerres

Féminisé Forced cross-dressing : c’est le titre du livre (édition limitée à 500 exemplaires) qui reproduit ce manuscrit inédit. Les dessins originaux sont présentés, jusqu’au 25 janvier 2020, au Bonheur du Jour, une galerie parisienne qui cible habituellement les amateurs de statues grecques. L’exposition Féminisé, elle, s’adresse plutôt aux amoureux de travestissement. Pour Nicole Canet, c’est un défi. Comment faire venir ceux qu’attirent les nuisettes de soie fine ou les talons hauts ? Afin de trouver son public, Nicole Canet s’adresse à un homme, qu’elle charge du soin d’écrire une histoire de la féminisation. Surprise. Il s’appelle Christophe Bier.

Christophe Bier, amateur des «marges»

Historien du cinéma, il est l’auteur de Censure-moi (sur le classement X), d’un magistral Dictionnaire des films francais pornographiques et erotiques (1194 pages) et du livre d’art Pulsions graphiques, rempli d’images obscènes ou gores. Quel rapport avec le travestissement ? Il faut l’avoir écouté dans l’émission Mauvais genres (sur France Culture) pour comprendre son obsession, si révélatrice, des petits détails (1). En érudit maniaque, Christophe Bier ne se contente pas de «parler» de cultures déviantes ou de fétiches bizarres. Il lui faut aussi connaître, exactement, les étoffes et les matériaux. Pour choisir un corset, dit-il, «déshabillez Madame, prenez sa mesure sur la partie la plus étroite de la taille, puis soustrayez au minimum dix centimètres de cette mesure : vous avez la juste taille du corset.»

Comment choisir un corset ?

«Les tailles de corset, pardonnez-moi, c’est un peu technique mais je souhaite être extrêmement clair, se mesurent de 5 cm en 5 cm : à savoir 51 cm, 56 cm, 61, 66, jusqu’à 106 cm pour certains modèles. Supposons que votre femme ait un tour de taille de 71 cm, la taille de son corset sera de… 71 moins 10 = 61. 61 cm ! Le corset doit toujours être plus étroit que la taille de votre femme, afin de pouvoir l’affiner en se resserrant. Ainsi, Madame a un tour de taille de 74 cm. Bon : 74 moins 10 = 64. C’est donc un corset de 61 cm (et non 66) qu’il vous faudra commander.» Lorsqu’il parle de corset, Christophe Bier s’emporte. C’est d’ailleurs la même passion qu’il déploie dans l’ouvrage Féminisé : son texte sur l’histoire littéraire de la féminisation dresse la fresque vivante des changements de moeurs en France au début du XXe siècle.

De quand datent les romans sur les soubrettes mâles ?

«Le texte fondateur est publié clandestinement en Angleterre en 1893, en trois volumes: Gynecocracy, attribué sans réelle certitude à un avocat londonien, Stanislas Matthew de Rhodès.» Il est traduit en français (dans une version réduite au quart) en 1902. Coincidence ? C’est aussi en 1902 que sort la première traduction de La Vénus à la fourrure du baron Leopold von Sacher-Masoch. L’imaginaire sado-masochiste s’empare de l’édition française : «la production flagellante fournit en france près de huit cents volumes», explique Christophe Bier qui note cependant la rareté des livres mettant en scène des hommes. «Le plus souvent, les demoiselles tortillent leurs fesses endolories au profit du sadisme masculin. Il faut fouiller dans ces textes, souvent répétitifs, pour découvrir un titre qui inverse le mécanisme de cette domination.»

Marâtre ou la Sévère Éducation

Bien qu’ils soient isolés, les ouvrages traitant d’esclaves-soubrettes font recette. Christophe Bier parle avec fièvre d’un roman de cinq cents pages (Marâtre ou la Sévère Éducation du Comte de Jarzé, 1929) qui emprunte ses péripéties à Eugène Sue : un garçon de 17 ans, Lucien, hérite d’une immense fortune. Sa marâtre entreprend de le dresser, afin de le spolier. Lucien devient Lucienne et «apprend à se dandiner sur les talons». Curieusement, le roman est truffé d’extraits du best-seller du psychiatre Auguste Forel (La Question sexuelle exposée aux adultes cultivés, 1905) : «les invertis mâles se sentent comme des filles vis-à-vis des autres garçons. Ils éprouvent le besoin de se soumettre passivement, s’exaltent et s’enthousiasment facilement pour les romans et la toilette» Il est probable que les parties les plus jouissives (humiliantes) du livre étaient celles empruntées au psychiatre.

A VOIR : Féminisé, du 4 décembre 2019 au 25 janvier 2020. Au Bonheur du Jour : 1 rue Chabanais  75002 Paris . Tél. : 01 42 96 58 64. Email : aubonheurdujour@curiositel.com. Horaires : ouvert du mardi au samedi de 14h30 à 19h.

A LIRE : Féminisé Forced cross-dressing : préface de Nicole Canet, texte de Christophe Bier et de Florent Paudeleux, éditions Galerie Au Bonheur du Jour, 2019. En vente à la galerie et sur le site d’Au Bonheur du Jour.

NOTE 1 : Les chroniques de Christophe Bier pour Mauvais Genres ont été rassemblées dans Obsessions (Le Dilettante, 2017).

décembre 03, 2019

Lien pour 'D’où vient le mot «dating» ?
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8:49

D’où vient le mot «dating» ?

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L’histoire de la rencontre, aux Etats-Unis, se scinde en trois étapes : le calling, le dating, le hooking. Dans un essai intitulé “Sex Friends”, Richard Mèmeteau raconte l’évolution des scripts relatifs à la séduction hétérosexuelle.

Dans nos sociétés, le nombre de célibataires ne cesse de croître. «Or que font ces célibataires ? Ils se courent après. Ils téléchargent des applications de rencontres sur leurs portables et regardent en boucle des comédies romantiques.» Dans Sex Friends (Zones, 2019), Richard Mèmeteau –professeur de philosophie, ex-contributeur aux Inrocks et auteur de Pop culture (Zones, 2014) –, dédramatise l’expansion de cette culture de la drague en ligne qu’il appelle dating. Pour défendre son point de vue, il en retrace les origines. Au début, dit-il, il y avait le calling, c’est-à-dire «l’invitation». Puis le dating : le «rendez-vous» et le hooking : le «plan cul».

Jusqu’en 1920 : le calling

Avant les années 1920, le jeune homme qui a des vues doit manifester son désir d’une rencontre puis… attendre un “appel”. C’est la jeune femme qui prend l’initiative : elle parle du prétendant à sa mère, qui envoie l’invitation. Richard Mèmeteau cite la sociologue Kathleen Bogle : «L’objet de l’appel (call) était de passer du temps avec la femme en question aussi bien qu’avec sa famille, particulièrement avec sa mère.» Le prétendant était donc convié à venir rendre des visites au domicile de la jeune fille, en présence de sa maman. On lui offrait à boire, on vérifiait son pedigree et, pour le distraire, sa dulcinée jouait un air au piano. «On donnait un peu d’intimité au jeune homme et à la jeune femme pendant un court instant, particulièrement si la mère savait que sa fille “aimait” vraiment le jeune homme» mais le but du jeu était de vérifier le sérieux du garçon. Serait-il suffisamment patient, fiable et convaincant ? «Dans le contexte de l’époque, explique Richard Mèmeteau, le contrôle opéré par les femmes se justifiait notamment par le poids et le sacrifice que représentaient un mariage et le paiement d’une dot. C’est celui qui avait le plus à y gagner qui devait prouver son engagement – en l’occurrence, le jeune homme». Dans ce monde, la rencontre est en apparence contrôlé par les femmes, mais celles-ci ne disposent pratiquement d’aucune autonomie. Pas de sexe avant le mariage, pas de mariage sans le consentement des parents.

A partir de 1920 : le dating

A partir des années 1920, c’est aux hommes de prendre l’initiative, en demandant un rendez-vous. Le verbe to date remonte au XIXe siècle. «Les classes populaires ne possédaient évidemment pas de petit salon pour y distraire leurs invités. Il fallait alors se donner rendez-vous à l’extérieur.» Le date a généralement lieu dans un café ou dans un cinéma afin d’échanger des baisers. Au fur et à mesure que les moeurs se libèrent aux Etats-Unis, le “date” finit par désigner les faveurs sexuelles que l’homme obtient d’une femme pour peu qu’il lui ait offert les pop-corps et l’entrée du drive in. Ayant assuré les frais du rendez-vous, il s’estime parfois en droit d’exiger «un peu de reconnaissance», sur le siège arrière de sa voiture. «En apparence libre, le jeu du dating favorise davantage les hommes. Particulièrement après la Seconde Guerre mondiale, le niveau de vie augmentant, les jeunes hommes bénéficient d’un coup de pouce économique qui accroît leur domination dans le jeu amoureux. Ce nouveau script est néanmoins vécu comme une libération : les jeunes peuvent se donner des rendez-vous, qui ne sont pas encadrés par les familles, dans l’unique but de s’amuser, de chercher le frisson.»

Dans les années 2000 : le hooking

Avec l’apparition de la pilule, puis des sites de rencontre, la culture du dating se sexualise de plus en plus et donne le hooking. Certains sociologues, comme Eva Illouz (dans Les sentiments du capitalisme) affirment que cela correspond à une «dérégulation» du marché matrimonial : «On a détaché la sexualité des anciennes règles sociales, morales ou religieuses qui l’encadraient. En culture chrétienne, la sexualité avait un telos, une finalité sociale, le mariage, et une finalité biologique, la reproduction. […] Avec la dérégulation, la seule éthique qui subsiste est celle du consentement : vous pouvez faire tout ce que vous voulez, pour autant que la personne avec qui vous le faites est consentante.» Richard Mèmeteau n’est pas d’accord avec cette analyse : ce qui émerge, dit-il, «plutôt qu’une dérégulation générale, c’est la constitution d’un groupe capable de dicter d’autres règles que celles de la mère». Ce groupe nouveau, ce sont les jeunes adultes des deux sexes qui le constituent, suivant des critères qui mettent peut-être à mal la morale bourgeoise, oui, mais sur le court terme. But du hooking : profiter de sa jeunesse… en attendant le moment fatal où il faudra rentrer dans le rang (fonder un foyer).

Le plan cul met-il en danger l’amour ?

Pour Richard Mèmeteau, la culture des rencontres en ligne ne remet pas fondamentalement en cause les normes bourgeoises. Même si, dans les faits, elle permet aux jeunes de s’adonner au sexe loin du regard des proches, l’amusement est de courte durée. Les femmes doivent se mettre en couple dès 28 ans pour obtenir un statut social. Par ailleurs, si elles veulent un enfant, mieux vaut qu’elle aient une base économique ou un mari pour les soutenir. Les hommes, eux, –n’ayant pas l’obligation d’exister socialement à travers un mariage–, peuvent profiter plus longtemps du hooking et s’amuser… jusqu’à 35 ans. L’idéal du couple continue de prévaloir. C’est sur le fond de ce contrôle social asymétrique (inégalitaire) que les relations hommes-femmes continuent d’exister… hélas. Pour Richard Mèmeteau, la liberté sexuelle octroyée par les nouvelles technologies reste donc limitée. La norme de la conjugalité continue de peser sur les femmes. Les hommes qui, du coup, se retrouvent plus nombreux sur les sites de rencontre jouent aux victimes, voire aux martyrs, et réclament la punition des coupables le plus faciles à identifier : les femmes, qui sont pourtant les premières à pâtir du système. Conclusion : il faudrait en finir avec la morale. Interrogé par Marianne (la journaliste Marion Rousset) le philosophe s’interroge : «Pourquoi le moindre contact sexuel devrait-il déboucher sur une grande relation amoureuse ?». A ses yeux, les rencontres en ligne offrent la chance d’offrir un «nouveau terrain de jeu pas encore répertorié sur la carte du Tendre.»

A LIRE : Sex friends. Comment (bien rater) sa vie amoureuse à l’ère numérique, de Richard Mèmeteau, éditions Zones, mai 2019.

SUR LE MEME SUJET : «L’amour est aveugle… enfin… disons, un peu ?» ; «Sites de rencontre : on n’est pas des produits !» ; «Les sites de rencontre libèrent-ils les femmes ?».«La «marchandisation du sexe», un concept pauvre»

novembre 28, 2019

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8:24

Un ex-commissaire et son Histoire de la fessée

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Un ex-commissaire et son Histoire de la fessée

Surnommé «commissaire polisson», Jean Feixas est un archiviste d'objets déviants, de perles curieuses. Son ouvrage sur l’histoire de la fessée vient d’être réédité en couleur, riche de 140 illustrations rares issues de ses collections personnelles.

Il a écrit sur l’histoire du pêt, de l’embonpoint, de la scatologie et de la prostitution de rue, ainsi que trois ouvrages avec Emmanuel Pierrat : l’histoire de la pilosité féminine (Les petits cheveux) puis masculine (Barbes et moustaches) ainsi qu’un «lexique littéraire et poétique» du sexe masculin. Plus que flic, Jean Feixas est avant tout un collectionneur de documents bizarres. Son parcours professionnel reflète bien le truculence du personnage : il aurait été successivement avocat au barreau de Toulouse, dessinateur de presse (Elle, Paris Match, Le Figaro…) et «super poulet». L’expertiseur Arnaud Thomasson, spécialiste des erotica, dit de lui que la Police «fut en quelque sorte son hobby». Il aurait d’ailleurs fait le tour de ses curiosités principales : Jean Feixas travaille dix ans dans la Police judiciaire (PJ), sept ans à la Police des jeux clandestins, quatre ans au contre-espionnage (dans la DST). Quand il prend sa retraite, il est alors commissaire à la brigade des moeurs… et à la tête de collections dont il lui faut parfois se défaire pour pouvoir en commencer d’autres. En novembre 2007, il vend à Drouot 140 oeuvres et accessoires liés à la prostitution. En 2010, il publie un ouvrage sur l’Histoire de la fessée qui contient 140 images (gravures, photos, peintures, affiches, etc) d’une autre de ses collections dédiée aux châtiments corporels.

Qui aime bien, châtie bien ?

Lorsque le livre est publié, Le Monde en fait une chronique enthousiaste : «cet ouvrage retrace d’une plume badine autant qu’érudite les heurs et malheurs de cette tape sur le derrière», résume la chroniqueuse Macha Séry (15 déc. 2010) qui salue un travail «singulier». Hélas, moins de quatre ans plus tard l’éditeur fait faillite. L’ouvrage de Jean Feixas, rapidement épuisé, atteint les 60 euros sur le marché de l’occasion. Il était temps de le rééditer. Les éditions La Musardine s’en charge, dans une version entièrement remaniée : format Beau Livre, images en couleur et texte réactualisé. L’histoire de la fessée fait son bain de jouvence, offrant la chance aux curieux-ses d’en savoir plus sur un sujet pratiquement vierge. A part Jean-Luc Hennig (Brève histoire des fesses, éd. Zulma, 2009) et Sébastien Hubier (Douces fessées, plaisantes caresses, éd. Le Murmure, 2012), aucun chercheur n’a exploré l’histoire de la fessée. Les seuls ouvrages disponibles sont l’Anthologie de la fessée et de la flagellation d’Alexandre Dupouy (La Musardine, 1998) qui compile des textes érotiques, l’Eloge de la fessée, de Jacques Serguine (Folio, 1976), mi-essai mi-fiction, et des recherches sur l’esthétique SM comme le magnifique Pensionnats Sadiques de Antonio Dominguez Leiva, (éd. Le Murmure, 2014).

Une «initiation» aux usages de la fessée

L’ouvrage de Jean Feixas est donc indispensable pour qui souhaite parcourir la fresque des punitions culières. Bien qu’il s’agisse d’un livre léger –compilation d’anecdotes plus ou moins rares, présentées de façon superficielle et non sourcées–, il est très agréable à lire et joue le rôle de mise en bouche pour des recherches plus approfondies. Vu l’étendue du sujet (la fessée en Occident, des origines à nos jours), il aurait été difficile d’être vraiment pointu. Jean Feixas joue donc les initiateurs, d’un ton volontairement désinvolte. Les chapitres couvrent toute une gamme de pratiques : fessée scolaire, fessée licencieuse, fessée religieuse, fessée médicale, fessée publique, fessée symbolique… On y apprend que les fessées des Lupercales donnèrent naissance à la Saint Valentin. Que Montaigne s’opposait à l’usage des fessées disciplinaires et que celles-ci «connurent leur plein emploi dans les collèges quatre siècles durant, du XVe au XVIIIe siècle. Les règlements étaient particulièrement sévères dans tous les établissements scolaires qui étaient alors tenus par des religieux. C’est au réfectoire, là où il y avait en général l’assistance la plus nombreuse, que les punitions étaient infligées, après les repas.» Les fessées étaient administrées par un «garçon des champs» qui avait pension gratuite en échange de ses services. Dans les collèges de Jésuite, en revanche il y avait un «frère fesseur».

«Il y a du vice partout»

On y apprend surtout que l’usage du martinet sévit dans la France de l’après-guerre. Inventé au XVIIe siècle par un tacticien militaire nommé Martinet (qui fut aussi l’inventeur de la baïonnette) afin de maintenir «l’ordre dans les troupes», le martinet se répand dans les familles. En 1961, une droguerie de la rue Montmartre en cède «cent cinquante par an. La proximité de rues chaudes y était-elle pour quelque chose ? On ne sait pas. […] En 1962, une autre enquête révélait que 200 000 familles en France étaient équipées d’un martinet.» Mais était-ce vraiment pour punir les enfants ? Jean Feixas se moque : «En 1995, une exploitante de bazar déclarait que c’était à Noël qu’elle en vendait le plus.» Il est peu probable que les enfants aient pu en demander comme cadeau !? Un pan du mystère est levé en 1996 : Suzanne Marache, entrepreneuse en martinets à Fétigny dans le Morvan et détentrice du «monopole féroce» déclare, dans France Soir, en vendre mille jour. Colossal ! «Si certains en veulent de spéciaux, ils viennent me voir avec le modèle et je leur fais. Ça ne me dérange pas ! De toutes façons, c’est toujours la même utilisation, c’est pour le derrière. Alors, je peux en faire des noirs, avec de longues lanières, des nattés… Il y a du vice partout.»

A LIRE : Histoire de la fessée, de Jean Feixas, éd. La Musardine, livre broché, sortie le 19 sept 2019.

POUR EN SAVOIR PLUS :

«Histoire de fesses»

«Je t’ai dans la fesse»

novembre 25, 2019

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11:18

Bouffées de chaleur : comment réagir ?

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A la ménopause, 70 % des femmes occidentales se plaignent de bouffées de chaleur. Une sur cinq le supporte très mal. Comment faire face ? Dans “La fabrique de la ménopause”, une sociologue livre les résultats de son enquête.

Lors de son travail de thèse, consacré à la ménopause (et publié sous le titre La fabrique de la ménopause, aux éditions du CNRS), Cécile Charlap rencontre une trentaine de femmes françaises, tous milieux confondus. Il s’agit de comprendre comment ces Françaises vivent la cessation des règles. Quelle expérience font-elles des fameuses «bouffées de chaleur», par exemple ? Première surprise : «certaines des femmes interrogées n’ont ressenti aucune de ces manifestations, au point de me confier qu’elles n’avaient pas vraiment vécu la ménopause. On mesure ici le poids des normes.» Pour Cécile Charlap, il est regrettable que le point de vue médical soit «le seul à être mobilisé au sujet de la ménopause». Quand il est abordé hors du contexte pathologique, le sujet est d’ailleurs perçu comme de «mauvais goût». Elle cite le cas d’une séquence mémorable sur la chaîne de télévision France 5.

Le discours médical : un cadre obligatoire

Lors de l’émission C à vous, le 5 janvier 2010, un invité (l’avocat Jacques Vergès) s’interroge : «quand j’entends parler de mon âge par Madame Alliot-Marie ou autre, je me dis “est-ce que je lui ai posé des questions sur sa ménopause ?”». L’un des présentateurs balbutie : «hou, bon…». La présentatrice intervient, le regard réprobateur : «bon, là, non, mais attendez, là, c’est une faute de goût, revenons à nos histoires…». Le sujet est escamoté. «Dans cet échange, les réactions gênées des présentateurs sont révélatrices. […] Face au dépassement de la limite du convenable, la présentatrice se fait instance de régulation […] : on n’évoque pas la ménopause d’une femme hors d’un cadre précis (magazines ou émissions dédiés à la santé ou aux femmes), d’un angle spécifique (les manifestations physiques) et sans acteur légitimé pour le faire (un médecin ou un membre de la communauté médicale). Hors de ce cadre normatif d’énonciation, l’évocation de la ménopause provoque le malaise.» Pour Cécile Charlap, l’incident est révélateur : le discours médical est le seul légitime (hélas) dans les médias.

«Evoquer la ménopause constitue une faute de goût»

La sociologue note que les femmes elles-mêmes n’en parlent que comme d’une maladie (honteuse). «L’objet des interactions est d’ordre symptomatologique. Hors du symptôme, les femmes n’évoquent pas l’expérience de la ménopause.» Elle cite plusieurs des femmes qu’elles a rencontrées :

«On dirait que c’est un truc encore tabou… Les personnes ont peur d’en parler parce qu’elles se sentent vieillir avec ce cap» (Monique, 57 ans, vendeuse).

«Ce qu’il y a, c’est qu’on veut pas admettre, comment dire, qu’on a vieilli… Parce que dans la conscience collective, être ménopausée, c’est ne plus être une femme, on te relègue parmi les… je sais pas, on te met au rebus quoi !» (Inès, 59 ans, agent immobilier).

«À mon mari je lui ai dit tout de suite pour la ménopause, je lui ai dit pour rigoler : “ça y est, t’as une vieille dans ton lit !” (rire), ça l’a fait rire !» (Pauline, 55 ans, assistante maternelle).

«S’il y a des soucis à la ménopause, on en parle, mais si ça se passe bien, si ça vous rend pas malade, ça sert à rien» (Roselyne, 54 ans, manutentionnaire).

Celles qui sont «pas gaies» et celles qui sont «énervées»

Bien qu’elles soient influencées par le discours médical, et n’appréhendent –de ce fait– la ménopause que comme un «désordre métabolique», les femmes vivent et affrontent ce désordre d’une façon différente selon leur milieu social. Première constatation : «les femmes de classes moyennes et supérieures […] évoquent un malaise en termes de baisse de moral, voire de déprime. […] Les propos des femmes de milieux populaires sont, eux, traversés par l’imaginaire des nerfs. Ces interlocutrices font part d’excitation, voire d’énervement.» Pour résumer : les femmes de milieux aisés ont «le moral qui flanche» alors que celles issues de milieux populaires «pètent les plombs». Deuxième constatation : les femmes vivant en contexte urbain et plutôt de milieux aisés ont tendance à prendre un traitement hormonal substitutif (THS) alors que celles vivant en contexte rural et issues de milieux populaires s’y refusent. Comment comprendre ces différences ?

Celles qui prennent un THS et…

«Pour les femmes vivant en contexte urbain, a fortiori appartenant aux milieux aisés, les bouffées de chaleur constituent l’irruption d’une nature instable et incontrôlée.» Elles ne supportent pas cette perte de maîtrise, qu’elles associent à l’indignité. La «honte» revient souvent dans leurs propos : devenir rouge et suante, dans le métro ou au travail, en plein milieu d’une négociation ? Pas question. Dans le «contexte professionnel où rapports de pouvoir et gestion de soi sont au coeur des interactions», il importe que le corps soit tenu sous tutelle. Une ex-cadre commerciale, Claude, raconte : «Les bouffées de chaleur, c’est embêtant. Quand tu étais, comme moi, en permanence avec des gens dans le boulot et que ça t’arrive sans crier gare, parce que tu n’es pas bien… Imagine que tu as 39 de fièvre comme ça, dans la minute qui suit !». Claude estime n’avoir pas eu le choix. C’est une question d’image. Il faut rester performante et professionnelle, c’est-à-dire «retrouver au plus vite un corps digne de confiance et une place légitime au sein des interactions», ainsi que le formule la sociologue.

… et celles qui prennent des tisanes à la sauge

Les femmes vivant en contexte rural, elles, perçoivent les bouffées de chaleur «comme une manifestation légitime de la nature en soi». L’une d’entre elles, Roselyne, manutentionnaire, explique : «La ménopause, c’est la nature, c’est comme l’eau, si elle coule dans un sens, si vous lui mettez un barrage pour qu’elle aille dans un autre sens, elle va y aller d’abord, et puis un jour ou l’autre elle ira dans un autre sens, c’est ça la nature, et la ménopause, c’est pareil, il faut laisser aller, sinon vous allez contre la nature». Pour ces femmes, la ménopause fait partie de la logique des cycles. Il s’agit de l’accepter, d’endurer patiemment ces manifestations corporelles «inévitables, pas toujours agréables, mais logiques : la nature a ses raisons que la raison ne connaît pas.» Dans leur majorité, les enquêtées issues de milieux populaires répugnent à user de «produits chimiques» et leur préfèrent des traitements aux plantes. A leurs yeux, les bouffées de chaleur sont l’expression légitime d’une nature dont leur corps fait partie.

A LIRE : La Fabrique de la ménopause, de Cécile Charlap, éditions du CNRS, février 2019.

CET ARTICLE FAIT PARTIE D’UN DOSSIER SUR LA MENOPAUSE :

«Ménopause : le début de la fin ?»

«La ménopause est-elle un «problème» de santé ?»

«Bouffées de chaleur : comment réagir ?»

ILLUSTRATION : Photo © de vasse nicolas,antoine sur Flickr, ici.

novembre 20, 2019

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13:18

Plaidoyer pour des toilettes mixtes

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Le système des WC séparés non seulement pénalise les femmes, mais contribue à renforcer une forme de ségrégation qui nourrit sournoisement la guerre des sexes. Si tout le monde partageait les mêmes lieux d’aisance, il y aurait moins de problèmes ?

«Je ne compte plus le nombre de fois où, m’arrêtant dans une station-service, j’ai pu accéder immédiatement aux urinoirs tandis que des dizaines de femmes étaient en train d’attendre devant les toilettes qui leur sont réservées (vous savez, celles avec le pictogramme de la personne avec une robe).» En janvier 2019, Thomas Messias publie un article sur Slate pour dénoncer le problème des toilettes séparées. Ca pénalise les femmes, dit-il. Sur le plan symbolique tout d’abord puisqu’elles partent avec ce handicap d’avoir à faire la queue, puis s’assoir, ce qui suppose toute une logistique. Sur le plan professionnel, également : beaucoup de femmes sont refusées comme apprenties ou à l’embauche parce que leur employeur serait forcé de faire aménager des sanitaires exprès pour elles. L’autre problème, avec la signalétique, c’est quand on est d’apparence ambigüe et donc mis-e à la porte des «mauvais» WC. Et puis surtout, l’ennui, c’est quand on est le père de petites filles qu’il faut accompagner aux toilettes (mais lesquels ?) Il serait temps d’en finir, conclut Thomas Messias, car ce système de division ne date guère que du XIXe siècle.

Hors de leur foyer, les femmes sont en danger

Les premières toilettes séparées remonteraient à 1739 en France (dixit le sociologue Sam Bourcier), mais c’est à partir des années 1830 que les pouvoirs publics systématisent la séparation sous couvert de protéger (sic) ce qui devient «le sexe faible». Il s’agit de répandre l’idée que les femmes sont vulnérables par nature (des proies). Elles ne sauraient partager les même espaces que les hommes (des prédateurs). Dans un article pour Slate, le journaliste Ted Trautman confirme : au XIXe siècle, la volonté de “protéger” les femmes (ou plutôt, de faire croire qu’elles ont besoin d’être protégées) se solde «par la création d’un étrange monde parallèle : des salles de lecture pour les femmes dans les bibliothèques, des espaces réservés dans les grands magasins, des entrées séparées dans les bureaux de poste et les banques, ainsi qu’une voiture dédiée dans les trains, placée volontairement à l’arrière, afin que les passagers masculins puissent de façon très galante être les victimes en cas d’accident.» Aux Etats-Unis, les toilettes séparées font partie d’un système comparable à celui de la ségrégation raciale.

Excrétion et miction : les besoins sont pourtant les mêmes !?

En France, même chose : le Code du travail impose des «cabinets d’aisances séparés pour le personnel féminin et masculin», dans les établissements qui emploient un personnel mixte. La loi préconise également des installations sanitaires genrées dans tous les lieux publics (bars, salles de concert, grands magasins), sous prétexte qu’il existe «une tradition de sanitaires séparés selon les sexes» (1). Mais quelle tradition ? En 1977, dans un livre coup de poing intitulé L’arrangement des sexes (la Dispute, 2009), le sociologue Erving Goffman dénonce : rien ne justifie de séparer les hommes des femmes. Physiologiquement, les besoins sont les mêmes. La ségrégation des WC n’est qu’un moyen de créer l’inégalité. Comment ? En faisant croire que les femmes ont besoin d’intimité et de sécurité. Pour Goffman, les toilettes séparées sont un outil au service d’une propagande délétère visant à faire de la femme un être inférieur (fragile), voire pire : une victime potentielle.

Les toilettes séparées sont un moyen de produire la différence

Dans un article consacré à la théorie de Goffman, le sociologue François de Singly résume : chaque fois que l’on pénètre dans des toilettes séparées, on est quelqu’un qui contribue à la production d’un monde binaire. Tout ce qui sépare les sexes en deux classes distinctes relève de la collaboration avec un ordre social asymétrique (femmes faibles, hommes forts). «L’existence de la séparation est nécessaire à la domination, explique François de Singly. Telle est du moins la thèse de Goffman. En se rendant aux toilettes, chaque homme ou chaque femme valide la séparation en deux mondes «sexuels», volontairement ou non, il contribue à la production et à la reproduction des «classes sexuelles», et donc à la justification de la domination masculine.» On pourrait trouver étrange ce raisonnement. Après tout, les femmes ne sont-elles pas les premières à exiger des WC «faits pour elles», des WC qui permettent de s’essuyer après le pipi ? Des WC intimistes, avec cabines individuelles ? Des WC dans lesquels on peut se refaire une beauté ?

Diviser pour régner / Réunir pour pacifier

Bien qu’ils soient hérités d’un période victorienne, misogyne et puritaine, les réflexes sociaux perdurent. La question des toilettes mixtes divise la société. Certaines femmes continuent de vouloir des WC pour elles, parce qu’elles craignent d’être importunées dans des lieux d’aisance mixte. De fait, la norme des toilettes séparées nous a formaté au point que toute forme d’intrusion est perçue comme une menace. L’existence même des WC séparés induit les individus à se conduire de façon agressive quand leur espace est pénétré. Depuis #MeToo le climat de défiance est devenu tel que beaucoup de femmes qui, auparavant, «coupaient la file» en allant chez les hommes n’osent même plus le faire. C’est le problème des revendications sécuritaires. Plus certaines personnes exigent des safe spaces, plus elles valident l’idée qu’elles ne sauraient sans danger se mélanger aux autres. Plus on sépare (sous couvert de protéger ou se protéger), plus on accrédite l’idée que les autres (ici, les hommes) sont des mufles agressifs… plus on légitime la violence. Voilà pourquoi il serait temps d’introduire des WC mixtes. Histoire de calmer le jeu ?

A LIRE : L’arrangement des sexes, d’Erving Goffman, éd. La Dispute (coll. «le genre du monde»), traduction Hervé Maury, présentation Claude Zaidman, 2002.

A LIRE : Compte-rendu du livre L’arrangement des sexes, François de Singly, dans «Critiques», Travail, genre et sociétés, vol. 8, no. 2, 2002.

A LIRE : « Marc Martin, Les tasses. Toilettes publiques, affaires privées », dirigé par Marc Martin, un beau livre de 300 pages, 240 photos (dont 120 d’archives), éd. Agua, 2019.

A VOIR :  « Les tasses », exposition gratuite du 19 novembre au 1er décembre, de 13h à 20h, au Point Ephémère (200 quai de Valmy, Paris 10).

NOTE 1 : PDF à télécharger sur le site du Ministère de la transition écologique et solidaire

CET ARTICLE FAIT PARTIE D’UN DOSSIER EN DEUX PARTIES : «Pourquoi faire des toilettes séparées ?» ; «Plaidoyer pour des toilettes mixtes».

ILLUSTRATION : carte postale, collection Marc Martin.

novembre 18, 2019

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9:26

Pourquoi faire des toilettes séparées ?

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Une exposition consacrée aux WC publics ? C’est l’occasion ou jamais de se demander à quoi rime la séparation entre toilettes pour hommes et pour femmes. Cette séparation, qui date du XIXe siècle, ne repose sur aucune logique rationnelle.

Au XIXe siècle, lorsque les pouvoirs publics, soucieux d’hygiène, installent des WC dans les rues, ils les réservent aux hommes. Mais pourquoi ? «Les vespasiennes devaient répondre aux besoins naturels de la population masculine. Et tant pis pour les femmes, qui se voient littéralement interdites d’uriner à l’extérieur de chez elles, assignées au statut de passantes furtives dans la ville.» Pour le photographe Marc Martin, commissaire de l’exposition Les Tasses, qui commence le 19 novembre au Point Ephémère, l’histoire des pissotières c’est avant tout l’histoire d’une ségrégation. «Pisser en ville au XIXème siècle reste une affaire de mecs qui renvoie aux prémices du féminisme et au questionnement sur les genres», explique-t-il, dénonçant avec virulence cette injustice qui consiste à exclure les dames des toilettes publiques, «sous prétexte de sécurité et de bienséance».

Les pissotières : symbole du patriarcat ?

L’exposition qu’il consacre aux pissotières, de fait, ne cesse de perturber. Elle remet en cause tous nos a priori. Vous pensiez que les lieux d’aisance ne présentaient aucun intérêt ? Pourtant, ils ont permis aux féministes de faire entendre leurs premières revendications. Elles se révoltent de ne pouvoir librement uriner : les rares lieux qu’on leur réserve sont payants, dans les parcs ou les grands magasins. En dehors ? Rien. De nos jours encore, lorsque la Mairie de Paris lance la très bonne idée des urinoirs écolos («qui changent le pipi en engrais pour fleurs»), Mymy, une journaliste de MadmoiZelle, s’offusque : ils sont trop hauts pour les femmes ! Elle critique «ces urinoirs, considérés par certaines comme des rappels que l’intimité des hommes est bienvenue dans l’espace public, alors que celle des femmes est vue comme honteuse.» Quelle injustice, souligne-t-elle : d’un côté les femmes sont critiquées lorsqu’elles sortent un sein pour allaiter, de l’autre «ces messieurs peuvent sortir leur teub en toute détente».

Que faire en cas d’urgence ?

Ce problème d’inégalité est ancien. Dans le catalogue de l’exposition, un beau-livre de 300 pages, abondamment documenté, Marc Martin rapporte qu’en 1850, une sage-femme dépose un brevet d’urinoir portatif féminin, une culotte étanche avec réservoir. Sans succès. «En 1859, des pavillons pour dames sont à l’étude ; ils le resteront des années durant, jugés trop encombrants pour être installés sur les trottoirs. En 1878, des water-closets ambulants, trainées par deux chevaux sont dessinés pour remédier à l’encombrement… des trottoirs ; mais pas à celui des boulevards. Les voitures à 6 cabines, dont une partie était réservée aux dames, ne vont pas circuler longtemps. C’est alors que des chalets d’aisance mixtes sont apparus. Aucun d’eux n’a donné entière satisfaction, ni sur le plan de la décence, ni sur le plan de la morale : “Dans les couloirs toujours trop étroits des chalets, les deux sexes se coudoient, […] non sans toujours choquer le sentiment très naturel et très légitime de la pudeur féminine”… rapporte-t-on au conseil Municipal de Paris en 1901.»

Toilettes communes : ça vous choque ?

Officiellement, ce sont les dames qui trouvent indécent d’avoir à faire leurs besoins dans des lieux de promiscuité. De nos jours encore, il semble d’ailleurs scandaleux que des hommes et des femmes puissent être amenés à faire leurs besoins dans un espace commun. La vision d’un pénis émergeant d’une braguette pourrait probablement heurter la sensibilité des femmes ? De même, les hommes pourraient trouver dégoutant que des beautés manucurées fassent entendre les bruits de leur défécation ? Il est courant de penser que la mise en place des toilettes séparées, si possible par une cloison parfaitement insonorisée, est quelque chose d’indispensable au maintien des bonnes relations hommes-femmes. Et si c’était faux ? L’exposition Les Tasses force le visiteur à réviser ses idées reçues : qu’est-ce qui justifie vraiment qu’on sépare les hommes des femmes, alors qu’il suffirait de séparer la position debout de la position assise ?

Les femmes aussi peuvent le faire debout

À Paris, c’est à la Mutinerie que ça passe. Pas besoin d’avoir un pénis pour utiliser l’urinoir. C’est écrit sur la porte ! «Le bar queer derrière Beaubourg instaure le concept des toilettes non-genrées et remplace les traditionnels pictogrammes Hommes/Femmes par la distinction pipi assis.e/pipi debout. L’enthousiasme d’une cliente est pragmatique : “C’est génial ! Je suis trop contente quand je peux passer avec mon pisse-debout devant toutes les filles qui font la queue.” L’équipe du bar a tout prévu : “les personnes qui ne posséderaient pas cet urinoir portable peuvent prendre un gobelet mis à disposition. Sur le côté, une affiche montre un schéma explicatif clair : il suffit de se positionner comme une chaise contre le mur, pour se soulager dans le gobelet que l’on vide ensuite dans l’urinoir”.» Hélas, ainsi que le souligne Marc Martin, «les perspectives de voir en France ces toilettes mixtes devenir une norme au-delà des murs de la Mutinerie restent faibles.» Pour quelle raison ?

La réponse mercredi.

A VOIR :  « Les tasses », exposition gratuite du 19 novembre au 1er décembre, de 13h à 20h, au Point Ephémère (200 quai de Valmy, Paris 10).

A LIRE : « Marc Martin, Les tasses », un beau livre de 300 pages, avec la contribution de Christophe Bier, Michael Bochow, Patrick Cardon, Sophie Danger, Ralf König, Gerard Koskovich, Bruce LaBruce, Sébastien Landrieux, Philippe Olivier, Florent Paudeleux, Didier Roth-Bettoni, Régis Schlagdenhauffen, Florence Tamagne, Claude-Hubert Tatot…

A PREVOIR : Conférence de Régis Schlagdenhauffen, le 22 novembre à 19h : « Quand le tribunal de Paris juge les outrages publics à la pudeur : archives de la drague homosexuelle dans les vespasiennes » (Accès gratuit dans la limite des places disponibles). Point Ephémère (200 quai de Valmy, Paris 10).

NOTE 1 : La prochaine étape de l’exposition de Marc Martin « Public Toilets, Private Affairs » aura lieu au Musée Leslie-Lohman, à New York, en septembre 2020.

CET ARTICLE FAIT PARTIE D’UN DOSSIER EN DEUX PARTIES : «Pourquoi faire des toilettes séparées ?» ; «Plaidoyer pour des toilettes mixtes».

POUR EN SAVOIR PLUS : «Tasse : le dernier salon où l’on ose ?» ; «Les pissotières : paradis perdu ?» ; «Pourquoi les autorités ont détruit les pissotières»; «Hygiénique ? Moi, jamais»

novembre 13, 2019

Lien pour 'Toute ma vie, j’ai rêvé d’avoir les fesses en l’air
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9:14

Toute ma vie, j’ai rêvé d’avoir les fesses en l’air

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Toute ma vie, j’ai rêvé d’avoir les fesses en l’air

En 1967, au moment même où l’héroïne de BD Natacha est créée, un nommé Celio Diaz jr réclame le droit de devenir “hôtesse de l’air”. Aux Etats-Unis, à l’époque, ce métier est réservé aux femmes : discrimination sexiste ?

Il y a plus de 50 ans, alors que la conquête spatiale mobilise toutes les énergies, un homme porte plainte pour une conquête bien plus importante à ses yeux : le droit à l’égalité. Celio Diaz jr, père de deux enfants, a un rêve : il veut faire partie du personnel de bord dans la compagnie d’aviation Pan Am. Mais c’est impossible. Depuis les années 1950, la plupart des compagnies commerciales ont en effet décidé d’écarter les hommes de leurs sélections. Il s’agit de séduire une clientèle essentiellement composée d’entrepreneurs fortunés, de célébrités et de capitaines d’industrie. Le recrutement vise des femmes sexuellement attirantes, c’est-à-dire jeunes, non-mariées, dotées d’une dentition parfaite et de mensurations correspondant aux critères stricts de l’entreprise. A cette époque la compagnie d’aviation PSA va jusqu’à mesurer le tour de cuisse des hôtesses. Delta leur impose le port d’une gaine afin qu’elles aient la taille de guêpe. United Airlines exige qu’elles portent des sous-vêtements blancs.

Les critères de sélection des hôtesses

Pour ce qui est de leur poids, jusque dans les années 1980, les hôtesses doivent subir la pesée : celles qui dépassent de 500 grammes le poids maximum autorisé reçoivent une «mention». Si trois mois plus tard elles n’ont pas maigri, une lettre de réprimande. Si trois mois se passent encore dans qu’elles perdent du poids, elles sont suspendues sans rémunération ou tout simplement licenciées. Dans Le Prix du sentiment, la sociologue américaine Arlie Russell Hochschild cite une hôtesse de l’air : «L’entreprise veut qu’on sexualise l’atmosphère de la cabine. Ils veulent que les hommes croient à cette atmosphère, parce qu’ils pensent que ce que les hommes veulent vraiment, c’est éviter la peur de l’avion. Alors ils imaginent qu’une légère excitation sexuelle aidera à faire oublier aux gens qu’ils sont en train de voler.»

L’hôtesse de l’air sur la ligne rouge entre pute et maman

Les hôtesses sont les éléments-clés des stratégies commerciales : les recruteurs des compagnies d’aviation savent que tout dépend du personnel à bord. L’hôtesse doit concilier très soigneusement les qualités d’une femme fatale et d’une épouse maternelle. Toujours aimable, elle doit être prête à répondre aux sollicitations des passagers et, si cela ne suffit plus, nourrir leurs fantasmes sexuels. Chaque compagnie possède d’ailleurs des attentes spécifiques concernant la «personnalité» que l’hôtesse doit enfiler comme un masque : «la “personnalité” de United Airlines, c’est celle de la “fille d’à-côté”, la baby-sitter du quartier devenue adulte. Celle de la Pan Am est sophistiquée, elle vient de la haute société et, même si elle est bienveillante, elle reste légèrement réservée. Celle de PSA est effrontée, sexy et elle aime s’amuser.» Il est bien sûr exclu, dans l’esprit des recruteurs, qu’un homme puisse remplir ce rôle.

Seule une femme peut assurer le bien-être des passagers ?

Mais Celio Diaz jr n’a cure de ces considérations. S’appuyant sur la loi de 1964 relative aux droits civils (qui interdit la discrimination sexuelle, religieuse ou ethnique), il se présente comme candidat une première fois. Lorsque sa deuxième tentative échoue en 1967, il porte plainte. Durant les quatre années qui suivent, la compagnie Pan Am tente de prouver que le fait d’être femme constitue une véritable qualification professionnelle et que seule une personne de sexe féminin est apte à assurer le bien-être et la sécurité des passagers durant un vol. La presse s’empare du sujet et fait barrage aux ambitions jugées absurdes, puériles, voire suspectes de Celio Diaz : un homme qui veut devenir hôtesse de l’air est-il vraiment un homme? Les journalistes ironisent ou se scandalisent.

Rassurer les hommes sur leur hétéro-conformité

Un psychiatre, Eric Berne, affirme publiquement qu’un stewart mettrait les passagers mal à l’aise parce qu’il «pourrait exciter des désirs… jugés indésirables». Le premier juge en charge de l’affaire donne raison à la vox populi : il établit que le fait d’être une femme est un pré-requis pour exercer le métier de personnel navigant parce que, suivant les termes de Berne, «les passagers mâles se sentent en général plus virils et donc plus à l’aise en présence de jeunes hôtesses de l’air.» Mais à l’époque, des féministes défendent les revendication de Celio Diaz. La plus célèbre d’entre elles, Ruth Bader Ginsburg, est une juriste spécialisée dans les cas de discrimination sexistes. En 1970, elle co-fonde le premier journal américain exclusivement consacré aux droits des femmes.

«Est-ce que des femmes regardent les hommes ?«

Cette même année, dit-elle, alors qu’elle déjeune avec des collègues dans un restaurant, l’un d’entre eux lui dit : «C’est bien ce que tu fais, Ruth, concernant l’égalité et tout ça… mais tu ne crois pas que ça va trop loin ? Tu connais le cas de de type qui veut devenir hôtesse de l’air ? C’est stupide non?» Ruth n’a même pas le temps de répondre que la serveuse qui s’occupe de leur table intervient : «Pardonnez-moi de vous déranger, mais je reviens juste d’un voyage. Sur le vol Alitalia où j’étais, il y avait un stewart vraiment adorable et mignon…» Les collègues de Ruth, stupéfaits, se tournent vers elle : «Est-ce que des femmes regardent les hommes de cette façon ?». Ruth répond : «Et comment !». Cette histoire, qu’elle raconte lors de son discours inaugural à la Cour Suprême en 1993, est souvent cité par les féministes qui luttent pour l’égalité homme-femme.

L’égalité sexuelle ce n’est pas lutter CONTRE l’objectification de la femme… c’est lutter POUR l’objectification de l’homme

Se battre pour des droits égaux, ce n’est pas se battre contre des représentations érotisées de la femme. C’est se battre pour que les femmes puissent, elles aussi, traiter les hommes en «objets sexuels». Fortes de cette conviction, beaucoup de femmes militent pour avoir elles aussi droit à des stewarts lorsqu’elles prennent l’avion. Il n’est pas certain, bien sûr, que leur voix ait été entendue, mais lorsque Celio Diaz saisit la Cour d’appel, celle-ci finit par lui donner raison. En 1971, la justice conclut que le métier d’agent de bord est d’assurer la sécurité des passagers, non pas de les rassurer sur leur virilité. La compagnie Pan Am est condamnée. Pour Celio Diaz, il est trop tard : il a dépassé l’âge limite de candidature. Mais grâce à lui les hommes peuvent enfin postuler, victoire.

Comme par un fait exprès, l’année 1971 voit paraître le premier album des aventures de Natacha l’hôtesse de l’air et de son fidèle comparse : un stewart, nommé Walter.

A LIRE : François Walthéry Une Vie en dessins, éditions Dupuis, mars 2019, 384 pages en couleur.

Le Prix des sentiments. Au coeur du travail émotionnel, d’Arlie Russell Hochschild, éditions La Découverte, coll. Laboratoire des sciences sociales, mars 2017.

NOTE : Pour le choix de la couverture des aventures de Natacha, l’auteur de BD belge François Walthery s’inspire des couvertures de Playboy. En dépit des réticences de son éditeur (Dupuis), Walthéry parvient à faire passer un gros plan sur Natacha, dont le buste semble littéralement déborder de la couverture. Charles Dupuis est choqué mais «l’honneur de la vénérable institution Dupuis est sauvé par une main gantée fort opportunément ajoutée par l’auteur pour atténuer l’effet de volume.» A l’époque, aucune féministe, semble-t-il, n’a jamais protesté contre la plastique généreuse de Natacha.

POUR EN SAVOIR PLUS : «Sur quelle compagnie allez-vous voyager cet été?» ; «Les leçons de morale du CSA» ; «Haro sur les publicités “sexualisées”».

novembre 11, 2019

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7:32

Toute ma vie, j'ai rêvé d'être une hôtesse de l'air

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Toute ma vie, j'ai rêvé d'être une hôtesse de l'air

Créée en 1967, Natacha hôtesse de l’air fait partie des premières héroïnes libérées de la BD franco-belge. A la même époque, un homme se rend célèbre aux USA, lors d’un procès retentissant pour l’égalité des droits : il veut être hôtesse de l’air.

L’histoire de Natacha, la célèbre héroïne de BD, commence en juillet 1963 : encore en culottes courtes, le jeune François Walthéry (16 ans) est conduit par sa mère à la rédaction du Journal de Spirou où le seul petit croquis qu’il a avec lui, dans son portefeuille, attire l’attention d’Yvan Delporte, le rédacteur en chef. Le voilà embauché comme assistant du créateur des Schtroumpfs (Peyo). Deux ans plus tard, François Walthéry se met à dessiner une pin-up au regard aguicheur. Elle lui trotte dans la tête. En 1967, il la montre à Yvan Delporte, qui la voit en hôtesse de l’air. «En 1967, celles-ci jouissent d’un statut particulier dans l’imaginaire masculin, comme en témoigne la chanson L’hôtesse de l’air de Jacques Dutronc, sortie quelques mois plus tard». Bingo, Natacha est née.

L’histoire est racontée dans la préface (1) d’un ouvrage intitulé François Walthéry Une Vie en dessins . Ce Beau Livre cartonné, magnifiquement mis en page, présente plus de 200 fac-similés de planches originales, des couvertures et des croquis présentant le travail de l’artiste, depuis ses débuts jusqu’à 2018 (lorsqu’il publie le 23e album des aventures de Natacha). En vedette, l’hôtesse de l’air occupe plus de la moitié du livre, en mini-jupe, en uniforme et parfois même… en bikini, mais de dos : «Si le journal consent à accueillir des héroïnes décomplexées, il convient toutefois de ne pas trop bousculer la morale maison au-delà de ce qu’elle s’est imposée comme bienséance depuis sa création, cent ans plus tôt.»

De fait, François Walthery nie avoir jamais montré les dessous de son héroïne : «Certains ont prétendu avoir vu sa culotte. Honnêtement, c’est moi qui dessine, et je ne me souviens pas pas avoir dessiné sa culotte» (entretien Circus, 1982). Sexy mais pas potiche, Natacha est d’ailleurs présentée comme une «féministe», «célibataire endurcie», «indépendante», «avec un métier» : «c’est un personnage qui travaille», insiste son créateur. Et même si Natacha fait figure d’idiote comparée à Barbarella (Forest, 1962), Valentina (Crépax, 1965) ou Laureline (Christin & Mézières, 1967), il faut tout de même reconnaître qu’au sein du Journal de Spirou, qui s’adresse à des enfants de 14-15 ans, sa présence détonne.

Dans la maison Dupuis, Natacha fait même un peu scandale. L’historien de la BD, Thierry Groensteen, raconte que Charles Dupuis, «dans les années 1950, refusa d’employer une femme mariée, la place de celle-ci étant au foyer». On mesure bien le chemin parcouru lorsque Spirou publie la première aventure de Natacha. Une blonde en mini-jupe qui prend les décisions, et qui relègue son équipier stewart (Walter) au rang de faire-valoir ? Elle apparaît pour la première fois dans le numéro du 26 février 1970. Soit trois ans après le lancement du projet… juste avant que le Mouvement de Libération des Femmes (MLF) voit le jour en France. L’hôtesse de l’air tombe à pic.

Quel rapport avec cet homme qui voulait être hôtesse de l’air ? La réponse mercredi.

A LIRE : François Walthéry Une Vie en dessins, éditions Dupuis, mars 2019, 384 pages en couleur.

NOTE 1 : La préface de la monographie a été établie par Christelle et Bertrand Pissavy-Yvernault en charge des Archives du Journal de Spirou.

novembre 06, 2019

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10:22

Tasse : le dernier salon où l'on ose ?

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Draguer dans les pissotières, on appelait ça "faire les tasses”, par allusion aux salons de thé chics. Dans “Les Tasses”– livre d'art et d'histoire, mêlant les témoignages de l'époque répressive à des documents rares et des photos allusives–, Marc Martin rend un extraordinaire hommage aux lieux d'aisance qui furent avant tout des lieux de malséance.

Les pères de famille pouvaient s’y adonner au «vice» et toutes les classes de la société s’y mélangeaient. Si les tasses ont été supprimées, affirme Marc Martin, dans un livre aussi beau que foisonnant, c’est parce qu’elles menaçaient l’ordre. Entretien.

De quand datent vos recherches sur les pissotières ?

 Ça remonte à une dizaine d’années. J’explorais des lieux abandonnés pour une série photographique sur les fantômes urbains. Dans une petite ville de Provence, je m’étais faufilé à l’intérieur d’anciennes toilettes publiques. Elles étaient fermées depuis des lustres car les graffiti dataient des années 1980. Leurs auteurs avaient peut-être disparu mais les traces de leurs fantasmes, elles, étaient restées là, au dos des cabines sur le carrelage jauni. En photographiant ces graffiti, j’ai été projeté dans une autre époque. Une époque où les hommes qui cherchaient à rencontrer d’autres hommes, surtout dans un bled paumé comme celui-là, n’avaient pas d’autre choix que celui de se retrouver, à l’abri des regards, dans l’anonymat des pissotières. C’est à ce moment-là que j’ai décidé, parallèlement aux photos, de me lancer à la recherche de ce passé imparfait.

Les pissotières ça pue, c’est dégoutant : vrai ou faux ?

C’est vrai, ça ne sentait pas la rose. Mais c’est là où mon travail entre en jeu : proposer un éclairage complémentaire sur le sujet. Libérer la parole des aînés ; redonner de l’estime à tous ces hommes qui jouissaient de l’ombre à défaut de pouvoir s’afficher au grand jour. Parce qu’en abritant ainsi les désirs condamnés par la loi, les tasses – à leur manière – ont aussi fait avancer l’Histoire.

Les pissotières furent un lieu de Résistance pendant la seconde guerre mondiale…  

Exact. Les Résistants utilisaient les vespasiennes pour se donner rendez-vous discrètement, pour s’échanger des informations, des petits colis. Ils écrivaient sur l’ardoise, entre les graffiti salaces, leurs messages codés. Les pissotières se sont même immiscées dans l’Affaire Dreyfus. Jean Jaurès et Georges Clemenceau en témoignent dans leurs écrits.

Quelles autres formes de résistance ont-elles favorisées ?

Une résistance, dans l’espace public, à l’hétéronormalité ! Les activités détournées dans les pissotières impliquaient des prises de risques considérables à l’époque. La police surveillait les endroits mais le désir de ces hommes était plus fort que l’oppression. En milieu hostile à l’homosexualité, les pissotières, aussi sordides soient-elles en apparence, ont bel et bien permis à des générations de s’émanciper. Ils vivaient là une liberté sexuelle qu’on ne leur accordait pas ailleurs. Quand bien même le danger, la puanteur…

Pour quelles raisons les autorités font-elles détruire les tasses ?

Au sortir de la seconde guerre mondiale, elles deviennent le bouc émissaire d’une nouvelle ère hygiéniste. Pourtant, à y regarder de plus près, si supprimer ces lieux de rendez-vous devient le nouveau combat des élus bien-pensants, c’est bien au prétexte qu’ils pervertissent la morale du pays. Devant les plaintes incessantes des bourgeois, Paris supprime d’abord les tasses des quartiers chics. Dans le collimateur, les circulaires à 3 places ! Parce que la place du milieu était toujours celle courtisée par celui qui fréquentait ces lieux par plaisir… et non par besoin.

Vespasienne circulaire à 3 stalles, Paris, 1948. Collection Marc Martin.

Est-ce que les pissotières, lieux honteux (à l’image de la sexualité qui s’y est développée), auraient pu survivre à une époque où être gay n’est plus illégal, ni réprimé ?

Il plane aujourd’hui sur la communauté LGBTQI+ un courant d’air «politiquement correct». Pour une partie des porte-paroles, être gay c’est aussi devenir respectable : s’afficher en couple monogame, fonder une famille sur le modèle hétérosexuel. Autrefois, les homos quittaient leur famille pour vivre librement. La liberté sexuelle était alors un moteur de revendication. Les tasses, selon le sociologue Michael Bochow, c’est le talon d’Achille du mouvement queer. Incompatibles aujourd’hui avec cette recherche d’identité sexuelle reconnue. Parce qu’elles incarnent le sexe immédiat entre partenaires anonymes. Parce qu’elles court-circuitent le schéma classique de la drague avec ses préliminaires. Pourtant, si les pissotières ont bien servi d’exutoire, elles ne se réduisaient pas uniquement à de la consommation sur place. Pour des milliers de couples, elles ont servi de point de départ à toutes sortes de relations. Mais c’est clair, aujourd’hui, elles feraient tâche dans le décor.

Longtemps Paris a été la capitale des pissotières…

Oui, Paris a longtemps été considéré, au-delà des frontières, comme la ville lumière aux mille vespasiennes. «Comment un Français saura-t-il qu´une des premières choses qui frappe l´œil de l´Américain débarqué à Paris, qui l´émeut et le réchauffe jusqu´aux entrailles, c´est cet urinoir omniprésent ?» écrivait Henry Miller dans Printemps noir (1936). Quand Alfred Hitchcock, convoque des journalistes devant une vespasienne pour une conférence de presse à Paris en 1969, c’est qu’elle est une figure emblématique de cette époque-là. Quand Gerard Koskovich, membre fondateur du musée LGBT+ de San Francisco, débarque à Paris pour la première fois, il part à la recherche des derniers édicules et de leurs petites histoires. Au même titre que les fontaines Wallace, les bancs publics, les réverbères, les pissotières faisaient partie du paysage urbain.

Arrive Chirac… Que se passe-t-il ?

Le Conseil de Paris vote, le 28 janvier 1980, la fin de la gratuité des toilettes publiques. Adieu les « vespasiennes à papa », et voilà qu’apparaissent les premières sanisettes, monoplaces, autonettoyantes et… payantes. Implantées sous le mandat de Jacques Chirac, alors maire de Paris, elles seront surnommées les Chiraquettes : «Chirac ? Tu chies, tu raques !»  C’est aussi l’époque où une brigade des Parcs et Jardins va être créée pour assurer la tranquillité de ses honnêtes citoyens. Pas de quartier pour la drague en plein air. Plus d’un siècle de mémoire collective à Paris va disparaître en quelques années seulement.

L’esprit puritain règne-t-il toujours sur la Capitale ?

Cette pudibonderie ambiante aurait même tendance à s’accentuer, non ? La frilosité des institutions parisiennes vis-à-vis du sujet, contrairement à Berlin ou New York, m’a fait prendre conscience à quel point la France est à la traine au niveau des questions liées à la sexualité, et plus encore à la diversité des sexualités. Il suffit de voir l’hystérie collective déclenchée par le mariage pour tous. Rudi Bleys, (ici, en vidéo) auteur de La géographie de la perversion (1995), déplore que ce genre de dessous urbain soit toujours censuré des archives officielles. L’éditeur Patrick Cardon (ici, en vidéo) s’étonne aussi que l’on fasse abstraction de ces pans de vies dans l’Histoire.  Un exemple : j’ai retrouvé des graffiti centenaires provenant des vespasiennes de Paris en 1910. Ils ont été retranscrits par Eugène Wilhelm (1866-1951) au cours de ses recherches pionnières sur l’homosexualité. Ce trésor d’obscénités éphémères, avec les mots d’argot de l’époque, nous éclaire aujourd’hui sur l’évolution des mœurs. Il brosse un tableau fabuleux du quotidien clandestin du Paris d’antan. Mais ces graffiti n’ont suscité aucune curiosité des institutions. Aucune ! Je vais cependant leur dédier une installation dans l’expo. Et qu’importe au fond si seule une posture artistique permet d’explorer cette sous-culture à Paris. L’avantage d’exposer au Point Ephémère, c’est d’avoir carte blanche et de pouvoir offrir un accès libre et sans filtre à cette mémoire urbaine déclassée. L’endroit, une ancienne friche industrielle, porte en lui les cultures alternatives (1). Situé de plein pied sur le canal à cinquante mètres d’un ancien lieu de drague notoire. La scénographie de l’exposition jouera avec cette notion d’espace privé dans l’espace public.

La haine des pissotières, n’est-ce pas la haine de nos élites pour les Gilets jaunes et pour la France populaire ?

L’une des caractéristiques des tasses se situe là : c’était un lieu de consommation sexuelle qui échappait à toute marchandisation. Désormais, pour se rencontrer il faut consommer un verre dans un bar, ou payer l’entrée d’un sauna, ou s’abonner à des sites de rencontres… «Je pouvais rentrer bredouille d’une boîte à l’époque, mais je ressortais rarement d’une tasse en n’ayant pas trouvé chaussure à mon pied, enfin si j’ose dire…» raconte Jean-Pierre (ici en vidéo) 73 ans et parisien. Le brassage social dans les pissotières est sans doute l’un des chapitres du livre qui me tient le plus à cœur. Car c’est l’un des aspects les plus valorisants de ces lieux dits glauques. Toutes les classes, cultures, générations s’y mélangeaient. Pour moi, ainsi que je le démontre dans le livre, les tasses ont posé les premières pierres du vivre ensemble. 

A FAIRE : Rencontre dédicace avec Marc Martin le 7 novembre, à partir de 19h, à la librairie Les Mots à la Bouche (rue Sainte-Croix de la Bretonnerie, Paris 4).

A VOIR :  « Les tasses », exposition gratuite du 19 novembre au 1er décembre, de 13h à 20h, au Point Ephémère (200 quai de Valmy, Paris 10).

NOTE 1 : La prochaine étape de l’exposition de Marc Martin « Public Toilets, Private Affairs » aura lieu au Musée Leslie-Lohman, à New York, en septembre 2020.

POUR EN SAVOIR PLUS : «Les pissotières : paradis perdu ?» ; «Pourquoi les autorités ont détruit les pissotières»; «Hygiénique ? Moi, jamais»; «Qu’est-ce qu’un homme ?»; «Trash culture : le fantasme de la souille»; «Des bagues à pénis qui sentent le sang et la vidange»

novembre 04, 2019

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12:14

Piercing, tattoo, suspensions : rites de passage ?

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Piercing, tattoo, suspensions : rites de passage ?

Les marquages corporels qui se répandent en Occident sont-ils comparables à ceux des sociétés traditionnelles ? Fakir Musafar, le père des bod mod, commence par se planter une aiguille dans le pénis "comme en Afrique", contribuant à répandre l'idée que les initiations tribales ne visent qu’à mesurer la capacité de résistance physique des jeunes gens. Que c’est le moyen pour eux de prouver leur valeur. Vrai ou faux ?

C’est l’histoire d’un petit garçon américain appelé Roland Loomis qui, vers 1940, découvre des photos d’«autochtones» africains, le nez percé avec des os, le corps orné de plumes. Il les trouve beaux. A l’âge de 13 ans, le petit garçon se transperce le prépuce à l’aide d’une aiguille. Fasciné par les rituels d’initiation, il se fait subir à lui-même, en cachette, toutes sortes de sévices. Dans la tribu Ibitoe (Papouasie-Nouvelle Guinée), les jeunes garçons –pour devenir adulte– doivent supporter de vivre avec une ceinture de constriction qui leur fait la taille de guêpe. C’est un signe de virilité. Le jeune Roland s’impose le port d’une ceinture de cuir qu’il serre jusqu’à atteindre un tour de taille de 60 cm. Il la garde jour et nuit.

«Il n’y a pas de douleur, il n’y a que des sensations intenses»

Toujours en cachette, il s’amuse ensuite à se scarifier et plante des aiguilles dans sa peau. A 17 ans, il se fait des marquages au fer rouge. Puis il se transperce les tétons et insère des tubes métalliques dans les trous, comme si c’était des défenses de phacochère. Après quoi –découvrant l’existence d’un ascète soufi (surnommé Fakir Musafar) qui aurait vécu plusieurs années avec des crochets plantés dans le corps–, Roland Loomis s’allonge sur des lits de clou et suspend à son torse de lourds poids reliés à des hameçons pour entamer des danses extatiques. Chaque expérience le met en transe. Il affirme être capable de changer la douleur en état second : «Il n’y a pas de douleur, il n’y a que des sensations intenses.»

Un des pionniers du piercing

Vers l’âge de 37 ans, comme les indiens mandans, il accomplit un rituel «O-kee-pa», suspendu face au soleil, par des crochets plantés dans la poitrine. La même année, en 1967, il invente l’expression «modernes primitifs» pour désigner les gens qui –comme lui– se percent, se tatouent et font des expériences pour soulager des «besoins primordiaux». A cette époque, Roland Loomis est directeur de publicité. Il vit en Californie dans ce qui est en train de devenir la Silicon Valley, un lieu de convergence entre les cultures underground (gay, SM, fetish…) et le mouvement New Age. En 1978, Roland Loomis fait son outing sous le nom de Fakir Musafar. Cette année-là, il signe sa première chronique dans la revue PFIQ (Piercing Fan International Quaterly), publiée par Jim Ward, le créateur du premier studio de piercing (Gauntlet).

Fakir Musafar, père du mouvement Modernes Primitifs

Idéalisant les sociétés traditionnelles qu’il prétend prendre pour modèle, Fakir Musafar popularise ses pratiques intimes, en les présentant comme des formes de néo-chamanisme. Il diffuse partout l’idée selon laquelle rien ne sépare les bod mod occidentales des marquages tribaux. Pour lui, idéalement, c’est pareil : les pratiques corporelles sont des moyens d’atteindre d’autres niveaux de conscience, explique-t-il, en brassant pêle-mêle techniques yoga et rituels d’initiation sanglants. Interrogé en 1989 par V. Vale et Andrea Juno dans l’ouvrage Modern Primitives (Re/Search), Fakir Musafar raconte : «Le premier état de conscience altéré, c’est quand vous vous séparez de votre corps. Ce n’est pas vous qui sentez la douleur, c’est le corps qui la sent et vous observez le corps qui enregistre cette sensation. Alors, pour vous, ce n’est plus de la douleur.»

Rites modernes : s’individualiser

Sous son influence, réactualisant le mythe du «bon sauvage», le milieu bod mod (body modification) s’imprègne d’une vision parfaitement édulcorée des rites de passage traditionnels. Ces rites sont présentés comme des épreuves spirituelles, parfois même comme des thérapies (1). Et si c’était une imposture ? Pour le sociologue David Le Breton, même si elles en miment le principe, «les marques corporelles de nos sociétés sont à l’opposé de celles des sociétés traditionnelles». En Occident, explique-t-il, ces marques sont réalisées en vue d’afficher sa différence : il s’agit de s’approprier son corps, de rompre symboliquement le cordon ombilical et d’affirmer avec force son individualité. Cette prise de possession du corps –en gravant dans sa chair une sorte de signature– est typique des sociétés individualistes qui imposent à chacun de prendre en main son propre destin.

Rites traditionnels : s’affilier

C’est tout le contraire dans les sociétés traditionnelles, explique le sociologue : elles n’encouragent pas leurs membres à se distinguer (se dé-marquer), au contraire. Dans ces sociétés, la marque est un moyen de tuer symboliquement l’individu, de le soumettre à la loi du groupe. «La marque traditionnelle est affiliation de la personne comme membre à part entière de sa communauté d’appartenance». Alors que dans nos sociétés, le corps percé-marqué est vécu comme un «lieu de liberté» (même si le choix de se marquer reste conforme à des valeurs socialement partagées), ailleurs c’est le lieu d’une intégration au collectif. «L’individu qui choisit un tatouage ou un piercing dit sa dissidence d’individu, sa quête de différence, là où le membre d’une société traditionnelle proclame son affiliation à une totalité symbolique dont il ne saurait se soustraire sans se perdre.»

Pourquoi tant de souffrances ?

Même si l’initiation comporte une part de mise à l’épreuve, il est donc réducteur de penser que la barbarie des rites de passage n’est infligée aux jeunes des sociétés traditionnelles qu’en vue de tester leur stoïcisme. Le but n’est pas non plus la transe, même si certains rites l’induisent. Dans un article intitulé De la torture dans les sociétés primitives (1973), l’anthropologue Pierre Clastres se penche sur l’enjeu de ces rites. Il s’agit tout d’abord de faire souffrir, dit-il. Beaucoup. «L’intensité de la souffrance, les initiateurs veillent à ce qu’elle parvienne à son comble. Un couteau de bambou suffirait amplement, chez les Guayaki, à trancher la peau des initiés. Mais ce ne serait pas suffisamment douloureux. Il faut donc utiliser une pierre, un peu coupante, mais pas trop, une pierre qui, au lieu de trancher, déchire. Aussi, un homme à l’oeil expert s’en va explorer le lit de certaines rivières, où l’on trouve ces pierres à torturer.»

«Désormais, vous êtes des nôtres»

Après avoir donné plusieurs exemples de ces cruautés, Pierre Clastres compare le rituel initiatique à une «pédagogie» qui consiste, pour la tribu, à faire rentrer une leçon dans la chair des jeunes gens : «Vous voilà membres à part entière de la communauté. Rien de moins, rien de plus. Aucun de vous n’est moins que nous, aucun de vous n’est plus que nous. Et vous ne pourrez pas l’oublier.» Comparant cette leçon à celle dont parle Kafka dans La Colonie pénitentiaire, Pierre Clastres affirme que lorsqu’une société inscrit le texte de la loi sur la surface des corps, c’est par mesure de prévention : il s’agit de mettre tout le monde à égalité et de désamorcer chez l’individu toute tentation coupable, aussi bien celle de régner sur les autres que celle de se soumettre. Dans les sociétés sans État, explique Pierre Clastres, tout est fait pour empêcher l’inégalité sociale.

«Tu n’auras pas le désir du pouvoir, ni celui de soumission»

«La loi, inscrite sur les corps, dit le refus de la société primitive de courir le risque de la division, le risque d’un pouvoir séparé d’elle-même, d’un pouvoir qui lui échapperait.» À l’inverse, dans les sociétés dotées d’un État (soi-disant plus avancées), l’individu délègue ses pouvoirs : il laisse au chef d’état le soin de diriger la nation, il s’en remet aux juges pour faire justice à sa place, il confie aux médecins la gouverne de son corps et au garagiste le soin de réparer sa voiture… En échange, l’individu se voit promettre la paix et la sécurité. Il bénéficie d’une protection. On lui épargne autant que possible la souffrance. C’est ce qu’on appelle le «contrat social». Un contrat de dupe, aux yeux de Pierre Clastres… Anthropologue anarchiste, il affirme tout au long de sa carrière (précocement interrompue par un accident de voiture, en 1977) que la violence est la condition sine qua non d’un équilibre des forces. Et c’est pourquoi, dit-il, la torture est infligée aux jeunes dans ces sociétés. Pour empêcher l’avènement d’un système bien plus coercitif et cruel : celui de la loi d’Etat.

A VOIR : Piercing, au Musée de l’homme, jusqu’au 9 mars 2020. La «première exposition jamais dédiée au seul piercing», explore cette pratique à la fois sur le plan historique et anthropologique (en remontant jusqu’à la préhistoire, - 46 000 ans). Commissaire scientifique: Franz Manni.

Musée de l’homme: 17, place du Trocadéro, 75016 Paris.

A LIRE : «De la Torture dans les sociétés primitives», Pierre Clastres, L’Homme, tome 13, n°3, 1973.

Signes d’identité. Tatouages, piercing et autres marques corporelles, David Le Breton, éd. Métailié, 2008.

« La peau entre signature et biffure : du tatouage et du piercing aux scarifications », David Le Breton, Revue de psychothérapie psychanalytique de groupe, vol. 57, no. 2, 2011.

NOTE (1) Dans Pagan Fleshworks, la psychologue Maureen Mercury affirme que les pratiques corporelles dites «païennes» permet de se reconnecter aux archétypes jungiens, aux chakras et aux énergies (sexuelles) supérieures.

Pour en savoir plus : une interview de Fakir Musafar dans La Spirale. Un magnifique et vibrant portrait de Fakir Musafar, par l’anthropologue Philippe Liotard.

CET ARTICLE FAIT PARTIE D’UN DOSSIER EN TROIS PARTIES : «Se faire une langue fourchue : un «truc de cinglées» ?», «Est-ce que ça fait mal ?» ; «Piercing, tattoo, scarification : rites de passage ?»

octobre 31, 2019

8:44

«Est-ce que ça fait mal ?»

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La première question que les gens lui posent. Georges répond : «Oui. Mais pas tant que ça.» Pierceur à Genève, il passe sa vie à transpercer des pénis, anneler des tétons et incruster des perles sur les pubis (entre autres).

Aux personnes qui ont vraiment peur, il conseille d’acheter une crème anesthésiante en pharmacie, tout en sachant… qu’elles ne le feront pas. «Je leur dis que ça fait partie du piercing de supporter la douleur, que ce serait de la triche de rendre cela moins douloureux. Les gens comprennent.» Non seulement ils comprennent, mais c’est pour cela qu’ils viennent. Pour cette douleur. Pour cette peur. Depuis 20 ans qu’il a créé son studio –Tribe Hole, à Genève– Georges a parfaitement conscience que son rôle est celui d’un initiateur. «Un studio de piercing n’a rien à voir avec un institut d’esthétique. S’il n’y avait pas l’épreuve de la souffrance, l’intérêt serait moindre.»

Du squat punk au studio de pointe

Son premier piercing, Georges le réalise dans un squat anar à Genève. Il a 17 ans, aucune perspective d’avenir. Ses piercings au visage contribuent grandement à le marginaliser : un septum, un labret, à cette époque c’est «vraiment choquant». Une amie punk venue de Lille lui demande un soir de la piercer. «Elle avait un aiguille et un bijou : est-ce que tu arriverais à le faire ? D’abord j’ai refusé qu’elle court aucun risque. Mais elle a insisté. J’ai fini par le faire. L’apprenant, d’autres personnes m’ont demandé. Je me suis renseigné partout, j’ai appris sur le tas. En fin de compte, ce n’est pas moi qui ai décidé de devenir pierceur, ce sont les autres. Ils venaient. Pour répondre à la demande, j’ai créé Tribe Hole, en 1999, par allusion aux rituels d’appartenance tribaux. Mais les trous avec des aiguilles… ça ne suffisait pas. Certaines personnes voulaient plus. Elles réclamaient des expériences plus puissantes, des modifications plus profondes. En 2005, j’ai demandé à Lukas Zpira de m’enseigner ses techniques… En parallèle, j’ai fait des expériences de suspension (inspirées du rite sioux de la danse du soleil), d’abord sur moi, puis avec d’autres personnes…»

Le piercing ne connaît pas la crise

Vingt ans plus tard, Tribe Hole est devenu le plus gros studio de Genève, avec une seconde enseigne à Martigny, des ateliers suspension et un festival annuel de performances. Chaque jour, dès l’ouverture, les client-es affluent. Ce sont souvent des jeunes qui fêtent leur anniversaire, l’obtention d’un diplôme ou le début d’un nouvel amour. Ce sont aussi des adultes qui testent leurs limites ou qui veulent se réparer. Shannon, psychologue, 35 ans, s’est fait poser un Venus (un bijou de pubis) après deux fausses couches. C’était, dit-elle, «pour me reconnecter avec ma féminité, une sorte d’hommage à la déesse que je suis (que nous sommes toutes)». Nicolas, comptable, 52 ans, possède un Prince Albert (un anneau situé sur la tête du pénis) dont la taille impressionnante –5 mm de diamètre– effraie parfois ses conquêtes : «Il y en a qui me demandent si je peux l’enlever, mais je refuse. Le but du PA est de donner plus de plaisir. Si le partenaire n’est pas convaincu, c’est tant pis pour tout le monde.»

Des bod mod pour «finir un cycle, entamer un nouveau»

Hasard étrange, le studio Tribe Hole se situe face à un cimetière (le cimetière des Rois) : «On se rend souvent chez moi pour couper les liens, dit Georges. Dans nos sociétés, les jeunes ont besoin de commettre des actes qui les séparent de papa-maman, histoire de dire “Mon corps m’appartient”». Dans un article consacré aux tatouages, aux piercings et aux scarifications, le sociologue David Le Breton confirme cette analyse : le signe corporel «est une cuirasse symbolique, une ligne de défense permettant éventuellement de se séparer des autres, des parents notamment, d’échapper au malaise de l’adolescence ou de prendre enfin corps dans son existence.» Mais le sociologue pousse plus loin sa lecture du phénomène : il y voit une forme exacerbée d’individualisme, une logique poussée «à son point culminant d’être jusqu’au bout le maître de soi». Dans les sociétés contemporaines occidentales, où chacun doit prouver qu’il est autonome, le besoin de se singulariser aboutit paradoxalement à des pratiques de marquage corporel partagées par des millions d’autres.

Il y a des blessures qui font sentir en vie

On pourrait bien sûr s’en moquer et dénoncer cette «société de l’apparence et du spectacle où le fait d’être visuellement distingué est une forme de salut», mais ce serait faire l’impasse sur la dimension singulière des bod mod : la douleur. On ne va pas dans un studio comme on irait s’acheter des baskets. Cela demande plus de courage. Il s’agit de se faire du mal à soi-même. Volonté de reprendre le contrôle sur soi ? Citant le cas de femmes victimes d’abus, David Le Breton rappelle qu’il n’y a rien de plus efficace, pour effacer une violence subie, que s’infliger une violence maîtrisée. «L’entame est un rétablissement brutal du sentiment d’être réel et vivant. Elle a cette vertu d’un rappel à l’existence concrète qui permet de reprendre son souffle, de se retourner contre sa souffrance en une soudaine volte-face. Elle restitue au sujet une initiative, une position d’acteur. Redéfinition provisoire des circonstances, elle éloigne le sentiment d’étouffement et d’impuissance.» Bien d’autres interprétations possibles bien sûr. Mais l’idée centrale reste : je sens, donc je suis. Je saigne et j’ai envie.

A VOIR : Piercing, au Musée de l’homme. La «première exposition jamais dédiée au seul piercing», explore cette pratique à la fois sur le plan historique et anthropologique (en remontant jusqu’à la préhistoire, - 46 000 ans). Commissaire scientifique: Franz Manni.

Musée de l’homme: 17, place du Trocadéro, 75016 Paris.

Tribe Hole fête ses 20 ans d’existence, en novembre 2019. Tribe Hole : 21-23 rue des Rois, Genève, Suisse.

A LIRE : Signes d’identité. Tatouages, piercing et autres marques corporelles, David Le Breton, éd. Métailié, 2008.

« La peau entre signature et biffure : du tatouage et du piercing aux scarifications », David Le Breton, Revue de psychothérapie psychanalytique de groupe, vol. 57, no. 2, 2011

Pour en savoir plus : l’émission radio Vacarme, sur la RTS, consacrée à Etienne Dumont. Un article d’Etienne Dumont consacré aux 20 ans de Tribe Hole, publié sur Bilan.

octobre 28, 2019

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11:55

La ménopause est-elle un «problème» de santé ?

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La ménopause est-elle un «problème» de santé ?

Depuis l’invention du mot “ménopause” en 1821, les femmes sont invitées à se «préparer» : les pires dérèglements menacent. A la différence des hommes qui ont le droit de vieillir en paix, elles sont endoctrinées avec des histoires de débâcle ovarienne. Intox ?

Dès la fin du XVIIIe siècle, certains savants mettent en garde : la fin des menstrues, disent-ils, entraîne de graves déséquilibres. Au XIXe siècle, ils dressent la liste des maux susceptibles de frapper les femmes : «bouffées de chaleur, vapeurs, insomnies, rêves fatigants, difficultés respiratoires, spasmes, troubles digestifs, hémorroïdes, infections de la matrice, voire cancers, polypes, hémorragies en tout genre, angines, ophtalmies, affections cutanées et rhumatismales, maladies nerveuses…». Dans La Fabrique de la ménopause, la sociologue Cécile Charlap déconstruit ce discours médical. Au fil d’une démonstration passionnante, elle affirme que la notion de ménopause a été inventée sur le modèle stigmatisant de la «maladie», afin de disqualifier les femmes.

La ménopause, construite comme pathologie ?

«Jusqu’au milieu du XVIIIe siècle, le vieillissement est pensé de manière identique pour les deux sexes», explique la chercheuse. Mais progressivement la différence des sexes est construite sur un principe d’opposition binaire : d’un côté le mâle fort, de l’autre la femelle fragile (1). Il s’agit de prouver que les femmes sont naturellement souffreteuses, voire débiles. L’invention de la ménopause comme pathologie n’a d’autre but qu’appuyer ce discours qui relègue les femmes à la maison (à la reproduction, au domaine émotionnel) et qui réserve aux hommes l’espace public (la culture, le domaine rationnel). Mis au point comme un outil au service de cette mise à l’écart, la ménopause conforte en Occident l’image d’un corps féminin soumis aux «vicissitudes de [son] système reproducteur»

Les théories farfelues sur la ménopause

Diderot dans Sur les femmes (1772) parle de la cessation des menstrues comme d’une «maladie longue et dangereuse». Dans les années 1820, les médecins déplorent que les maladies affligeant les femmes à «l’âge critique» soient inévitables : furoncles, hystérie, diarrhée, délire mystique… Ils imputent ces maux à un trop-plein de sang. «Le sang, n’étant plus attiré vers les organes sexuels, prend d’autres directions, et […] frappe en quelque sorte à toutes les portes pour trouver une issue», explique l’un d’eux. D’autres mettent en cause l’utérus qui, ne fonctionnant plus, «bouleverse la machine entière» et fait disparaître la «grâce féminine». En 1857, le gynécologue Edward Tilt note qu’«à ce tournant de leur vie», les femmes ont la peau si flasque qu’il leur faut «des pinces à épiler pour enlever de leur visage quelques poils épars» (?). Le docteur Gilbert Guyot, lui, parle de mamelles «longues et pendantes.»

Condamnée par ses ovaires ?

Au XXe puis XXIe siècle, le discours sur la ménopause n’évolue qu’en surface : toutes ces maladies sont maintenant attribuées à une carence hormonale. La cessation des cycles reste associée à l’image d’un corps déréglé. En cause : l’arrêt de l’activité ovarienne. Analysant le vocabulaire des ouvrages actuellement consacrés à la ménopause, Cécile Charlap note qu’ils se nourrissent presque exclusivement des discours médicaux qui non seulement réduisent la femme à sa seule physiologie, mais abusent de termes péjoratifs et inutilement alarmistes qui maquillent un processus naturel en séisme corporel : «perte de sensibilité», «altération du désir», «instabilité», «insuffisance hormonale», «régression», «déséquilibre», «complications».

«Sensibiliser» les femmes sur les «risques» ou… les catéchiser ?

Cette rhétorique médicale fait du corps féminin le lieu de tous les dangers. Cécile Charlap se moque : quand les médecins invitent leurs patientes à «planifier le suivi» de leur ménopause ils ne font que renvoyer les femmes à leur statut de malades congénitales. Pire : ils valident l’idée qu’en perdant sa fécondité, la femme perd bien plus que ça. Ce discours délétère participe d’une «dramaturgie» nuisible, proteste la sociologue. Alors que les hommes se voient accorder le droit de vieillir doucement, les femmes, en Occident, sont conditionnées à subir ce qu’on leur présente comme une «rupture biologique» brutale, généralement accompagnée de troubles honteux. Celles qui ne développent aucun des symptômes auxquels elles s’étaient préparées en viennent à croire qu’elles n’ont pas eu de ménopause. Quant aux autres, elles se voient offrir des traitements hormonaux qui les font saigner chaque mois, artificiellement, comme si –pour être une «vraie» femme– il fallait rester menstruée.

A LIRE : La Fabrique de la ménopause, de Cécile Charlap, éditions du CNRS, février 2019.

NOTE 1 : Jusqu’au XVIIIe siècle, en Occident, la femme n’existe pas. On la considère comme un homme inachevé (manqué, immature), dont le développement n’est pas abouti : chez elle le sexe est resté à l’intérieur. Le vagin est un sexe mâle, mais inversé. La différence des sexes n’est pas une différence de nature mais de degré. Pour en savoir plus : «L’invention de la femme : viens poupoule viens»

CET ARTICLE FAIT PARTIE D’UN DOSSIER SUR LA MENOPAUSE :

«Ménopause : le début de la fin ?»

«La ménopause est-elle un «problème» de santé ?»

«Bouffées de chaleur : comment réagir ?»

POUR EN SAVOIR PLUS SUR LES REGLES : «Ovulation = perturbation ?» ; «Pourquoi les femmes indisposées ratent la mayonnaise» ; «Retard des règles : peur et tremblements» ; «Pardon chéri, je suis souillée» ; «Saint Janvier, patron des menstrues ?» ; «Pour ou contre le congé menstruel» ; «Bloody Mary : un elixir d’immortalité ?» ; «Est-il normal d’avoir mal ?»

octobre 23, 2019

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7:44

Ménopause : le début de la fin ?

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Dans de nombreuses cultures, la sociologue Cécile Charlap montre que lorsqu’une femme cesse d’avoir ses règles, c’est un événement heureux. Dans l’Occident contemporain, en revanche, “ménopausée” relève du stigmate.

Version remaniée d’une thèse de doctorat préparée sous la direction de David Le Breton, à l’université de Strasbourg, La Fabrique de la ménopause (éditions du CNRS, 2019) questionne le vocabulaire lié à la ménopause en Occident : «involution», «déficience», «dégénescence». Pourquoi la fin des cycles est-elle vécu comme la fin tout court ? Enquêtant sur ce qu’elle appelle «la culture de la ménopause» –une culture qui voit le jour au XIXe siècle, sous l’impulsion des médecins–, Cécile Charlap s’étonne : la représentation des femmes qui ne saignent plus est extrêmement différente selon les pays. «Dans certaines sociétés traditionnelles, la ménopause va de pair avec un accroissement des possibles et des pouvoirs.» Ainsi, chez les Baruyas en Nouvelle-Guinée, les femmes qui ne sont plus réglées peuvent s’arroger «des libertés de parole et d’action» qui leur permettent non seulement de jouer des rôles politiques mais de participer aux décisions lors de conflits et de guerres.

Femme ménopausée : libérée

Puisant dans les travaux d’ethnographie, Cécile Charlap donne plusieurs exemples significatifs de cette conception «positive» de la ménopause. «Au sein de la société Gouro, en Côte-d’Ivoire, les femmes ménopausées peuvent participer aux sacrifices pour les ancêtres. […] Chez les Indiens Piegan au Canada, à partir de la ménopause, certaines femmes peuvent devenir “femmes à coeur d’homme” et développer des pratiques réservées aux hommes.» Elles chantent des chants virils et interviennent dans les conversations d’homme, signe de leur émancipation. Chez les Lobi, au Burkina Faso, la cessation des règles marque de façon similaire le début d’une nouvelle vie, enfin libérée des tabous du sang : les femmes devenues infertiles acquièrent une position sociale plus élevée et le droit de manipuler les outils cultuels, à l’instar des hommes. «Une femme ménopausée, ce n’est plus une véritable femme», «c’est comme un homme» disent les Lobi. Entendez par là : un être puissant. Chez les Beti au Cameroun, on parle de nya mininga : une «femme importante», capable de siéger au tribunal coutumier.

Tabou du sang féminin : une histoire de pôles

Comment comprendre que la fin des règles marque si souvent l’accès des femmes au pouvoir ? Simple. Il suffit de relire Françoise Héritier ou Alain Testart. Suivant la loi de polarité, «les contraires s’attirent et les semblables se repoussent». Cette loi s’applique couramment dans l’univers symbolique du sang. C’est la raison pour laquelle les femmes menstruées sont exclues des activités qui visent à faire couler du sang : étant donné qu’elles saignent, elles feraient tout rater. Un autre sang ne peut pas couler en leur présence. Voilà pourquoi, pratiquement dans le monde entier, tuer est un travail d’homme. Les femmes sont écartées des activités guerrières ou chasseresses mais aussi des cultes religieux (car ils impliquent le sacrifice), du travail de la forge (car le métal en fusion évoque le sang), du travail de la vigne (car le jus de raisin est pourpre) et même du travail des ruchers (car le miel est le sang des fleurs). J’en avais déjà parlé dans un article sur la mayonnaise : le phénomène des menstrues est jugé, presqu’universellement, incompatible avec une fonction impliquant le contact avec du sang.

Ménopause : un mot issu du vocabulaire médical

Dans beaucoup de cultures, cet interdit posé sur les femmes fertiles est naturellement levé quand elles cessent d’avoir leurs cycles. Dès qu’elles sont ménopausées, elles peuvent brusquement prendre part aux activités d’hommes. Elles deviennent puissantes. Elles sont enviées. Au pire, leur ménopause est un non-événement. Dans certaines langues, aucun mot n’existe pour désigner la fin des cycles et les femmes n’y accordent aucune importance. Dans l’Occident contemporain, en revanche, les représentations courantes de la ménopause se nourrissent presque exclusivement des discours médicaux, qui assimilent la fin des règles à une forme de pathologie. «Avant le XIXe siècle, le terme “ménopause” n’existe pas. Jusqu’au XVIIIe siècle, dans les traités de médecine, on évoque la “cessation des menstrues”. La notion d’“âge critique” est ensuite utilisée […]. En 1821, le terme “ménopause” apparaît sous la plume de Charles de Gardanne, médecin français, dans son ouvrage De la ménopause ou de l’âge critique des femmes.»

Faut-il avoir peur de la ménopause ?

S’intéressant à la ménopause sous le seul angle physiologique, les médecins «l’appréhendent comme une carence hormonale, associée à un ensemble de troubles (comme les bouffées de chaleur) et de risques (comme l’ostéoporose) qu’il convient de limiter par des traitements adaptés». Dans sa préface à l’ouvrage La Fabrique de la ménopause, Vincent Caradec, professeur de sociologie à l’université de Lille, souligne l’aspect délétère de ce discours pathologisant, largement diffusé par les médias, et que Cécile Charlap retrouve dans les propos des femmes rencontrées au cours de son enquête. Pour la plupart d’entre elles, la ménopause est «une expérience de la perte et du déclin», un dysfonctionnement qui menace leur féminité et qui les exclut d’un monde où «les vieilles» sont disqualifiées. Il serait peut-être temps d’en finir avec cette culture, suggère la sociologue, invitant ses lectrices à prendre leurs distances par rapport au concept même de ménopause.

La suite dans le prochain article, lundi.

A LIRE : La Fabrique de la ménopause, de Cécile Charlap, éditions du CNRS, février 2019.

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«Ménopause : le début de la fin ?»

«La ménopause est-elle un «problème» de santé ?»

«Bouffées de chaleur : comment réagir ?»

octobre 21, 2019

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10:38

«Ce corps d’homme imposé à mon âme»

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En 2009, l’écrivaine suisse Dunia Miralles fait la rencontre d’un homme habillé en femme. «Je suis immédiatement tombée amoureuse d’elle. Nous sommes restées cinq ans ensemble.» De cette histoire, elle tire un récit sobre, direct, intitulé “Mich-el-le”.

Ecrivaine, metteure et scène et performeuse née à Neuchâtel, Dunia Miralles ne s’intéresse qu’aux amours hors-normes. Enfant, la mièvrerie des filles de son âge et le conformisme des adultes la révoltent. Ado, elle fait des «bêtises» puis trouve sa place dans les milieux underground. Elle devient célèbre avec un roman aux allures d’autobiographie –Swiss Trash (2000)– rapidement suivi d’oeuvres parlant de marginalité (Fille facile, 2012) ou de chômage (Inertie, 2015), avant de se lancer dans une veine gothique (Folmagories, 2018). En février 2019, elle écrit le texte de Coco, un album photo consacré à la première transgenre opérée en Suisse : «la performeuse et mannequin Coco qui vécut vite et mourut jeune.» Quelques mois plus tard, elle publie une nouvelle coup-de-poing dans Chairissons-nous, questionnant la façon dont les hommes et les femmes disciplinent leurs sentiments et leur image afin de respecter les normes. «On prétend que les femmes doivent aimer pour baiser», écrit-elle, moqueuse. Mais au fait, que veut dire femme ?

Que signifie être une femme ?

Cette question trouve sa meilleure réponse dans un texte publié en 2016 : Mich-el-le (L’Âge d’homme), accompagné d’une postface du psychologue Antoine Roulin, spécialiste de l’intersexualité. C’est «un court roman inspiré par une relation amoureuse que j’ai eue avec une personne transidentitaire, explique Dunia. Il-elle faisait un travail considéré comme très viril, à savoir sapeur-pompier professionnel. Mich-el-le est actuellement retraitée, ce pourquoi je peux en parler. Au moment de l’écriture du livre, dans sa caserne, aucune femme n’exerçait ce métier. La loi leur permettait de postuler mais elles n’étaient pas les bienvenues, donc écartées pour des motifs fallacieux. Michel (Michelle) malgré sa souffrance, cachait donc sa nature profonde. Il-elle avait de hautes fonctions de commandement.» Afin de ne pas trahir son amante, Dunia Miralles transpose son récit dans le milieu des ouvriers du bâtiment. Pour créer son personnage, elle demande à des amis maçons «ce qui se passerait», si l’on découvrait l’existence d’un gay ou (pire) d’une trans parmi les membres de l’équipe. Réponse : du sabotage, d’abord.

Uriner sur un crépi, «dégâts garantis»

Puis du vol. Facile de faire disparaître les outils d’un collègue. Après quoi, la méthode forte. «Sur un chantier, beaucoup d’objets chutent. Des bouts de bois, des lattes, des briques. Tout peut arriver.» Si elle exerce un «métier d’homme», impossible pour une trans d’afficher ce qu’elle est. Dans le roman, écrit à la première personne, Michelle se sent prise au piège : «Me sauver ! Me sauver de ce corps»… Mais comment ? «Si je décidais de le saturer d’hormones, de l’opérer, quelle vie m’attendrait ? Je serais obligée de quitter le chantier. Dans quoi je me recyclerais, à mon âge ? Je ne sais que maçonner». A défaut d’entamer sa transition physique, Michelle s’habille en secret : soutien-gorge, culottes douces, bas soyeux. Elle achète des chemises de femmes, parce que ces chemises se boutonnent à gauche et elle favorise la couleur rose dans ses choix de dessous, ce qui provoque la colère d’une amie, féministe : «Tu n’aimes que le rose, les dentelles à la con et les bijoux de pacotille ! T’as des goûts de petite fille !».

Porter des lingeries pour être femme ?

Dunia Miralles avoue qu’«au début» de sa relation, elle se sentait heurtée par l’obsession de Michelle pour les tenues ultra-féminines et pour le maquillage. «Il ne me viendrait pas à l’esprit d’aller en randonnée en jupe, bas et porte-jarretelles avec un sac de 35 kilos sur le dos». Michelle le faisait. «Je la trouvais parfaitement absurde. Cela m’agaçait d’autant plus que nos arrière-grands-mères se sont battues afin que les femmes puissent s’habiller confortablement. Mais avec le temps j’ai fini par comprendre. N’étant ni hormonée ni opérée, Michelle ne pouvait faire autrement.» Dans le roman, Michelle passe son temps à fantasmer sur les dessous. Il n’existe aucune autre manière d’exprimer ce qu’elle est. Elle ne milite pas pour la cause LGBT. Elle ne défend pas la théorie du genre. Elle veut juste se fondre dans la majorité. Obsédée par le désir d’être enfin validée, reconnue, elle se promène parfois seule dans les rues, la nuit, afin que des passants la prennent pour une femme. «Quand personne ne nous voit, on est rien», dit-elle, crevant de vivre dans l’imposture que représente son statut d’homme.

Se faire siffler pour être femme ?

Une nuit, des jeunes en voiture la sifflent : «T’es bonne !» Elle se sent fière. Tellement fière qu’elle réveille une amie au téléphone pour lui raconter son exploit. Des mecs l’ont «prise pour une jeune ovarienne» ! L’amie lui demande : «Tu as eu peur ?» «Je n’avais pas eu peur. Au contraire, j’étais très contente qu’on m’ait trouvée belle et désirable, mais j’ai senti que ce n’était pas la bonne réponse. Sa réplique m’a détruite : “T’es vraiment un homme ! Tu crois que t’es une femme, mais t’es un homme ! Si tu étais une femme, tu aurais su que tu étais en danger et tu serais morte de trouille.”» Humiliée, Michelle apprend ce soir-là qu’être une femme n’est pas faire illusion dans des vêtements et des postures de femme. C’est plus compliqué. Mais comment le formuler ? Etre une femme, c’est avoir peur ? Peur de passer pour une pute ? Peur d’une agression ? Peur d’être celle sur qui la «faute» est reportée ? Finalement, aucune réponse n’est satisfaisante.

QUESTION A DUNIA MIRALLES :

Que pensez-vous de la phrase «Je suis né-e dans le mauvais corps» ?

Qui est né dans le bon corps ? Dans le bon pays ? Dans le bon milieu social ? Je crois que nous sommes nombreuses et nombreux à ressentir cette impression de ne pas être né-e-s au bon endroit, dans le bon corps – trop gros, trop maigre, avec une peau trop grasse, trop sèche, avec des cheveux trop lisses ou le nez trop aquilin, etc, et à le ressentir comme une injustice. Maintenant transposons ce mal-être, cette sensation d’injustice parfois provoquée par un simple détail comme une insignifiante bosse sur le nez, à la conviction, au ressenti profond, que la nature s’est trompée du tout au tout. Que notre corps de femme devrait être celui d’un homme ou vice versa. Horrible, non ? Devoir jouer à une personne que l’on n’est pas à chaque instant de notre vie. Sans aucun moment de répit, sous peine d’être moqué-e, battu-e, violé-e, humilié-e, de perdre notre famille, nos amis et notre travail. C’est d’autant plus odieux et perturbant que, dans notre culture – ne connaissant pas les autres, mes mots n’engagent que notre civilisation occidentale – de notre naissance à notre mort, tout est genré. Pire : plus on lutte contre la genrisation, plus les grandes entreprises, pour des raisons purement financières, afin de vendre deux produits plutôt qu’un seul, séparent les genres. Certains fabricants de biscuits en viennent à genrer les biscuits pour les enfants, en créant des emballages de biscuits pour les garçons et d’autres pour les filles, alors qu’un biscuit au chocolat reste un biscuit au chocolat quel que soit notre genre. Et même si le goût était différent de l’un à l’autre, qu’insinue-t-on dans l’esprit des enfants ? Qu’une fille doit aimer la fraise et un garçon le citron ? Qu’aimer le citron fait d’une fille un «garçon manqué» ? Qu’aimer la fraise étiquette d’emblée le garçon de «lopette» ? Exaspérant, ridicule et dangereux.

A LIRE : Mich-el-le, une femme d’un autre genre, de Dunia Miralles, éd. L’Âge d’homme, 2016.

POUR EN SAVOIR PLUS : «Le désir féminin existe-t-il ?» ; «Pourquoi les femmes dominent le marché du sexe ?» ; «Une image peut en cacher…» ; «Body positive, une imposture»

octobre 16, 2019

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7:49

Jarman : cinéma nucléaire et sensations fortes

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Performances explosives, sonores et visuelles, les séances du LUFF (Lausanne Underground Film & Music) accueillent cette année plusieurs films de Derek Jarman, le cinéaste culte de l'ère punk. L'occasion de relire son livre-testament : “Chroma”.

Le 31 mai 1992, Derek Jarman note dans son Journal : «Cette nuit, j’ai rêvé que j’écrivais un livre sur la couleur.» Déjà, dans son film Shadow of the sun, la lande était orange et le ciel rouge, comme si l’oeil pouvait capter dans tous les spectres de couleur. Suite à ce rêve étrange, Derek Jarman écrit le livre. Il l’achève au printemps 1993, quelques mois avant sa mort. Il avait annoncé dès 1986 qu’il était séropositif. Durant les dernières années de sa vie, Jarman consacre une partie de son temps à faire pousser des fleurs dans son jardin, à Dungeness : acanthes, anémones, mauves, sanguines et bourraches. Autour de ces fleurs aux teintes vives, alors qu’il est gravement malade, il dresse des cercles de pierre et des pieux protecteurs. Le traitement qu’il subit pour combattre le sida lui fait graduellement perdre la vue. «Faire pousser des couleurs, alors même que l’oeil ne peut presque plus les voir», résume Michel Valensi, qui édite et préface ce livre, le dernier, de Jarman. Son titre : Chroma. Sous-titre : Le livre des couleurs (aux éditions de l’éclat).

Le livre né d’un rêve

Pour l’écrire, alors qu’il devient aveugle, Jarman s’habille dans la couleur sur laquelle il se concentre. «Jarman doit subir fréquemment des tests oculaires. La rétine est endommagée ; il a des éblouissements. Pour écrire le chapitre sur le jaune, il met son pyjama jaune. Le rouge est écrit presque entièrement à l’hôpital, entre quatre heures et cinq heures du matin, avec un tee-shirt rouge de chez Mark & Spencer. La couleur doit être tactile. Bleu est repris du film Blue, qui sera présenté à Venise en 1993. L’écran est bleu. Le texte défile.» Le bleu est la dernière couleur que Jarman peut distinguer. Au moment de basculer dans les ténèbres, il ne consacre pourtant pas son dernier chapitre au noir mais… à la transparence. «Le verre est la clé de l’exploration de notre univers, écrit-il. C’est à travers un verre que Galilée a exploré le système solaire ; c’est un prisme de verre qui a révélé le spectre à Newton. Au dix-septième siècle, les découvertes progressaient en même temps que la manufacture du verre.» Puis, citant Georges Herbert, il écrit : «Un homme qui regarde du verre, / […] il passe au travers / Et aperçoit le paradis.»

La transparence est-elle une «absence» ?

De cette «absence de couleur» qu’est la transparence, Jarman suggère qu’elle constitue une des clés de son oeuvre. Il filme souvent des acteurs qui frappent leur visage à des vitres, comme dans Jubilee, ou qui se heurtent au vernis glacé de tableaux anciens, comme ce garçon drogué torse-nu qui –dans The last of England– tente vainement de s’unir à un ange peint sur une toile. Les prismes qui fascinent Jarman occupent aussi le coeur de ce film étrange –In the shadow of the sun– dont les séquences ralenties à 3-6 images par seconde semblent se mouvoir comme à une distance infinie. De fait, le charme ensorcelant du film provient sûrement du fait que ses images n’affleurent à l’écran que par transparence, à travers plusieurs strates de pellicules. Les scènes les plus anciennes – tournées en Super 8 entre 1972-74 – ont été superposées à une bande de 1980 intitulée «Voyage en voiture à Avebury» et passées à travers des filtres d’écarlate ou de rose saumon. Le montage aurait ensuite été refilmé en 16mm, ce qui fait dire à Rowland Wymer, un des biographes de Derek Jarman : «La dégradation de l’image causée par ce re-filmage d’images en couches multiples leur donne un mystère/une énergie chatoyante comme ce tableau Les Nympheas de Monet.»

Bande-son Dark ambient : noir, c’est noir

Le titre du film, In the shadow of the sun, est emprunté à un texte d’alchimie du XVIIe siècle qui désigne la pierre philosophale sous l’épithète «ombre du soleil». Les images du film montrent le ballet suspendu de danseurs masqués, des ébauches de gestes, des flammes, un texte composé sur une machine à écrire et la route qui défile en direction d’Avebury, le plus grand Cromlech (cercle de pierres) d’Europe, près de Stonehenge. Lorsque Jarman achève le film, il demande au groupe Throbbing Gristle de composer une bande-son dont les nappes sonores, sombres et atmosphériques, sont traversées par l’énumération presque inaudible des cartes du tarot. Projeté en 1981, au festival de Berlin (1), le film ne manque pas de susciter toutes sortes de spéculations. Certains spectateurs notent qu’un des masques du film rappelle curieusement la tête de chacal d’Anubis, le dieu égyptien chargé de conduire les morts dans l’autre-monde… Derek Jarman se plaignait que «les spectateurs se soient concentrés sur les sens cachés du film au lieu de se laisser emporter par la toile sonore et visuelle des images aléatoires.»

Faire du cinéma un pierre philosophale

Pour le voir, il est de fait recommandé de lâcher prise car le film est censé agir à un niveau psychique plus profond que le niveau strictement analytique ou rationnel. Hypnotique, envoûtant, In the shadow of the sun opère à la façon d’une rêverie expérimentale ou d’un processus alchimique. D’une certaine manière, ce que Jarman voulait ce n’était pas faire du cinéma, c’était plutôt –par le moyen du cinéma– extraire «l’esprit» d’un corps comme on extrait l’essence volatile des fleurs. Pour lui, le cinéma était la pierre philosophale qui peut changer la matière en or.

Danse macabre nucléaire et backroom SM

C’est tout particulièrement le cas avec ses oeuvres composées en cut-up et qui alternent/superposent des scènes filmées en super8. Si on les laisse agir, ses oeuvres prennent l’épaisseur de cauchemars érotiques ou d’obsessions lancinantes. Dans The Last of England, les images stroboscopiques, pareilles à des décharges, mettent en scène la fin du monde dans des décors de friches industrielles où des bandes de skins et de jeunes soldats se mordent à pleine bouche, se livrent au viol, s’injectent de l’héroïne. Leur fièvre vous contamine, réveille en vous le goût du sexe. Dans In the shadow of the sun, les images sont plus planantes : nébuleuses, elles tournent en boucles et vous emportent au fil d’une songerie psychédélique proche de l’ensevelissement. Quand le film s’achève, quelque chose à l’intérieur de vous continue de travailler.

«Et lorsqu’elle disparaît

Je trinque à la santé de mon fantôme

Avec l’eau-de-vie»

(poème de fin du livre Chroma)

A VOIR : Trois films de Derek Jarman – In the shadow of the sun (17 octobre), Jubilee (18 octobre), The Last of England (19 octobre)– seront projetés au LUFF.

LUFF du 16 au 20 octobre 2019

A LIRE : Chroma. Le livre des couleurs, de Derek Jarman, éditions de l’éclat, 2019 (réédition).

NOTE (1) Le film, lors de sa première au Berlin Film Festival, s’accompagne d’un court-métrage (intitulé «TG Psychic Rally in Heaven») qui superpose les images d’un concert Throbbing Gristle et d’un film de Jarman intitulé Dante’s Inferno, trituré jusqu’au point-limite de l’abstraction et entrelardé d’inserts pornographiques.

octobre 15, 2019

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8:35

À la recherche du porno perdu

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Quel est le tout tout tout premier plan hard filmé avec une caméra ? Diffusé sur OCS ce mardi 17 octobre, un documentaire s’intéresse aux origines des «images suggestives», en une succession de révélations et de rebondissements. Drôle, riche, haletant.

En clin d’oeil au film Les Aventuriers de l’arche perdue (Raiders of the Lost ark), le documentaire s’intitule : Raiders of the first porn. Partant sur les traces du «premier boulard» (film de boules), les réalisateurs français Aurore Aubin et Denis Larzillière posent la question : est-il possible de savoir par qui, où et quand ont été tournées les premières images explicites de l’histoire du cinéma ? Leur enquête, passionnante, procède par progressif sauts dans le temps. Elle rembobine le cours de l’histoire, en une dizaine de séquences imitant celles du film Irréversible, qui suit une chronologie inversée. Cela part du premier film montré à la télévision et cela va jusqu’au premier plan explicite gravé sur pellicule, en passant par toutes ces premières autres «premières» que sont : la première vidéo de Marc Dorcel, la première scène de cul interracial, la première scène de sexe filmée par un trou de serrure, le premier dessin animé pour adultes, la première feuille de rose, le premier glory-hole, la première scène de sexe gay, etc. Chaque séquence est séparée par un intermède comique : un faux présentateur TV nommé Richard King ponctue le film de commentaires ringards et lubriques. «Aujourd’hui, parlons sexe», dit-il, avec un gros clin d’oeil. Sous-entendu : ça vous émoustille ? Nous aussi ! Alors, pour mener l’enquête «actionnons la machine à remonter le temps à la recherche des grandes premières fois qui ont façonné le genre jusqu’à la toute Première…»

Le premier film pour adultes à la télévision

Henri Gigoux, ancien programmateur de films pornos pour Canal +, raconte ainsi l’histoire : «en juillet 1985 ils ont passé Caligula avec les scènes de sexe. Ça a été le premier test des gens de Canal Plus pour savoir si ça pouvait ne pas être interdit tout de suite…» Caligula ne fait aucun remous. Aucune instance de répression ne réagit. Alors, prenant son courage à deux mains, Lescure décroche son téléphone et appelle un nommé Jean-François Davy qui se rappelle ainsi l’histoire : «Lescure m’appelle et me dit “Jean-François Davy, vous avez fait Exhbition. Est-ce vous pourriez nous vendre les droits pour le diffuser sur Canal Plus ?” Moi, c’était un peu la même réaction que quand on m’a dit “Le film est sélectionné pour Cannes”.» Jean-François Davy s’étonne : des images explicites à la télévision !? Jean-François Lescure lui répond: «Oui voilà, on va lancer un concept comme ça.» Et c’est ainsi qu’en août 1985, Exhibition devient le premier film avec du sexe non-simulé à la télévision. Henri Gigoux raconte : «Lorsque le film passe, aucune réaction, ni du pouvoir politique ni de la haute autorité qui s’appelle maintenant le CSA. Du coup, on se dit qu’on va faire ce rendez-vous tous les mois, le premier samedi du mois.» Une vraie révolution. Pour la première fois, les Français peuvent mater du X sans se sentir honteux. Pas de soucis mamie, c’est juste un film à la télé.

La première fiction porno en 35 mm et en salle de cinéma

L’âge du cinéma X en 35 mm est marqué bien sûr par la sortie en 1972 de Deep Throat (Gorge profonde), «considéré comme le premier porno officiel du cinéma américain». C’est l’histoire d’une femme qui consulte un médecin parce qu’elle ne parvient pas à jouir, et pour cause : son clitoris se situe au fond de sa gorge. Le film a été tourné par un pionnier génial –Gérard Damiano– en 6 jours, pour 25 000 dollars (somme empruntée à la pègre). Le FBI estime qu’en 30 ans d’exploitation, il aurait rapporté 600 millions de dollars (dont Damiano ne verra pratiquement pas la couleur), ce qui en fait le film le plus rentable de toute l’histoire du cinéma. A cette époque, l’affiche Deep throat est partout. Brigitte Lahaie se rappelle : «Si vous n’aviez pas vu Gorge profonde, cela passait pour de la pruderie. » Coincé-e du cul ? Moi, jamais. Le producteur Francis Mischkind raconte : «Même des gens comme Sinatra sont allés le voir car il était de bon ton de pouvoir en parler dans les dîners en ville.» C’est le premier film dont l’audience déborde celle des salles pornos. Mais est-ce le premier long-métrage porno ? Non. Il est précédé en 1972 par un autre film de Damiano qui s’intitule Derrière la porte verte. Aurore Aubin trouve même la trace d’un précédent film de fiction avec des scènes de pénétration non simulées : Mona the virgin Nymph, tourné en 1970 par Michael Benveniste et Howard Ziehm.

Les premiers loops, «ancêtres du gonzo»

Dans les années 60, des court-métrages hard sans scénario fleurissent dans la clandestinité : ce sont des films diffusés uniquement dans les cabines de projection des sex-shops et qui se réduisent à l’acte. «La femme arrive, l’homme est généralement déjà là et ça baise directement», résume Arnaud Beaudry, créateur du vlog Pornorama. Le spectateur paye pour un ou deux loops, entre dans la cabine, éjacule, s’essuie, ressort. Au tout début (fin des années 50), les loops sont projetés dans des appareils avec des jumelles intégrées et qui s’alignent comme des machines à sou dans des lieux mal fréquentés. Les visiteurs, debout, côte à côte, insèrent une pièce dans l’appareil et se penchent contre les jumelles afin de voir la séquence : une ou deux minutes. Le journaliste Jacques Zimmer raconte : «Aux USA, c’était un commerce contrôlé par la mafia et comme les gens payaient avec des pièces de 10 cents, on ramassait tout le soir, mais on ne comptait pas les pièces : on les pesait.» Impossible cependant de tracer l’origine de ces tous premiers loops : pas de générique, pas de datation possible.

Les premiers pornos muets pour un gotha d’amateurs

«Dans les années 1920 et 1930, il y a deux marchés : celui des particuliers qui ont beaucoup d’argent et celui des bordels.» Les films pornographiques sont alors produits sur commande, généralement par de très riches érotomanes. «On en connaît certains, comme le roi Farouk et Michel Simon, deux amateurs très connus de curiosa», dit Jacques Zimmer. Il y a aussi Alfonso 13, roi d’Espagne (plus tard destitué par le franquisme) qui, à défaut d’autre chose, créé sa propre maison de production afin de faire faire des films «sur mesure» dont le contenu corresponde à ses goûts sexuels. Les productions sont diffusées lors de soirées mondaines secrètes. Les maisons de tolérance de catégorie supérieure font également produire des films, généralement paillards et grivois, qu’elles projettent comme divertissement. «Ils servaient de hors d’oeuvre pour allumer les clients, au même titre que le défilé des prostituées ou les saynètes qu’elles interprétaient. Le cinéma intervenait dans cette petite panoplie de spectacles», raconte Zimmer. Il y avait d’ailleurs des cartons insérés à la fin du film qui disaient : «Et maintenant, ces dames vous attendent au salon», pour faire passer du rêve à la réalité. Dans ces films, les acteurs étaient des gens ordinaires –petit zizi, gros bedon– et ils se faisaient sodomiser sans problème. Il n’y avait, semble-t-il, pas de catégories sexuelles, pas d’identité.

Le tout tout tout premier film obscène

Reste à savoir de quand date le tout premier film explicite… «Mesdames, Mesdemoiselles Messieurs, annonce Richard King. C’est non sans émotion que je peux vous dire que nous avons trouvé le Graal. Le tout premier boulard ! Il est argentin… et selon la majorité des boularologues, il daterait de 1907.» On pourrait croire que le documentaire s’arrêterait là, sur les images abimées, tressautantes, de cet OVNI rescapé… Mais non. Car ce n’est pas ce film-là qui fait scandale. Le premier film véritablement obscène est bien plus ancien. ll date de 1896, il dure 47 secondes et il s’appelle The Kiss. Lorsqu’il est diffusé dans les salles américaines (les kinetoscopes parlors), l’Union de femmes chrétiennes pour la tempérance lance une campagne nationale pour le faire interdire. Ce film est jugé «dégradant» parce qu’il enregistre deux adultes en gros plan, lors d’un moment d’intimité. Que la scène en question soit jouée par deux acteurs et reproduise la fin du premier acte d’une comédie populaire de l’époque ne change rien au choc qu’elle cause dans le grand public. Pour la première fois, une caméra entre dans la zone privée d’un couple, capte ce moment, l’échange d’un baiser qui inaugure toute une histoire de l’effraction émotionnelle. Car après tout, qu’est-ce que le porno sinon cette forme d’intrusion ?

À la recherche du premier boulard (Raiders of the first porn), documentaire d’Aurore Aubin et Denis Larzillière, produit par Empreinte digitale.

Diffusion : le 17 octobre à 22h15 sur OCS Géants et disponible à la demande sur OCS à compter de cette date.

octobre 09, 2019

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9:07

Haro sur les publicités “sexualisées”

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Lorsque certaines personnes veulent bannir les publicités suggestives, défendent-elles les droits de la femme ? Ou contribuent-elles, au contraire, à renforcer les préjugés sexistes ? Pour la féministe canadienne Cathy Young, la censure est nuisible.

Stigmatisant les images érotiques de pub (qu’elles rebaptisent «images sexualisées»), les adeptes de la censure jugent qu’il est mauvais de mettre en scène des femmes attirantes ou désirantes. Leur argument est le suivant : de telles images réduisent les femmes à l’état d’objet de désir et confortent les préjugés des spectateurs. Qu’en penser ? A ce sujet, les dissensions sont très fortes au sein du mouvement féministe.

Lors d’un colloque (The Sex Panic) organisé en 1992 pour réfléchir sur la place des représentations sexuelles dans le féminisme, une des intervenantes, Cathy Young, souligne ce fait troublant que certaines franges du féminisme rejoignent parfois les mouvements religieux conservateurs lorsqu’elles réclament l’abolition du porno ou la censure des images. «La conjonction peut paraître absurde mais elle se fonde sur des convictions similaires. Pour ces féministes, comme pour les puritains, la femme est le sexe faible.»

«Pour ces féministes, […] la femme est le sexe faible»

Sa démonstration est la suivante : à trop vouloir «protéger» les femmes, on renforce l’idée qu’elles sont naturellement fragiles. Plus on accordera aux femmes des traitements de faveur et des espaces sécurisés, plus on accréditera l’idée qu’elles sont vulnérables. Or c’est justement ce que font certains groupes de pression lorsqu’ils militent contre l'«objectification» des femmes, en fermant les yeux sur le fait que la plastique des hommes est, elle aussi, largement exploitée dans les médias. Il est courant, par exemple, de montrer l’avantageuse musculature des hommes dans les publicités pour rasoir ou pour parfum. Faudrait-il s’en offusquer au prétexte que les mâles sont offerts, dévêtus, à la concupiscence des spectatrices ou des spectateurs ? Pour Cathy Young, le fait de vouloir protéger les femmes (et uniquement les femmes) de leur «sexualisation», c’est donner raison à ceux et celles qui pensent que la femme ne saurait être à la fois désirable et respectable.

Une femme peut-elle être séduisante ET compétente ?

Cathy Young estime que le «traitement asymétrique» en matière de droits homme-femme est révélateur d’un préjugé sexiste. Pour beaucoup de personnes, un homme peut être à la fois beau et pro (musclé et qualifié). Une femme, en revanche, ne saurait être féminine sans que cela n’induise ses collègues ou ses interlocuteurs à la sous-estimer sur le plan professionnel. Or c’est exactement du même mépris qu’on frappe les femmes dans les publicités lorsqu’on affirme que leur sexualisation est «dégradante». Car ce mépris s’appuie sur le sous-entendu suivant : que la féminité est incompatible avec l’intelligence. Qu’une femme honorable ou brillante ne saurait avoir du sex-appeal. Cathy Young insiste sur ce point : alors que la virilité est positivement perçue dans le cadre du travail, la féminité disqualifie les femmes en vertu d’un jugement de valeur qui place l’autorité, la logique et la raison du côté de l’homme.

Quand certaines femmes reçoivent un compliment, elles sont offensées

Aux yeux des personnes qui militent contre les «femmes objets», la sexualisation des femmes est foncièrement dévalorisante. Cette idée s’appuie sur deux conceptions sexistes. La première (comme nous venons de le voir) c’est qu’une femme ne peut pas à la fois avoir un corps excitant et des aptitudes intellectuelles. Cette conception pose que la femme ne peut pas dissocier son corps du sceau infamant de l’infériorité. L’autre conception, c’est qu’être désirée fait de la femme un objet passif. Cathy Young explique : «A la différence des hommes, les femmes qui couchent sont estampillées salopes. Par conséquent, quand un homme reçoit un compliment sur son physique il est content, mais quand c’est une femme, elle est offensée.» Pourquoi est-elle offensée ? Parce que la société nous a conditionnées à penser que, sur le plan sexuel, les femmes sont forcément des proies, de faibles choses.

En finir avec le stigmate de la souillure féminine

L’argument selon lequel la femme «objet» –c’est-à-dire désirable– est forcément une femme infériorisée cache l’idée (profondément sexiste) que le plaisir est l’apanage de l’homme, tandis que la sexualité féminine serait plus ou moins un «service à rendre», une servitude. «Quand un homme est traité en objet sexuel par une femme, il la domine. Quand une femme est traitée en objet sexuel par l’homme, elle se met à son service», résume Cathy Young, qui dénonce l’aspect pervers de ce présupposé. Tant que les femmes penseront qu’elles sont des proies face à des prédateurs, elles auront peur d’avoir une sexualité. Tant qu’on les confortera dans cette idée qu’être sexy c’est devenir un objet passif, un produit à «consommer», elles réprimeront leurs désirs. Elles n’oseront pas exprimer leurs envies, ni s’habiller comme elles veulent. Elles se conduiront comme de pauvres créatures, honteuses d’un corps qu’elles détesteront. Plus les lobbies et les institutions –sous couvert de protéger le sexe faible– interdiront les représentations sexualisées, plus ils légitimeront l’idée qu’être une femme désirable/désirante c’est mal. Cathy Young conclut : «On ne lutte pas efficacement contre le sexisme lorsqu’on contribue soi-même à en perpétuer la logique.»

A LIRE : «The New Madonna/Whore Syndrome: Feminism, Sexuality, and Sexual Harassment», de Cathy Young, in: Symposium The sex panic: Women, Censorship, and Pornography, New York Law School Law Review, Volume 38, No. 1-4, 1993, p. 257-287.

« Luttes féministes autour de la morale sexuelle », de Marta Roca i Escoda, Anne-Françoise Praz et Éléonore Lépinard, in: Nouvelles Questions Féministes, 2016/1 (Vol. 35), p. 6-14.

CET ARTICLE FAIT PARTIE D’UN DOSSIER EN DEUX PARTIES : «Les leçons de morale du CSA» ; «Haro sur les publicités “sexualisées”».

POUR EN SAVOIR PLUS : «Sexe = violence ?» ; «Etre contre le sexisme, pas contre le sexe» ; «Le désir féminin existe-t-il ?» ; «Le nez de Gogol sucé par des sangsues» ; «Est-ce que les femmes se font baiser lorsqu’elles jouissent ?» ; «Femmes, la nuit vous appartient aussi» ; «La première idée, c’était d’évacuer le phallus» ; «Toute ma vie, j’ai rêvé d’avoir les fesses en l’air» ; «L’érotisme, c’est du sexisme ?» première partie, «L’érotisme, c’est du sexisme ?» deuxième partie.

octobre 07, 2019

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7:54

Les leçons de morale du CSA

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Quand le CSA invite les agences de pub à ne plus produire de messages sexistes, on se dit “très bien”. Mais le CSA fait de l’excès de zèle : les «stéréotypes sexuels et sexués» sont également dans sa ligne de mire. L’érotisme est désormais jugé “dégradant”.

On pourrait s’étonner que les personnes qui se battent pour la liberté sexuelle et reproductive des femmes s’allient –pour certaines d’entre elles– aux entrepreneurs de la morale. C’est pourtant bien le cas lorsqu’elles militent pour que des tableaux suggestifs soient retirés des Musées, par exemple, ou pour que les images érotiques soient interdites dans les médias et la publicité. Le CSA en fournit un exemple frappant. Depuis la création du groupe de travail «Droits des femmes» au Conseil Supérieur de l’Audiovisuel, les agences de publicité sont priées d’éviter toutes allusions sexuelles et même tout gros plan sur une bouche ou sur des seins. Cachez cette femme que je ne saurais voir. Il s’agit d’abolir le sexy, d’éliminer la séduction d’un monde voué à devenir celui des femmes «sachantes» (selon les termes du CSA).

Femmes savantes versus salopes

Dans un essai volontairement polémique –Délivrez-nous du Bien !– Natacha Polony et Jean-Michel Quatrepoint attaquent : «Sylvie Pierre-Brossolette, qui se veut au CSA la grande prêtresse en charge des déviances sexistes, considère que “tant que l’on conserve ces clichés de représentation en objet de désir ou en consommatrice, on ne favorise pas le respect des femmes”. En cause, notamment, une publicité pour le parfum Invictus, de Paco Rabanne, mettant en scène un homme presque nu à la parfaite musculature, un sportif rentrant dans son vestiaire où l’attend un groupe de femmes.» Cette publicité provoque l’ire du Conseil qui, dans son dernier rapport (octobre 2017) note que les femmes y sont «uniquement couvertes par un léger voile.» Ciel.

Honnies soient les «poses lascives»

Dans le même rapport (en PDF ici), le Conseil s’offusque d’avoir vu une femme «vêtue d’abord d’une robe rouge, puis prenant une douche, bouche entrouverte et yeux fermés» dans une publicité pour voiture. Ce type de fantasme est désormais interdit. L’enjeu est de taille : il s’agit de changer les comportements. Le but avoué du Conseil est «d’encourager les évolutions déjà en cours», c’est-à-dire encourager les gens à trouver scandaleuse la vision d’un corps dénudé, voire pire, une mimique sensuelle. Dans Libération, Sylvie Pierre-Brossolette affirme : «les messages [des pubs] sont parfois subliminaux, avec des poses lascives ou des airs évaporés, qui imprègnent les mentalités.» Souhaite-t-elle expurger les mentalités de toute trace d’«irrespect» envers les femmes ? Pour elle, est-il «irrespectueux» qu’une femme paraisse attirante et/ou attirée ?

Femme dénudée : femme insultée ?

Sous sa houlette, le CSA, maintenant joue le même rôle que ces indics chargés en Iran de lutter contre «l’immoralité» c’est-à-dire le mauvais port du voile. Il s’agit de recouvrir les femmes dans la publicité, afin de préserver leur vertu sans doute. Même les publicités de produits d’entretien du corps sont soupçonnées de porter atteinte à la dignité des femmes auxquelles ils sont vendus. Déplorant que les pubs pour savon montrent des personnes qui s’en servent, le Conseil regrette fortement que sur les 154 publicités de produits d’entretien du corps «83 d’entre elles mettent en scène une nudité partielle ou totale des personnages féminins». Il faudrait donc que les femmes prennent leur bain tout habillées.

Une forme de censure déguisée

Dans Délivrez-nous du Bien !, Natacha Polony et Jean-Michel Quatrepoint expliquent : «L’ARPP (Autorité de régulation professionnelle de la publicité), qui a succédé en 2008 au BVP, est un organisme professionnel qui doit donner son avis avant la diffusion de tout film publicitaire télévisé. Chaque année, il publie une charte déontologique, listant les termes et concepts prohibés. Au fil des ans, la liste s’allonge démesurément, à la demande du CSA.» On peut comprendre bien sûr que les publicitaires soient encouragés à se mettre à la page, c’est-à-dire qu’ils cessent de mettre en scène bobonne comme une idiote. A moins qu’elle ne fasse rire, l’idiotie des femmes dans la pub est véritablement énervante. Mais faudrait-il nettoyer les pubs de tout ce que le CSA désigne hypocritement comme «dégradant» ?

«Dégradant»… pour ne pas dire «indécent» ?

«Dégradant» est un mot bien utile pour dire «indécent» sans paraître pudibond. Mais qui est dupe de ce tour de passe ? Le problème, c’est que le CSA pratique maintenant la police de la pensée (ou plutôt la police des moeurs), dans l’approbation quasi-générale. Presque personne ne proteste contre ses excès de zèle. Le dispositif de censure qui se met en place paraît d’autant plus légitime qu’il s’appuie sur l’idéal de l’égalité homme-femme. Au nom de cet idéal, des institutions étatiques font maintenant régner une politique d’intimidation qui relève de la répression sexuelle. Sous couvert de défendre l’égalité entre les sexes, elles sont en train de nous faire plonger dans une nouvelle ère victorienne.

La morale sexuelle du CSA s’appuie-t-elle sur l’idée que la femme est le sexe faible ? La réponse au prochain article, mercredi.

A LIRE : Délivrez-nous du bien ! Halte aux nouveaux inquisiteurs, de Natacha Polony et Jean-Michel Quatrepoint, éditions de l’Observatoire, sept. 2018.

«La mort du sexisme dans la publicité en 2018 ?», article de Jeanne Le Barbenchon, Influencia, 01/03/2018.

CET ARTICLE FAIT PARTIE D’UN DOSSIER EN DEUX PARTIES : «Les leçons de morale du CSA» ; «Haro sur les publicités “sexualisées”».

POUR EN SAVOIR PLUS : «L’érotisme, c’est du sexisme ?» première partie, «L’érotisme, c’est du sexisme ?» deuxième partie.

octobre 02, 2019

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8:56

Se faire une langue fourchue : un "truc de cinglées" ?

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En 1996, une pierceuse américaine de 19 ans inaugure la pratique du “tongue splitting”, qui consiste à se faire couper la langue en deux. Très populaire parmi les femmes, cette modification corporelle ouvre un monde de sensations inédites.

Une des descriptions les plus étonnantes du tongue splitting vient du Japon. Lorsqu’elle publie son premier livre –Serpents et piercings (Grasset, 2006)–, fortement autobiographique, Kanehara Hitomi le commence ainsi : «Se faire une langue fourchue est d’habitude un truc de cinglés. […] Apparemment, on commence par se faire percer la langue. Puis on agrandit peu à peu le trou en y insérant un implant de plus en plus gros. Ensuite, quand le trou a atteint une certaine taille, on y installe du fil dentaire ou du fil de pêche en noeuds très serrés qui vont du trou jusqu’au bout de la langue. Enfin - et c’est la phase de l’opération qui n’est pas pour les poules mouillées - on tranche la partie restante de la langue encore intacte en utilisant soit un scalpel soit une lame de rasoir. En fait, certaines personnes ne prennent même pas la peine de suivre ce processus de piercing et de nœuds très serrés -, elles se fendent tout simplement la langue en deux avec un scalpel.»

Populaire, oui mais… Le tongue splitting reste un acte marginal

Cette technique dite «du fil de pêche» (fishing line) est mise au point par la pionnière du tongue splitting : Dustin Allor. «Je ne la recommande pas, explique Georges, car cela prend du temps, entre 4 et 8 semaines. Il faut faire passer un fil de nylon à travers le trou de son piercing, puis tirer dessus, chaque jour, autant qu’il est possible de le supporter, afin de cisailler sa langue. C’est très artisanal, il y a des risques d’infection et les résultats esthétiques sont décevants : parfois les deux parties de la langue sont trop écartées, parfois elles sont de tailles différentes… Mieux vaut le faire au scalpel. » Créateur du plus gros studio de Suisse romande, qui propose aussi bien des piercings de nombril que des scarifications, Georges accueille toutes les demandes, même celles dites extrêmes : «Des tongue splittings, j’en fait une dizaine par an.» C’est très peu comparé au gros de ses activités. Rares sont les personnes qui osent se faire trancher la langue. Mais, de façon significative, deux fois sur trois il s’agit d’une femme.

«Je me suis fait couper la langue pour mes 22 ans»

Sophie affirme qu’elle était impatiente ce jour-là. «Je me suis fait couper la langue il y a 6 mois, pour mes 22 ans.» C’était à Genève. Quand elle vient –accompagnée d’une amie, pour se rassurer– Sophie doit suivre la procédure : d’abord, on s’assure qu’elle est «toujours motivée et confiante.» Puis on lui répète les consignes. «Après plusieurs rendez-vous et un temps d’attente imposé par le pierceur, j’étais déjà au courant de la procédure, des soins de cicatrisation et de toutes les recommandations dont j’avais besoin. Le contexte était idéal, reposant. Le pierceur était accompagné d’une assistante qui tenait ma langue. Après avoir sommairement anesthésié la muqueuse en surface –et après que j’ai pris une bonne inspiration– il entreprit de la couper au scalpel. La sensation n’était pas extrêmement douloureuse, car sentir ma langue se séparer était l’accomplissement d’un rêve. Les points de suture furent plus longs et désagréables mais rien de trop insupportable. Je bouillonnais d’adrénaline. J’avais hâte de voir le résultat.»

Deux minutes d’opération, en quatre coups de scalpel

«L’opération de coupe est rapide : deux minutes», résume Georges. Soit le temps de 4 incisions. La première incision se fait sur le dessus de la langue, à plat. Les trois suivantes, diagonales, tranchent la langue de sa pointe jusqu’à l’endroit où elle est rattachée au palais. «La technique la meilleure m’a été enseignée par Lukas Zpira, vers 2005 : couper puis suturer. Il y a des body modificateurs qui utilisent des bistouris électriques (pour couper et cautériser en même temps), mais ça donne une moins belle cicatrisation.» Le résultat, bien sûr, n’est pas immédiatement visible. Durant les trois premiers jours qui suivent l’opération, il faut manger liquide. Ensuite, il faut tirer régulièrement sur les deux côtés de la langue, afin d’éviter qu’elle se resoude et supporter d’avoir l’équivalent d’un steack putride dans la bouche. Au bout de sept ou dix jours, il faut enlever les fils de suture puis, pendant deux-trois semaines, s’astreindre à l’exercice quotidien de maintenir bien écartés les deux morceaux de langue. «On a beau faire, on perd toujours un centimètre sur la longueur, explique Georges. Une fois la langue cicatrisée, les deux pointes sont toujours un peu plus courtes que le jour où on les a séparées. Mais il reste de la bonne marge. Les extrémités favorisent plein de jeux…»

A quels jeux jouer avec ce genre de langue ?

Pour les propriétaires d’une langue bifide, c’est un monde nouveau qui s’ouvre. Dotés de muscles indépendants, les deux sections de langue peuvent en effet bouger dans toutes les directions. On peut saisir des cerises ou des chips avec. On peut applaudir avec la langue comme si c’était une paire de mains. On peut, surtout, embrasser et lécher son ou sa partenaire en usant de techniques inédites, étonnantes. Les filles aux langues fourchues ne manquent pas de le suggérer. Sur Internet, leurs vidéos laissent planer le soupçon de plaisirs déconcertants. «Jouer –sans la connotation sexuelle– je l’avais anticipé avec impatience, raconte Sophie. Jouer avec érotiquement était très secondaire dans mon esprit. Au début, il était même assez étrange d’embrasser mon copain ou de lui donner des fellations. Mais j’y ai pris goût. Lui aussi.» Sophie se dit «surprise positivement des nouveaux avantages» apportés par cette langue, tout en se plaignant de l’indélicatesse avec laquelle certaines personnes lui posent des questions. Pour éviter les ennuis, elle n’en parle d’ailleurs à personne. Vu de l’extérieur, rien ne transparaît. Il faut vraiment que Sophie «tire» la langue pour qu’on découvre le pot aux roses. Elle a donc tout d’une jeune fille sage. Une jeune fille avec son secret.

Musée de l’homme: 17, place du Trocadéro, 75016 Paris.

POUR EN SAVOIR PLUS :

Une excellente interview de l’anthropologue Philippe Liotard sur le tongue splitting.

Une émission de la RTS sur le tongue splitting, avec une interview du sociologue David Le Breton (Vacarme, 24.09.2013).

septembre 30, 2019

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8:54

Portrait d'un gigolo en star

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Durant la nuit du 2 décembre 1966, une femme et une petite équipe de tournage s’enferment dans une chambre d’hôtel, à New York, en compagnie d’un homme prostitué. Durant douze heures, sans s’arrêter, ils le font parler. Qui est cet homme?

Le mardi 1er octobre, au Forum des images, l’association Documentaire sur Grand Ecran organise une soirée consacrée à la lutte pour les droits des homosexuels. C’est l’occasion de voir Portrait of Jason, qu’Ingmar Bergman décrit comme «le plus extraordinaire film que j’ai vu de ma vie.» Lorsqu’il est projeté pour la première fois, au Musée d’art moderne de NewYork, la liste de VIP invités pour la séance est impressionnante : Paul Morrissey, Allen Ginsberg, Tennessee Williams, Norman Mailer, Andy Warhol, Arthur Miller, Elia Kazan… sans oublier, bien sûr, la star du film elle-même, Jason Holliday.

Un verre de scotch à la main, c’est si chic

Quand Portrait of Jason est dévoilé au grand public, il fait l’effet d’un choc. Filmer un noir, qui boit non-stop du whisky tout en racontant ses expériences de gigolo gay et de pute mâle pour l’élite blanche, et cela trois ans après la fin de la ségrégation ? Du jamais-vu. A peine quelques décennies plus tard, pourtant, le film a disparu. On n’en trouve plus aucune copie utilisable. Il faut deux ans de recherche pour finalement trouver, par miracle, une version en 16 mm qui est sauvée des eaux en 2003 dans le cadre du «Projet Shirley». Ce projet vise à réhabiliter l’oeuvre de la réalisatrice Shirley Clarke, une des pionnières du cinéma-vérité.

Cinéma-vérité et quart d’heure de célébrité

Pour certains critiques d’art, c’est Shirley Clarke –avec Andy Warhol– qui inaugure l’ère de la téléréalité. Portrait of Jason «est une oeuvre-clé de ces années 1960 traversées par le désir de célébrité, l’exhibitionnisme et le narcissisme, raconte Brecht Andersch (Musée d’art de San Francisco). Elle préfigure les émissions de Jerry Springer et les déballages intimes en live.» Andersch en veut pour preuve cette petite phrase de Jason Holliday : «Les gens aiment te voir souffrir». De fait, Jason n’expose pas que ses côtés positifs devant la caméra. Tour à tour goguenard, émouvant, drôle et pathétique, il déploie en stratège toute la gamme de ses talents, affirmant volontiers qu’il est né pour séduire. Y compris avec ses bobos.

«Je suis une pute convaincue»

Sa personnalité remplit tout l’espace. Sa vie qu’il raconte en la réinventant fait l’effet d’un récit picaresque aux allures de one-man-show : «Je michetonne, je n’en n’ai pas honte. Mais je peux aussi faire la bonne, le maître d’hôtel, le larbin… Tout pour éviter de pointer de 9h à 17h.» Son vrai talent, avoue-t-il, c’est la comédie. Jouer les stars. Briller. Au besoin même, tricher. Sait-on s’il ment quand Jason affirme avoir été rebaptisé à San Francisco par les fans de l’acteur Sabu ? «Ils changeaient le nom des gens en fonction de leur personnalité. Jason Holliday a été créé à San Francisco. Croyez-moi, San Francisco… c’est l’endroit pour être créé !»

Changer de nom pour repartir à zéro

Lorsque Shirley lui demande s’il aime son vrai nom (Aaron Payne), Jason répond laconiquement : «Avec Aaron Payne, j’étais… bien plus mal barré que je ne le suis aujourd’hui. Il y a des souvenirs déplaisants qui ont mené à un état de dépression… je me suis dit en voyant ces gens de San Francisco […], que me donner un autre nom, une autre chance, me rendrait plus heureux. J’aime qu’on m’appelle Jason. Et tous mes amis branchés m’appellent comme ça, à part quelques pervers qui m’appellent Aaron de temps en temps.» Même Miles Davis, dit-il, est «assez cool pour m’appeler Jason.»

«Le gag en fin de compte c’est qui se sert de qui»

De fait, ajoute-t-il, depuis qu’il s’appelle Jason –évocateur d’«un mec hip»– il se sent bien mieux dans sa peau. «Un nom c’est quelque chose, s’il a un écho, s’il vous fait du bien, prenez le nom», conclut-il, avant de raconter des anecdotes sur ses copines, tous genres confondus. Il y a l’histoire de cette trans qui fait le trottoir. «Elle s’appelait Kitty Cunt, quand on lui demandait “Qui êtes-vous ?”, elle répondait “Madame Chatte”, bien sûr». Il y a aussi cette riche cliente, avec un studio sur la 64e Avenue, chez qui Jason passe des journées à manger du homard et faire semblant de s’activer. «Une fois je travaillais pour une grande bonde maigre et triste de l’Alabama. Dès que je l’entendais je m’affairais. Elle entrait et criait “Jason, qu’y a-t-il à manger ?” Moi à la cuisine, en train de faire frire du poulet “Oui Madame Howard.”

«Je n’ai jamais beaucoup aimé les nègres»

L’histoire continue ainsi : «Un jour elle me dit “Jason nous faisons une petite fête.” Je faisais tout à la cuisine … “Non, je ne veux pas venir parler avec les invités.” On dit toujours ça, même si on tous leurs numéros de téléphone. On dit qu’on ne veut pas les fréquenter, qu’on travaille. “Viens ! C’est Halloween, insiste-t-elle. Ce n’est rien, tu seras juste un fantôme !”. J’ai souri, j’ai dit : “Bien, j’arrive.” J’ai bu mon verre, et repris une attitude humble. Alors une de ces femmes m’a dit : “Jason. Je n’ai jamais beaucoup aimé les nègres, tu es le premier pour qui j’ai de l’affection.”» Jason éclate de rire : «Comme c’est gentil à vous, j’espère garder cette position pendant longtemps !»

«J’espère garder cette position longtemps»

Il n’est pas certain que la dame en question ait compris l’allusion. «Les gens te prennent pour un petit Noir idiot, tu veux te faire quelques dollars pour eux c’est un gag. Le gag en fin de compte c’est qui se sert de qui», souligne Jason, non sans ironie : que fait-il, ce soir-là, dans une chambre d’hôtel, sinon servir les intérêts d’une femme qui l’interroge, parfois agressivement, tout en le filmant ? L’ambiguïté du film le rend fascinant. Lorsqu’elle réalise Portrait of Jason, Shirley vit au Chelsea, un hôtel mythique de Manhattan qui propose des locations au mois et qui abrite pendant plusieurs décennies une étonnante quantité d’artistes (Kerouak, Burroughs, Bukowski, Kubrick, Forman, Joplin, Mapplethorpe…). En 1966, Shirley Clarke y vit. C’est donc chez elle que Jason interprète, seul face à la caméra, ce rôle d’une vie qu’elle lui fait tenir.

«J’ai baisé du Maine au Mexique»

«J’ai passé tant de temps à être sexy, comme vous voyez, que je n’ai rien fait d’autre. J’ai baisé du Maine au Mexique, et j’en suis pas plus riche d’un dollar. Mais je me suis bien éclaté.» Il parle dans la langue du hip, l’argot des gens qui doivent survivre, interdits de cité. A cette époque, l’homosexualité est punie comme un crime. Les gays sont perçus comme des folles exubérantes, ce que Jason n’est pas. C’est la première fois qu’un film traite de la communauté LGBT de façon sérieuse.

Refusant de souscrire aux clichés, Shirley Clarke fait le choix esthétique d’un cinéma qui rend visible les conditions matérielles de sa production : au début des prises, l’image est souvent floue (pour rappeler la présence d’une caméra) et le montage inclut tous les moments durant lesquels l’enregistrement s’est arrêté faute de pellicule (on n’entend plus que les voix de la réalisatrice, des assistants et de Jason). Sur une image devenue noire, Jason continue de rire, continue de philosopher, continue son show… Tout est fabriqué. On le voit. Tout dans la vie n’est que cela d’ailleurs : il faut se fabriquer. Ce qui donne au portrait de Jason une profondeur frappante.

PORTRAIT OF JASON : mardi 1er octobre, 18h30, forum des images. Organisé par l’association Documentaire sur Grand Ecran, dans le cadre d’une soirée cinéma intitulée «Jason et Indianara sur les marches des fiertés».

Portrait of Jason sera suivi du documentaire Indianara.

Evenement Facebook de la soirée «Jason et Indianara sur les marches des fiertés»

septembre 25, 2019

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7:50

Un artiste français invente une drogue de l’amour

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Un artiste français invente une drogue de l’amour

Dans son oeuvre “Please Love Party”, l’artiste Pierre Pauze filme des danseurs à qui il a administré une drogue de synthèse nouvelle. La vidéo est présentée dans le cadre de l’exposition organisée aux Magasins Généraux à Pantin.

Aux Magasins généraux, jusqu’au 20 octobre, l’exposition «Futures of Love» anticipe les devenirs possibles de nos vies amoureuses et sexuelles. «Entre dystopie, sensualité, fantasme et espoir, l’exposition se compose de huit chapitres, qui explorent autant de futurs potentiels» : l’amour sera-t-il virtuel, fluide, robotique ou global ? Parmi la quarantaine d’oeuvres et d’installations, l’exposition offre aux visiteurs l’occasion de tester un simulateur de poly-sexe en mode aléatoire (The Truth Table Experience, d’Ed Fornieles), d’observer un robot alors qu’il mate un générateur d’images pornos (Foule Média #1, de Hugo Servanin) et de lire le poème troublant, composé par algorithme, sur l’amour impossible des machines (Never Love a Magnet, de Marit Westerhuis)… Il est également possible d’expérimenter, dans une petite salle de projection cubique, un pur trip de chemsex visuel et sonore : l’oeuvre Please Love Party, de Pierre Pauze, plonge le visiteur au coeur d’une soirée techno durant laquelle 20 cobayes humains ont testé une drogue clandestine.

«Votre attention s’il vous plait»

Le film est une simulation d’étude clinique aux allures de vidéo-clip, soit 12 minutes d’images électrisantes, soutenues par les rythmes d’un mix de transe et doublées, en voix off, par une voix synthétique : «Votre attention s’il vous plait. Bienvenue à tous. L’expérience va bientôt commencer.» Réunis dans un hangar, un groupe composé de garçons et de filles est invité à boire des bouteilles d’eau. Chaque bouteille contient une drogue, créée par l’artiste, composée de phényléthylamine, d’ocytocine et de sérotonine. Ses effets possibles sont : la désinhibition, l’augmentation du désir, une sensation de joie intense. Lorsque la musique démarre, les cobayes se mettent à danser. Ils vont danser toute la nuit, bombardés de flash lumineux et de percussions acoustiques, jusqu’à l’épuisement, devant des moniteurs de caméra. Avec quels résultats ?

Un test grandeur nature sur du matériel humain ?

On pourrait s’étonner qu’un artiste puisse tester sur des humains une drogue de synthèse. L’expérience paraît d’autant plus dangereuse que la drogue en question se compose de psychotropes achetés sur le darknet. Mais Pierre Pauze est malin, pour ne pas dire machiavélique. Son expérience est légale car la drogue n’a été administrée aux cobayes qu’en version homéopathique. «L’expérience s’appuie sur la théorie de la mémoire de l’eau, explique-t-il. Selon cette théorie, l’eau garderait en mémoire les informations moléculaires, même lorsque ces molécules ne s’y trouvent plus. Or cette théorie a été invalidée par la communauté scientifique. Pour que mon projet devienne illégal il faudrait que quelqu’un puisse retrouver la trace mnésique ou vibratoire des substances interdites dans les dilutions… En faisant ça, il prouverait la mémoire de l’eau.» Avec ce projet, Pierre Pauze questionne la notion d’autorité scientifique.

Prendre les savants au piège de leurs credo

Parodiant les vidéos de protocoles scientifique, le film Please Love Party met en scène une expérience totalement biaisée, qui ne repose sur rien d’autre que des effets de croyance. La voix de synthèse, par exemple, censée donner au test une valeur de neutralité objective, ne fait que réciter des phrases proches de l’invocation. «Qu’est-ce que l’amour ?, demande-t-elle. Sur le plan chimique, c’est de l’ocytocine et de la phényléthylamine.» Mais peut-on réduire l’amour à ça ? Lorsque les biologistes comparent le comportement amoureux humain à un mécanisme d’intoxication, impliquant des substances hormonales «addictives» et des «circuits de récompense», faut-il y croire ? Et si l’amour n’était au fond qu’une forme de conditionnement ? Imaginez qu’on vous fasse boire l’équivalent moderne d’un «philtre d’amour» puis qu’on vous fasse danser, toute une nuit, au coeur d’un hangar secret rempli de corps pantelants… Que pensez-vous qu’il se passerait ?

«Nos sentiments sont-ils des ondes ?»

Mettez ensemble des inconnu-es. Faites leur boire un elixir. Jouez sur l’effet d’hypnose provoqué par la mise en scène d’un test scientifique. Induisez vos cobayes à douter du contenu de leur bouteille, tout en les soumettant à d’autres formes de suggestion. Oui, leur bouteille ne contient peut-être que l’équivalent d’un placebo. Oui, peut-être que l’eau n’a pas de mémoire. Mais l’esprit, lui, réagit aux ondes provoquées par les stroboscopes et par les fréquences sonores, autant que par le sentiment de partager un moment très spécial avec d’autres clandestins. Questionnant de façon subtile le credo actuel de l’amour comme processus chimique, Pierre Pauze montre qu’il existe d’autres clés d’interprétations qui sont, toutes, les fragments d’un discours amoureux. Aucune clé n’épuise l’énigme, mais chacune «agit» à la façon d’une formule magique. Et c’est peut-être tout ce qui compte, au fond.

QUESTIONS A PIERRE PAUZE

De quels ouvrages, de quelles théories vous êtes-vous inspiré pour composer votre «drogue de l’amour» ?

Mes inspirations sont assez éclectiques, elles s’appuient autant sur des témoignages que des théories scientifiques, en passant par la littérature et la poésie : Bachelard (L’eau et les songes), l’observation des courants d’eau par Leonard de Vinci, la cristallogenèse et la cimatique de Masaru Émoto et de Lauterwasser. J’ai aussi fait des recherches sur la sulfureuse théorie de la mémoire de l’eau. Ca m’a conduit aux travaux de Benveniste et aux expériences de Montanier dont je me suis inspiré pour la création de ma drogue. Au-delà de la controverse scientifique, après avoir rassemblé toutes cette cartographie conceptuelle et expérimentale, j’ai compris que le sujet évoquait plus chez moi un imaginaire poétique que le désir de vérifier la véracité de cette théorie. Je me suis alors ré-approprié toute ces notions pour créer ma propre expérience : Please Love Party.

Avez-vous été encadré scientifiquement pour composer votre drogue ?

Deux laboratoires ont participé. J’ai aussi bénéficié du consulting de spécialistes des molécules, notamment sur l’utilisation médicale de l’ocytocine. Pour les manipulations et l’imagerie scientifique, je travaille depuis trois ans avec Corentin Spriet, un docteur en bio-photonique qui collabore avec beaucoup d’artistes sur des projets art/science. Je salue d’ailleurs son courage, car le point sensible du projet par rapport à la communauté scientifique n’était pas la fabrication d’une drogue de synthèse, mais de travailler sur la mémoire de l’eau. Lui n’y croit pas, bien sûr. Il m’a quand même suivi jusqu’au bout pour mener à bien ce projet.

Pourquoi a-t-il fallu les acheter sur le darknet ? Elles ne sont pas disponibles par le biais de votre réseau d’amis scientifiques et/ou médecins ?

Le darknet résulte plus d’un choix conceptuel. Corentin Spriet m’en a donné l’idée alors que je lui parlais de l’analogie (centrale dans mon travail) entre le cycle de l’eau et le cycle de la data informatique. De fait, le darkweb est un univers fascinant créé par des utopistes, les White Hats. Son usage n’est pas réservé qu’aux commerce illégaux. Il a par exemple servi à créer des canaux de communication durant certaines révolutions contemporaines, comme lors du printemps arabe. C’est cet aspect révolutionnaire et résistant qui m’intéresse. Si la mémoire de l’eau fonctionnait, les médicaments deviendrait gratuits pour tous car téléchargeables sur le net et reproductibles à l’infini, comme les données numériques.

Une dimension cachée de votre oeuvre se trouve d’ailleurs sur le darknet ?

Oui, des informaticiens du Fresnoy m’ont aidé à créer un site en «.onion» sur lequel –fidèle à la logique du partage de l’information– j’ai mis en accès libre les données numériques de ma drogue. Je ne voulais pas qu’elles soient sur Internet, disponibles sur un simple clic. Seul-es ceux-celles osant s’aventurer sur le darknet pourront y accéder. C’est aussi pour cette raison que j’ai commandé une partie des substance sur le darknet : dans le but de filer cette métaphore du cycle de l’eau/data. Je commande des substances chimiques, je les transforme en ondes numériques et je les renvoie gratuitement là ou je les ai achetées.

Combien ont coûté ces substances ?

Certains labos m’ont fait don de molécules. Pour les psychotropes, les labos peuvent s’en procurer à des fins scientifiques, mais les produits utilisés pour la recherche sont hors de prix car ils doivent être stables. En passant par le biais légal des laboratoires, 1 gramme de cocaine peut coûter jusqu’à 5000 euros. Je n’avais pas besoin pour mon expérience de me procurer des produits aussi précis dans leur composition, car le but n’était pas de tester les influences des solutions-mères mais celles des versions homéopathiques. Une autre raison de mon choix est politique. Je ne cautionne pas l’économie parallèle et les conséquences sociales des circuits de la vente de drogue. Avec le darknet, on s’adresse directement au fabriquant. Dans le cas d’une drogue de synthèse fabriquée en petite quantité, si le vendeur ne vend pas de cocaïne ou d’autres drogues exotiques on peut imaginer que ça n’est pas la production d’un cartel, mais plutôt d’un étudiant en physique-chimie qui arrondit ses fins mois. Du coup, ces substances ont été achetées en Bitcoin, pour environ trois fois moins cher que ce qu’on trouve sur le marché réel.

En combien de temps avez-vous été livré ?

En une semaine j’ai reçu mon colis au Fresnoy sur mon lieu de travail, par la poste et à mon nom.

Concernant le fait de tester un produit sur des cobayes : est-ce autorisé ?

Non certainement pas. C’est d’ailleurs la partie la plus sensible du projet, qui m’a posé le plus de questions, tout du moins sur le plan éthique. Je ne suis pas un partisan de la prise de stupéfiant, surtout dans les conditions souvent opaques du monde de la nuit. C’est pourquoi il n’a été donnée aux «cobayes» que des versions homéopathiques.

Concernant le fait de donner de la drogue : comment avez-vous fait pour éviter de tomber dans l’illégalité ?

C’est toute l’ambiguïté du projet. J’ai fabriqué une drogue et j’en ai fait une version homéopathique pour mener une expérience invalidée par la communauté scientifique. Il s’agissait pour moi de mettre en regard l’autorité scientifique avec la question des «croyances».

Concernant le recrutement des cobayes : comment les avez-vous trouvé ?

C’était un casting proche de celui d’un film. Il me fallait des gens déshinibés, cinégéniques et bon danseurs. Des complices ont organisé le casting au sein de plusieurs structures. La plupart des «expériencers» sont issus de Science Po Lille.

Votre court-métrage est-il volontairement ambigü ?

C’était mon intention dès le départ de rendre le projet hybride, entre documentaire et fiction.

Concernant les résultats de l’expérience : était-il important pour vous de vérifier l’influence de votre drogue ?

Pour la partie documentaire, le protocole expérimental scientifique a été respecté dans les règles de l’art. J’entends par là toute la partie conception de la drogue et sa transformation «homéopathique et vibratoire». Néanmoins c’est plus le processus que le résultat qui m’intéresse. Je veux ouvrir des portes, sans être partisan d’une théorie. Ce qui m’a intéressé c’est comment le geste artistique m’a permis de détourner les règles de l’institution et de la loi. Je ne veux pas faire d’un geste artistique un outil de communication ou de propagande. Il me semblait nécessaire pour cela que l’origine et la conclusion de ce projet soient poétiques.

Le but caché de votre expérience n’était-il pas de vérifier l’influence d’un conditionnement mental ?

Le projet s’appelle «Please love party» par allusion à l’étymologie du mot placebo (plaire/please). Il est évident que le conditionnement a son rôle à jouer. D’ailleurs les partisans des théories holistes et vibratoire pensent que l’intention influe sur la matière. Selon eux, l’observateur influence l’objet l’observé, même à l’échelle moléculaire ou quantique. Dans cette optique la dynamique de croyance est aussi importante que le produit ingurgité. On peut faire des rapprochements avec l’autosuggestion, l’hypnose ou même la transe.

Vous avez mis en relation l’impact des vibrations musicales sur l’humain avec l’impact de la drogue sur des cellules vivantes. Est-ce qu’il y a un lien entre les deux ?

L’idée de base c’était : comparer les mouvements des danseurs et ceux des cellules soumises à la même drogue. Mais finalement j’ai préféré «mettre en scène» les cellules comme des métaphores, en trichant un peu. A la fin du film, alors que tout le monde s’enlace, comme si la drogue de l’amour avait fonctionné, on voit au microscope des cellules de couleur rouge se mêler les unes aux autres comme si elles devenaient elles-mêmes amoureuses. Il s’agit en fait de cellules cancéreuses in vitro qui, mises en contact avec un toxique, meurent simultanément en explosant les unes sur les autres. D’une certaine manière, ça rejoint une tradition littéraire romantique de l’amour associé à la mort.

Exposition «Futures of Love», jusqu’au 20 octobre 2019, aux Magasins Généraux (1 rue de l’Ancien Canal, 93500 Pantin). Du mardi au dimanche, de 12h à 21h. Entrée libre.

Commissaires d’exposition : Anna Labouze & Keimis Henni.

Please Love Party (12 mn), réalisé en 2018. Co-production : Le Fresnoy-Studio national des arts contemporains, Les Magasins Généraux et Futur Antérieur Production. Avec la Participation du DICRéAM-CNC. Réalisation : Pierre Pauze. Scénario : Pierre Pauze et June Balthazard. Musique originale : GEINST.

Le film est également visible à l’Ecole d’art Le Fresnoy (Tourcoing), dans le cadre de l’exposition Panorama 21 (elle dure du 21 septembre au 21 décembre 2019).

septembre 23, 2019

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8:10

Que signifie se prostituer ?

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Dans “La Maison”, l’écrivaine Emma Becker résume deux années de sa vie sexuelle et amoureuse, dans un bordel de Berlin. Elle s’est prostituée parce qu’elle voulait comprendre. Est-ce qu’une “travailleuse” peut jouir ? Qu’est-ce qui attire les hommes ?

Née en 1988 à Fresnes, Emma Becker est longtemps élève dans des institutions catholiques. Vers 14 ans, elle lit en cachette des romans érotiques. A 20 ans, elle a une histoire d’amour avec un chirurgien marié approchant la cinquantaine. Elle en fait la matière de son premier roman : Mr (Denoël). En 2011, son deuxième roman –Alice (Denoël)– en dévoile un peu plus de sa vie intime et intérieure. En 2013, Emma déménage à Berlin, après une rupture amoureuse. C’est là qu’un amant vient la rejoindre et, dans une rue remplie de prostituée, se met à lui dire : «Je ne sais pas combien de temps tu peux être excitée en faisant un boulot pareil.

— Enfin, Stéphane… ! On ne parle pas de robots.

— Non, mais tu n’as aucune idée de ce que ça peut être de faire dix passes par jour. Au bout d’un moment, je pense que l’esprit et le corps s’y résolvent ensemble, et que l’excitation devient un paramètre non seulement ornemental, mais extrêmement rare.»

Qu’est-ce qui «peut bien se passer dans la tête d’une pute»

Cette conversation déclenche-t-elle l’envie de savoir ? Emma Becker se fait embaucher dans une «Maison», ouverte chaque jour entre 10 et 23h, et dont les pensionnaires travaillent par roulement. Sur les soixante filles de l’équipe, une quinzaine au moins sont des infirmières, pour arrondir leurs fins de mois. Quant aux autres… Emma se questionne : «les femmes baisent pour un tas d’excellentes raisons qui n’ont rien à voir avec le plaisir physique». Les raisons des prostituées sont-elles si différentes ? De son expérience du bordel, transposée dans La Maison (Flammarion), une chronique documentaire entrecoupée de souvenirs et de réflexions, elle tire un récit rare, passionnant, de 400 pages, qui maintient juste ce qu’il faut de distance pour que le monde des prostituées ne soit jamais que le monde de personnes partageant les mêmes questionnements. Quelle part de toi participe lorsque tu fais l’amour ? Pourquoi est-il si compliqué de jouir ? As-tu besoin de faire jouir quelqu’un pour te rassurer ?

Sentir, c’est ça «le vrai problème dans le fait d’être une pute»

Emma Becker se rappelle. Quand elle était «dans la peau de cette gamine qui désespérait d’être pour les garçons autre chose qu’une copine à lunettes», ne rêvait-elle pas déjà d’être une autre femme ? De son passage dans la Maison, elle rapporte une extraordinaire quantité de témoignages qui s’agrègent au sien. Les trajectoires de vie se mélangent aux descriptions de la «vie quotidienne» dans le salon où les femmes attendent. Elles attendent qu’un client les choisisse, afin de l’emmener dans une chambre au choix : la Dorée au plafond de miroirs, le Studio carrelé de blanc, la Rouge aux lumières tamisées… Esmée, Gita, Ingrid, Agnetha, Genova se succèdent sous sa plume. «Le problème avec ce métier, c’est qu’au bout d’un moment, ton corps ne sait plus quand tu fais semblant et quand tu sens vraiment quelque chose, lui raconte Hildie. Tu te donnes tellement de mal à bâtir cette indifférence, c’est tellement devenu un réflexe, qu’il faut un certain temps pour que ton corps réapprenne à sentir.»

Le mystère Victoria

Pour certaines prostituées, le problème, «c’est les mascarades que l’on s’impose et qui deviennent la vérité.» Pour d’autres, c’est faire en sorte que le mari ne l’apprenne pas (alors même que, probablement, elles ne font que penser à lui). Pour d’autres encore, c’est la peur de ne pas plaire à des hommes dont, de toute manière, elles se fichent… jusqu’au moment où elles en trouvent un de leur goût. Parmi les portraits les plus fascinants, il y a celui de Victoria dont toutes les filles se demandent quel est le secret. «Berlin, trois millions et demi d’habitants, mais il y a toujours derrière la porte un visage qu’elle a vu Dieu sait où, au travail, au supermarché, celui d’un voisin, d’un parent d’élève – à croire que Victoria disperse des phéromones attrapant tous les mecs qui voudraient bien la baiser mais qui, pour un certain nombre de raisons, ne peuvent pas.» Victoria rend les hommes fous. Comment s’y prend-elle ? En quatre ans, elle a changé trois fois de nom en vain : ses clients énamourés la poursuivent.

«Bon Dieu, qu’a Victoria qui les fait tous courir ?»

«Parfois s’élève du couloir, juste avant que la lourde porte d’entrée se referme, la plainte tonitruante d’un client qui s’en va bredouille encore une fois et lance, comme une bouteille à la mer : “Je sais que tu es là… ! Silke, je sais très bien que tu es là… !” Sans que l’on puisse déterminer si Victoria s’appelle vraiment Silke.» Emma se demande quelle magie Victoria possède pour que des jeunes clients se mettent presque à pleurer lorsqu’on leur propose une autre fille. C’est d’autant plus étrange que Victoria a 42 ans, un derrière large, presque carré et des manières de grenadier : «Elle ne fait aucun effort pour prétendre être enchantée de faire la connaissance de qui que ce soit – parfois, elle oublie d’enlever ses chaussons et passe en coup de vent, suivie d’un effluve de nourriture qu’elle a engloutie sans penser aux prochains qui se pendront à ses lèvres.» Ses vêtements et son parfum puent le métier. Mais est-ce là justement ce qui attire les hommes, fatigués par les «minauderies» et par la «bonne volonté mercantile» des autres prostituées ? Peut-être est-ce «une audace qu’on apprend après dix ans de bordel» ?

«Où va l’âme des endroits qui ont été si violemment habités ?»

Emma Becker affirme avoir beaucoup appris. Un jour, en 2017, la Maison met la clé sous la porte. Emma rachète un des lourds lits sur lesquels elle a travaillé : «On s’y enfonce terrassé par l’épuisement de tous les gens qui s’y sont dépensés pendant quarante ans», dit-elle, avouant sa nostalgie. Sa nostalgie est si puissante, d’ailleurs, qu’elle rachète même un dessus de lit afin de garder près d’elle «le fumet familier du bordel où j’ai bossé pendant deux ans», enfonçant le nez dans sa texture, à la poursuite des odeurs plus lancinantes : transpiration des corps, reste de sucs humains mélangés aux parfums d’huiles pour le corps. En 2016, Emma a accouché d’un enfant auquel, maintenant, elle consacre son prochain roman, fière, ainsi qu’elle le dit, d’avoir «réussi à devenir écrivain, amante, femme, pute et mère.»

A LIRE : La Maison, d’Emma Becker, éd. Flammarion, sortie le 21 août 2019.

septembre 18, 2019

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8:31

Ce que les réseaux changent à nos vies (sexuelles)

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Ce que les réseaux changent à nos vies (sexuelles)

Ils sont nés avec les réseaux sociaux. Jusqu’au 21 septembre, l’Espace Commines, à Paris, accueille la nouvelle génération des créateurs taïwanais. Quelle est leur vision du monde ? Pourquoi font-ils de l’art avec #Metoo ?

Pour l’artiste Instagram John Yuyi, l’avenir c’est le branding digital : ses images montrent des humains tagués comme du bétail. Certains affichent la date de livraison sur le front. D’autres portent #Metoo sur le bout de la langue. Ou arborent sur les joues des icônes adhésives, pareilles à des tatouages… Ces oeuvres datent de 2018. John Yuyi les réalise pour illustrer un dossier spécial post-humain du New York Times. Consacré à l’impact des visuels numériques, le dossier commence par cette phrase : «Allons droit au but : ce que vous êtes en train de faire, lire de la prose sur un écran, c’est bientôt dépassé.» Pour l’éditorialiste, il s’agit de faire son deuil de «la pensée argumentée». Elle est has been, dit-il. Les gens préfèrent communiquer à l’aide de hashtags, de gifs ou d’instagrams. Les messages mêlant audio et visuel ont d’ailleurs tellement de succès que certains agitateurs politiques comme George Soros et la famille Mercer ont investi dans la fabrique de memes. Le financement de comptes Twitter relève du trafic d’influence et les YouTubeurs font plus vendre que les publicités papier. C’est le signe d’un changement d’ère, conclut le NY Times.

Taïwan New Wave

Tout comme les autres artistes exposés (jusqu’au 21 septembre à l’Espace Commines), John Yuyi ne juge pas. Elle se contente de donner corps à cette nouvelle réalité, celle des individus connectés. Le styliste Wang Liling, par exemple, conçoit des vêtements qui hybride les textiles et les matériaux conducteurs. La joaillère Fanny Tsai fabrique des bijoux qui semblent dématérialisés. Les créateurs de la revue 8G rising formatent leurs images pour une réalité augmentée dont ils anticipent déjà l’usage et dont ils font un outil de revendication LGBT. Taïwan est le premier pays d’Asie à légaliser le mariage pour tous. Taïwan fait aussi partie des 5 principaux producteurs de circuits intégrés. C’est Taïwan qui (de pair avec les 4 autres grands groupes de producteurs) a fait de la loi de Moore un objectif à suivre : depuis 1998, le célèbre rapport ITRS (International Technology Roadmap for Semiconductor) affiche comme but une multiplication par deux des performances des composants, tous les dix-huit mois, en même temps qu’une diminution de 50% des coûts.

En 2017, 80% des puces sont fabriquées à Taïwan

La loi de Moore n’était, en 1965, qu’une simple observation. Elle est devenue auto-prédictive. Les experts de l’ITRS y veillent. Résultat : depuis 1994, il se vend plus d’ordinateurs que de voitures. Les puces prolifèrent. Taïwan en est le premier fabriquant au monde. La quantité de données digitales augmente de façon exponentielle, bouleversant tout le système : «La pénétration des composants à l’intérieur des équipements qui supportent toute la communication des individus, des groupes nationaux ou des entités économiques leur a donné en quelques années le rôle de colonne vertébrale de l’activité humaine», résume Jacques Blamont (co-fondateur de l’Agence spatiale française, le CNES) dans Réseaux !, un ouvrage publié aux éditions CNRS en 2018. Le chercheur y dissèque les conséquences du boom des réseaux. «La mise en réseau de la foule produit une redistribution de l’autorité. Dix mille blogueurs mobilisés autour d’un discours disposent de pouvoir», dit-il. Mais quel pouvoir ? Dans le petit chapitre qu’il dédie à #Metoo, Jacques Blamont questionne l’impact des réseaux : #Metoo permet-il de changer le monde ?

#Metoo peut-il changer le monde ?

A priori, Jacques Blamont se méfie : le hashtag, dit-il, ne favorise guère que le clicktivisme (la protestation en-un-clic). Critiquant ce «mode d’engagement peu contraignant qui flatte à moindres frais la bonne conscience de pratiquants faiblement politisés», le chercheur dénonce les limites de cette forme d’action : ponctuelle, éphémère et émotionnelle, elle ne favorise ni la réflexion, ni la nuance. Retwitter un #Metoo, par exemple, cela signifie-t-il qu’on s’est fait pincer la fesse ou qu’on a été violée ? #Metoo entretient la confusion entre harcèlement et viol, au détriment des vraies victimes. Il est par ailleurs difficile d’évaluer l’impact de ce hashtag. On sait qu’il a encouragé les femmes à raconter ce qu’elles ont vécu. Dans les mois qui suivent l’affaire Weinstein, le nombre de plaintes pour agressions sexuelles augmente brutalement (+ 31 % au quatrième trimestre 2017 par rapport à 2016). Mais le hashtag a-t-il rendu les femmes plus fortes ? Leur a-t-il donné les moyens de résister aux prédateurs dans la vraie vie ? Il est encore trop tôt pour savoir. Une seule chose de sûre : le niveau d’intolérance aux abus sexuels et au sexisme a augmenté. La parole s’est déliée.

Celle dont le post a fait tomber le patron d’Uber

Dans le dossier du NY Times illustré par John Yuyi, une journaliste raconte le cas de Susan Fowler, l’ingénieure qui a fait tomber le patron d’Uber en 2017. «Elle s’était adressée au service des ressources humaines. Puis à ses supérieurs. Puis elle avait changé de service. Mais tout cela n’avait rien changé. Les messages sexuels et sexistes qu’elle recevait en tant qu’ingénieure chez Uber ne cessaient pas. Alors elle publia en ligne un post de 3000 mots sur son blog, en racontant l’histoire. Un an plus tard, une vingtaine de dirigeants (incluant le prédateur milliardaire Travis Kalanick) avaient été éjectés de l’entreprise. […] C’était à l’époque où les murmures en ligne s’étaient transformés en cris. Brusquement, les femmes pouvaient se faire entendre, les gens les écoutaient et les coupables payaient les conséquences. Une des raisons de ce changement, c’est que les médias sociaux fournissaient une plate-forme aux victimes, un réseau d’allié(e)s et une présence publique impossible à faire taire. Les médias sociaux, en dépit de leurs inconvénients, constituent désormais une puissance démocratique.»

Retwitter un hashtag : geste citoyen ou simulacre d’action ?

Pour la journaliste du NY Times, on ne peut que se féliciter de l’expansion des réseaux : ils donnent aux femmes la sensation rassurante qu’elles ne sont plus seules. «Même si ces réseaux favorisent les abus, ajoute-t-elle, puisqu’ils peuvent tout aussi bien servir à répandre des fausses accusations.» C’est sur ce point que Jacques Blamont se montre le plus critique. Retwitter un hashtag est-il un geste citoyen ou un simulacre d’engagement ? «Ce simulacre asphyxie les pratiques militantes en leur substituant un fantasme d’action. Twitter devient un tribunal virtuel dominé par l’intimidation collective. La foule se transforme en horde prête au lynchage. Même s’il est difficile d’évaluer l’impact des hashtags, on peut craindre leur nuisance médiatique.» En dépit de ces réserves, force est cependant de reconnaître la vérité. Plus rien ne peut arrêter le mouvement. Des communautés se forment en ligne. «Les citoyens n’attendent plus qu’on leur propose de participer, ils se prennent eux-mêmes en main. Ils pétitionnent, posent des questions, élaborent des réponses. […] Le Web devient la place centrale du débat ; il sera non plus un lieu de divertissement mais celui où se créent cultures, valeurs et peut-être action.»

A LIRE : Réseaux ! Le pari de l’intelligence collective, de Jacques Blamont, CNRS éditions, 2018

A VOIR : Taïwan New Wave - Xanadu Motion, du mercredi 18 au samedi 21 septembre 2019, de midi à 19h. Espaces Commines : 17 rue commines, 75003 Paris.

L’agence d’édition design alamak!project, à Singapour et Tôkyô, avec la galerie Pon Ding 朋丁 à Taipei, ont choisi ces jeunes artistes et créateurs taïwanais pour leur recherche multi-disciplinaire, de la mode à la photographie, du dessin à la vidéo, de l’artisanat à la performance.

POUR EN SAVOIR PLUS : un excellent article de Mixte Magazine sur John Yuyi.

septembre 16, 2019

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9:56

Ouranos et le fantasme de la castration

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Certains hommes fantasment sur la pénectomie: ils rêvent qu’une dame sévère vienne opérer à domicile et les «calme», d’un coup de bistouri, pour les transformer en poupées dociles. Peut-on faire remonter ce rêve érotique au mythe grec d’Ouranos ?

La castration s’applique exclusivement à l’ablation des testicules (ou des ovaires), mais le mot est souvent employé pour l’ablation du pénis. Bien qu’il s’agisse d’un emploi fautif, il est révélateur d’un fantasme plutôt courant dans le milieu du SM. Beaucoup de soumis mâles trouvent très excitant l’idée que leur organe soit mis «hors d’état de nuire». Ils disent qu’ils veulent se faire «châtrer» ou «couper», désignant leur pénis (plutôt que leur testicule) comme l’objet du délit. Ce fantasme, bien sûr, ne débouche jamais sur un passage à l’acte. Personne ne se mutile pour de vrai (1). En revanche, nombreux sont les adeptes qui mettent en scène symboliquement leur mise en incapacité. L’artiste Jim Castre fait partie des plus étonnants d’entre eux.

Mommy’s Little Angel

Son nom est un pseudonyme. Ses oeuvres circulent sur des sites consacrés aux mâles féminisés. Le célèbre Petticoat Discipline Quaterly diffuse régulièrement ses images. Ce sont des photos retouchées montrant un homme au crâne dégarni, vêtu d’une humiliante robe de soie, forcé de servir des dames d’un certain âge qui le contemplent avec sévérité. Les matronnes ont les seins moulés dans des chemisiers lavallière, trois rangs de perle et l’air sec. Elles évoluent dans des salons bourgeois ornés de grands tableaux. Elles boivent du champagne et manipulent des badines. Parfois un texte accompagne l’image : «Harry avait été tenu en état permanent de chasteté depuis l’enfance. Il avait développé une inimaginable dépendance à l’égard de sa divine mère. Mais elle n’était toujours pas satisfaite de lui. Alors, pour ses 30 ans…»

Harry sera bien sage

Sur certaines images on voit que l’homme au crâne dégarni porte une petite cage à pénis, qui maintient son sexe en état de flaccidité. Sur d’autres images la «divine mère» adopte une mesure plus radicale : la chirurgie à domicile. Une sage-femme en tailleur cintré, munie d’une sacoche Gladstone à fermoirs de cuivre, amène ses instruments. Elle procède à l’ablation puis remet à la mère triomphante le pénis en bocal du fils désormais «corrigé». Harry sera bien sage, maintenant ?

Il peut sembler étrange qu’un tel fantasme puisse paraître excitant. Mais c’est sans tenir compte de son contenu latent. Car l’image de la «castration» (pénectomie) n’est pas forcément morbide. Au contraire. Elle se rattache à un vieux fond de mythes et de symboles extrêmement porteurs en Occident.

Le geste stérilisant de la castration est à l’origine de la vie

Dans la Théogonie d’Hésiode «Ouranos, le Ciel, s’accouple avec Gaïa, la Terre, et la recouvre sans relâche, empêchant celle-ci de donner le jour à ses progénitures. Gaïa, excédée par cette copulation continuelle, fabrique alors une serpe en métal, et son fils, Kronos, posté en embuscade, saisit la serpe “la grande serpe aux dents aiguës, et, du sexe de son propre père / avec élan, il fit moisson, avant de le rejeter, d’un geste inverse, pour qu’il fût emporté au loin.”» Ainsi que l’anthropologue Gilles Tétart l’explique dans Le sang des fleurs (Odile Jacob, 2004), lorsque Kronos jette les testicules tranchés, le sang qui coule à terre donne naissance à toutes sortes de créatures (nymphes méliennes, erynnies, géants) et lorsqu’il jette le pénis à la mer, le membre coupé engendre Aphrodite.

Pour faire pousser le végétal, il faut le couper

«Dans ce poème théogonique, il importe de voir que la castration, d’où résulte une longue chaîne de naissances, est la source d’une fécondité dont l’idéal sous-jacent est végétal.» L’instrument utilisé pour la castration (la serpe) renvoie au cycle des semailles et de la moisson. Autrement dit : pour faire pousser, il faut couper. Mais ce que le poème indique, surtout, c’est qu’en «coupant court» à la sexualité de son père (le Ciel), Kronos rend possible les maternités de sa mère (la Terre). Couper «apparaît comme un moyen de greffer le flux de la génération sur le sol», explique Gilles Tétart par allusion au fait que, dans la plupart des cosmogonies, le Ciel et la Terre doivent d’abord être séparés pour que le monde puisse advenir.

Convertir la semence en sang de vie

De façon paradoxale, la castration fonctionne donc comme la métaphore de cette séparation sans laquelle le monde resterait à l’état de chaos primordial. Il faut que l’Univers s’organise en un système de principes contraires. La nuit et le jour, le Ciel et la Terre, le mâle et la femelle doivent d’abord se disjoindre pour que soient libérées les puissances génératrices de la vie. Emasculant son père, Kronos convertit la semence paternelle en source d’abondance. Il n’est d’ailleurs pas étonnant que, depuis des siècles, les paysans fassent castrer les animaux qu’ils veulent rendre plus gras (les porcs, les poules, les boeufs…). Lorsqu’ils deviennent stériles, inféconds, ces animaux non seulement s’apaisent mais se mettent à engraisser, comme si la semence en eux se convertissait en graisse, synonyme de vie.

On castre les bêtes et on taille les arbres pour les faire croître

Desexualiser les animaux en les «coupant » a donc le même effet que tailler des végétaux en les élaguant : la sève ne se disperse plus, ce qui favorise leur développement. Pas étonnant que la viande bien grasse soit dite «persillée» : dans la langue des bouchers, l’animal «taillé» (châtré) est comparable à un végétal. Dans le pays brionnais, transformer un porc en animal gras se dit «fleurir». «Une bête dont la floraison est achevée est, pour ainsi dire, prête à l’abattage», explique Gilles Tétart qui ajoute : le goût de la viande semble toujours plus «doux» quand l’animal a été châtré. «Si la fonction zootechnique de la castration est de rendre l’animal plus docile, elle est également comprise comme une purification ayant pour effet d’édulcorer la viande en lui ôtant un goût d’origine sexuelle.»

Desexualiser un animal, c’est le végétaliser

Desexualiser un animal, c’est «aligner la bête sur l’arbre» et «cueillir la viande comme se cueille un légume». Quid des humains ? Lorsque leurs fonctions reproductrices sont inhibées, tout en eux se transforme. C’est cela que montre Castre (dont le nom bien sûr renvoie à “castration”) : l’effet de sublimation. Sur ses images, l’homme au crâne dégarni prend des airs de pucelle. Il porte des falbalas pastel. Il se balance sur ses talons. Il soulève la corolle de ses jupons mousseline. Tout en lui ploie gracieusement. Affranchi de sa pesante masculinité, il peut enfin goûter au bonheur d’être une nymphe. Et tant pis si la nymphe est un peu ridicule. L’homme au crâne dégarni cultive en lui le coeur d’une jeune fille en fleur.

A LIRE : Le sang des fleurs. Une anthropologie de l’abeille et du miel, de Gilles Tétart, Odile Jacob, 2004.

NOTE 1 : Il arrive que certains hommes se fassent pénectomiser et castrer, mais c’est si rare que je préfère n’en parler qu’en note. Un article leur a été consacré ici.

POUR EN SAVOIR PLUS : «Les plantes sont-elles frigides ?» ; «Entretien avec un castreur».

CET ARTICLE FAIT PARTIE D’UN DOSSIER «MIEL SEXUEL» : «L’érotisme de la cire : un rêve d’éternité ?» ; «Du porno (drôle) pour sauver les abeilles ?» ; «Contre quoi donnerais-tu ta vie ?» ; «Sainte Rita et le miracle de l’épine» ; «Ouranos et le fantasme de la castration».

septembre 11, 2019

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10:19

Safe space : le refus de grandir

» ‎ Les 400 culs

Poursuivant, dans son livre “White”, une analyse au vitriol de la société américaine, Bret Easton Ellis dénonce – chez les milleniaux– «l’incapacité croissante» à supporter le débat d'idée. Ils exigent des espaces "protégés". Mais quel est leur problème ?

Son entreprise de démolition avait commencé avec Moins que zéro (1986), entamé dès l’âge de 16 ans et publié, à 21 ans, comme le roman à charge de la génération X (celle des individus nés entre 1960 et 1980), dont il pointait le nihilisme. Dans White, pamphlet auto-biographique volontiers provocateur, Bret Easton Ellis s’en prend maintenant aux milleniaux (nés entre 1980 et 200) qu’il traite de «dégonflés», voire pire : de «flocons de neige» (snowflakes), l’équivalent de «pauvre petite chose». L’expression snowflakes, introduite dans le dictionnaire anglais Collins en 2016, très populaire parmi les partisans de Trump (1), désigne couramment les jeunes de gauche, perçus comme pleurnichards, incapables de supporter la moindre contradiction et, de ce fait, totalement allergiques à la liberté d’expression. Ces flocons de neige –«si sensibles et fragiles qu’ils s’effondreraient à l’écoute du moindre discours antagoniste» (AFP)– se préservent en réclamant ce qu’ils nomment des «espaces sécurisés» (safe space). Sur les campus, les safe space sont des endroits où tous les sujets dits sensibles sont prohibés.

Des milléniaux «incapables d’affronter les échecs»

Pour Bret Easton Ellis, l’existence des safe space illustre parfaitement la carence des milléniaux, «qui, au premier signe de noirceur ou de négativité, [sont] souvent paralysés et incapables de réagir, si ce n’est par l’incrédulité ou les larmes – Tu as fait de moi une victime ! – et [battent] en retraite dans leurs bulles d’enfance.» Leur problème, dit-il, c’est qu’ils ont été couvés par des parents surprotecteurs, étouffants, qui les suivaient à la trace via GPS et ne faisaient que les encenser. Comment peut-on devenir adulte quand on ne connaît jamais ni le risque, ni l’échec ? Ces parents, dit-il, ne leur ont pas appris «comment faire face aux difficultés de la vie» ni à gérer ces vérités essentielles : vous ne serez pas toujours aimés, vous n’avez pas forcément de talent, vous vous tromperez souvent, vous souffrirez, vous serez souvent trompés. Lorsqu’ils le découvrent, les milléniaux ne font que «s’effondrer dans la sentimentalité et créer des récits victimaires.» Dénonçant ce déni de réalité, Bret Easton Ellis s’énerve : dans un monde souvent hostile ou «qui se fiche de savoir que vous existez», mieux vaudrait affronter le réel que se réfugier sans cesse dans des zones de confort idéologiques.

Des safe rooms soviétiques aux panic rooms d’Hollywood

Sa colère n’est pas isolée. En 2018, Laurent Dubreuil, philosophe, enseignant à l’Université Cornell, aux Etats-Unis, signe un pamphlet virulent contre les safe space et leur corrélat : la censure. Dans ce livre intitulé La dictature des identités (Gallimard), remontant aux origines du phénomène, il le dissèque d’une plume corrosive. Tout commence à la fin des années 1970, avec la création des safe rooms, des chambre fortes qui, dans les ambassades soviétiques, permettraient aux diplomates de parler sans craindre d’être écoutés par les services de surveillance américains. Peu à peu toutes les ambassades adoptent ce système qui s’étend dès les années 1980 au résidences privées. Les panic rooms (rendues célèbres par le film éponyme avec Jodie Foster) sont des sortes de bunker où les familles peuvent se réfugier en cas de cambriolage. A la même époque, le psychiatre londonien Anthony Fry –premier théoricien du safe space– affirme que l’équilibre mental n’est atteignable que depuis un «lieu sûr». Dans les années 1990, les safe space désignent des abris pour des populations vulnérables (femmes battues, gays rejetés par leur famille, prostituées, drogués, etc.), mais il désigne aussi en parallèle des pièces dans lesquelles les parents sont invités à fabriquer «des enfants apeurés par le monde», ainsi que le formule ironiquement Laurent Dubreuil.

Comment fabriquer un «enfant apeuré»

En 1993, un manuel de psychologie donne le conseil suivant : «Apprenez à chacun de vos enfants à aller dans la safe room de votre maison s’il leur arrive quelque chose. C’est vraiment facile à faire, même avec un enfant en bas âge. Quel que soit le problème, confortez l’enfant dans la safe room. La petite Betty s’écorche le genou et vient à vous en pleurant ? Portez-la jusque dans la safe room, réconfortez-la, nettoyez et pansez la plaie, peu importe qu’elle soit légère.» Laurent Dubreuil enchaîne : «Vingt ans plus tard, la petite Betty, qui fut bien dressée par ses parents aimants, réclame son safe space à l’université. Quoi de plus normal?» Le problème avec cette réclamation («je veux mon cocon»), c’est qu’elle va toujours avec le rejet violent de toute opinion non-conforme à la pensée unique. Le safe space, comme l’explique Bret Easton Ellis, est un espace «où personne n’est jamais offensé, où tout le monde est gentil et aimable, où les choses sont sans tache et asexuée, et même sans genre si possible.» C’est un espace qui se prétend pluriel, mais qui n’admet pas la pluralité des opinions. Un espace «positif» qui diabolise les débats d’idées, qui vilipende les autres et qui autorise les pseudo-«victimes» à imposer leur loi. Au nom de leur oppression ?

A LIRE : White, de Bret Easton Ellis, traduit de l’anglais (Etats-Unis) par Pierre Guglielmina, Robert Laffont, « Pavillons », avril 2019.

La Dictature des identités, Laurent Dubreuil, Gallimard, mars 2018.

L’interdiction de la libre discussion sur les campus de Grande-Bretagne, chronique de Brice Couturier («le tour du monde des idées», France Culture, 03/04/2018)

Safe spaces : des étudiants qui ne supportent plus la contradiction chronique de Brice Couturier («le tour du monde des idées», France Culture, 16/11/2018)

NOTE 1 : Bret Easton Ellis affirme ne pas aimer Trump qu’il décrit d’ailleurs dans White comme une «brute vulgaire en manque d’affection, avec une coiffure dingue et la peau orange».

CET ARTICLE FAIT PARTIE D’UN DOSSIER CONSACRE AUX IDENTITES ET AUX LIBERTES : «Trigger warnings : des «avertissements» sans dangers ?» ; «Balthus peut-il “déclencher” ?» ; «Se faire tatouer une publicité : possible ?» ; «Faudrait-il signer un contrat avant de faire l’amour ?» ; «Les milleniaux : génération Bisounours ?»; «Safe space : le refus de grandir»

septembre 09, 2019

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7:57

Les milleniaux : génération Bisounours ?

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Pointant du doigt les démocrates bien-pensants mais surtout les «progressistes» de la nouvelle génération, Bret Easton Ellis les accuse –dans “White”– de tuer la liberté d’opinion et de parole. Cette "génération dégonflée", dit-il, censure ce qui lui fait peur : tout ce qui n'est pas poli, gentil, propre ni rassurant.

En 1989, alors que Bret Easton Ellis achève American Psycho, l’histoire d’un serial killer, son petit copain de l’époque (un avocat) lui annonce qu’il va «avoir des ennuis». Quelques mois plus tard, la publication est annulée car le livre est jugé «offensant». Trop de sang, trop de viols, trop d’ironie. Qu’à cela ne tienne, le livre est publié, un an plus tard, par une autre maison d’édition. Il est même adapté au cinéma par une femme féministe (Mary Harron)… Mais pour Bret, c’est un signe. Vingt ans plus tard, dans White, un essai au vitriol (publié le 16 avril aux USA et en France le 2 mai, aux éditions Robert Laffont), il dénonce les ravages du politiquement correct et pointe du doigt, en particulier, la «génération dégonflée». Soit la génération dite «Y» ou des «milleniaux», celle des individus qui sont nés entre 1980 et 2000, dans le double contexte mortifère de la crise économique et de l’essor des réseaux sociaux. Ils ne supportent plus ni la contradiction, ni la provocation, ni l’humour, ni l’art, ni le porno, ni rien qui soit dérangeant ou choquant.

La dépendance aux nombre de «like»

Bien qu’il affirme éprouver pour eux beaucoup de sympathie (il a d’ailleurs longtemps vécu avec un millenial), Bret reste caustique. Les milleniaux ont deux problèmes, dit-il. Le premier problème, c’est qu’ils affrontent la récession ce qui, par conséquent, les rend très dépendants de leur image en ligne. Lorsque vous n’avez pas de job, «votre seul espoir de vous élever dans la société réside dans votre […] profil, votre statut sur les réseaux sociaux». Plus avez de followers et de like, plus vous obtenez de «reconnaissance». A défaut d’un salaire, c’est donc la popularité qui «devient l’échelle de mesure […] et aussi la raison pour laquelle vous désirez que des milliers de gens vous aiment sur Twitter, Facebook, Instagram, Tumblr, où que ce soit.» Question : comment faire pour être aimé, quand en on a –comme les milleniaux– «désespérément» besoin ?

Le critère obligatoire d’amabilité (likeablity)

Dans la nouvelle ère numérique de ce que Bret appelle le «post-Empire» (c’est-à-dire l’Amérique de l’après 11 septembre 2001, dominée par les GAFA), l’impératif d’être aimable (likable) impose que l’on soit validé «positivement» par les autres afin d’exister. Facebook pousse ses utilisateurs à «cliquer like en toutes circonstances», les pressant de se conformer au code moral des Bisounours. «Tout le monde poste des critiques positives dans l’espoir d’obtenir la même chose en retour», ironise l’auteur qui dénonce le revers de cette «sorte de totalitarisme qui exècre la liberté de parole» : les brebis noires se font souvent exclure des réseaux sociaux. «N’ayez pas de putain d’opinions, en dehors de celles de la pensée unique majoritaire du moment», se moque Bret. Il en sait quelque chose. Ses tweets (souvent postés en fin de soirée, dans des états plus ou moins lucides) lui ont valu des vagues de hate-mails disproportionnées.

Tolérance zéro sur les réseaux

Pour Bret Easton Ellis, les réseaux sociaux favorisent la pratique du terrorisme intellectuel. Mais il y a pire, dit-il : c’est que les utilisateurs sont habitués à ne plus «tolérer» une opinion qui diffère de la leur, ni même une image qui puisse remettre en cause leur système de valeur. Ils se sont habitués à bloquer d’un simple clic les empêcheurs de penser en rond. Ils ont été encouragés à dénoncer en ligne les «contenus choquants». Fort de leur bonne conscience, ils s’estiment en droit de faire éliminer ce qu’ils jugent «inadmissible». A force de censurer tout ce qui soi-disant les heurte, ils ont fini par croire que les opinions contraires et que les choses perturbantes étaient mauvaises, donc à bannir. Résultat : aux Etats-Unis, certains refusent de lire Shakespeare ou Ovide. D’autres boycottent les conférences de penseurs avec lesquels ils ne sont pas d’accord, ou les pièces de théâtre qui ne correspondent pas à leur vision du Bien.

Une nouvelle forme de «fascisme» ?

«Voici l’impasse des réseaux sociaux : après avoir créé votre propre bulle qui ne reflète que ce qui vous concerne ou ce avec quoi vous vous identifiez, après avoir bloqué et cessé de suivre des personnes dont vous avez jugé et condamné les opinions et la vision du monde, après avoir créé votre propre petite utopie fondée sur vos valeurs chéries, vous voyez un narcissisme dément commencer à déformer cette jolie image. Ne pas être capable ou ne pas vouloir se mettre dans la peau de quelqu’un d’autre – afin de voir le monde d’une façon complètement différente de la vôtre – est le premier pas en direction de l’absence d’empathie, et c’est la raison pour laquelle tant de mouvements progressistes deviennent aussi rigides et autoritaires que les institutions qu’ils combattent.»

Mais au fait, quel est le deuxième problème des milleniaux ? La réponse mercredi qui vient.

A LIRE : White, de Bret Easton Ellis, traduit de l’anglais (Etats-Unis) par Pierre Guglielmina, Robert Laffont, « Pavillons », avril 2019.

Les excellents, mordants, méchants articles du critique d’art Etienne Dumont : «Le politiquement correcte condamne à mort 13 fresques réalisées en 1936» ; «Le Bénin ne veut accueillir son patrimoine que dans deux ans», «Un tableau victorien censuré par une conservatrice féministe» ; «La plate-forme Tumblr interdit la pronographie dès le 17 décembre 2018» ; «Censure sur Tumblr, je fais le point», «Twitter censure les photos d’art romain» ; «Egon Schiele affole la censure».

septembre 04, 2019

Lien pour 'Elvifrance : infernales visions
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7:54

Elvifrance : infernales visions

» ‎ Les 400 culs

«Petits, pas chers, méprisés par la critique, haïs par la censure», les pockets Elvifrance suscitent le dégoût : ils racontent des histoires d'inceste, de nécrophilie ou de meurtre. L'historien Bernard Joubert leur consacre un livre magnifique, redonnant à ces images une raison d'être. Mieux : une valeur esthétique.

En octobre 2018, l’anthologie Pulsions graphiques Le meilleur du pire d’Elvifrance donnait à voir 400 couvertures détonantes de BD format poche, mêlant bimbos, bandits, robots et zombis. A ce trésor visuel, l’auteur de l’ouvrage –Christophe Bier, grand collectionneur de pockets– ajoutait un texte de 80 pages résumant l’histoire des éditions Elvifrance. Le hasard fait mal les choses : à peine deux mois plus tard, en décembre 2018, un autre ouvrage est publié –sous le titre Elvifrance, l’infernal éditeur– avec pas moins de 450 pages couleur reproduisant elles aussi une extraordinaire sélection de couvertures originales. Cette collision éditoriale n’a rien de calculé. Il s’avère que lorsque Christophe Bier a sorti son livre (aux éditions Cernunnos), un autre livre –qui était en attente de publication depuis plus de 6 ans (aux éditions United Dead artists)– venait à peine d’être «débloqué».

Elvifrance, l’infernal éditeur

J’ai déjà consacré un petit article, ici, à Pulsions graphiques. Il est temps de rendre hommage au second livre (qui est en fait le premier) : Elvifrance, l’infernal éditeur, signé par Bernard Joubert. Une précision tout d’abord : s’il vous fallait choisir entre l’un et l’autre, ce serait difficile. Au-delà de leurs points communs –un historique d’Elvifrance et un trésor de couvertures reproduites en pleine page–, ces deux ouvrages sont très différents. Les couvertures choisies ne sont pas les mêmes, ce qui rend chaque titre indispensable. Celui de Bernard Joubert offre deux contenus spécifiques. Tout d’abord, un texte spécialement dédié aux collectionneurs. Ensuite, une sélection des couvertures les plus hallucinantes revisitées par des artistes contemporains. Prenons dans l’ordre. Le texte pour les collectionneurs s’intitule : «Comment reconnaître un microtirage». Les microtirages sont des pockets destinés à la Commission de surveillance, imprimés en seulement trois exemplaires.

«L’éditeur le plus interdit de l’histoire de l’édition française»

Les microtirages sont les témoins muets du long combat qu’Elvifrance a mené contre la censure en France. Bernard Joubert est l’homme le mieux placé pour pouvoir en parler. Auteur, critique, historien, il s’intéresse aux sujets hors norme : la BD clandestine, les pin-ups, les images interdites… Mais c’est surtout un spécialiste de la censure, raison pour laquelle, inévitablement, il s’intéresse à Elvifrance (EF), «l’éditeur le plus interdit de l’histoire de l’édition française». Entre 1970 (date de sa création) et 1992 (date du dépôt de bilan), la maison EF est visée par plus de 700 arrêtés : 532 titres sont interdits aux mineurs, 176 interdits d’exposition et 36 interdits, en sus, de toute publicité. Délit systématique d’outrage aux bonnes moeurs. Pour Bernard Joubert, certainement, le créateur d’Elvifrance est un héros.

Le créateur d’Elvifrance : un prolo et un héros

Il s’appelle Georges Bielec. «Né le 21 octobre 1936 à Mondeville, dans le Calvados, d’un couple d’immigrés polonais (Tadeusz et Wanda), Bielec était destiné à être ouvrier. Il obtient son CAP d’ajusteur, travaille aux hauts fourneaux, mais rêve de devenir acteur. À dix-huit ans, il fugue à Paris et s’inscrit au Cours Simon, pour la formation des comédiens.» Sa carrière d’acteur, malheureusement fait long feu : il joue les figurants et figure au générique d’Une aussi longue absence d’Henri Colpi (scénario de Marguerite Duras). Ce film obtient la Palme d’or au Festival de Cannes en 1961, mais pour Georges Bielec, pas de quoi pavoiser : il n’y apparaît que quelques secondes. Son rôle, dans la première scène, est celui d’un blouson noir qui importune les clients d’un café.

Blouson noir un jour blouson noir toujours

En 1961, Bielec abandonne le métier d’acteur, entre dans la presse et se spécialise dans la publication de photo-romans (tous interdits) et de BD pour adultes (toutes interdites). Il attire ainsi l’attention des éditions Erregi qui publient en Italie les fameux fumetti neri, des bandes dessinées du style Diabolik, Satanik ou Kriminal. Ces publications sulfureuses sont également appelées «pockets» parce qu’elles tiennent dans la poche. On les achète 2 francs. Elles fournissent chaque semaine aux ouvriers, camionneurs, bidasses, taulards et étudiants fauchés (les principaux consommateurs) leur ration d’images déviantes. Voilà Bielec en charge des versions françaises, dont il inonde les kiosques. Jusqu’à 25 titres sortent chaque mois, Le succès de ces BD transgressives est tel qu’elles sont tirées chacune à 70 000 exemplaires. Très vite, les censeurs s’offusquent.

Pornographie : une “maladie” de bourgeois ?

Parmi les pires ennemis d’Elvifrance, il y a bien sûr les associations familialo-catholiques, mais aussi Raoul Dubois, membre de la Commission encarté au PCF. «La pornographie étant une “maladie des classes décadentes”, selon ses termes, ce militant communiste ne pouvait tolérer qu’elle contamine les milieux prolétaires par le biais de lectures populaires “qui étaient véritablement des merdes”». Raoul Dubois rêve qu’Elvifrance disparaisse. Il fait tout pour, y compris alerter Georges Marchais qui se ridiculise en portant l’affaire jusqu’à la tribune de l’Assemblée Nationale, en accusant Elvifrance de promouvoir le nazisme. Las. Au terme d’un long combat de 22 ans contre la censure, Elvifrance finit par mourir… alors que les vidéos pornos se répandent partout. La concurrence avec les cassettes est trop rude. Les pockets disparaissent. Un marché de la collection émerge. Des nostalgiques apparaissent. Petit à petit, les BD Elvifrance sortent de l’enfer. Aujourd’hui, grâce à Bernard Joubert les voilà réhabilitées.

Des images vulgaires ? Oui, mais

Longtemps conspuées, les BD Elvifrance inspirent maintenant toutes sortes d’artistes. Dans son livre, Bernard Joubert en donne un aperçu stupéfiant. L’intérêt majeur de son livre, c’est qu’une quarantaine d’artistes actuels rendent hommage à cette production diabolique en réinterprétant, à leur manière, les couvertures mémorables des pockets. Bruno Richard, Kiki Picasso, Olivia Clavel, Gilles Berquet, Mïrka Lugosi, Stu Mead, Yvan Alagbé, Amandine Urruty, Tanxxx, Laurent Lolmède, Tom de Pekin, Samplerman, Moolinex… Puisant dans ces BD vulgaires d’extraordinaires resources de création, tous ces artistes ont accepté de participer au projet, ce qui donne 76 pages de délires visuels mêlant images originales et réinterprétations sous forme de photos, montages, tableaux, graffitis ou images numériques. Ces oeuvres permettent de mesurer l’impact que ces pockets ont eu sur notre imaginaire. Sans Elvifrance, notre culture visuelle n’aurait pas été la même.

A LIRE : Elvifrance, l’infernal éditeur, de Bernard Joubert, éditions United Dead Artists, déc. 2018. Texte en français et anglais. 450 pages couleurs. Reliure cousue sous jaquette. 20 €

ILLUSTRATIONS : Moolinex (llus de tête), Laurent Lolmede, Marc Brunier-Maestas, Gilles Berquet, Saralisa Pegorier, Tom de Pekin, Diego Fermin.

septembre 02, 2019

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7:05

Sites de rencontre pour jeunes: vont-ils «tuer l'amour» ?

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Au début des années 2010, l’apparition de sites de rencontre qui «s’attaquent aux adolescents» suscite un mouvement panique : les jeunes vont-ils devenir libertins, consuméristes sexuels et s’échanger des photos de cul «dans l’ignorance totale de leurs parents» ?

En 2013, la revue 24heures s’alarme de ce que les jeunes «possèdent désormais aussi leurs propres plateformes de drague sur la Toile» et (citant Stéphane Rose, auteur de Misère-sexuelle.com) dénonce une «hyper-sexualisation des comportements à un âge très précoce». Le site rencontre-ados.net, leader du marché, affirme alors avoir plus de 200 000 inscris, des garçons et des filles parfois âgés de 12 ou 14 ans qui, pour la plupart, n’ont même pas demandé l’autorisation de leurs parents (bien que cette autorisation soit requise par le webmestre). En janvier 2018, le site annonce triomphalement avoir atteint un million d’inscrits. Mais que font-ils sur ce genre de site ? Interrogé par Migros magazine, le psychologue Philip Jaffé, s’inquiète : «Les jeunes sont confrontés à une drague par technologies interposées, hypersexualisée et boulimique, où le côté catalogue de vente des sites de rencontres change la nature des rapports.»

Les sites et les applications sont accusés «d’avoir tué l’amour»

Dans un ouvrage qui résume dix années de recherche (Les nouvelles lois de l’amour: Sexualité, couples et rencontres au temps du numérique, aux éditions La Découverte), Marie Bergström, sociologue à l’Institut national d’études démographiques (Ined), déconstruit les mythes. La principale idée reçue, dit-elle, c’est qu’avec les services de mise en relation, «la rencontre singulière aurait cédé la place à la multiplication de partenaires sur Internet.» Faut-il vraiment croire que les sites encouragent un «libre marché des rencontres sexuelles» ? Réponse : non. 1. Chez les jeunes, aussi bien que chez les adultes, Internet reste un moyen de trouver l’âme-soeur. 2. Cette recherche d’un-e partenaire passe par des explorations bien sûr, mais ces explorations ne sont pas plus tâtonnantes sur Internet que dans la vraie vie. Les usages sexuels d’Internet s’inscrivent dans la droite ligne des parcours propres aux jeunes nés depuis l’invention de la la pilule. 3. La seule différence c’est qu’Internet tend à renforcer la conformité aux normes sociales. Autrement dit, la génération Internet aspire peut-être bien plus à «se ranger» que celle de ses parents. 4. Elle y aspire tant qu’elle fait tout pour préserver le mensonge romantique de l’amour qui foudroie par hasard.

1. Sur Internet (comme dans la vie) le couple reste un idéal

«D’abord, l’époque contemporaine est toujours caractérisée par une norme conjugale forte, explique Marie Bergström. Pour les jeunes, le couple reste un idéal.» Cet idéal est d’ailleurs si pregnant que la plupart des sites affichent l’aspect romance : officiellement (et suivant un discours aussi convenable que convenu), les sites offrent de «trouver l’amour» ou «se faire des ami-es». Par opposition aux sites de «rencontres sexy», les espaces dits «sérieux» se veulent chastes et pudiques. Ils prohibent les photos suggestives. Sur le site rencontre-ados.net, le règlement stipule : «Pas de photos de vous dénudé ou de positions osées.» «Pas de photos en sous-vêtements.» «Il est strictement interdit de demander des plans cam/cul.» Officiellement, le site est donc parfaitement vierge de tout contenu «osé». Officieusement, c’est une autre affaire bien sûr : les filles et les garçons s’échangent librement des images… mais toujours dans le cadre de flirts. Le Web n’est, pour les jeunes, qu’un moyen supplémentaire de se socialiser. «Entre deux sorties en boîte, ils rêvent au coup de foudre numérique», résume la journaliste Viviane Menetrey (Migros magazine). Elle cite Jacques Marquet, sociologue à l’Université de Louvain et auteur de l’article «L’amour romantique à l’épreuve d’internet» : «Que l’on cherche l’amour sur internet ou en boîte, on aspire toujours à trouver l’élu.» Les idéaux n’ont donc pas changé. Les filles rêvent toujours du prince charmant. Les garçons cherchent toujours à séduire leur belle.

2. Sur Internet (comme dans la vie) garçons et filles s’initient à l’intime

Qu’ils se rencontrent en ligne ou en vrai, les jeunes reproduisent toujours les mêmes modèles : ils cherchent à élargir leur cercle et à se définir. Pour faire des rencontres, ils se mettent en scène… avec l’espoir de plaire. Ils «testent leur attractivité», souligne Marie Bergström, qui insiste sur l’aspect parfaitement «banal» des pratiques numériques : les 11-25 ans sont nés avec Internet. Pour eux séduire via un écran n’a rien de particulier. «C’est vrai surtout pour les plus jeunes pour qui Internet est désormais un lieu important de socialisation à la sexualité et à la vie affective. Donnant la possibilité d’aborder l’autre sexe – ou des personnes de même sexe – à distance et souvent de façon anonyme, les espaces en ligne permettent de jouer au jeu de la séduction sans s’y exposer complètement […] sans nécessairement chercher à poursuivre l’interaction hors ligne.» S’amusant à “draguer” – tout en se protégeant –, les jeunes s’exercent à faire la cour, s’initient à l’intime, apprennent à maîtriser les codes de séduction, explorent le domaine des possibles sexuels (1), font des expériences et «se mesurent aux modèles conventionnels de la féminité et de la masculinité» au fil d’un parcours tout ce qu’il y a de plus conforme à leur développement.

3. Sur Internet (plus qu’ailleurs), les jeunes se conforment aux normes

Leurs usages du réseau reflètent, sans surprise, des modèles de sociabilité classiques : pour les jeunes, Internet n’est qu’un outil comme un autre pour faire l’apprentissage du monde adulte. «Il s’agit d’acquérir des savoir‐faire, d’apprendre à “se connaître” et de mieux savoir “ce qu’on veut”», résume Marie Bergström qui souligne cependant l’aspect ambigu de cette mise aux normes : alors même qu’ils utilisent les espaces de rencontre pour échapper au contrôle de la famille et des pairs, les jeunes se plient au contrôle (bien plus contraignant) du réseau et du collectif. Résultat : croyant se libérer, ils ne font guère que se soumettre aux stéréotypes. Si, d’un côté, Internet favorise la multiplication des «expériences», d’un autre côté Internet encourage le conformisme. Marie Bergström souligne que «le changement est frappant en premier lieu pour les femmes» : loin des regards et des jugements, elles s’autorisent des coups d’un soir et se font des sex-friends… sans jamais cesser de viser une «histoire sérieuse». «Il ne s’agit pas là d’une “inconstance” amoureuse», affirme la chercheuse, car «la vie de couple reste un horizon de vie» pour cette majorité de jeunes. Leur usage d’Internet est quasi-standardisé : ils se connectent d’abord par curiosité et «pour voir», puis s’entraînent à séduire, apprennent à reconnaître les conduites prescrites et celles qui sont proscrites, reproduisent les clichés de la fille qui se «fait draguer» et «résiste» et du garçon qui «drague» et «insiste»… avant, progressivement, de monter leur «projet conjugal». Ils sont bien sages, finalement, ces jeunes.

4. Sur Internet (comme dans la vie), l’illusion de l’amour prévaut

On aurait cependant tort d’assimiler cette sagesse ou ce conformisme à une forme froide de rationalité. Les jeunes internautes adhèrent tous à l’idéal romantique d’une rencontre fortuite, d’un coup de foudre, d’une passion spontanée… Ils y «croient». La meilleure preuve de cette foi en l’amour, c’est que les sites comme Meetic, Badoo, Tinder, Rencontre-ados, nodaron ou sortirensemble se présentent tous «comme étant simplement des sites de mise en contact, sans intervention aucune, ce qui leur permet de faire croire à la magie de la rencontre», explique Marie Bergström. Bien que les filles et les garçons aient parfaitement conscience qu’il existe des ficelles pour obtenir un «match», ils et elles font comme si il n’y avait pas d’algorithmes derrière les systèmes d’appariement. Personne n’est dupe bien sûr (à part peut-être des personnes faussement naïves comme Judith Duportail, auteur du livre L’Amour sous algorithme). Il est évident que les sites sont conçus pour trier les candidats. Il est également évident que ces tris correspondent aux mêmes systèmes de sélection qui dominent la société. Sur Internet, comme dans la vraie vie, vous ne vous mettez pas en couple avec n’importe qui. Vous choisissez en fonction de l’âge, du milieu social, de l’origine culturelle et géographique… «Les unions issues de sites de rencontres ne sont ni plus ni moins homogames (2) que les relations nouées ailleurs», résume Marie Bergström. Mais pour les utilisateurs, autant que pour les webmestres, il est vital de préserver l’illusion d’une rencontre aléatoire et imprévisible, parce que le mythe de l’amour, dans l’Occident contemporain, repose sur ce mensonge : l’étincelle du hasard.

LIRE : Les nouvelles lois de l’amour: Sexualité, couples et rencontres au temps du numérique, de Marie Bergström, éditions La Découverte, 2019.

«Immersion dans les sites de rencontres pour ados», de Cécile Bouanchaud, Europe1.fr, 12 novembre 2013.

«A 20 ans, ils cherchent l’amour sur Internet», de Viviane Menetrey, Migros magazine, 2 avril 2013.

NOTES

(1) «Les usages sexuels d’Internet ont cela d’exploratoire qu’ils semblent ouvrir la voie à un élargissement du domaine des possibles sexuels. Cela passe par l’expérimentation d’identités alternatives permise par l’anonymat ou par le visionnage d’images ouvrant à d’autres pratiques sexuelles. Pour autant, les partages d’images sexuelles entre pairs tendent au contraire à renforcer la conformité aux normes sociales.» (Source : Construire, explorer et partager sa sexualité en ligne. Usages d’Internet dans la socialisation à la sexualité à l’adolescence, de Yaëlle Amsellem-Mainguy et Arthur Vuattoux, Institut national de la jeunesse et de l’éducation populaire (INJEP), octobre 2018).

(2) L’homogamie est un concept sociologique qui veut que les partenaires d’un couple tendent à se ressembler socialement : ils ont à peu près le même niveau de diplôme, font à peu près la même chose dans la vie.

août 26, 2019

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9:39

Les femmes immobiles d’Ogaeri

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En japonais, désir (seiyoku) s’écrit avec un caractère qui signifie «demander, prier». Mises en attente, l’air grave, les modèles du photographe érotique Ogaeri Kazuma lisent des livres et se regardent dans des miroirs.

A la différence de beaucoup de photographes érotiques, Ogaeri –musicien et photographe japonais né en 1955– ne met pas en scène le plaisir, mais le manque. Dans un album publié aux éditions Reuss, intitulé Sweet maids Hot dreams– Ogaeri insiste sur la dimension nostalgique de son art. Il photographie des modèles dont les cheveux nattés et les uniformes sages reflètent quelque chose de perdu : l’âge des premiers émois, au collège, lorsque garçons et filles font leurs premières expériences. Le mot nostalgie en japonais se dit hôkyô et désigne généralement la tristesse d’avoir quitté son village natal, entre les rizières et les forêts… Pour Ogaeri, c’est une donnée essentielle pour comprendre son travail : «J’ai grandi dans un hameau perdu en région montagneuse. C’est dans ce village natal que mon imagination s’est développée.»

Enfant, il adorait pêcher et photographier les trains à vapeur, passant presque chaque jour entre l’école, la gare et la rivière. «J’étais soulevé d’émois lorsque les herbes d’été remuaient sous le vent en me caressant et les jeux que se livraient l’eau et les pierres dans le courant m’apparaissaient soudain comme la chair frissonnante d’une jeune fille.» Plus tard, d’autres visions se substituent à celles des fleurs ou des rivières : Ogaeri se passionne pour les filles. «Mes souvenirs d’excitation les plus intenses datent de mes 12 ans. J’espionnais au hasard les jeunes filles dans les salles de classes, les salles de club, les bus ou les dortoirs.» Captant au vol la vision de collégiennes alors qu’elles sont accroupies ou perchées sur des clôtures, le jeune Ogaeri s’enflamme.

Cette période d’exaltation dure un an : «après quoi le rideau retomba sur le trou de serrure de ce fantasme voyeur. Plus âgé, je partis à Tôkyô. Rien cependant de ce que j’y fis n’y égala jamais les émotions de mon enfance ni ma fascination précoce pour le voyeurisme.» Les photos publiées par Reuss sont le fruit d’un hasard : à l’âge de 36 ans, en 1991, Ogaeri (1) se voit commander par la revue Hot Dog Press une série sur les lycéennes de Tôkyô. Renouant avec son passé –sous l’influence de cette «révélation érotique advenue dans le passé»– il photographie des femmes (plus de 700 à ce jour), avec une préférence marquée pour celles qui sont à l’arrêt. Celles qui attendent le passage du train. Celles qui font des voyages immobiles.

Celles qui se rongent le coeur. À défaut d’un amant, elles se tournent vers des substituts ou bien contemplent des miroirs qui renvoient leur image dédoublée – celle d’une jeune fille et celle d’une femme mûre, séparées par le silence. S’agit-il de deux personnes différentes partageant le même espace ? Ou d’une seule et unique femme habitée par la présence de son fantôme imaginaire ? Rêve-t-elle de ce qu’elle était par le passé, jeune fille, ou s’imagine-t-elle, plus âgée, répétant les mêmes gestes de masturbation solitaire à plusieurs années de distance ? Impossible de savoir dans quelle mesure ces femmes existent. Elles se côtoient, regard perdu dans un monde peut-être déjà disparu, ou à venir.

A LIRE : Sweet maids Hot dreams, d’Ogaeri Kazuma, éditions Reuss, 2019. (100 photos en couleur, format 30x22 cm).

NOTE 1 : Le nom du photographe est-il un nom d’artiste ? Ogaeri Kazuma (魚返一真) pourrait se traduire «De retour dans une réalité».

août 19, 2019

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10:55

Sainte Rita et le miracle de l'épine

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Il existe une chapelle dédiée à sainte Rita au 65 boulevard de clichy, en plein quartier «chaud» de Pigalle. Sainte Rita est née à la fin du XIVe siècle. Alors qu’elle est bébé, des abeilles entrent et sortent de sa bouche. C’est la sainte des dards et des épines.

La légende dit que peu de jours après sa naissance, un essaim est vu tournoyant au-dessus de la petite Margherita, dite Rita, native de Cascia (en Italie). Des abeilles blanches entrent dans sa bouche pour y poser du miel, signe qu’elle est prédestinée. Dès le berceau, Rita entretient avec le dard divin une relation d’affinité. Des abeilles ont déposé leur sécrétion dans sa bouche. Près de quarante ans plus tard, Rita s’unit «par amour du Christ à sa Passion» en recevant dans sa chair une des 34 épines de la couronne. Durant 15 ans (jusqu’à sa mort en 1447), Rita porte au front une plaie à l’odeur fétide qui suinte en permanence. Elle devient la sainte des causes désespérées. La «sainte de l’impossible». Peu avant sa mort, Rita – qui ne se nourrissait plus que d’une hostie par jour –, très affaiblie, demande une rose en plein hiver et, miracle, une rose parfumée pousse dans son jardin. Après sa mort, son petit corps ne se putréfie pas. Il embaume. La blessure à son front, notamment, répand un parfum délicieux. Cela signifie, qu’«en dépit de sa vie charnelle passée, Rita recouvre sa pureté.» Pour l’anthropologue Gilles Tétart, auteur du Sang des fleurs, bien que mère de deux enfants, Rita redevient vierge.

Pour approcher du divin, il faut repousser l’humain

Sa dépouille demeurée intacte jusqu’à nos jours, est visible derrière une châsse de cristal et d’argent, dans la basilique de Cascia. En mai 2017, ce corps incorruptible fut sorti de son enclos de verre et le parfum de rose a rempli tout le sanctuaire. On dit que chaque fois qu’un miracle est accompli dans le monde grâce à Sainte-Rita, ce parfum se répand. A Paris, on trouve une chapelle Sainte-Rita dans le quartier de Pigalle. Sainte Rita serait, après la Vierge Marie, la sainte la plus vénérée au monde. Pour Gilles Tétart, le parcours de cette sainte est emblématique. Il reflète celui de toutes les femmes qui, dans l’Occident chrétien, tentent de se rapprocher au plus près de l’idéal incarné par l’abeille afin d’intégrer la sphère du divin, qui leur habituellement refusée puisqu’elles sont «impures» (elles saignent par le sexe). En introduction au Sang des fleurs, Françoise Héritier résume : «Le sang menstruel des femmes les exclut du sacerdoce et les empêche d’approcher le sang eucharistique. Quel recours reste-t-il aux femmes pour accéder à Dieu et à la sainteté ? Ce sera pour les plus célèbres d’entre les saintes du Moyen Âge l’abstinence et le jeûne le plus drastique afin de supprimer les éliminations corporelles.»

Comment faire du corps féminin un corps sans souillures ?

Refusant de manger autant de possible, un grand nombre de saintes cessent pratiquement d’aller à la selle. Leur corps n’excrète plus de pourriture. Mieux : elles parviennent à stopper leurs règles en pratiquant le jeûne. L’anorexie entraîne généralement l’aménorrhée (l’interruption du cycle menstruel). Chez elles, le sang ne sort plus par le bas mais par le haut. Rita saigne du front. Le sang impur de la fécondité est sublimé en sang sacrificiel : il se répand désormais pour le Christ. Les hagiographies mentionnent souvent que les saintes – Béatrice de Nazareth, Marguerite d’Ypres, Ide de Louvain ou Rita de Cascia – «éprouvaient le plus grand plaisir à saigner anormalement du nez, de la bouche ou des stigmates, pendant leurs extases mystiques». Ces hémorragies qui inversent l’ordre normal du monde, s’accompagnent d’une forme encore plus radicale d’inversion : non seulement les saintes saigne par des orifices qui retournent le bas vers le haut, mais elles retournent la vie en mort. Pour le dire plus précisément : de leur vivant, leur corps se nécrose. Elles ont des blessures qui puent le charnier.

«Oh ! la mort ! la mort ! car la vie m’est une mort» (Angèle de Foligno)

Le cas le plus extrême est probablement celui de sainte Lydwine, «couverte de plaies dans lesquelles grouillaient des vers ; son corps tombait en lambeaux et elle perdait également du sang par le nez, la bouche et les oreilles.» Mais après son trépas, brusquement, Lydwine dégage une odeur délicieuse. Son cadavre ne se corrompt pas. «La décomposition du corps vivant de la sainte [est le] gage de son imputrescibilité après la mort», dit Françoise Héritier qui ajoute ce détail curieux : certains cadavres de saintes exsudent du miel et des huiles parfumées (1). Pour Gilles Tétart, la similitude entre les saintes et les abeilles est frappante : n’ayant pas de sexualité, les abeilles sont en effet fortement associées à la Vierge Marie. Symboles de pureté, ces insectes ne se nourrissent que de fleurs, n’ont pas de sang dans le corps et ne défèquent pas (2). Le miel qu’elles sécrètent est l’équivalent du verbe divin : nourriture de l’âme. Quelle sublime victoire pour les saintes lorsqu’elle meurent en embaumant. Ces femmes qui s’opposent à la reproduction de l’ordre social, qui refusent de se donner aux hommes et de féconder, commutent leur sang en substance céleste et la sexualité en métaphores mystiques. Sainte Rita, au front percé par l’amour, priez pour nous.

«En somme, la virginité perpétuelle et le refus de l’enfantement ont pour corollaire le renversement du processus de la putréfaction en son contraire et la production de fluides imputrescibles destinés à nourrir la communauté des chrétiens.» (Source : Le sang des fleurs, de Gilles Tétart)

A LIRE : Le sang des fleurs. Une anthropologie de l’abeille et du miel, de Gilles Tétart, éditons Odile Jacob, 2004.

NOTES

(1) C’est le cas pour Élisabeth de Hongrie, dont la dépouille sécrétait une huile curative.

(2) Les ruches sont propres, ce qui fait longtemps croire que les abeilles ne défèquent pas.

POUR EN SAVOIR PLUS SUR LES REGLES : «Bloody Mary : un elixir d’immortalité ?» ; «Pourquoi les femmes indisposées ratent la mayonnaise» ; «Pardon chéri, je suis souillée» ; «Saint Janvier, patron des menstrues ?» ; «Retard des règles : peur et tremblements» ; «Pour ou contre le congé menstruel»; «Est-il normal d’avoir mal ?» ; «Pardon chéri, je suis souillée» ; «Pourquoi la femme a ses lunes»

Merci à Saskia Walentowitz

août 12, 2019

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10:33

Du porno (drôle) pour sauver les abeilles ?

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Du porno (drôle) pour sauver les abeilles ?

«On vous a trouvé la meilleure excuse pour regarder du porn : sauver les abeilles.» Lancée par Pornhub, la chaîne Beesexual propose des vidéos d’abeilles en train de butiner… Ces vidéos sont doublées par des pornstars.

Depuis le 22 avril (jour de la Terre), le site Pornhub, en partenariat avec l’agence publicitaire française BETC Pantin, fait campagne en faveur des abeilles par le moyen de l’humour décalé. Sur la chaîne Beesexual –jeu de mot sur bee (abeille) et bi– des vidéos d’hyménoptères sont visibles gratuitement. Pour chaque vidéo regardée, Pornhub s’engage à faire une donation à deux associations de défense des abeilles : Opération Honey Bee et Le Centre pour la Recherche sur les Abeilles. L’enjeu est de taille, ainsi que l’explique Corey Price, vice-président de Pornhub : «La plupart des plantes dépendent des pollinisateurs pour se reproduire. Malheureusement, les abeilles doivent maintenant lutter pour leur survie. Etant donné que nous avons 110 millions de visites par jour, nous pensons que toutes les personnes qui profitent de Pornhub pourraient peut-être participer à la sauvegarde d’une espèce si précieuse. C’est notre devoir de garantir que les abeilles puissent continuer à polliniser et à forniquer.»

«Une abeille trans se tape une fleur de cerisier timide»

Sur la chaîne Beesexual, les vidéos ont des titres parodiques : «Comment faire jouir une fleur en trois secondes», «Une domina dénudée donne la fessée à un hélianthème», «Les leçons coquines de prof. culbutineur», «La première baise à trois d’un couple poly-nisateur», «Maya l’abeille déflore toutes les vivaces au gode-ceinture»… Prises en macro, ces vidéos montrent les abeilles faire orgie de nectar, écarter les pétales, plonger leur trompe dans les pistils et s’enfoncer jusqu’au cou dans le pollen. Le doublage est assuré par des stars du porno gay, hétéro et queer (1) dont les dialogues (malheureusement non doublés) sont parfaitement parodiques. A défaut d’être excitant, c’est très drôle. Il arrive même, en regardant les vidéos, qu’on se sente gagné par la frénésie bourdonnante des abeilles. De fait, les butineuses sont souvent associées à l’érotisme. Pourquoi ?

La faute au miel

La faute au sucre, répond l’anthropologue Gilles Tétart : «la sensation gustative euphorisante procurée par les sucreries rappelle [les hommes] au souvenir d’une autre espèce de la jouissance…» Dans Le sang des fleurs, Gilles Tétart rappelle ce fait qu’en Occident, la gourmandise «a souvent fait l’objet d’une réprobation morale implicitement liée à la question du plaisir sexuel.» Presque rien ne sépare les lèvres du haut de celles du bas. Il suffit d’un coup d’oeil dans notre littérature érotique, dit l’anthropologue. Les fluides liées à la jouissance sont souvent comparés au miel. De même que le voyage de noces («lune de miel») durant lequel les jeunes mariés sont censés s’initier au plaisir. Il existe aussi un rapport direct entre la piqure d’abeille, le dard et l’érotisme. Un conte licencieux d’Aquitaine en témoigne : «La fille qui avait un essaim au cul». C’est l’histoire d’une jeune femme possédant plusieurs amants et dont le sexe est comparé à une ruche bourdonnante.

«La fille qui avait un essaim au cul»

«La Catinelle avait deux galants, le premier riche mais simple d’esprit le second pauvre mais dégourdi. Un jour, le dégourdi dit à l’autre : “Tu vas voir la Catinelle. Je t’avertis qu’elle a un essaim au cul. Moi, à aucun prix, je ne la prendrais.” L’imbécile courut aussitôt chez sa maîtresse pour savoir si c’était vrai. “Catinelle, dit-il, le bruit court que tu as un essaim au cul. Avant d’aller plus loin, il faut que je sache si c’est vrai.” “C’est bien facile, dit la Catinelle, tu n’as qu’à y mettre le nez, Prends garde seulement que les abeilles ne te piquent pas !”» Ce genre de conte n’est pas isolé. Il s’appuie sur une tradition datant de l’antiquité qui associe le plaisir à la peine : dans les Idylles de Théocrite (-315 - 250 av. J.-C), un conte nommé «le voleur de miel» raconte que Cupidon voulut un jour dérober les rayons d’une ruche et se fit piquer. Se plaignant qu’un aussi petit insecte procure une douleur si vive, il se plaignit à sa mère, Vénus, qui se moqua  : «Toi-même mon fils, ne ressembles-tu pas à l’abeille ? Tu n’es qu’un enfant, mais quels maux ne fait pas ta blessure ?»

Le plaisir ne va pas sans souffrance

Vers 1525-1530, Lucas Cranach peint de nombreuses versions de cette histoire. Son tableau Vénus et Cupidon voleur de miel met en scène une femme nue au sourire narquois, sûre d’elle et pleine d’audace. Elle ignore superbement les plaintes du petit Cupidon. Il n’y a pas de miel sans venin. Ni de désir sans douleur. C’est à prendre ou à laisser.

A LIRE : Le sang des fleurs. Une anthropologie de l’abeille et du miel, de Gilles Tétart, éditons Odile Jacob, 2004.

A VOIR : Rendez-vous sur la chaîne Beesexual sur Pornhub. Pour plus d’infos : www.beesexual.com

NOTE (1) : Abella Danger, Julia Ann, Brett Rossi, Charlotte Stokely, Kira Noir, Domino Presley, Dante Colle, Avery Black, Olivia Austin, Will Pounder, Stirling Cooper et Joanna Angel.

CET ARTICLE FAIT PARTIE D’UN DOSSIER «MIEL SEXUEL» : «L’érotisme de la cire : un rêve d’éternité ?» ; «Du porno (drôle) pour sauver les abeilles ?» ; «Ouranos et le fantasme de la castration» ; «Contre quoi donnerais-tu ta vie ?» ; «Sainte Rita et le miracle de l’épine».

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10:31

L’érotisme de la cire : un rêve d’éternité

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L’érotisme de la cire : un rêve d’éternité

«Venez fabriquer votre propre bougie de massage !». Du 13 au 16 juillet, le festival parisien Erosphère propose (parmi bien d’autres ateliers sexuels) une initiation à la cire fondue et aux secondes peaux de lubrifiant huileux. Laissez-vous embaumer?

«Le festival des sexualités créatives a été victime de son succès cette année : les tickets sont partis en moins de deux heures.» Eve de Candaulie –auteure de plusieurs livres consacrés aux amours plurielles– se réjouit cependant : il reste des places dans l’atelier qu’elle organise, sur les «bougies de massage DIY». Il reste aussi –dans le Erosphère Off– plusieurs événements gratuits (un Forum, une Erosticauserie), des spectacles cabarets, un vide-grenier kinky et deux ateliers à la carte… «Le programme est en ligne et je vous recommande de réserver dès maintenant» invite Eve, qui décrit ainsi le programme de son atelier : «Vous avez toujours rêvé de jouer avec les bougies quand vous étiez enfant ? Ce rêve peut enfin devenir réalité et SAFE.»

Trempez-la dans l’huile

«Les bougies de massages sont faites avec des ingrédients spécialement prévus pour que la cire soit chaude mais pas brûlante. Eh oui, les bougies à basse température permettent de pouvoir verser le liquide sur le corps de votre partenaire pour servir d’huile de massage sans risque de brûlure. Vous pourrez même mettre votre doigt dans la cire fondue… C’est magique, onctueux et tellement ludique.» Composées de cire de soja (ou d’abeille), de beurre de cacao (ou de karité) et d’huile de coco parfois agrémentée de chocolat blanc, les bougies de massage à basse température présentent l’avantage d’être très hydratantes. La bougie en se liquéfiant coule sur le corps de la personne massée. «On joue à s’enduire, à se découvrir, à se caresser, se lécher», explique Eve qui recommande d’étaler l’huile en un film lubrifiant très fin, appliqué de façon homogène «avec la paume bien à plat sur le corps de son ou sa partenaire». Erotisme de l’embaumement ?

Les saintes plongées dans l’amour

L’imaginaire des statues de cire rôde autour des jeux à la bougie et il flotte comme un parfum mystique autour de ces corps oints. Se faire enduire, c’est comme communier dans l’extase avec les belles saintes, mortes en odeur de sainteté. Elles ne pourriront jamais. Toutes les choses plongées dans l’huile, de même, deviennent incorruptibles. Dans Le sang des fleurs, l’anthropologue Gilles Tétart note que le miel et la cire aussi rendent les corps imputrescibles, de même que la propolis, excrétée par les abeilles: «On trouve parfois dans les ruches des petits rongeurs incrustés dans les rayons de cire et dont le corps est enduit d’une fine couche de propolis qui empêche la putréfaction. Si l’on dégage l’animal de son enveloppe, on le trouve entièrement intact et desséché, ce qui n’est pas sans rappeler le procédé de la momification humaine.»

Les abeilles productrices de miel sont sans sexe

En Occident, les abeilles embaumeuses sont d’ailleurs fortement associées à l’image des vierges chastes, préservées de toute souillure symbolique. Celles qui produisent le miel sont stériles de naissance et meurent sans avoir jamais connu de rapport sexué. Mieux : elles ne se posent que sur des choses qui sentent bon. Leur nourriture, parfumée, exclut tout ce qui se corrompt. Dès l’antiquité, les observateurs notent qu’il n’existe aucune matière fécale dans les ruches, comme si leur corps était l’alambic permettant de changer le «sang des fleurs» en substances protectrices. «Le miel est reconnu depuis longtemps comme un antiseptique résorbant la nécrose et concourant à la recomposition tissulaire, vertus que Porphyre n’a pas manqué de rappeler. Le miel qui est “la nourriture des dieux” est “formé de vertus variées, tant celle de purifier que de conserver : grâce au miel beaucoup de choses deviennent incorruptibles et les plaies anciennes sont nettoyées par le miel”.»

Se faire laquer d’huiles et d’aromates

Les bougies de massage partagent avec le miel et la cire ces vertus symboliques : elles recouvrent le corps d’un filtre miroitant, qui met le corps comme à distance du monde corrompu. Elles permettent de jouer avec l’idée d’une mort dans l’éternité (1). S’abandonner aux caresses des onguents aromatiques, c’est –de façon plus ou moins consciente– jouer à devenir un «corps de gloire» et s’offrir, par anticipation, le plaisir de renaître dans une peau gorgée de beurre et de miel.

QUESTIONS A EVE DE CANDAULIE

Après avoir enduit son corps en faisant fondre sur soi une bougie de massage, qu’est-on censé faire ? Dans quel type d’environnement prônez-vous le massage à la bougie ?

On peut utiliser une serviette de bain pour une séance longue avec une exploration intégrale du corps du bout des pieds au sommet du crâne. Mais ce n’est pas obligatoire, par exemple, si l’on joue dans le mouvement. Je préfère envisager les massages comme une danse à deux (ou plusieurs), où la personne qui est massée bouge au gré de ses envies et de la connexion avec la personne qui masse. Les bougies de massage que l’on va fabriquer lors de l’Erosphère off peuvent être utilisées sur les parties génitales externes sans danger. Elles peuvent aussi être une bonne alternatives au wax play (jeu de cire) classique, où l’on dépose goutte à goutte de la bougie sur le corps de son ou sa partenaire. La cire des bougies de massage s’étale ensuite facilement et nourrit la peau grâce à l’huile de coco et le beurre de karité. Et si, vous en faites tomber sur le parquet, ça le nourrira également ! C’est testé et approuvé.

Pour l’Erosphère, nous allons faire un format de bougie facile à utiliser, dans des petites tasses à café avec anse ou des verres à pied à liqueur, dénichés lors de grande Chasse au trésor kinky, organisée le dimanche matin avant l’atelier. C’est vraiment un cercle vertueux.

Après une séance de bougie de massage, peut-on remettre ses vêtements ou faut-il se nettoyer ? Comment fait-on pour enlever tout ce gras (parfois mélangé de cire) qui recouvre le corps ?

Je conseillerai de prendre une douche chaude et de laver son corps au savon. Avec une simple huile d’abricot, vous pourriez remettre vos vêtements, mais effectivement comme il s’agit d’un mélange de cire et d’huile, cela peut être désagréable. Mais, cela dépend de la zone massée, et du ressenti de chacun. Il n’y a pas vraiment de risque non plus à enfiler ses vêtements après, sans passer par la case douche.

Qu’est-ce qui vous a amenée à vous intéresser aux bougies de massage ?

J’ai fait mon premier cours de cosmétique bio il y a sept ans, et j’ai été stupéfaite par la simplicité des recettes proposées. C’est plus difficile de réussir une tarte tatin que de fabriquer un baume à lèvres. Quand les ingrédients n’impliquent pas l’ajout d’une substance aqueuse, ça se conserve très bien. C’est très safe. Donc, j’ai commencé à fabriquer mes propres pains de massages et bougies de massage. La base est la même, les proportions et la température de fusion des cires est différente. Je trouve ça simple à réaliser en fait et assez peu démocratisé. J’adore l’Erosphère, son ambiance inclusive, et je trouve ça chouette de proposer cette année ce DIY, à la portée de toutes et tous.

Votre parcours semble très marqué par la recherche de bien-être, de soins enveloppants, de caresses. Comment expliquez-vous ce besoin ?

Je suis hédoniste et d’un naturel très curieux. Mon être est un tout : un esprit, un corps, des émotions. J’aime vivre des expériences, me connecter à d’autres personnes de façon authentique. J’ai quand même eu une période de ma vie de femme qui a été un déclic, où j’ai eu envie d’être pleinement connectée à l’énergie en moi : c’est quand j’ai été enceinte. Et depuis, ça m’est resté. J’adore les échanges de massages, le libertinage, le bdsm, le polyamour, la peinture, la photographie, la sculpture, l’écriture, la cosmétique bio, et même le tricot...

FESTIVAL Erosphère 2019, du 13 au 21 juillet 2019. (Erosphère OFF : du 13 au 16, Erosphère IN : du 18 au 21)

A LIRE : Le sang des fleurs. Une anthropologie de l’abeille et du miel, de Gilles Tétart, Odile Jacob, 2004.

NOTE 1 : Certains Celtes étaient enduits d’hydromel (boisson au miel) ce qui les préservait des insectes nécrophages. Cette forme «d’embaumement au miel» est avérée dans le cas d’une tombe à char dont Juliette Cazes dévoile ici les images, dans une vidéo, passionnante. Juliette Cazes est la créatrice d’une chaîne d’information YouTube intitulée Le Bizarreum dédiée à la mort, aux reliques, aux nécropoles, aux faits divers «creepy», à la thanatopraxie, etc. Juliette a aussi créé un compte sur Twitter et sur Internet

POUR EN SAVOIR PLUS : «OVNISex : l’inconnus suscite souvent la curiosité» ; «M’assoir sur toi : agréable ? excitant ?» ; «Peut-on vainre la jalousie ?» ; «La méditation clitoridienne rend-elle heureux?» ; «Transe-formez-vous en bête de sexe» «Le silence est-il d’or ou de plomb ?» ; «La peau : un organe à orgasme» ; «Le charme discret du latex liquide»; «Faites-vous tirer le portrait XY» ; «Club Fight, version sexe : apprendre à se battre» ; «Je ne suis pas celle que vous croyez»

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Contre quoi donnerais-tu ta vie ?

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Sept femmes se livrent sur le corps d'une Reine à une étrange cérémonie. Des cuisses de leur idole, une substance se met à couler… Intitulé “Nectar”, le court-métrage érotique de Lucile Hadzihalilovic pose la question : pour quoi sommes-nous prêts à nous sacrifier ?

Derrière un mur, un jardin fleuri. Dans une chambre hexagonale, une femme se réveille : c’est la Reine, entourée de servantes qui la nourrissent, la lavent et la coiffent avec soin. Au fil d’un rituel parfaitement rodé, Reine abandonne son corps à sept d’entre elles... «Sept bouches, quatorze mains, soixante-dix doigts experts» entreprennent de toucher son corps. Il se met, brusquement, à exsuder une liqueur dorée que les servantes recueillent à l’aide de spatules. Le temps passe. Une abeille entre par la fenêtre d’une tour de béton, dans un ensemble urbain à très haute densité. Un couple s’unit dans la lumière bleue de cette nécropole industrielle. Un pot de miel se trouve au pied du lit.

Le film s’intitule Nectar

La réalisatrice, Lucile Hadzihalilovic, est connue pour avoir tourné deux fables fantastiques (dans tous les sens du terme) : Innocence (2004) et Évolution (2015). Innocence se situe dans un centre d’éducation, réservé aux petites filles, au coeur d’une forêt mystérieuse entourée d’un haut mur.

Évolution se déroule sur une île peuplée de femmes mutantes où les petits garçons servent de cobayes en vue d’expérimentations.

Dans les films de Lucile, le monde n’est qu’un laboratoire peuplé d’êtres soumis à des protocoles cruels et qui tentent de survivre. Nectar obéit à la même logique : il montre une Reine prisonnière de sa ruche. Elle n’a été sélectionnée qu’en vue de produire le précieux nectar. Elle n’a pas le droit de sortir du jardin.

Le monde : un laboratoire pour l’évolution

Condamnée à subir l’expérience quotidienne de la traite, jusqu’au jour fatal où… devenue improductive… la Reine incarne cette forme de renoncement qui consiste, pour la plupart d’entre nous, à sacrifier notre vie au profit d’une «structure abstraite qui nous dépasse». C’est ainsi que le formule François J. Bonnet, dans un petit ouvrage percutant, bouleversant, dont le titre aurait parfaitement pu s’appliquer au film de Lucile : Après la mort (éditions de l’éclat, 2017). Dans cet «essai sur l’envers du présent», François J. Bonnet explique : pour conjurer la peur de la mort, nous ne cessons de nous sacrifier.

Les vies humaines sont faites d’abnégation

Se sacrifier, dit-il, «c’est se faire soldat et offrir sa vie à sa patrie, c’est partir au feu pour tenter de sauver les vies […]. Mais c’est tout autant, de manière plus dissimulée, consumer son temps et se tuer à la tâche pour contribuer à l’expansion de l’entreprise qui nous engage, asservissant à long terme son propre devenir à celui d’une structure abstraite qui nous dépasse.» Nous nous sacrifions pour la patrie, pour une cause, pour un groupe, pour une firme, peu importe. Si nous nous sacrifions c’est toujours pour une structure dont la dimension nous excède et qui continuera d’exister après notre mort. C’est en tout cas ce que nous espérons : qu’elle nous survive et, ce faisant, que nous puissions survivre à travers elle.

Ma vie contre une après-mort : marché de dupe ?

Un seul problème, souligne François J. Bonnet : l’espérance d’éternité est bien souvent confiée à des structures qui nous survivent à peine. Parfois nous nous sacrifions pour une patrie qui nous conspue, une fois la guerre perdue. Nous sommes mort en héros, mais nous laissons la mémoire d’un monstre. Parfois, nous mourons pour une compagnie qui fait faillite. Ou pour une cause qui s’avère nuisible. Le pire, c’est que nous croyons toujours bien faire en nous sacrifiant, et parfois même nous n’avons même pas conscience de nous sacrifier. Nous nous moquons de la reine des abeilles, enfermée dans sa ruche, qui s’exténue à pondre des milliers de larves. Mais nous sommes nous-mêmes prêts à mourir de stress ou d’ennui pour… quoi au juste ?

«Ce que la société poursuit, c’est l’Éternité»

Se sacrifier, se rendre sacré, c’est conjurer la mort en se jetant de toutes ses forces dans un projet ou dans un monde si possible infini, sans limites, afin de faire corps avec lui. «Se sacrifier, c’est ainsi agir de manière littéralement absurde», se moque François J. Bonnet, qui note pourtant que ce marché de dupe (donner sa force et sa jeunesse en échange d’une éternité symbolique) constitue «l’acte fondateur de nombreuses civilisations.» Il se pourrait bien, d’ailleurs, qu’aucune société au monde ne soit autre chose qu’un dispositif permettant aux individus de négocier leur vie (finie) en échange d’un espoir (d’infini). «Ce que la société poursuit, c’est l’Éternité. Elle enrôle dans cette quête l’ensemble des hommes qui la compose, leur fait croire à l’illimité de leur existence, de leur pouvoir»…

Le miel et les abeilles

On pourrait trouver cela aberrant ou irrationnel. Mais nous sommes prêts à tout pour obtenir cette part d’éternité symbolique. Ce que le film de Lucile Hadzihalilovic démontre avec une grande économie de moyen : le miel produit par les abeilles est une substance imputrescible. Comme la semence masculine. Si la Reine se sacrifie, c’est pour la production de ce miel qui symbolise en Occident une voie d’accès possible à l’immortalité. Dans la mythologie grecque, le miel entre dans la composition du nectar et de l’ambroisie, qui sont les nourritures des dieux. Même chose chez les Celtes, avec l’hydromel. Les dieux ne peuvent se nourrir que d’un breuvage dont la substance se résorbe littéralement dans la forme de leur corps, sans produire aucun déchet. Parce que les dieux ne digèrent pas. Parce que les dieux n’excrètent pas. Ils ne font pas l’expérience de la pourriture. Heureux dieux. Nous n’aspirons qu’à être comme eux. Nous serions prêts à donner notre vie pour ça.

Des saintes qui n’allaient plus aux toilettes ? La suite au prochain article.

A VOIR : Le court-métrage Nectar se trouve en bonus sur le DVD du film Évolution, édité par Potemkine.

A LIRE : Après la mort, Essai sur l’envers du présent, de François J. Bonnet, éditions de l’éclat, 2017.

Merci à Saskia Walentowitz

juillet 29, 2019

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9:05

Casanova, Baudelaire et l’érotisme salivaire

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Casanova, Baudelaire et l’érotisme salivaire

Plus enivrante que le vin : la salive de l’être désiré ? Il y a des hommes qui font plus qu'embrasser. Ils boivent avec la langue. A ce sujet, connaissez-vous la cosplayeuse Belle Delphine ?

En juillet 2019, après avoir vendu de l’eau de son bain, Belle Delphine -célèbre idole britannique adepte de cosplay– envoie un cadeau spécial à Ethan Klein (membre du duo comique H3H3 sur YouTube) : un pot contenant de la salive, accompagné d’une vidéo la montrant en train de remplir le pot en question. «Elle y bave, explique Ethan Klein. Elle bave énormément.» Sous ses allures d’offrande érotique, le pot contient ce que Belle Delphine pense d’Ethan Klein. Erotique ?

Casanova invente le «baiser de l’huitre»

Au XVIIIe siècle, alors que les nobles se mettent à manger des huitres accompagnées de champagne, Casanova met au point une recette : «Pour trois personnes. Prendre cent huîtres. En faire deux parts égales. Utiliser la première moitié en hors d’oeuvre, garder le reste pour le dessert. Après six huîtres chacun, ingurgitées en amuse-gueule, prendre les autres bouche à bouche». Avec cette recette, Casanova invente le «baiser de l’huitre». Ce baiser consiste à passer l’huitre de langue à langue. Dans Histoire de ma vie, Casanova s’enorgueillit de rendre les femmes folles de ce jeu amoureux. En 1754, c’est ainsi qu’il consacre plusieurs soirées à sa passion pour une religieuse échappée du couvent (la dénommée M.M.) : «Quelle sauce que celle d’une huître que je hume dans la bouche de l’objet que j’adore ! C’est sa salive. (1)», dit-il, avouant que – pour lui – c’est cela qui donne à l’huitre sa saveur. «L’huître se transforme alors en une sorte d’hostie délicieusement blasphématoire», commente Serge Safran dans L’Amour gourmand.

La salive comme aphrodisiaque ?

Boire la salive comme une liqueur précieuse : sacrilège ? Les libertins en ont bien conscience lorsqu’ils consacrent à la religion de l’amour cette sécrétion organique. Parmi les plus connus, L’abbé du Prat est celui qui publie – en 1683 – une ode à la salive dans un ouvrage galant (Vénus dans le cloître) : «Ta bouche est comme une ruche qui distille le nectar et l’ambroisie. […] Non, ma petite chère, l’industrieuse abeille ne saurait tirer du suc des fleurs ni de ces perles liquides qui forment la rosée, des douceurs qui approchent de celle de tes baisers ravissants. (2)» La métaphore est galante, mais trop peut-être : elle escamote la part de dégoût qui touche aux liquides intimes. Baudelaire, dans Les Fleurs du mal, chante la salive en termes plus contrastés : «Le démon accoutume ma lèvre à des philtres infâmes» (dans le poème La destruction), dit-il, jouant sur la double idée du philtre d’amour et du breuvage empoisonné.

«De cette bouche où mon coeur se noya» (la mulâtresse)

Pour Baudelaire, qui consacre de nombreux poèmes à la salive de ses idoles, ce liquide biologique a le pouvoir d’ensorceler. Dans Le Poison, chantant d’abord le vin, l’opium puis le venin qui coule des yeux verts de sa bien-aimée, il conclut : «Tout cela ne vaut pas le terrible prodige / De ta salive qui mord». Dans ce poème ambivalent, la salive de la maîtresse a le pouvoir même de l’eau du Léthé : la légende veut que les âmes des morts, ayant goûté à l’eau du Léthé, oublient totalement leur passé. La locution «Boire de l’eau du Léthé» peut se traduire : perdre la mémoire. Ce que Baudelaire formule ainsi (dans le poème Léthé) : «Pour engloutir mes sanglots apaisés / Rien ne me vaut l’abîme de ta couche ; / L’oubli puissant habite sur ta bouche, / Et le Léthé coule dans tes baisers.» Comparant la salive aimée aux eaux d’un fleuve des enfers, il insiste sur l’aspect sinistre de cette transfusion d’humeur. On n’avale pas la salive sans danger.

La symbolique des résidus humains

Dans un chapitre du livre Corps et affects (publié aux éditions Odile Jacob, en 2004), l’anthropologue Anibal Frias consacre une analyse passionnante à «la symbolique des déchets» : lorsque la salive sort de la bouche, dit-il, elle est «jetée hors» (ab-jectus) du corps humain, ce qui en fait quelque chose d’abject. En Occident, l’idée d’impureté s’attache –suivant deux axes (vertical et horizontal)– à tout ce qui va vers le bas, d’une part, et à tout ce qui se franchit la limite intérieur-extérieur, d’autre part. «Ce schème peut être appliqué aux déchets du corps. Passant du dedans au dehors, ils changent de sens, parfois de nom : les aliments deviennent du vomi ou des excréments, la salive du crachat ou de la bave. Ils signent un rejet violent. Les excrétions évacuées ou les sécrétions appartiennent à la catégorie générique des excreta.»

Faut-il être maso pour avaler des fluides ?

Il n’est d’ailleurs pas étonnant, ajoute-t-il, que lorsqu’on rejette quelqu’un, on dit «qu’il “nous fait vomir” ou “chier”». De même dire «de quelque chose que l’on n’en a “rien à foutre” ou “à péter”, traduit un rejet-aversion exprimé par une certaine orientation des flux corporels : du dedans vers le dehors.» A l’inverse, «des énoncés tels que : “boire les paroles de quelqu’un” ou le “dévorer des yeux” supposent qu’un grand intérêt est accordé à la personne ou à ses propos.» Lorsqu’elles quittent le corps, les substances organiques deviennent donc impures, ce qui explique pourquoi l’image d’une personne avalant de la salive (qui n’est pas la sienne) suscite en nous une forme de dégoût, mêlé d’admiration : faut-il être amoureux pour avaler des fluides de glandes salivaires ! A moins qu’il ne s’agisse d’une répugnante perversion ?

Une liquidité «comblante autant que périlleuse»

En novembre 2009, un Californien nommé Charles Hersel est arrêté par la police en flagrant délit de payer des ados pour que ceux-ci lui crachent au visage. La presse américaine le surnomme «déviant du mois». Il n’est finalement pas condamné. Mais la nouvelle de son acquittement, en 2012, suscite une nouvelle vague médiatique de haine, certains commentateurs n’hésitant pas à dire : «C’est bien qu’il n’ait pas été condamné, je vais pouvoir le contacter et lui montrer combien de glaviots j’ai en réserve.» Les résidus et les humeurs organiques suscitent une forme de révulsion très comparable celle que provoque la vue d’une chose putréfiée, ce qui explique en partie pourquoi les réactions de nausée sont si violentes. Mais ces réactions tiennent aussi du fait que la salive ici (dans le cas de Charles Hersel) suppose une trajectoire influencée par la pesanteur : du haut vers le bas.

La chute

«Jeter des ordures suppose un mouvement vers le bas, la poubelle ou la terre, ou vers le dehors», explique Anibal Frias qui insiste sur la valeur négative du mot «bas» : ce mot transmet «une image de chute qui a même origine que déchet […]. Cette chute peut avoir une valeur sociale, économique, religieuse ou morale. La déchéance est ainsi marquée par les insultes : Déchet ! Épave ! Débris ! Le mot “déchet” vient du vieux français “dechiet” qui exprime la déchéance. L’expression “tomber plus bas que terre” dit bien cette dégradation sociale et morale. Il implique l’idée de chute physique et d’un mouvement vers le “bas” : bas versus haut, et bas, vil et dégradé. La notion de chute peut être prise au sens religieux qui signifie alors une perte du sacré.» Ainsi donc, la salive qui tombe sur le visage et dans la bouche d’un autre, par contamination, peut le faire «tomber», l’avilir, le souiller… pour son plus grand bonheur, certainement, et pour notre plus grande horreur.

LE SERPENT QUI DANSE (BAUDELAIRE) 

Comme un flot grossi par la fonte 

Des glaciers grondants, 

Quand l’eau de ta bouche remonte 

Au bord de tes dents,   

Je crois boire un vin de Bohême,

Amer et vainqueur,

Un ciel liquide qui parsème

D’étoiles mon coeur !

A LIRE : Corps et Affects, sous la direction de Françoise Héritier et Margarita Xanthakou, éd. Odile Jacob, 2004.

NOTES

(1) Histoire de ma vie, Casanova, Robert Laffont, collection « Bouquins », 1993. Vol. 4, chap. IV, p. 759.

(2) Vénus dans le cloître ou la Religieuse en chemise, Abbé Du Prat, (1672), Aphrodite classique, 1979.

EN SAVOIR PLUS : «Crachat sexuel : un torrent d’amour»

juillet 22, 2019

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12:39

Comment filmer un gay en douce

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Saviez-vous que Marcel Carné était homosexuel ? Et que l’histoire d’amour dans “Les enfants du paradis” n’en est pas une ? Dans “Homosexualité, censure et cinéma”, Christophe Triollet s’attaque à ce qu’il désigne volontiers comme la transgression ultime.

«En matière de censure cinématographique, bien avant la violence, le sexe ou la religion, l’homosexualité fait l’unanimité contre elle.» Après avoir traité du gore, du porno, du sacrilège et de l’ultra-violence, Christophe Triollet –créateur de la revue Darkness– consacre un ouvrage à ce qu’il désigne comme le sujet parmi les plus tabous de tous : l’homosexualité. Son nouvel opus –Homosexualité, censure et cinéma (éditions LettMotif)– est un recueil d’articles publiés dans Darkness et signés par une brochette d’historiens du cinéma, de juristes et de passionnés qui brossent à grands traits la fresque historique des batailles que les gays mènent pour avoir sur grand écran autre chose que le rôle du “bad gay guy”. De fait, entre les années 1930 et 1960, les gays n’ont pas de chance comparés aux lesbiennes. Alors que Marlène Dietrich (Morocco), Barbara Stanwyck (Ladies they talk about) ou Greta Garbo (La reine Christine) assoient de magnifiques rôles de femmes fortes et ouvertement homosexuelles, les gays eux n’ont guère le choix : soit on leur fait jouer le rôle du précieux ridicule (1), soit celui de l’ignoble pervers (2). Soit ils font rire, soit ils suscitent l’épouvante.

Charlton Heston dans un rôle de gay… malgré lui

Mais la censure n’est jamais si efficace et certains d’entre eux parviennent malgré tout à obtenir de beaux rôles… en se faisant passer pour ce qu’ils ne sont pas (de chouettes potes, souvent). L’exemple le plus connu, c’est bien sûr celui de Ben-Hur de William Wyler (1959) : en apparence, le film raconte une histoire d’amitié entre Judah Ben-Hur (Charlton Heston), riche prince de Judée, et Messala (Stephen Boyd), nouveau tribun et chef de la garnison romaine de Jérusalem. En réalité… Dans le documentaire The Celluloid Closet, Gore Vidal, scénariste du film, raconte qu’il eut l’idée de pimenter l’histoire en en imaginant une relation amoureuse entre Ben-Hur et Massala. Sachant que Charlton Heston refuserait de jouer un rôle de «pédéraste», il fallait que cela reste un secret. Le réalisateur «ne mit dans la confidence que Stephen Boyd qui surjoua l’homosexualité tacite dans le film, en prenant plus de plaisir encore, fort de l’ignorance de Heston sur cet aspect.» Sans le savoir Heston devint une icône gay.

Contourner (malhabilement) la censure

Il existe d’autres tours de passe passe au cinéma. La version pour grand écran de La Chatte sur un toit brûlant (1958), signée Elia Kazan et Richard Brooks, évacue totalement les allusions homosexuelles… sans vraiment faire illusion. Comment comprendre l’histoire autrement que comme l’amour contrarié d’un homme marié pour un amant mort ? Cet homme marié –Brick (Paul Newman)– refuse de coucher avec son épouse –Maggie (Elizabeth Taylor)– parce qu’il est déprimé : son «meilleur ami», Skipper, s’est suicidé car il ne supportait pas d’être homosexuel. Voilà l’histoire originale dont le film s’inspire. Pour éviter la censure, Kazan et Brooks en font une invraisemblable histoire d’adultère et de jalousie : officiellement, Brick soupçonne sa femme d’avoir couché avec Skipper puis de l’avoir poussé au suicide. Ce qui est absurde. Le scénario est (volontairement ?) si mal ficelé que «l’informulable homosexualité transpire de chaque réplique».

Faire passer le gay pour un amoureux trop transi

Mais le tour de passe passe le plus surprenant c’est celui qui s’opère dans Les enfants du paradis. Certains critiques interprètent le film de Marcel Carné comme l’expression la plus «poignante, bien que déguisée, de son homosexualité». Officiellement, c’est l’histoire d’amour entre Baptiste, un jeune mime idéaliste (Jean-Louis Barrault) et une prostituée au grand coeur (Arletty). Officieusement ? «Dans la chambre de la jeune femme, et alors qu’il vient de lui déclarer son amour, il est troublé, comme pourrait l’être un enfant, au moment où la jeune femme se déshabille naturellement devant lui “Tournez-vous si ça vous gêne”, lui lance-t-elle en souriant. En s’exécutant, le personnage masculin révèle son incapacité à appréhender la femme aimée comme un être réel. À l’instar des romantiques, Baptiste idéalise à l’excès celle qu’il aime, la transforme en icône. […] Le lendemain matin, Garance, déjà habillée, serre contre sa poitrine la tête de son amant, comme une mère le ferait avec son enfant.» Faire du gay un amant platonique, en mal d’une déesse mère, c’est la façon la plus détournée de représenter au cinéma un homosexuel qui ne soit ni une folle, ni un dégénéré. Et ça passe. Ni vu, ni reconnu ?

A LIRE : Homosexualité, censure et cinéma, dirigé par Christophe Triollet, éditions LettMotif, 2019.

NOTES

(1) Dans The Public Enemy (1931), William Wellman «met ainsi en scène un tailleur efféminé à la moustache finement taillée et aux mains baladeuses qu’il promène le long du corps de Tom Powers (James Cagney), un youngster à la gâchette facile dont il semble plus émoustillé qu’effrayé de prendre les mesures. Cette scène, au cours de laquelle le tailleur s’exclame “Quels muscles !” en levant les yeux au ciel après avoir palpé un biceps de Powers, sera d’ailleurs coupée à la réédition du film en 1941 – c’est-à-dire après la constitution de la Production Code Administration (PCA) et la nomination à sa téte de Joseph Breen, catholique orthodoxe ultra-conservateur bien décidé à faire enfin régner l’ordre à Hollywood.» (Source : «L’amour impur à l’ère du pré-Code. Être homosexuel dans le cinéma hollywoodien des années 1930-1934», de Benjamin Campion, dans Homosexualité, censure et cinéma).

(2) Dans le Faucon maltais de Dashiell Hammett, porté au cinéma par John Huston (1941) Peter Lorre apparaît sous les traits de Joel Cairo, «criminel trop parfumé et trop élégant entretenant des rapports très étroits avec un de ses complices dans le second (et suçotant de façon très suggestive le pommeau de sa canne). Les portraits de ces deux personnages secondaires (mais essentiels) n’en sont pas moins noircis dans la version filmique, manière, en les rendant repoussants, de répondre aux interdits du Code Hays : ces êtres bizarres, louches – dans leurs désirs inavouables comme dans leurs actes – sont renvoyés du côté obscur de valeurs américaines qu’ils menacent.» (Source : «L’amour impur à l’ère du pré-Code. Être homosexuel dans le cinéma hollywoodien des années 1930-1934», de Benjamin Campion, dans Homosexualité, censure et cinéma).

juillet 08, 2019

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Vous savez, bien sûr, ce qu’est l’albuginée ?

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Dans un recueil de notes savantes intitulé “Couilles de velours”, Corinne Desarzens traite des testicules comme d’un sujet savant. «Pas un matin sans qu’un gamin, pour exprimer son indifférence, dise bien fort qu’il s’en bat», déplore-t-elle.

«Un soir, l’invité à un dîner avait fait une remarque sous la forme d’une question. Vous savez bien sûr ce qu’est l’albuginée ? Le mot était beau. Il avait fait le tour de la table mais personne ne savait qu’il désignait la membrane autour du testicule. Testicule, oui, au masculin, tout comme tentacule, d’ailleurs.» Ecrivain franco-suisse sachant parler environ sept langues, auteur de 23 livres (1), Corinne Desarzens dit qu’elle vit sous le signe du double. Ses frères, des jumeaux, se sont tous les deux suicidés. Ses enfants sont des jumeaux (une fille, un garçon). Elle est vierge, ce qui fait d’elle tantôt une sage tantôt une folle. Il semblait donc inévitable qu’elle s’intéresse à cette partie du corps qui sous couvert d’être une est deux. Dans son ouvrage Couilles de velours, poème bizarre, fragmenté, mélange de souvenirs, d’aphorismes et d’images instantanées, elle met bout à bout des notes dont on se demande parfois quels rapports elles ont entre elles, ni même avec les couilles.

«Une fois, trois fois, je tourne et retourne»

C’est un puzzle qu’il faut monter. Au fil des pages, les phrases en désordre se succèdent «Glands : ce qui termine les cordons accrochés aux quatre coins d’un corbillard.» «Parmi les aristocrates promis à la guillotine, le chimiste français Antoine Laurent de Lavoisier referma son livre de mathématiques, en mettant un signet à la dernière page parcourue, quand on l’appela pour le pousser dans la charrette. Ce qui se confond parfois avec l’indifférence s’appelle l’élégance.» «L’horloge n’a plus d’aiguilles. Au pays Boro, il y a trois mots pour décrire l’aube.» «En enlevant des graines de bardane accrochées aux poils de son chien, Grégoire de Mestral, ingénieur suisse, a eu l’idée d’inventer le velcro, dont le nom vient de velours et crochet.» Au fil des pages, Corinne Desarzens tisse doucement la toile, araignée patiente, prenant le lecteur au piège de ses subtiles ligatures.

«Le temps s’enroule et s’allonge comme un serpent»

Son labyrinthe est si serpentin qu’il semble presque adopter le maillage produit par les frissons sur la surface de l’albuginée. Vues de près, les couilles ne cessent d’onduler. «Un kilomètre d’estran d’abord, cette bordure sombre entre le sable et la mer, que les vagues mouillent et ravivent, laissant des ondulations curieusement fermes au toucher. Des nodules comparables au palais de la gueule d’un chien.» Comparant d’un oeil sagace, la moire épidermique des couilles à la zone de sable que balaie la marée, aux «courbes de niveau sur la carte de géographie» ou à «la pulpe des doigts plongés trop longtemps dans l’eau», Corinne calque son écriture sur le modèle de ce testicule dont la surface frémit en permanence, agitée par des mouvements sinueux.

«Ils arrivent seuls. On les nomme concours de circonstances.»

Il est si léger, ainsi qu’on le lui dit : 20 grammes le testicule. Un organe délicat. Corinne déplore qu’on s’en serve pour dire le dédain. «Les filles s’y mettent : ah oui, elles aussi s’en battent... Même une businesswoman au bout de son smartphone.» Corinne n’a pas de smartphone, refuse ces facilités. Elle raconte que l’expression bizarre «couille de velours» n’est pas d’elle mais de sa mère… C’était au mois d’octobre 1948, le 27. Un homme avait demandé sa main, une demande en mariage qu’elle avait refusée. «Tu t’attaches à quelque chose qui n’existe plus, se reprochait-il. Il s’imaginait déjà se lever pour la danse du regret, une tradition dans certaines régions de France où le fiancé évincé danse avec la mariée sur une couverture jetée sur un tapis. C’était ainsi. Les événements majeurs ne dépendent ni de nos projets ni de nos attentes. Ils arrivent seuls. On les nomme concours de circonstances.»

«… relie entre elles des courbes souples»

Après ce refus, l’homme avait débouché une bouteille de vin, pour qu’ils la boivent ensemble, en matière d’adieu. Ils étaient dans la cave, sur la porte de laquelle se trouvait une ardoise avec trois mots : Morgen, nicht heute. «Demain, pas aujourd’hui.» Afin que nul ne vienne les déranger. Corinne dit que l’homme avait noté, dans son carnet de dégustation : «saveur étale, onctueuse, tannique, longue. La structure, d’une continuité remarquable, relie entre elles des courbes souples, à la fois pures et puissantes.» Quant à sa mère… elle aussi avait noté quelque chose. Corinne le découvrit un jour par hasard. Sa mère était morte le 5-5-5, 5 mai 2005, jour de l’Ascension. Dans son petit carnet, à la date du 27 octobre 1948, elle avait noté… ?

«On ne possède rien, ni personne, que ce qu’on a perdu»

De sa mère morte amoureuse, Corinne continue l’histoire. «Puisque la mort n’est, après tout, que l’interruption des fonctions vitales.»

A LIRE : Couilles de velours, de Corinne Desarzens, éd. D’autre part, 2017.

NOTE

(1) Respectant en cela le voeu de Corinne Desarzens je ne mets pas son métier au féminin.

juillet 01, 2019

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Danchi-zuma : le fantasme des épouses de banlieue

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Danchi-zuma : le fantasme des épouses de banlieue

Vous êtes vendeur au porte à porte. Vous avez pour mission de vendre des préservatifs. Pour y arriver… vous devez prouver aux clientes –des femmes mariées vivant en logements collectifs– que vos produits sont de bonne qualité. Comment ?

En 1983, le premier jeu de simulation érotique, produit par la firme Kôei, au Japon, donne pour mission au joueur de faire l’amour avec des femmes, en vue de leur vendre des condoms. Jusqu’ici, les RPG (jeux de rôle) nippons proposaient de tuer des dragons. Dans ce jeu d’un nouveau genre, il s’agit de séduire une inconnue. Attention, pas n’importe laquelle : une danchi-zuma, littéralement : une «épouse d’immeuble résidentiel de banlieue». Le jeu de la firme Kôei s’intitule d’ailleurs Danchi-zuma no yûwaku, «La tentation de l’épouse d’immeuble résidentiel de banlieue». Drôle de titre pour un jeu vidéo érotique ?

Qu’est-ce qu’une danchi-zuma ?

L’expression danchi-zuma désigne couramment au Japon la femme au foyer qui vit dans un complexe locatif en zone péri-urbaine et qui s’ennuie, parce que son mari rentre tard du bureau. Après sa longue journée de labeur et le pénible trajet qui le ramène chez lui, en banlieue, le mari n’a plus qu’une envie : dormir. Son épouse est donc frustrée. Frustrée au point qu’assez rapidement, elle couche avec tout ce qui passe : l’électricien, le livreur de pizza, le représentant de commerce, le plombier, le technicien du cable, l’agent immobilier… Alors que son mari travaille, la femme d’immeuble résidentiel le trompe copieusement. Quand il revient le soir, elle l’accueille en souriant : Okaerinasai, «bon retour, mon chéri.»

Le fantasme n°1 des années 1970-80

Il s’agit d’un fantasme bien sûr. Le fait de vivre dans un logement collectif en banlieue ne fait pas de vous une épouse infidèle. Mais l’image de la danchi-zuma est si terriblement connotée au Japon que la plupart des mangas et des films érotiques, dans les années 1970-80, parlent de jolies épouses qui se morfondent dans des villes-dortoirs. Puis qui craquent. Un vendeur de préservatifs au porte à porte pourrait très bien faire l’affaire. Ou n’importe quel autre démarcheur. Lorsque la firme Nikkatsu inaugure les fameux films de pornographie romantique (les roman pornos), le tout premier – en novembre 1971– s’intitule d’ailleurs Danchi-zuma : les liaisons d’après-midi (1) et assure durablement le triomphe du porno soft au Japon.

Mais pourquoi l’immeuble collectif de banlieue est-il érotique ?

Chose étrange : il n’existe aucun équivalent de la danchi-zuma dans les autres types d’habitation. Quand elle vit dans une maison individuelle, ou dans un gratte-ciel, l’épouse solitaire ne fait rêver personne. Il faut qu’elle vive au coeur d’une structure de béton, dans un ensemble d’appartements anonymes. Seul le danchi (l’équivalent du HLM) peut faire d’elle une icône érotique. Mais pourquoi ? C’est sur ce point que la lecture d’Un siècle de banlieue japonaise s’impose : récemment publié chez Métis Presse, cet ouvrage est le produit d’un travail mené durant vingt ans au Japon. Son auteure, la sociologue Cécile Asanuma-Brice (qui tient également le Libé-blog Japosphère), y dissèque le phénomène d’une plume sombre : dans les danchi de haute densité, dit-elle, les noms n’apparaissent pas sur les boîtes à lettre. Les gens sont juste des numéros.

Un «environnement dépouillé de son histoire, de son sens»

Pire encore : dans ces lieux il n’y a plus de mémoire. A l’époque Edo, la banlieue était un lieu de beauté, constitué de sites célèbres depuis lesquels on pouvait voir la lune ou écouter le chant des cigales. Ces espaces de contemplation, dont les poètes vantent pendant plusieurs siècles «le parfum et la variété de leurs fleurs» ou «les points de vue sur le paysage» sont appelés des meisho. Après la seconde guerre mondiale, pour reloger une population en détresse, les bulldozers rasent ces sites qui accueillent des structures de logements «alignées les unes derrière les autres […] selon les règles les plus strictes du modernisme.» En quelques décennies, la campagne se mue en ce que le sociologue Miura Atsushi appelle le fast-fûdo (jeu de mots sur l’anglais food et le japonais fûdo qui désigne l’environnement naturel) : fast-fûdo, c’est «un espace où le territoire lui-même est devenu objet de consommation.»

Suicides en série dans les danchi

Comme par un fait exprès, c’est à la fois dans ces banlieues que se concentrent le plus grand nombre de Mac Donalds (2) et que sont enregistrés les plus fort taux de suicide. Les danchi sont des lieux stériles. À l’endroit où les magnifiques paysages d’antan ont laissé place à des barres de béton, un nouveau genre de meisho voit le jour : les «sites célèbres de suicide» (jisatsu no meisho). «Parmi ceux-ci le danchi de Takashima Daira, au nord-ouest de Tôkyô est des plus renommés», raconte la sociologue. Construit dans les années 1970, ce complexe regroupe plus de 8000 logements. «La densité y est telle, et l’architecture […] à ce point anonyme, qu’une bonne partie des habitants y ont perdu toute envie non seulement d’y vivre, mais tout simplement de vivre.» Dix personnes s’y suicident en 1977 ; treize en 1978 ; dix-sept en 1979 et vingt-trois en 1980 (ce qui fait un suicide tous les dix jours). Le cadre y est si claustrophobique qu’il attire les suicidaires de toute la région.

La solitude tue

Les tabloïds rapportent que les habitants de Takashima Daira s’habituent à voir tomber un corps devant leur fenêtre. «Ils n’interrompent même plus leur déjeuner», vont jusqu’à dire certains journalistes (information peu crédible) qui dénoncent la froideur de ces lieux où les liens de voisinage ont été remplacés par des règles strictes et impersonnelles. Les habitants sont seuls. D’autant plus seuls que les danchi –formatés sur le modèle américain– sont trop petits pour accueillir les grands-parents : 35 mètres carrés. À peine de quoi loger un couple avec enfant(s). Lorsque les danchi se popularisent, imposant le modèle occidental de la famille nucléaire, ils font voler en éclat un système qui permettait jusqu’ici aux trois générations de s’entre-aider : traditionnellement, les enfants s’occupaient de leurs parents devenus vieux.

Quand les cités dortoirs se muent en villes fantômes

Dans les danchi, pas de place pour les vieux : ils sont placés en maison de retraite. Pas de place pour des jardins : il faut aller au parc. Pas de place pour des potagers : il faut acheter ses légumes dans un shopping mall. Pas de place pour le désir (3). Le fantasme de la danchi-zuma c’est celui d’une modernité délétère, le rêve morbide d’une vie soi-disant meilleure dans des «zones rénovées» où ne subsistent plus aucun repère, plus aucun point d’attache. Des espaces d’anonymat où les épouses interchangeables errent sans but et attendent.

A LIRE : Au paroxysme de la société de consommation. Un siècle de banlieue japonaise, de Cécile Asanuma-Brice, éd. Métis Presse, 2019.

NOTES

(1) Danchi-zuma Hirugasari no joji, réalisé par Shogoro Nishimura.

(2) «294 magasins pour Kanagawa, 232 pour Saitama et 186 dans le département de Chiba en 2011» (source : Un siècle de banlieue japonaise, Cécile Asanuma-Brice).

(3) Lorsque les danchi apparaissent, ils représentent pourtant l’idéal d’une vie moderne et émancipée. «Vivre en danchi équivaut à accéder à un meilleur niveau de vie matériel, de nombreux équipements, et une plus grande surface habitable par personne. N’importe quel salary-man rêve de quitter sa petite maison de bois sombre de la ville basse, sans isolation thermique ni sonore, pour venir occuper un danchi, ébloui par les reflets de l’évier stainless de la cuisine !» (source : Un siècle de banlieue japonaise, Cécile Asanuma-Brice).

juin 26, 2019

Lien pour 'Mères «toxiques» : faut-il rompre les liens du sang ?
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9:26

Mères «toxiques» : faut-il rompre les liens du sang ?

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Mères «toxiques» : faut-il rompre les liens du sang ?

“Je ne parle plus à ma mère et je vais bien”. La presse relaie régulièrement le témoignage de personnes qui ont coupé les ponts et qui doivent se justifier. Pourquoi cette rupture des liens est-elle perçue comme un acte grave ? Peut-être à cause des contes de Grimm.

«Comment vivre quand on a fait le choix de ne plus parler à sa mère, alors que le monde s’évertue à nous répéter qu’“une mère on en a qu’une”» Dans un article publié sur Cheek magazine, la journaliste Lou Mamalet s’étonne que la mère soit si souvent associée à la figure d’Epinal d’un ange bienveillant. Mais n’est-elle pas, juste comme nous, quelqu’un qui possède ses défauts ? Et si ces défauts la rendent infréquentable, pourquoi faudrait-il à tout prix maintenir le lien ? «La société nous montre toujours la relation d’une mère à sa fille comme un lien fort et indestructible, condition ultime de l’épanouissement personnel. Et toute la psychologie contemporaine va en ce sens, les premières questions que l’on se voit d’ailleurs poser quand on entame une thérapie rejoignant très souvent ce rapport à la mère.» Pourquoi ?

La faute aux contes de Grimm

«La faute aux contes», répond Federica Tamarozzi, anthropologue et commissaire d’une exposition – La fabrique des contes, au Musée d’Ethnographie de Genève – consacrée à la façon dont les contes anciens ont été détournés, réinterprétés voire déformés. «Il ne faudrait pas croire que les contes recueillis à l’origine par les frères Grimm, finissaient tous bien et comportaient tous une morale. Non, au contraire, ces contes étaient cruels, grivois, grossiers, et comportaient souvent une fin ambivalente, dénuée de toute morale.» Ainsi que Federica le rappelle, ces contes ne s’adressaient d’ailleurs pas aux enfants mais à toute la maisonnée, sans faire la distinction entre grands et petits. Ce que nous appelons maintenant le «public mineur» était exposé à du contenu adulte, sans que personne y trouve à redire.

Le contenu adulte des contes

Les contes parlaient de la réalité. Ils mettaient donc en scène, couramment, des mères froides, égoïstes ou rivales de leur fille. Prenez le conte de Blanche Neige par exemple : c’est l’histoire d’une mère qui, dans un premier temps, souhaite avoir une fille «blanche comme la neige» puis ne supporte pas que celle-ci la surpasse en beauté. Lorsque le conte est publié dans la première version du livre des frères Grimm, en 1812, il est retranscrit de façon conforme aux sources : une mère jalouse se met à détester sa fille, au point de vouloir la tuer. Dans la version de 1857, les frères Grimm l’ont réécrit : «Et quand l’enfant fut née, la reine mourut. Un an plus tard, le roi prit une autre épouse.» Ce n’est plus la mère qui veut tuer sa propre fille. C’est la marâtre, la seconde épouse, une femme n’ayant aucun lien de sang avec l’héroïne.

Remplacer la méchante mère par la marâtre, et le tour est joué

Pour Federica Tamarozzi, il est singulièrement frappant que les frères Grimm aient, systématiquement, remplacé la figure de la mauvaise mère par celle de la marâtre. «Dans les contes originaux, les mères peuvent empoisonner leurs enfants, les couper menu, les manger en salade… sans problème. Mais pour le public de l’époque, le public bourgeois, cela ne passe pas. Pourquoi ? Parce que nous sommes à la charnière de deux époques, à un moment durant lequel la notion de famille change.» La cellule de base de l’Ancien Régime c’est la famille dite «élargie» qui peut comprendre toutes les personnes vivant sous le même toit (incluant les domestiques). Lorsque les Grimm retranscrivent les contes, la famille nucléaire (père-mère-enfants) devient la norme et la notion de parenté prévaut : «Les liens du sang deviennent essentiels. Les frères Grimm (1) mettent donc au point l’image de la “mère aimante” – une mère nécessairement, biologiquement, aimante – qui va devenir un topos littéraire et pénétrer l’imaginaire occidental moderne.»

«De nos jours encore, il semble impossible qu’une mère ne soit pas aimante. Il semble également inouï qu’une mère adoptive puisse éprouver de l’affection pour des enfants qui ne sont pas les siens.»

Comment les contes ont fait de la belle-mère une sorcière

En expurgeant les contes de leur contenu choquant, les frères Grimm contribuent sciemment à la mise en place d’un ordre nouveau : ils éliminent des contes les méchantes mères pour en faire des mères parfaites et ils les remplacent par des marâtres qu’ils diabolisent sous le nom de Stiefmutter : littéralement la «mère qui vole». Elle vole à l’enfant son dû (l’amour maternel). Dans un article intitulé «De la méchante mère à la marâtre» (2006), la chercheuse Nathalie Blaha-Peillex souligne à quel point ce tour de passe-passe imprègne durablement les consciences : «Nous nous indignons lorsque nous lisons dans la rubrique des faits divers ou lorsque nous entendons à la télévision qu’une mère a abandonné, ou pire encore, maltraité son enfant.» Cela relève de l’impensé, dit-elle. Pourtant, dans la vraie vie, les mères méchantes sont nombreuses, n’est-ce pas.

EXPOSITION : La fabrique des contes, du 17 mai 2019 au 5 janvier 2020, Musée d’Ethnographie de Genève (MEG), Genève, Suisse.

A LIRE : Nathalie Blaha-Peillex, «De la méchante mère à la marâtre. Les choix idéologiques des frères Grimm dans la mise en écriture des contes», dans Revue des sciences sociales n° 36 (Écrire les sciences sociales, sous la direction de Brigitte Fichet & Patrick Schmoll), 2006.

NOTE 1 : notamment Wilhem, qui passe sa vie à réécrire les contes.

juin 24, 2019

Lien pour 'Sexe et apocalypse : bander jusqu’à la fin ?
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9:04

Sexe et apocalypse : bander jusqu’à la fin ?

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Dans “Chair de fer”, un hommage ricanant à la guerre 1914-1918, l’artiste Denis GRRR nous convie au festin bestial. Des gueules cassées se consolent au bordel. Des prostituées macabres s’empalent sur des obus. Sexe et apocalypse, mélange aphrodisiaque ?

En 1917, le grand-père de Denis GRRR était pilote dans la glorieuse SPA 26 (escadrille des Cigognes). A la même époque, dans la SPA 65, il y a un as de l’aviation, “Charles Nungesser, trompe la mort” : c’est le militaire le plus décoré de l’armée française au XXe siècle. Un balafré qui totalise 43 victoires homologuées. Pendant la bataille de Verdun, sur son avion de chasse, Nungesser fait peindre son insigne personnel : une tête de mort aux tibias entrecroisés, surmontée par un cercueil entouré de deux chandeliers, sur fond de cœur noir. Denis GRRR découvre cet univers de boucherie héroïque dans l’album-photo de son grand-père. Avec les photos, il y a un cahier vierge qui date de la première guerre mondiale et dont les pages couleur tabac semblent attendre. «Je voulais marquer le coup, raconter ma vision de cette saloperie industrielle. Du sang, du foutre, de la peine, de la pine, de la gloire, de la pisse, un “shrapnel” en pleine poire à illustrer.» (Source : La Spirale).

Quel visage donner à ceux qui n’en ont plus ?

Denis GRRR entame dans ce cahier une série de dessins à la pointe bille noire et rouge, une pointe dure dont il se sert comme d’un instrument pour gravure. Il met en scène les rescapés de guerre, aux moignons ornés de prothèses et aux mâchoires d’acier, qui se font tatouer dans des bars à pute ou se livrent à des orgies sinistres.

Amoureux des artistes «dégénérés», «comme Dix, Grosz qui ont peint et dénoncé cette fichue guerre», Denis GRRR réalise plusieurs dizaines de portraits d’horreur et de scènes lubric-horrifiques en allant piocher dans ses collections : dossiers médicaux de survivants, photos anciennes de chirurgie maxillo-faciale, ouvrages dédiés aux défigurations. «Dans aucune guerre, les combats n’avaient infligé de tels dégâts aux corps des combattants», raconte la chirurgienne Roze-Pellat qui recense 15 000 «mutilés de la face» : ils n’ont plus de visage.

Sexes rendus rigides par la rigor desideris

Dans Chair de fer –publié en 300 exemplaires par les éditions Timeless– Denis GRRR représente ces soldats en zombis vivants, aux sourires sardoniques et aux sexes raidis par le sang. Pas encore morts, donc. Mais déjà en enfer. Leurs actes de débauches illustrent de façon morbide l’étonnante propension qu’a l’humain de résister. Même quand il cède au désespoir, quelque chose en lui se dresse et refuse l’idée de la fin. «Il y aura toujours un après», résume Matthew Carey, anthropologue spécialisé dans les imaginaires cataclysmiques. Dans Apocalypses, un numéro spécial de la revue Terrain, c’est en tout cas ainsi que Matthew Carey le présente : «toute fin du monde, quelle que soit son envergure, admet toujours la possibilité d’un monde d’après.» Autrement dit : quelle que soit l’ampleur d’une catastrophe, l’humain ne se résoud jamais à la penser comme terminale.

Les derniers des hommes

En ce moment même, entre la France, la Grande-Bretagne et la Suisse, les adeptes de la collapsologie bâtissent des villages autonomes qui résisteront à la mort de notre civilisation et les penseurs de l’effondrement étudient les moyens d’assurer la transition… Une autre vie est possible. Même quand il ne restera plus rien de ce monde. C’est ce que tous les articles du numéro Apocalypses répètent, à des degrés divers : même les ultimes survivants des tribus indiennes du Paraguay, même eux qui ont tout perdu (leur jungle détruite par les bulldozers, leurs familles massacrées) se raccrochent à l’idée d’une résurrection. Ainsi que l’explique Matthew Carey, il serait faux de croire que, depuis la bombe atomique, la conception de la fin du monde ait radicalement changé : même si l’humain, depuis près d’un siècle, sait qu’il peut détruire la planète, il n’y croit pas. Pas tout à fait.

Comment à un monde succède toujours un autre

L’holocauste nucléaire ? Oui, maintenant c’est possible. L’effondrement climatique ? C’est en bonne voie. Cela fait-il une grosse différence avec les imaginaires anciens de l’Armageddon chez les chrétiens, les mayas, les vikings ou les islamistes ? Pas sûr, répond Matthew Carey, qui réfute en grande partie la théorie nihiliste. «La conscience de la possibilité de notre extinction comme espèce a pris une place de plus en plus prépondérante dans la culture, dit-il […] mais elle n’ouvre pas sur “rien”. Elle “dévoile”, au contraire, un monde d’alternatives à explorer.» Prenant le contre-pied des théories du philosophe allemand Günther Anders, Matthew Carey s’oppose à l’idée qu’une apocalypse soit «absolue». Pour Günther Anders, «Hiroshima est un événement qui a fait basculer l’humanité dans une ère nouvelle. […] Au moment où l’humanité se rend compte qu’elle dispose de la capacité technique de s’effacer d’un trait s’opère une rupture radicale dans notre rapport au temps : nous passons d’une idée de la “fin du temps” à celle d’un “temps de la fin” (Endzeit).» Vrai ou faux ?

«Après nous, le néant» ?

Pour Günther Anders, l’apocalypse des temps modernes (par opposition aux apocalypses cycliques et aux millénarismes judéo-chrétiens) est une «apocalypse sans Royaume», c’est-à-dire non salvatrice, ne laissant place à aucune espérance, ne débouchant pas sur un monde rénové, mais sur le simple néant. Matthew Carey s’insurge contre cette vision trop radicale et –citant Paul Celan, suite à la Shoah : «il y a encore des chants à chanter au-delà des hommes» (1). Pour justifier sa position, Matthew Carey s’appuie sur une idée toute simple : la fin du monde est toujours vécue à une échelle relativement réduite. Pour les indiens d’Amérique du sud, par exemple, l’humanité cesse aux frontières de leur tribu et quand leur tribu disparaît, c’est la destruction du monde. Pour Günther Anders, l’humanité cesse aux frontières de notre espèce, et quand elle disparaît, c’est fini. Pour les écologistes radicaux, l’humanité fait partie prenante de Gaïa, et quand notre espèce aura cessé d’exister, la Terre se repeuplera d’oiseaux et d’insectes.

Rien ne s’arrêtera jamais si l’on élargit sa vision

Pour Matthew Carey, «les idées de l’apocalypse sont toujours reliées à une certaine communauté morale» mais cette communauté peut s’élargir en cercles plus larges selon les besoins. Voilà pourquoi même les humains qui se savent perdus gardent espoir : parce qu’au-delà de l’humanité il y a la Terre, par exemple. Pour comprendre l’apocalypse, il faut donc savoir à quel système l’humain se rattache, ou –pour le dire en termes anthropologiques– à quelle «unité totalisante de référence». S’il veut échapper au désespoir, il lui suffit d’élargir le système qui fait sens pour lui. Le monde qui meurt n’est parfois juste que le monde dans lequel il limite son existence : sa jungle, sa patrie, son espèce, sa planète… Autrement dit, l’apocalypse est toujours le début d’un autre monde. Quand notre espèce aura disparu, il restera des fleurs et des étoiles. Une bonne raison de rester bandant ?

A LIRE : Chair de Fer, Denis GRRR. 300 exemplaires numérotés, dont 18 exemplaires signés et authentifiés avec un marquage au tampon à sec comprenant un tirage supplémentaire numéroté: « La Guerre » et une broche accompagnée d’un sticker. Format 30x40. 28 pages couleur. Publié chez Timeless Editions.

A LIRE : Apocalypses, numéro spécial de la revue Terrain, dirigé par Matthew Carey, avec les participations de : Lucas Bessire, Hugo Reinert, Jean Chamel, Giordana Charuty, Stine Krøijer et Mike Kollöffel, Sophie Houdart et Mélanie Pavy, Emmanuel Grimaud, Élise Haddad, Alain Musset, Jacques Mercier.(Direction éditoriale : Christine Jungen).

Blog de la revue Terrain

Entretien de Laurent Courau avec Denis GRRR sur La Spirale

Chair de fer sur La Spirale (un autre entretien avec Laurent Courau).

NOTE (1) «Es sind noch Lieder zu singen / Jenseits der Menschen».

juin 19, 2019

Lien pour 'Fausse barbe et masturbation : quel rapport ?
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8:40

Fausse barbe et masturbation : quel rapport ?

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Il est courant d’associer la barbe à la virilité. Pas si simple, répond le chercheur Youri Volokhine citant l’exemple des Egyptiens qui, dans l’antiquité, se nouent des postiches de barbe au menton. Des fausses barbes, mais pourquoi faire ? Et quel rapport avec la masturbation ?

A l’époque des pharaons, les poils au menton c’est sale. Le poil tout court d’ailleurs (1). Dans un ouvrage collectif intitulé Barbes et barbus (récemment publié aux éditions Peter Lang), l’égyptologue Youri Volokhine -Université de Genève- confirme le lien étroit qui unit «le velu, le barbu, le crasseux, le sale» et… le bédouin ou le barbare. Sur les bords du Nil, à quelques exceptions près (2), la politesse veut qu’on ait le visage glabre. Des trousses de rasage accompagnent d’ailleurs certains morts dans leur tombeau. «Howard Carter, qui fit une telle trouvaille d’un nécessaire de toilette à Thèbes ouest, confirma que le tranchant du rasoir était encore bien aiguisé».

Trois types de barbe : la «divine», la «royale» et… la «barbichette»

Mais alors, comment comprendre «cette particularité intrigante» que constituent les fausses barbes de l’Egypte antique ? Dès le troisième millénaire avant Jésus-Christ, des fresques montrent les dieux avec des appendices rigides au menton, attachés par une lanière. Les rois et les élites en portent aussi à l’occasion d’événements importants. Il y trois sortes de barbes postiches.

Celle des dieux ou des rois morts (nommée barbe «divine») est comme une cane au bout recourbé.

Celle des rois vivants (barbe «royale») est un trapézoïde d’au moins 20 centimètres.

Celle des notables, plus modeste, est un petit bouc.

Les formes de ces barbes, fixées dès la IIIe dynastie, perdurent pendant toute l’histoire pharaonique.

Barbe divine et ingestion de sperme

«Aucune de ces barbes ne nous a été conservée, déplore Youri Volokhine. On a pensé, sans plus de preuves, que dans la réalité elles devaient être confectionnée en cheveux humains. On peut imaginer bien d’autres matières, pourquoi pas des crins de lions, de taureaux, etc.» La question principale cependant n’est pas tant de savoir en quoi elles étaient faites que pourquoi on les portait. A cette énigme un début de réponse est apporté par le chercheur Rune Nyord : dans l’ouvrage Barbes et Barbus, il signe un texte sur «La barbe divine» qui parle de spermatophagie. A l’origine de l’univers (s’il faut en croire une des versions courantes du mythe héliopolitain), le dieu Rê-Atum «se serait masturbé et aurait éjaculé dans sa propre bouche avant de recracher les deux premiers dieux sexués de l’univers.» Ces deux premiers dieux étaient Shu (le mâle) et Tefnut (la femelle). Or il existe un texte ancien qui dit que Tefnut était une barbe (3).

Dieu Hâpy, le bien-nommé

Mais pourquoi la barbe postiche est-elle associée à Tefnut, la femelle ? Pourquoi pas à Shu le mâle, puisque la barbe est l’apanage des hommes ? C’est sur ce point que Youri Volokhine propose l’hypothèse la plus séduisante. Prolongeant la réflexion entamée par Rune Nyord, il cite un des rares textes parlant de barbe dans les textes anciens : c’est une parole attribuée au dieu Hâpy, «qui est tout à la fois la personnification de la crue, […] le fleuve Nil et l’eau elle-même». Le jour de sa naissance, Hâpi proclame : «j’ai moulé mon cordon ombilical et j’ai fait ma barbe». Tel Athéna jaillissant déjà adulte de la cuisse de son père, Hâpy apparaît au monde avec l’attribut divin par essence qu’est la barbe postiche – dont il semble être l’inventeur – et affirme qu’il a créé lui-même son cordon. Se pourrait-il que la barbe soit une sorte de cordon ombilical symbolique ?

«Alors que les vulves n’existaient pas encore»

Engendré par lui-même, Hâpi semble si fier de son visage orné d’une fausse barbe qu’il va jusqu’à clamer : «Je suis Celui au visage éveillé, Celui à la face fixée, plus ancien que les ancêtres, je suis venu à l’existence alors que les vagins n’avaient pas encore été créés, et que les vulves n’existaient pas encore». Traduction : Hâpi n’a pas eu besoin de mère. Il n’a pas passé 9 mois dans un utérus. Il n’est pas sorti d’une femme. Son cordon ombilical, il l’a tressé de ses propres mains, tout comme cette barbe qui fait de lui un nouveau-né au visage d’être accompli. Se pourrait-il, demande Youri, que cette barbe postiche ait été «fabriquée avec le cordon ombilical du dieu» ?

Cordon ombilical et barbe : même destin

Le lien qui unit la barbe au cordon peut sembler curieux. Envisageant ces deux parties du corps «sous l’angle de leur destin», Youri Volokhine suggère qu’elles sont toutes deux promises au couteau. «Selon une exigence de pureté, la barbe naturelle est fondamentalement ce que l’on doit couper, que l’on doit donc retrancher du visage pour que celui-ci affiche la dignité qui lui convient. On doit absolument s’en séparer, tout comme du cordon ombilical. Tout se passe donc comme si le cordon ombilical et la barbe se rejoignaient précisément sous cet aspect : ils sont des éléments fondamentalement indésirables du corps et qu’il s’agit de couper.» Pourquoi indésirables ? Citant la formule 335 des Textes des Sarcophages, le chercheur mentionne que la section du cordon ombilical permet «d’écarter le mal».

Le mythe de la «naissance» du monde

«Le cordon ombilical, qui ressemble à une sorte de serpent fiché dans le ventre du nouveau-né, et qui peut même l’étrangler, évoque le modèle cosmogonique de la naissance du monde, où le serpent Âapep (4) menace la création.» Ce mythe –attesté dans la tradition funéraire égyptienne– fait du cordon un serpent qui représente le mal : «Il nous permet, in fine, de mieux comprendre ce qui est en jeu dans ce discours donnant une valeur mythique aux parties du corps divin. Selon la perspective propre au cosmothéisme égyptien, la naissance du monde est bien analogue à celle d’un enfant ; l’ennemi cosmique n’est autre que le cordon ombilical qui suscite Âapep, l’éternel adversaire.» Il convient de le ligoter, afin de s’en rendre maître.

Fausse barbe : un artifice pour vaincre le mal

La barbe n’est donc pas forcément un signe de virilité. Nouée sous le menton, elle témoigne du pouvoir détenu par ceux (ou celles) qui maîtrisent le mal. Ils accrochent le postiche à leur visage comme la preuve que l’impureté, détachée de leur corps, est désormais sous contrôle.

A LIRE : Barbe et barbus. Symboliques, rites et pratiques du port de la barbe dans le Proche-Orient ancien et moderne, dirigé par Youri Volokhine, éditions Peter Lang, 2019.

NOTE

(1) Hérodote s’étonne : «Comme ils sont de beaucoup les plus religieux (théosébès) des hommes, ils observent certaines coutumes que je vais dire (...). Les prêtres se rasent le corps entier tous les deux jours pour éviter la vermine et toute souillure pendant qu’ils servent les dieux.»

(2) Il est cependant arrivé qu’à diverses périodes de l’Ancien Empire et du Moyen Empire, par effet de mode, les fils de bonne famille et les hommes de l’élite se laissent pousser une moustache à la Clark Gable –parfois même un collier de barbe. Youri Volokhine illustre son article d’étonnantes photos de bustes peints non-rasés de la IVe dynastie (comme celui de Rahotep) et de masques barbus de momies de la XI dynastie.

(3) «Dans la pensée égyptienne, la création du monde est un processus graduel de différenciation qui part d’une unité primordiale vers la “myriade des choses”, explique Rune Nyord. La création de Shu et Tefnut est une étape cruciale du processus puisqu’elle marque le moment où l’un devient deux.» Mais, ainsi que le chercheur l’explique, pour que l’Un devienne Deux, il faut que le principe du Un (Rê-Atum) contienne déjà en germe toutes les dichotomies sous des formes latentes, c’est-à-dire que son corps soit déjà traversé par des formes mâles et femelles. Lorsqu’il prend son pénis (mâle) avec sa main (femelle), Rê-Atum est déjà deux. Lorsque Shu et Tefnut quittent sa bouche, c’est comme si des parties de son corps s’échappaient. Rune Nyord s’interroge : étant à la fois un élément corporel et un objet-accessoire, la barbe postiche n’est-elle pas le symbole de ces parties de corps qui nous échappent ?

(4) Un texte d’Esna : «elle enleva le cordon ombilical de son fils […] ; il se transforma en un serpent de cent-vingt coudées qui fut nommé Âapep.».

juin 17, 2019

Lien pour 'L'amour, comment le faire durer ?
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20:44

L'amour, comment le faire durer ?

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Retourné tête en bas, sans défense, un pénis en érection, contre un mur : il sert de vase et contient trois roses. Autour de lui, alignés, d’autres pénis fleuris sont épinglés au mur. L’oeuvre s’intitule «Aux verges suspendues» et pose la question : comment garder l'amour en vie ?

Née à Lyon en 1981, diplômée des beaux arts de Toulouse, enseignante et chercheuse à l’Université Jean Monnet à Saint Etienne, Céline Cadaureille moule des parties de corps qu’elle nomme ses fantômes. «Pour le pénis, je n’ai pas moulé un vrai organe, se défend-elle. J’ai moulé un gode.» Pour en faire quoi ? Un vase. L’histoire commence ainsi : Céline a une amie qui la loge à Paris. L’amie a beaucoup d’amants. Les amants offrent des roses. Mais il n’y a pas de vase pour mettre les roses, qui atterrissent dans des pots de moutarde ou de pate à tartiner. «J’ai dit à mon amie : “Je vais te fabriquer un vase”. L’idée m’est venue d’un vase qui indiquerait clairement la provenance des roses. Il fallait que le vase destiné à recueillir les fleurs de ses amoureux reflète ce qu’ils ressentaient pour elle.» Céline Cadaureille entreprend donc de faire un vase à l’image du désir.

Une femme dans un magasin de verges en porcelaine

Son vase est en porcelaine, matière délicate, souvent associée à de la vaisselle fine… «Il suffit d’un rien pour la briser, dit Céline. Tout comme l’érection, si fragile… Elle tient à rien. Elle reste suspendue à un mot, un regard. C’est aussi pour cela que j’ai fait du pénis un vase à suspendre, accroché au mur par un simple clou, la tête dirigée vers le bas, comme s’il appréhendait sa chute.» En 2015, Céline Cadaureille reproduit ce vase en plusieurs dizaines d’exemplaires qu’elle aligne sur un mur comme une pluie de verges. Comme un tapis de bombe. Chacun des vases accueille trois roses d’Eden, une variété de roses dont le blanc nacré se teinte de rose vers les ourlets – la «même couleur qu’un gland ému» – et dont les têtes s’inclinent doucement vers le sol.

Un ballon d’hélium qui tient une sculpture érigée

Lorsqu’elle expose pour la première fois son mur de verges suspendues, Céline s’interroge : ce motif présente-il «la fragilité des hommes» ou «le déclin de nos amours» ? À la même époque, elle présente un travail intitulé Hommage à San Antonio, constitué d’un napperon rose sur lequel trône un petit phallus relié au ciel par un ballon gonflé à l’hélium. Le fil tendu est si fin que l’équilibre phallus-ballon semble presque tenir du miracle. Un rien pourrait rompre l’attache, dit Céline, qui affirme rendre ainsi un hommage «aux propos de San Antonio lorsqu’il dit que la chose la plus légère au monde est un sexe masculin, car une seule pensée suffit à le soulever !» Telles sont les verges de porcelaine «suspendues au désir», défiant la peur du vide. Papillons épinglés aux ailes si frêles.

Les mariées rêvent-elles de verges électriques ?

Pendant plusieurs années, Céline dit que cette oeuvre exprime le retournement : du sexe masculin, elle donne l’image d’un organe renversé, tête en bas, réduit à sa fonction utilitaire et décorative de récipient. Ce n’est plus le phallus qui pénètre, c’est la verge qui accueille. Ce n’est plus l’homme fort, c’est l’amant tendre. Mais Céline Cadaureille pressent que le mur a d’autres choses à dire. C’est pourquoi en juin 2019, elle y rajoute encore quelques verges et l’expose à la galerie Analix Forever, à Genève, aux côtés d’une sculpture qui charge l’oeuvre d’une dimension critique. La sculpture – intitulée Contrapposto La mariée – est celle d’une femme coupée au niveau des hanches. On ne voit d’elle que le bas du corps, cambrée dans la posture des statues antiques, appuyée sur une jambe, en déhanché (contrapposto).

«Le reste d’un amour fané»

Pour faire cette sculpture, Céline moule les jambes d’une amie : des pieds aux mollets, la sculpture est en grès. Du genoux aux hanches, elle est faite d’un amas mou de vieux oreillers figurant les cuisses et les fesses d’une mariée périmée, aux formes éléphantesques. Sur cette déesse déchue, un bouquet de roses desséchées figure l’état d’abandon de celles qui ne reçoivent plus d’hommages. Aucun homme ne sacrifie de fleurs pour cette femme. «Quand elle s’est mariée, elle a reçu le bouquet de ses noces, un seul et unique bouquet pour toute sa vie. À mes yeux, c’est toute la différence entre une mariée et une amoureuse.» Ainsi que l’explique Céline Cadaureille, par opposition au monde dans lequel des amants offrent chaque jour une rose (chaque jour qu’ils se désirent), il y a le monde des unions contractées une fois pour toutes.

Sans liquide, tout se dessèche

Dans le monde de l’amour, chaque jour il faut remettre de l’eau dans le vase, parce que sinon la fleur meurt. Dans le monde des femmes qui se sont fanées faute qu’on les fasse mouiller, il y a des rêves pareils à des feuilles mortes. «Il faut offrir des roses. Il faut penser à remettre de l’eau.» Sans liquide, la verge reste flétrie, le vagin se dessèche, le coeur se racornit. Sans liquide, les serments sonnent creux.

EXPOSITION : L’herbe entre les pavés (et les roses dans les phallus), jusqu’au 31 octobre 2019. Galerie ANALIX FOREVER moving art : 10 rue du Gothard, 1225 Chêne-Bourg, Suisse.

juin 12, 2019

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“Body positive” : une imposture ?

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Le mouvement “body positive” défend l'idée que toutes les femmes sont belles et combat l'image formatée du corps véhiculé dans les médias. Dans un livre intitulé “Chairissons-nous”, la linguiste Stéphanie Pahud dénonce l'absurdité d'un tel projet : accepter son "vrai" corps ? Imposer des standards de “beauté à bourrelets et à vergetures” ?

Stéphanie Pahud (Université de Lausanne) s’inscrit en faux contre la tendance générale à «accepter son vrai corps». Le mouvement body positive «laisse entendre qu’il existe un soi-même figé, définitif, à identifier et auquel adhérer, dit-elle. Or, nous nous inventons et nous réinventons sans cesse» (1). Par ailleurs, il est vain de vouloir changer les canons de beauté sous prétexte qu’ils ne sont pas «réalistes» : l’idéal de beauté est, comme son nom l’indique, un «idéal». Dans Chairissons-nous ! –recueil de nouvelles érotiques, d’entretiens et de spéculations sur le rapport au corps auquel ont contribué une dizaine d’écrivains et de chercheurs–, la linguiste propose une solution : pour s’aimer, il faut non pas détruire les idéaux (impossible, voire néfaste), mais… l’emprise que les idéaux ont sur nous. Se libérer est possible, mais pas en «s’acceptant telle qu’on est» (idée absurde puisque notre corps est un chantier sans fin), ni en imposant à la majorité de nouveaux standards de beauté calqués sur la réalité (idée absurde puisque la beauté, par nature, est perfection). Se libérer ne peut se faire qu’en se créant un corps à soi, sur le modèle de la «chambre à soi» de Virginia Woolf.

Entretien avec Stéphanie Pahud

Chairissons-nous, le titre de votre livre-manifeste repose sur un jeu de mot qui est loin d’être gratuit. A quoi invitez-vous vos lecteurs et lectrices ?

Chairissons-nous est une invitation à «nous rekiffer par les pores», pour citer la formule de mon ami journaliste Fred Valet. «Chairir» partage les valeurs de son homophone, «chérir» : la bienveillance, l’attention, le respect. La ruse orthographique invite avant tout à rendre sa place à la matérialité des corps dans les liens que tissent et cultivent ces aspirations et, par-là, à dépasser une vision dualiste corps/esprit.

Vous suggérez, dans un chapitre de ce livre, que le mouvement body positive est pernicieux, voire dangereux, dans le sens où il prône de «s’aimer comme on est». Or, comme vous le dites, personne n’est «une fois pour toutes»… Pour vous le body positivisme est essentialiste ?

De mon point de vue, oui, certaines déclinaisons du mouvement body positive sont essentialistes. Pour lancer des appels comme «devenez vous-même», il faut s’appuyer sur une conception fixiste de l’identité. «S’accepter comme on est» est une injonction piégeuse. Notre configuration corporelle n’est pas constituée une fois pour toutes. Nous sommes –nos corps sont– des créations perméables et mouvantes, issues du frottement du monde («incidents» et «accidents») contre nos peaux. Et ce mouvement ne cesse de nous (re)dessiner au fil de nos expériences, de leur réception et de leur digestion. Le «vrai moi», comme «les vraies femmes» ou «le vrai bonheur» ne sont jamais que des fictions !

Vous soulignez aussi que le mouvement body positive, étant un mouvement de fierté, incite les moches à prétendre qu’ils sont beaux-belles, c’est-à-dire à prendre des postures. Pour vous, c’est une imposture?

On confond pour moi souvent «s’aimer» et «se sentir validé». Se trouver beau, c’est se trouver correspondant à telles ou telles normes socio-historico-culturelles. Il me paraît plus constructif, plus «positif», de se trouver «important», de considérer que nous comptons, quels que soient nos contours, nos allures, nos «styles de chair». Nous avons besoin de produire des conditions dans lesquelles nos vulnérabilités soient vivables, pas de nous bercer dans l’illusion d’une infaillibilité ou d’une perfection chimériques.

Citant la philosophe Chantal Jaquet, vous craignez que le body positivisme, tel «un poison», devienne «affirmation hégémonique de soi au détriment des autres». Vous dites que «certaines déclinaisons du body positivisme se rapprochent d’un militantisme identitaire». Lesquelles ? Et quelles sont leurs dérives ?

L’intention positive de ce mouvement, c’est de parler les corps dans leur diversité. Mais dans les faits, il me semble cliver plus que rassembler. «Chairir» et «se chairir» supposent de mon point de vue de faire preuve d’humilité. Le body positivisme fonctionne a contrario sur la fierté, souvent assimilable à une forme de honte inversée. Or j’adhère pleinement à ce qu’exprime Chantal Jaquet dans Les transclasses ou la non-reproduction : «il n’y a ni gloire ni infamie intrinsèques qui soient attachées à une condition, une race, une sexualité plutôt qu’à une autre ; ce qu’il y a de plus humain, ce n’est pas seulement, comme le disait Nietzsche, épargner la honte à quelqu’un, c’est aussi le préserver de notre orgueil». J’ai donc autant de mal avec certaines manifestations du body positivisme qu’avec certains mouvements «pro», que ce soit «pro-femmes», «pro-sexe», «pro-black», etc., dont certaines dérives ont des relents «anti».

Vous dites que «le mouvement body positive n’assure pas un gain d’autonomie puisqu’il renforce malgré lui, par certains de ses aspects, les normes dominantes.» Qu’entendez-vous par là ?

Le mouvement body positive ne bouscule pas le système d’évaluation/validation en place. Il ne sort pas les individus du désir, voire de la névrose, de conformité. Il n’induit pour moi qu’une illusoire extension de la «normalité», flirtant par-là parfois avec la complaisance. Or il me semble plus fécond de stimuler la réflexivité. Nous sommes toutes et tous des produits des sociétés dans lesquelles nous évoluons. Mais cette détermination n’est pas absolue. Nous pouvons faire entendre nos voix contre les normes que nous avons incorporées de façon non critique et gagner en autonomie par extension de notre liberté d’interprétation du monde, de notre anti-conformisme.

Il est inévitable que les individus évaluent ce qu’ils sont à travers le regard des autres. Vous dites qu’ «il est donc aussi vain de prétendre se soustraire aux regards extérieurs qu’irréaliste d’espérer abolir les normes esthético-corporelles». Ne peut-on espérer introduire plus de diversité dans les représentations qui modèlent nos standards ?

On doit non seulement espérer mais œuvrer pour cette introduction de plus de diversité dans nos modèles ! Mais le corps est un capital social hétéro-déterminé. La connotation juridico-économique du slogan «mon corps m’appartient» trahit son caractère illusoire : le corps est bien sûr un capital «à soi», mais sa valeur dépend de facteurs externes, historico-socio-culturel, et il nourrit aussi des capitaux connexes. Par ailleurs, comme l’expose l’éthique du care, l’individu indépendant et autonome est une abstraction. Nous ne pouvons donc pas nous soustraire aux regards d’autrui. Nous pouvons en revanche rééduquer notre propre regard, développer notre attention, et sortir de certaines pseudo-évidences sclérosantes.

S’il est impossible de de modifier les canons de beauté, comment faire pour aimer son corps quand on n’a pas le format sylphide ?

Il faut commencer par intégrer que comme nos langues, le corps est un répertoire de signes extrêmement riche et extensible dont nous disposons pour nous exprimer au plus près de nos sens. Nous rendre étrangers à nos corps, «douter» de nos corps et les (re)parler plus consciemment nous permet de réduire le gap entre qui nous sommes et qui nous voulons être. On peut ne pas avaler tout crus les discours idéologiques. On peut relire les injonctions sociales dans l’esprit de l’éthique du care, avec la grille importance/vanité, et ne plus s’épuiser à vouloir gonfler son capital-corps. Au lieu de le «dresser», on peut «tordre» son corps, pour l’accorder au rythme de sa vie plutôt qu’aux exigences «du marché».

A LIRE : Chairissons-nous ! Nos corps nous parlent, de Stéphanie Pahud, dvec la participation de : Frédéric Beigbeder, Sunny Buick, Artgod Father, David Foenkinos, Philippe Liotard, Dunia Miralles, Charles Moraz, Myriam Moraz-Détraz, Albert Moukheiber, Raphaël Pasquini, Pascal Singy, Fred Valet et Nys Vanessa. Editions Favre, 2019.

CET ARTICLE FAIT PARTIE D’UN DOSSIER ENTROIS PARTIES : «Body positive : une imposture ?» ; «Fat positive : et si c’était négatif ?» ;«Grossophobie : un mot nouveau, pour quoi faire»

NOTE (1) : Interview de Stéphanie Pahud dans Femina, par Nicolas Poinsot, 6 mai 2019.

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Fat positive : et si c'était négatif ?

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1,9 millards d’êtres humains en surpoids, 650 millions d’obèses en 2016. Alors que l’OMS tire la sonnette d’alarme, des concours Miss Ronde se multiplient, ainsi que les invitations à «s’élever contre les diktats de la minceur». À quel discours faut-il se fier ?

D’un côté il y a les institutions qui calculent ce que représentent les gros en termes de budget (sic). Rien qu’en France, le traitement de l’obésité et des maladies liées au surpoids représente plusieurs 56 milliards d’euros par année . Soit 601 euros par an de surcoût pour l’assurance maladie (comparé à un individu de poids normal). Problème : le nombre de gros ne cesse d’augmenter (1). Pour l’Organisation Mondiale de la Santé (OMS) l’obésité atteint les proportions d’une «épidémie mondiale» (2). L’indice de masse corporelle (IMC) est l’indice utilisé pour chiffrer l’ampleur des dégâts. L’OMS définit le surpoids comme correspondant à un IMC égal ou supérieur à 25, et l’obésité comme correspondant à un IMC égal ou supérieur à 30. Invitant les gouvernements à favoriser l’«accès [des populations] à un mode de vie sain» et les individus à «limiter l’apport énergétique» provenant de la consommation de graisses saturées, de sucres et de sel, l’OMS favorise la vision des gros comme de malades incapables de corriger leurs mauvaises habitudes alimentaires.

«Ronde et alors ?»

D’un autre côté, il y a les réseaux de solidarité qui invitent à célébrer la beauté plantureuse, afin d’aider les «rond-es» (plump) à sortir du cercle infernal du stigmate, de la honte et de la perte d’estime de soi. Pour les tenants de mouvements estampillés body positive ou fat activism, il s’agit de faire évoluer les mentalités : oui, on peut être obèse et malgré tout «bien dans sa peau». Sur Buzzfeed, une jeune femme témoigne : «Les blogs de Gaëlle Prudencio, de Stephanie Zwicky (Big Beauty) venaient à peine de démarrer et j’ai été comme éblouie. Elles étaient grosses. Bien habillées. Avaient l’air heureuses. De clic en clic, je me suis peu à peu retrouvée dans des forums sur des sites peu connus du grand public comme Vive les rondes ou Ma grande taille, avec des femmes grosses qui venaient chercher la même chose : des images d’elles. Un reflet de leurs propres corps à travers une lueur positive.» Des concours de Miss «Plus Size» sont créés partout dans le monde, porteurs du même message : «assumez-vous telle que vous êtes, et pas telle que la société voudrait vous voir.» Problème…

Problème… Ce message est-il approprié ?

Ce mouvement qui «prône l’amour de soi» n’est pas sans susciter la critique. Que cache cette injonction impossible à «s’aimer» ? A quoi rime de dire aux gros-ses qu’ils et elles devraient «s’assumer» ou être «fièr-es» de leur gras ? Il est déjà si difficile d’accepter ses petits défauts que c’est comme imposer une double peine aux obèses : sois XXL et tais-toi. Endosse ton poids et be happy. Encourager les gros-ses à «s’accepter» c’est, d’une certaine manière, faire l’impasse sur les causes de leur surpoids et nier l’existence d’un problème. Pour le sociologue Alain Ehrenberg, auteur de L’Individu incertain (Hachette, 1995), le problème vient de ce que les sociétés modernes poussent sans cesse l’individu à faire la preuve qu’il contrôle son destin et son apparence… ce qui, inévitablement, génère l’apparition de troubles du contrôle. «Alors que les exigences qui pèsent sur l’individualité vont croissant, le souci de soi — de son image et de sa capacité à “assurer” — constitue un problème général.»

Dans une société d’hyper compétition, il faut rester au top

Pour Alain Ehrenberg, plus une société exige des individus qu’ils gèrent leur vie comme une entreprise (qu’ils soient performants, autonomes, motivés, efficaces), plus cette société génère par réaction des dysfonctionnements comportementaux liés à l’angoisse de l’échec : dépression, toxicomanie, addictions, boulimie, compulsions… Ces troubles ont un point commun : des individus perdent le contrôle et l’estime d’eux-mêmes. Qu’ils mangent sans pouvoir se limiter ou qu’ils sombrent dans l’autodévalorisation dépressive revient au même. «Nous sommes responsables de nous-mêmes à un point jamais égalé dans l’histoire des sociétés modernes, explique le sociologue. Cette augmentation de la responsabilité nous rend, dans son mouvement même, plus vulnérables». Soumis à des injonctions toujours plus culpabilisantes, sommés d’êtres toujours plus responsables de nous-mêmes et toujours plus compétitifs, nous nous laissons déborder par le sentiment de notre impuissance.

Ce «poids» croissant que chacun est pour lui-même

Pour certain-es, ce débordement s’inscrit dans la chair : ils et elles «payent de leur corps», ainsi que le formule Alain Ehrenberg qui compare les silhouettes des obèses avec des formes de révolte. Autrefois, dit-il, quand «la prise en charge collective des destins individuels était attribuée à des institutions», les individus entraient en lutte dans la rue. «Aujourd’hui la responsabilité de ces mêmes destins est de plus en plus reportée sur l’individu lui-même», qui intériorise sa révolte et la somatise. Cette révolte ne se traduit plus en actes de guerre mais en conflits internes : je ne devrais pas faire ceci de façon excessive (manger, boire, jouer, me droguer, baiser, etc) et pourtant je le fais. Maintenant, la question des troubles alimentaires (des drogues, des compulsions, etc) «doit dans une large mesure être interprétée en fonction de ce poids croissant que chacun est pour lui-même», explique Alain Ehrenberg qui dénonce avec insistance l’aspect profondément toxique des injonctions à se dépasser sans cesse pour rester dans la course.

Plus l’individu est pressurisé, plus il est avide de reconnaissance

De façon révélatrice ces injonctions vont toujours de pair avec un étalage public de la vie privée. Plus les individus sont pressurisés (plus ils doivent faire la preuve qu’ils sont des battants), plus ils sont avides de reconnaissance (plus il y a des selfies sur les réseaux sociaux et des émissions de télé-réalité). Le problème, explique Ehrenberg, c’est que cela augmente le contrôle public de la vie privée. Plus l’individu demande à être validé par le regard des autres, plus il se fragilise. Raison pour laquelle les mouvements body positive ou fat positive sont si pervers dans leur fonctionnement : appelant les gros-ses à montrer qu’ils et elles sont heureux de leur corps, ces mouvements nient la part de révolte que ces corps expriment – escamotant leur dimension transgressive et parfois même mettant leurs souffrances au silence, sous couvert d’“empowerment”. Pire encore : ces mouvements renforcent l’emprise du public sur le privé puisqu’ils encouragent les gros-ses à se mettre en scène comme des personnes épanouies (et qui acceptent de s’exposer sur Internet à tous les commentaires), au point d’ostraciser ceux et celles qui auraient le malheur d’évoquer le mot «régime».

Interdit de maigrir ?

Sur son blog intitulé Coups de gueule de Lau, une «angoissée énervée de la vie» témoigne : «Le mouvement body positive ne devrait pas être source d’injonctions. Et pourtant, il l’est parfois. Que ça soit envers les gros.ses qui cherchent à maigrir, envers les personnes racisées qui cherchent à lisser leurs cheveux pour se conformer à un look “occidental”, envers les femmes qui utilisent la chirurgie esthétique pour avoir un corps qui soit plus à leur goût, ou plus facilement acceptable socialement, le message body positive n’est pas toujours tendre. J’ai ainsi pu voir des gros.ses se faire basher pour avoir parlé de régime, des personnes racisées se faire enjoindre (de préférence par des blanc.hes qui n’ont pas à subir la pression sociale sur leurs cheveux) à ne pas lisser leurs cheveux. J’ai vu des femmes se faire traiter de potiches parce qu’elles parlaient d’une opération de chirurgie des seins.» Son article s’intitule «Les limites du body positive».

Les limites du body positive

Si les gros-ses cherchent à maigrir, cela prouve qu’ils et elles se détestent. Le mouvement body positive ne saurait admettre une telle réalité. Il s’agit de défendre l’image de personnes obèses sûres d’elles, au nom d’une cause : pour les body positive, le but est de remettre en cause les normes culturellement construites de la beauté. Autrement dit : le but est de transformer (par un tour de passe passe pernicieux) le symptôme d’une crise profonde de l’individualisme en une simple revendication pour le droit d’être trouvé beau-belle. Il s’agit d’éliminer toute trace de «trouble» dans l’ordre d’un monde voué aux apparences du bonheur et à l’image de soi. Raison pour laquelle ce mouvement accouche aussi de concours de beauté, censés redonner aux grosses confiance en elles-mêmes et qui non seulement réduisent les femmes à leur capital esthétique mais reproduisent la logique pathogène de la compétition. Encore une fois, le piège se referme : il s’agit pour les grosses de faire la preuve qu’elles peuvent «réussir», atteindre «l’excellence», «prendre le dessus» et «surpasser» leur carence narcissique…

N’y a-t-il pas dans ces mots d’ordre la radicalisation d’un trait d’époque où la quête d’une image positive de soi s’accompagne inévitablement d’un discours renforçant l’obligation de ne compter que sur soi-même pour trouver sa place, pour donner du sens à sa vie et pour s’attribuer de la valeur?

La suite au prochain article.

A LIRE : L’individu incertain, d’Alain Ehrenberg, Hachette, coll. Pluriel, 1995.

CET ARTICLE FAIT PARTIE D’UN DOSSIER ENTROIS PARTIES : «Body positive : une imposture ?» ; «Fat positive : et si c’était négatif ?» ;«Grossophobie : un mot nouveau, pour quoi faire ?»

NOTES

(1) Un tiers des Français est aujourd’hui concerné, soit deux fois plus qu’il y a 20 ans. Source : Passeport santé.

(2) L’OMS en veut pour preuve que 2,8 millions de personnes au moins décèdent chaque année du fait de leur surpoids ou de leur obésité. Source : OMS.

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Grossophobie : un mot nouveau, pour quoi faire

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Comment s’intégrer dans une société qui vous juge sur votre apparence ? Alors que le mot «grossophobie» entre dans le dictionnaire, un ouvrage intitulé “Chairissons-nous” propose d’être non pas “complaisant” mais “bienveillant” envers nos corps et ceux des autres.

En 1994, en France, Anne Zamberlan publie un livre intitulé Je suis grosse et alors ?, sous-titré Coup de gueule contre la grossophobie. Dans leur édition 2019, Le Robert illustré et Le Petit Robert intègrent ce néologisme qu’ils définissent ainsi : «attitude de stigmatisation, de discrimination envers les personnes obèses ou en surpoids». Pour beaucoup, c’est une victoire. Il semble en effet rassurant de savoir qu’un mot existe désormais pour désigner ce «dégoût viscéral qu’a la société des corps gros […] et qui se manifeste parfois via les discriminations à l’embauche, parfois via la maltraitance médicale, et souvent au sein de l’entourage familial» (source : Kiyemis sur Buzzfeed). Grâce à ce mot, il deviendra peut-être plus facile de dénoncer la stigmatisation dont souffrent les personnes corpulentes ou obèses. Mais, grâce à ce mot, il deviendra aussi plus facile d’évacuer les raisons pour lesquelles certaines personnes sont en surpoids : il suffira de dire «Je souffre d’être humilié-e / agressé-e», de reporter la faute sur les autres (ceux qui vous blessent), de les traiter de grossophobes, peut-être même de leur intenter des procès… en laissant impunis les vrais responsables.

Des substances addictives glissées dans nos aliments

Les vrais responsables ? Ce sont ces gouvernements laxistes qui laissent les industries agro-alimentaires produire des aliments ultra-transformés bourrés d’ingrédients et d’additifs artificiels qui ne rassasient pas mais au contraire créent le réflexe d’en reprendre. «Si vous vous y habituez très jeune, alors il est probable que vous deveniez un client à vie de ces aliments.» Ainsi que l’expliquent deux chercheurs sur The Conversation, «les enfants sont particulièrement ciblés» et beaucoup de ces aliments – dénués de tout intérêt sur le plan nutritionnel – sont abusivement présentés comme «sains» (enrichis en fibres/vitamines/minéraux, bio, etc) et volontairement mal étiquetés (1) afin de tromper les consommateurs. «Si ces aliments disparaissaient brusquement, la seule conséquence serait une amélioration générale de la santé.» (source : «Épidémie d’obésité», RTS) Mais ces aliments ne seront jamais interdits, car ils représentent une véritable manne pour la télévision par exemple, qui diffuse en continu des publicités pour ces sodas et ces desserts lactés, surtout à l’heure des émissions pour enfants. Peut-on encore parler de publicité face à un tel matraquage ?

Le mot «grossophobie» est-il un leurre ?

Sachant que l’obésité est d’autant plus répandue que le milieu social est défavorisé, sachant que les lobbies agro-alimentaires profitent du laxisme ambiant – ou de la complicité des autorités (2)– pour produire des aliments qui mettent en danger la santé des consommateurs, il paraît presque futile, voire vain, de savoir que le mot «grossophobie» est maintenant entré dans la langue. Quelles sont les vraies causes des souffrances endurées par maintenant 56,8% d’hommes et 40% de femmes en France ? Ce n’est certainement pas en militant pour l’«acceptation» des personnes en surcharge pondérale qu’on règlera le problème. Bien qu’il soit important, bien sûr, que ces personnes soient protégées des agressions et des malveillances, une approche plus critique s’impose que celle qui consiste à reporter la faute sur les grossophobes. C’est sur ce point que la lecture du livre Chairissons-nous ! s’impose : dans un chapitre intitulé «Du couple bienveillance – complaisance », Myriam Moraz-Détraz, enseignante à l’EFLE (Université de Lausanne) défend l’idée suivante : la bienveillance envers les corps (le nôtre ou celui des autres) ne peut en aucun cas justifier la complaisance.

Ne pas confondre bienveillance et complaisance

«La complaisance se nourrit d’hypocrisie et d’indulgence feinte qui emprisonnent l’autre et soi-même dans un univers mièvre, flirtant avec les séries américaines, dont le manichéisme berce et endort l’esprit peu enclin à une réflexion approfondie. La complaisance plaît parce qu’elle flatte nos egos meurtris et fatigués de cette course au rendement à tout prix, à la productivité imposée par une société dans laquelle il faut toujours gagner le haut du podium. En outre, la complaisance permet de s’assujettir l’autre afin qu’il reste dépendant, vu qu’il n’acquiert de valeur que dans le regard justement complaisant que nous allons poser sur lui. Bien loin d’un chemin vers l’indépendance et l’accomplissement de ce qui rend un être humain entier et libre, la complaisance va le maintenir dans un état de codépendance […]. Au contraire, la bienveillance libère, car elle n’est pas engendrée par l’illusion. Le regard sur l’autre est empreint de bonté, tout en maintenant cette dimension lucide qui va permettre à l’autre de se retrouver. On ne lui offre pas un miroir dans lequel son image est sublimée, mais une vision qui peut lui servir de guide à la mesure de sa propre appréciation.»

Mieux vaudrait protéger les consommateurs que leur faire la morale

Pour Myriam Moraz-Détraz, la bienveillance ne peut se déployer que dans une dimension éthique, à la différence de la complaisance qui «s’apparente à de la lâcheté, un atout confortable pour justifier une tolérance infinie.» Autrement dit : méfiance avec les mots et les attitudes qui permettent de se donner bonne conscience à moindre frais. Ce n’est pas en défendant le droit des gros-ses à ne pas s’excuser de leur poids, ni en militant pour que des modèles dites «rondes» puissent apparaître sur des affiches publicitaires, que l’on aidera efficacement ces personnes. Il se pourrait même, d’ailleurs, que loin de les aider cela ne fasse que leur nuire : lorsqu’on se bat pour imposer la légitimité des corps en surcharge pondérale, ne donne-t-on pas un blanc-seing aux marchands et aux publicitaires pour qu’ils continuent de vendre des aliments toxiques ? Quel compromis trouver ? Il s’agit d’éviter tout autant la stigmatisation que la normalisation et de redonner du sens à l’idée même de responsabilité collective : au lieu de dire aux gros-ses qu’ils devraient faire du sport (ce qui est inutilement culpabilisant), il serait bien plus avisé que les pouvoirs publics régulent le marché de l’agro-alimentaire.

DEUX QUESTIONS À MYRIAM MORAZ-DETRAZ

Que pensez-vous du terme grossophobie ?

Que ce terme ait été créé révèle que nous vivons dans une société malade où l’on stigmatise une particularité morphologique, physique. En reprenant le couple bienveillance/complaisance, il me semble que dans ce cas un regard bienveillant est indispensable, car il y a toujours une souffrance derrière le surpoids. Le surpoids sert de protection pour masquer un mal-être auquel on ne parvient pas à faire face. Cependant, la complaisance n’est pas de mise. On ne soulage pas la souffrance avec de la complaisance, au contraire, il s’agirait le cas échéant d’une manière de minimiser ce que cela représente à tous les niveaux, personnel, professionnel et social. La complaisance se révélera réductrice car elle annule la souffrance derrière les bonnes intentions. Décrypter avec bienveillance permet d’apporter une solution et un soutien alors qu’accepter avec complaisance ne permet pas d’aller au-delà et de dépasser les écueils et les obstacles.

Dans un discours plus politisé, il faudrait que cette grossophobie puisse au moins attirer l’attention sur les écarts et les injustices sociales engendrés et encouragés par des lobbys financiers dont le seul but est de faire du profit, au détriment de l’état de santé d’une population. C’est là aussi qu’une vision complaisante n’est pas de mise car elle encourage de telles pratiques plutôt que de les dénoncer.

Que pensez-vous des concours Miss Ronde ?

Dans une perspective bienveillante, je dirais que c’est très bien qu’ils aient été instaurés. Ensuite, il me semble que tout concours de ce type «Miss» ou «Mister» quelque chose, c’est-à-dire élire le/la plus beau/belle est totalement déplacé. C’est le propre d’une société qui favorise la compétition, la rivalité et la concurrence poursuivant un but totalement superficiel : l’apparence. Cette course à l’apparence est justement l’apanage d’une société malade qui n’est plus en quête de valeurs transcendantes essentielles mais reste à la surface pour ne célébrer que la forme et l’enveloppe. On se retrouve à prôner le culte d’une coquille vide dénuée de profondeurs, de qualités et de valeurs, si ce n’est celles de la surface, du paraître.

A LIRE : Chairissons-nous ! Nos corps nous parlent, de Stéphanie Pahud, avec la participation de : Frédéric Beigbeder, Sunny Buick, Artgod Father, David Foenkinos, Philippe Liotard, Dunia Miralles, Charles Moraz, Myriam Moraz-Détraz, Albert Moukheiber, Raphaël Pasquini, Pascal Singy, Fred Valet et Nys Vanessa. Editions Favre, 2019.

Aliments ultratransformés : de quoi parle-t-on ?, d’Anthony Fardet (Chargé de recherche, Université Clermont Auvergne) et d’Edmond Rock (Directeur de recherche, Inra), The Conversation, 29 mai 2019.

CET ARTICLE FAIT PARTIE D’UN DOSSIER ENTROIS PARTIES : «Body positive : une imposture ?» ; «Fat positive : et si c’était négatif ?» ;«Grossophobie : un mot nouveau, pour quoi faire»

NOTES

(1) Pour n’en donner que quelques exemples, la plupart des boîtes de céréales devraient être vendues au rayon confiserie et certaines «eaux minérales aromatisées» au rayon boissons sucrées.

(2) «Aux Etats-Unis les lobbies agro-alimentaires ont payé les chercheurs de Harvard pour dire que ce n’est pas le sucre qui est en cause mais le gras ou d’autres choses. Réduire le sucre serait une catastrophe économique pour le pays. Voici le site du documentaire : http://sugarcoateddoc.com.» (Myriam Moraz-Détraz)

mai 27, 2015

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Jésus aurait-il «souillé» le Saint Suaire ?

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Le Saint Suaire est un drap taché sur lequel aucune silhouette n’est visible. S’agit-il de traces de sang ? Oui, disent les croyants, qui veulent y voir la trace d’une agonie. Certains même affirment que le Saint Suaire aurait recueilli… le sperme du crucifié.

Longtemps, le Saint Suaire n’a été qu’un drap vaguement maculé dont personne ne connaissait l’existence, et pour cause. C’était un archipel de taches illisibles, ne montrant rien : aucune silhouette humaine, aucun visage. Et puis un jour, ou plutôt une nuit – la nuit du 28 au 29 mai 1898, un photographe nommé Secundo Pia mit dans un bain révélateur «son ultime tentative pour réaliser une épreuve photographique convenable du Saint Suaire. Les précédentes avaient été malheureuses : sous-exposées. Or voici ce qui arriva : au moment de la révélation du négatif, dans la chambre noire, un visage se mit à regarder Pia du fond de l’eau, Un visage qu’il n’avait jamais vu sur le linge lui-même. Un visage inespéré, comme il lui arriva de le dire.» Dans un ouvrage intitulé L’Image ouverte, le philosophe et historien de l’art Georges Didi-Huberman relate ainsi l’apparition du Christ dans le Saint Suaire, ou – plutôt – le moment où «le Saint Suaire devint visible». Car jusqu’ici il n’y avait jamais rien eu à voir dans ce morceau de tissu. Dépêchez-vous d’aller vérifier : il est exceptionnellement montré au public jusqu’au 24 juin à la cathédrale de Turin.

Quelles sont ces taches?

«C’est une grande pièce de lin, maculée de taches, Elle est doublée de soie rouge […] et soigneusement roulée dans un reliquaire d’argent. Le reliquaire est lui-même verrouillé, engrillagé et enclavé dans un autel monumental, sous le marbre noir et la vertigineuse coupole de Guarini à Turin. On ne voit donc rien du drap lui-même. On s’agenouille devant une diapositive en négatif, enchâssé dans l’autel et éclairé de l’intérieur.» Ce que les croyants regardent n’est pas le drap lorsqu’ils prient devant, mais le négatif photo de 1898 qui est le véritable miracle. C’est cette photo qui a fait du Suaire l’empreinte négative du corps du Christ, «son index lumineux miraculeusement effectué et miraculeusement inversé dans l’acte même de la résurrection». C’est ce négatif photo qui donne au Saint Suaire son aura et qui incite, rapidement, des dizaines de médecins et de prêtres à rechercher dans le drap lui-même la preuve matérielle de la crucifixion. Transposant la silhouette fantasmée du Christ dans les taches éparses, ils essayent de comprendre comment il est mort. Certains se mettent à interpréter chacune des macules… allant jusqu’à trouver des traces de sperme à l’endroit où sur le drap, ils pensent que se situait le sexe de Jésus.

En 1935, Pierre Barbet chirurgien à l’hôpital Saint Joseph à Paris est un des premiers à soumettre le Saint Suaire à l’épreuve de ce qu’il prétend être la vérité scientifique. Comme il lui faut parfois amputer certains de ses patients, il récupère les bras qu’il a lui-même sciés et, immédiatement, les fixe à coup de marteaux sur des planches de bois pour observer la trace laissée par le clou dans les chairs et comparer avec celles du Saint Suaire. Il s’agit pour lui de prouver que les clous n’ont pas été plantés dans les paumes du Christ mais dans ses poignets. Dans un ouvrage intitulé Les cinq plaies du Christ, il explique que dans le but de vérifier l’emplacement des bras et des plaies, il a poussé jusqu’au bout la rigueur de sa démarche : «J’ai pris au vestiaire de l’amphithéâtre d’anatomie une quelconque guenille humaine, fraîche et parfaitement souple», dit-il, sans hésiter à mettre les photos pour preuve de son sérieux. Les clichés montrent le cadavre d’un vieillard squelettique, revêtu d’un pagne blanc, comme dans les églises. Pierre Barbet s’est amusé à le clouer sur une croix de fortune. «Je m’excuse de donner encore ces photos que pour ma part je trouve hideuses et presque blasphématoires», commente-t-il, avec une feinte horreur.

Les sindonologues à l’œuvre

Tout au long du XXe siècle, de nombreux «experts» (les sindonologues) reconstituent chaque protocole de la passion du Christ et géométrisent les taches du Suaire, dont ils infèrent toutes sortes de détail avec un souci pervers d’exactitude. Ils calculent le nombre de coups infligés lors de la flagellation, le nombre de billes d’acier par lanière, le nombre de lanières, la dimension des clous, la forme exacte de la Croix et reconstituent jusqu’aux ultimes postures d’agonie du Christ… A-t-il tenté de s’appuyer sur un bras, en pliant l’autre, pour soulager sa douleur ? «Curieusement, cette reconstitution du spasme est nommée axonométrie par Monseigneur Ricci, un des principaux sindonologues contemporains», remarque ironiquement Didi-Huberman qui ajoute : la nature des taches n’a toujours pas été établie. Et pourtant, tous les sindonologues s’évertuent à chercher en elles la preuve d’une souffrance sans nom… preuve dont certains vont jusqu’à rechercher la trace cachée sous les mains croisées du Christ. Ainsi que le négatif photo le «révèle», Jésus aurait en effet été enroulé dans le Suaire avec les mains jointes l’une sur l’autre. Or ses mains auraient été jointes au niveau du sexe. Pourquoi ?

L’hypothèse du père Côme, défendue dans un petit ouvrage publié à compte d’auteur puis au congrès de sindonologie d’octobre 1978, est la suivante : «Pour croiser les mains du supplicié sur la région pubienne, ce qui dissimule son sexe, il a fallu rabattre les bras le long du corps malgré la rigidité cadavérique portée au degré suprême par la tétanie propre à la crucifixion. Cela prouve la volonté des ensevelisseurs provisoires de masquer quelque chose qui était intolérable à leurs yeux.» Didi-Huberman enchaîne : «Ce quelque chose personne ne l’a jamais vu parce que, écrit le Père Côme, personne n’a jamais osé y regarder de plus près. Ce quelque chose, il le nomme le détail le plus atroce de la Passion du Christ.» «Ce quelque chose, c’est le sperme du Christ. C’est le réflexe, noté ailleurs par quelques médecins légistes, consécutif aux pendaisons ou aux crucifixions. «Le spasme suprême de l’érection et de l’éjaculation du crucifié, dont il y a, continue notre auteur, «à notre portée, sur le Saint Linceul, la possibilité de vérification directe, lorsqu’on le voudra.»

Les gouttes de sperme parcelles sacrées de nos communions

De cette thèse «aberrante» mais «exemplaire», Georges Didi-Huberman tire la conclusion suivante : «Peu importe la valeur historique – la non-valeur – de cette thèse. Elle réalise comme un passage à la limite d’un fantasme. […] Le père Côme donne son hypothèse comme un véritable télos [accomplissement, achèvement, ndlr] de la foi elle-même, parce qu’elle emporte la compassion jusqu’à l’atrocité c’est-à-dire, selon lui, «jusqu’à la vérité totale «. Télos également sacramentel, celui de la communion eucharistique : les gouttes de sperme sont pour lui «les innombrables parcelles sacrées de nos communions «. Télos enfin de l’incarnation : Jésus aura voulu l’absolutiser en poussant jusqu’au bout la déchéance – sexualisée – de sa mort. Et cela aussi est affirmé en toute logique. Le «détail suprême «, écrit le père Côme, aura permis que «maintenant seulement s’impose à nous le sentiment d’un tableau enfin complet «. […] Résumons. Il y avait un linge éclaboussé de taches. Une substance leur fut donnée : c’était du sang. A travers le contact, l’acte fut décrit et l’acteur nommé. Puis sa mort remise en scène. […] Mais ce sang n’a-t-il pas été rêvé ? L’excellente méthode de la peroxydation – les médecins décèlent grâce à elle des taches même invisibles, dit-on, et fort anciennes – ne révèle rien, rien du tout. Il n’y a pas, à ce jour, de sang connu sur le saint Suaire.» Ni de sperme ? Peu importe. Jésus ayant ressuscité, il peut paraître normal que les sécrétions issues de son corps se soient, comme lui, transformées en substances de gloire.

A LIRE : L’Image ouverte, de Georges Didi-Huberman, éditions Gallimard. Collection Le Temps des images. 2007.

POUR EN SAVOIR PLUS : L’exposition du Saint Suaire (article du Monde)

mai 24, 2015

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20:07

Lola, Liliane, Lilith : toutes des salopes ?

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Les versets qui relatent, dans l’Ancien Testament, la création de l’humanité, racontent deux histoires, incompatibles. Prenez la peine de les relire et posez-vous la question : est-ce la raison pour laquelle tous les prénoms avec deux L sont ceux de femmes impudiques, lascives et fatales ?

Il y a un bug dans La Genèse. Au verset 1:27, il est dit «Dieu créa l’homme à son image, il le créa à l’image de Dieu, il créa l’homme et la femme.» S’il faut en croire cette version, l’homme et la femme durent donc créés en même temps, donc égaux l’un à l’autre. Mais au chapitre suivant, il est dit : «Le Seigneur Dieu modela l’homme avec de la poussière prise du sol. il insuffla dans ses narines l’haleine de vie et l’homme devint un être vivant.» (Genèse 2:7). Dans cette version-là de l’histoire, l’homme est créé en premier suivant un principe de préséance qui induit l’infériorité ou du moins la subordination de la femme à l’homme. De fait, le récit qui suit raconte : «Le seigneur Dieu dit : «il n’est pas bon pour l’homme d’être seul. Je veux lui faire une aide qui lui soit accordée.[…] Le seigneur Dieu fit tomber dans une torpeur l’homme qui s’endormit ; il prit l’une de ses côtes et referma la chair à sa place. Le seigneur Dieu transforma la côte qu’il avait prise à l’homme en une femme qu’il lui amena. L’homme s’écria : «Voici cette fois l’os de mes os et la chair de ma chair, celle-ci, on l’appellera femme car c’est de l’homme qu’elle a été prise.» (Genèse 2: 18-23).

Comment comprendre que la création de l’humain se fasse en deux temps, suivant deux scénarios contradictoires ? Certains commentateurs de l’Ancien Testament échafaudent une théorie. Ils pensent que La Genèse comporte une omission. C’est un récit censuré, disent-ils. Un morceau de l’histoire a été coupé. Etait trop scandaleux pour être raconté ? Pour combler le vide, ils élaborent l’hypothèse selon laquelle Adam aurait eu deux femmes. La première, créée comme lui avec de la terre, était son égale. La seconde, créée à partir de lui, était Eve. Mais qui était la première ? Que lui est-il arrivé ? L’Alphabet de Ben Sira, rédigé vers le Xe siècle après J.-C., retrace l’histoire suivante, censée résoudre l’incohérence et la lacune du récit biblique : «Lorsque le Saint, béni soit-il, créa le premier homme unique, il lui dit : il n’est pas bon que l’homme soit seul, il lui créa une femme de la terre comme lui et il l’appela Lilith. Ils en vinrent immédiatement à se quereller. Elle dit je ne me couche pas au-dessous, il lui dit, je ne me couche pas au-dessous mais au-dessus, car tu es destinée toi, à être en dessous et au-dessus. Elle lui dit : nous sommes tous les deux égaux parce que nous sommes tous les deux de la terre. Mais ils ne purent s’entendre, et lorsque Lilith en fut convaincue, elle prononça le Nom dans son intégralité et elle s’envola dans les airs de l’univers, Adam, debout, pria : La femme que tu m’as donnée, m’a quitté. Le Saint, béni soit-il, envoya immédiatement à sa poursuite ces trois anges pour qu’ils la ramènent», mais en vain…

Ainsi que l’Alphabet le raconte, Lilith refusa de se soumettre et, pour la forcer, Dieu la menaça de faire périr tous ses enfants. Elle serait désormais une femme qui ne donne pas la vie, mais la mort. Lilith, pour se venger, affirma que désormais elle tuerait tous les nourrissons mâles âgés de moins de 8 jours et les femelles de moins de 21 jours. Son destin fut ainsi scellé. Dans un ouvrage passionnant (Lilith, avatars et métamorphoses d’un mythe), Pascale Auraix-Jonchière résume : Lilith, suivant cette tradition d’exégèse biblique, fut donc inventée comme la première femme, l’égale de l’homme, douée d’un savoir tel qu’il lui fut possible de prononcer le «Nom» ineffable de Jehova, de s’envoler et de se rebeller. Figure de l’absolu, radicale rebelle, femme déviante et stérile, Lilith fait un triomphe dans l’imaginaire occidental qui l’associe d’abord à la femme ou à la fille du diable, puis au serpent, à une sirène, à une créature de la nuit et surtout à une sublime prostituée. Comme les prostituées, Lilith n’a d’ailleurs pas pour fonction d’enfanter. Elle fournit du plaisir sans lendemains, sans responsabilité, sans entraves. Elle devient l’héroïne d’innombrables romans qui la dépeignent sous les traits d’une lolita (stérile comme elle), dont le nom dérive du sien.

Tous les noms de femme qui redoublent la lettre L sont d’ailleurs à ce point évocateurs du nom de Lilith qu’il n’est jamais vraiment innocent qu’une femme se nomme Lola, Lilou, Leyla, Lolita, Lalitha, Layla ou Liliane… Tous ces noms, fortement connotés, remontent au mot sumérien «Lils» qui désigne, au IVe millénaire avant Jésus-Christ, les forces hostiles de la nature, notamment le vent et l’orage. Cette racine «Lils» se retrouve «plus tard dans le nom féminisé de la grande prostituée «Lilitu«, courtisane sacrée de la déesse de la guerre et de l’amour, Inanna, l’Ishtar des Babyloniens. Lilitu a pour rôle de séduire les hommes», explique Pascale Auraix-Jonchière qui ajoute : Lilitu a pour pendant le démon mâle Lilu, «esprit de licence et de lascivité». Dans les exorcismes dont on a retrouvé des traces écrites, cette démone apparaît souvent comme une «ravisseuse nocturne», ailée, aux pouvoirs vampiriques. «Or cette croyance aux démons est importée en Palestine à l’issue du premier exil des Juifs : Lilith s’enracine alors dans la pensée juive à la faveur de son insertion dans les textes scripturaires».

Il s’avère en effet que bien avant de devenir un prénom, celui d’une épouse rebelle, le mot Lilith est utilisé dans l’Ancien Testament (rédigé entre 700 et 400 avant J.-C., durant l’asservissement des Hébreux cananéens par les Babyloniens) pour désigner un être démoniaque, emprunté de toute évidence à la religion de l’ennemi. Dans la Bible hébraïque, fait curieux, ce mot est un hapax. C’est-à-dire qu’il n’apparaît qu’une seule fois. En tout et pour tout, une fois, une seule. Il est mentionné dans Isaïe 34:14, et fait partie d’une longue énumération de créatures négatives. Voici ce texte étrange qui décrit le pays d’Edom, damné par le Seigneur :

Dans ses forteresses pousseront des ronces

Dans ses fortifications des orties et des chardons

Ce sera le repaire des chacals,

l’aire des autruches

Les chats sauvages y rencontreront des hyènes

Les satyres s’y répondront. Et là aussi s’installera Lilith :

elle y trouvera le repos (1).

C’est là que le serpent fera son nid, pondra, couvera ses œuf

et les fera éclore sous sa protection. (TOB, les éditions du Cerf, 1984).

Cette inconnue, sous la protection de laquelle les serpents font éclore leurs oeufs, nul doute que la postérité lui accorde une sinistre aura. Le nom des Lils a sombré dans l’oubli, mais il suffit d’un simple redoublement de L pour que les têtes se retournent, pleines de méfiance. Les femmes au nom mellifluent sont maudites. Dans un article consacré au mythe de la lolita, Marika Moisseeff note par exemple que «le remariage du roi Léopold III de Belgique avec la gouvernante de ses enfants, Liliane, après le décès de sa première épouse, fut très mal jugé par le peuple belge : Liliane fut considérée comme une femme de mauvaise influence… ». Il y a heureusement des gens pour qui Lilith est un nom hautement positif. Murat, qui lui consacre un album, par exemple. Dans une interview publiée par Télérama en 2004, il pose la question : «Est-ce qu’une femme doit être une Lilith ou une Ève ? Moi je préfère les Lilith».

A LIRE : «Lilith, avatars et métamorphoses d’un mythe entre romantisme et décadence», de Pascale Auraix-Jonchière, Presses universitaires Blaise Pascal. «Les lolitas ou l’histoire d’une altérité structurelle», de Marika Moisseeff. Publié dans la revue Adolescence, numéro 49, en 2004 (p. 605-618).

NOTES

(1) Ce passage étrange qui n’explique pas ce qu’est «lilith» et la mentionne comme si ce mot seul suffisait à la qualifier sera diversement traduit. En 1673, le traducteur Lemaître de Sacy privilégie le terme de «sirène». Louis Segond, en 1877, choisit une périphrase couramment employée au XVIII et XIX : le «spectre de la nuit». Les traducteurs suivants préfèrent dire Lilith, sans que l’on sache très bien s’il s’agit d’un nom générique de succube ou d’un prénom (et si oui… préfigure-t-elle la Lilith inventée par les rabbins au Xe siècle ?).

Louis Segond : «Les animaux du désert y rencontreront les chiens sauvages. Et les boucs s’y appelleront les uns les autres ;  Là, le spectre de la nuit aura sa demeure. Et trouvera son lieu de repos […]».

John Nelson Darby : «Les bêtes du désert s’y rencontreront avec les chacals, et le bouc sauvage y criera à son compagnon. Là aussi la Lilith se reposera et trouvera sa tranquille habitation».

André Chouraqui : «Les lynx rencontrent les chacals, le satyre y crie contre son compagnon. Là, se délasse Lilit ; elle s’est trouvée un reposoir !».

Lemaître de Sacy : «Les démons et les onocentaures s’y rencontreront, et les satyres y jetteront des cris les uns aux autres. C’est là que la sirène se retire, c’est où elle trouve son repos».

ILLUSTRATIONS : Liz Earl, «Days of the cougar», éditions Taschen.

mai 22, 2015

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14:44

Le NSA fun : est-ce (nor)mal ?

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Le Festival Explicit, dont la première édition a lieu à Montpellier les 22, 23 et 24 mai 2015, est plus qu’une occasion de voir des performances, vidéos ou conférences consacrées aux représentations sexuelles : il s’agit de se demander si c’est normal de réduire le sexe à du «fun».

Il existe sur «le marché du désir» des millions de personnes en manque d’un(e) partenaire ou d’un bon coup. Ces personnes postent sur Internet leurs photos, en prenant des pauses tellement codifiées qu’il suffit parfois de les mettre bout à bout pour faire un montage de film. C’est à ce petit jeu que s’est amusé le réalisateur Antonio Da Silva, dont le travail est projeté dans le cadre du Festival Explicit, au CND de Montpellier jusqu’à dimanche soir. Antonio Da Siva a collecté 2500 selfies de gays pour en faire une vidéo de 3 minutes (intitulée PIX), passant à la moulinette, sur un rythme staccato, les postures codifiées de la séduction mâle. Qu’ils se photographient dans un miroir, par devant ou par derrière, leurs mimiques et leurs déhanchés sont à ce point répétitifs que le film donne l’impression que les 2500 corps n’en forment qu’un seul et unique. La démonstration est saisissante. Pour Antonio Da Silva, ainsi qu’il l’explique sur son site Internet, «nous vivons à une époque où nos vies sont dominée par Internet et par les réseaux sociaux. Pour les gays qui ont adopté le système de rencontre en ligne, la recherche d’un partenaire relève tantôt du jeu d’exhibitionnisme narcissique, tantôt de la quête voyeuse sans fin. Ma vidéo intitulée PIX est une mosaïque constituée par des milliers de corps mâles dans les pauses typiques de la virilité…». Ces corps sont sans visage. Ce qui pousse parfois les visiteurs des sites de rencontre à se branler sur les photos plutôt qu’à envoyer des messages à leurs auteurs.

A la rencontre, certains préfèrent la masturbation. Et quand la rencontre a lieu, elle ne possède pas forcément pour eux plus de valeur qu’une masturbation à deux. Que penser de ce constat négatif que dresse Antonio Da Silva ? Pour lui, les auto-portraits de séduction sont devenus à ce point codifiés qu’ils ne se distinguent presque plus des clichés de magazines masturbatoires. «Un miroir, un torse exposé et la promesse d’un NSA fun sont devenus les synonymes du comportement banal des gays dans le domaine de la rencontre», dit-il. Le NSA fun (No String Attached fun) pourrait se traduire «de l’amusement sans obligations». Antonio Da Silva fait-il la morale ? Difficile à dire. Il pose d’ailleurs lui-même la question : «le comportement gay en ligne isole-t-il les homosexuels ou les aide-t-il à communiquer ?». Que les règles de séduction soient stéréotypées ne les empêche en effet pas d’être efficaces : aucune communauté ne peut faire l’économie d’un langage corporel commun. Reste à savoir dans quelle mesure ce langage est facteur d’échanges. C’est ici qu’Antonio s’interroge. Pour lui, semble-t-il, l’imagerie gay est à ce point conventionnelle qu’elle élimine même le désir d’une rencontre en réel.

A quoi bon un contact IRL (In Real Life) quand on peut jouir sur une belle photo ? Les Adonis et les Hercule des sites de rencontres, paraissent finalement plus attirants que les vrais hommes qui se cachent derrière ces pectoraux et ces braquemarts dressés en étendard. «Le besoin de presser le bouton “Télécharger plus de mecs“ n’a t-il pas pris le pas sur le besoin de se connecter émotionnellement ?», demande Antonio. Sa question a des allures douteuses. Qui est-il pour juger la sexualité des autres ? Pourquoi le fait de se masturber sur des selfies serait-il condamnable ? Antonio affirme qu’il se contente de renvoyer en miroir ce que la société actuelle génère en termes d’images… Il parle de la «normalité» à laquelle les gays aspirent. Le fait d’être body-buildé, toujours jeune et Très Bien Membré ne semble pas pour lui être une «normalité» pertinente. Mais l’idéal viril des gays n’est au fond guère plus caricatural que celui des hétéros. Les femmes qui veulent trouver l’âme-soeur sur Internet (ou un plan cul pour la soirée) ne prennent pas forcément de pauses plus inventives. Lorsqu’un répertoire d’attitudes identitaires se met en place et que les membres d’une communauté se mettent à avoir tous les mêmes mimiques et les mêmes façons de bouger, il est toujours facile de crier à l’invasion des clones. Surtout lorsque ces clones se multiplient de façon virale sur Internet. Il y a toujours des gens pour s’en inquiéter et leurs arguments, invariablement basés sur le même système de valeur, soulèvent toujours la question du «sentiment».

Dans notre société, la sexualité reste subordonnée au diktat de l’amour. Raison pour laquelle, peut-être, Antonio Da Silva, affirme avec prudence qu’il n’a personnellement aucune opinion. Son travail, PIX, n’a officiellement pour but que de nous confronter à nous-même. «La prochaine fois que vous vous regarderez dans un miroir en prenant des pauses, réfléchissez à cette vidéo», dit-il. PIX est effectivement si magnifiquement réalisée qu’il est difficile de la voir sans se sentir un peu honteux d’avoir soi-même un jour cédé à la facilité des pauses érotico-démagogiques. Le Festival Explicit, à l’image de cette vidéo, se fixe pour objectif de questionner les standards masculins et féminins. Pour ses deux programmateurs, la chercheuse Marianne Chargois (également auteure de livre et performeuse) et le chorégraphe Matthieu Hocquemiller : «La volonté de ce festival est de traiter du sexuel sous toutes ses formes, présentations et représentations, et hors de toute hiérarchie, si ce n’est celle de l’exigence. Cela implique pour nous que des films post-porn puissent côtoyer du discours universitaire, du documentaire, de la danse contemporaine ou encore des installations. Que le sexuel soit abordé ici comme une contre-culture existante, riche de sens politique et d’inventions artistiques. Le festival réunira autour de cette idée des acteurs et actrices de ces marges de la sexualité mainstream et normative. » Le Festival se fait en partenariat avec Rodrigo Garcia, qui a pris la direction du CND de Montpellier, et qui accueille l’événement dans son lieu.

Festival Explicite. Du 22 au 25 mai 2015. CND de Montpellier.

PIX sera diffusé aujourd’hui, vendredi 22 mai, lors du vernissage à 18h.

Pour en savoir plus sur Marianne Chargois.

mai 20, 2015

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22:30

De quoi avons-nous envie, dans la vie ?

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Suite à une campagne de lobbying électronique, pas moins de 390 000 Britanniques se déclarent comme de «religion« Jedi lors du recensement de 2001. Le mouvement touche ensuite l’Australie, la Nouvelle-Zélande, le Canada… Une épidémie de fiction. Révélatrice de quels désirs secrets ?

Longtemps dénigré, ravalé au rang d’enfantillage sans valeur, le jeu fait son retour dans le monde adulte en Occident. La chercheuse Anne Besson (maître de conférences en littérature à l’Université d’Artois,), consacre au phénomène un ouvrage intitulé Constellations. Depuis environ vingt ans, dit-elle, on assiste à un déferlement de jeux pour adultes. L’engouement pour les mondes alternatifs touche des dizaines de millions de personnes à travers la planète. «C’est un phénomène progressif, né avec le jeu vidéo et les jeux de rôle, et qui aboutit à l’émergence d’une culture geek plus globale», caractérisée par l’inversion des valeurs : «le monde est une histoire, l’œuvre est un monde, tout est un jeu, à part le jeu lui-même. Les consommateurs se saisissent de plus en plus des œuvres aimées pour en incarner les personnages, en poursuivre ou en détourner l’intrigue. Si cela n’est pas fondamentalement nouveau, l’échelle des phénomènes d’appropriation explose avec la démocratisation d’Internet. Usagers, lecteurs, spectateurs, joueurs peuvent aisément devenir créateurs à leur tour, avec un énorme public potentiel.»

De façon très révélatrice, cette invasion massive des jeux adultes se révèle fortement imprégnée de «fantasy». Les univers imaginaires qui séduisent le plus grand nombre s’inspirent des sagas de Tolkien (Le Seigneur des anneaux) et des légendes médiévales aux origines obscures. Il flotte un noir parfum de paganisme sur ces mondes qui, – même conjugués au futur (comme Star Wars ou Avatar) –, multiplient les allusions à des formes de religion étrangères ou lointaines. Anne Besson note que ces religions sont parfois préférées à celles qui dominent maintenant notre culture.

Croire en la force de l’imaginaire

«Quand 0,7 % de la population choisit de se déclarer comme appartenant à la religion Jedi lors du recensement officiel de la population en 2001 […] cela n’a rien d’un épiphénomène contestataire, et il serait un peu rapide de crier qu’ils sont tous devenus fous… Un tel choix de rattachement revient bien sûr à étendre abusivement le champ du «culte», mais il n’est pas prioritairement guidé par une volonté de prendre le contre-pied potache des «cases officielles», ni même par un anticléricalisme conscient : il s’agit bel et bien, aussi et d’abord, de faire «prendre au sérieux» ce sentiment, cette volonté, d’appartenance à un monde imaginaire, à un vaste jeu, à une autre histoire. C’est ce phénomène, non seulement existant mais encore assumé et répandu, qui nous servira de fil conducteur, à la recherche de ce qui le suscite et des façons dont il se manifeste aujourd’hui».

Pourquoi des centaines de milliers de personnes affirment-elles «croire» en la Force ? Anne Besson ne répond qu’en partie à cette question. Elle voit dans l’attrait pour le jeu une «aspiration à continuer le voyage dans l’autre univers, au-delà de limites fatalement réductrices.» Le monde réel, c’est certain, limite ce que nous sommes. Dans la «vraie» vie, il est impossible de se transformer en femme, en extraterrestre ou en Jedi. Dans le jeu, en revanche, l’être humain ouvre à sa vie des horizons sans fin. Interrogée par Le Monde au sujet de «Games of Thrones», Anne Besson ajoute : «Il y a sans doute un besoin de fuir le malaise contemporain, d’explorer d’autres mondes où tout semble possible.»

L’expansion infinie des univers fictionnels

Pour elle, le succès des mondes alternatifs vient donc en grande partie de ce qu’ils semblent reculer sans fin au fur et à mesure qu’on les explore : chaque joueur peut devenir le héros de cette aventure qui consiste à chercher dans les recoins d’une fiction virtuelle les zones cachées, les autres niveaux ou les dimensions parallèles qui se déploient autour d’elle en réseau. Tout alors semble possible, car rien n’est achevé.

L’attrait des jeux se trouve là, dans cette «incomplétude, moteur d’expansion de tous les univers fictionnels», qui nous invite à aller de l’avant… Le jeu propose «un horizon, qui toujours se maintiendra à distance – après lequel on pourra courir, sans risque pourtant de le rattraper jamais, puisqu’il n’existe pas mais nous le fait simplement croire : l’illusion volontaire et grisante qu’est le désir, sans (trop) de frustration ou de perte. Il y a une érotique indéniable de ce plein qui se donne et se refuse dans le même temps». Anne Besson cite au passage la célèbre théorie du danois Jesper Juul – ludologue et thérapeute familial – qui voit s’élaborer dans la pratique du jeu vidéo une «mystique des confins» qu’elle résume ainsi : on peut parler d’une mystique du jeu, dit-elle, «dans la mesure où celui-ci interdit sa propre exploration tout en la donnant comme horizon». Ainsi donc, la séduction du jeu viendrait de ce mouvement d’oscillation constant entre le fait de vouloir arriver «au bout» du jeu et le fait de savoir qu’il n’y a pas de bout. Un monde imaginaire ne possède par définition aucune fin. L’analyse d’Anne Besson ne va pas plus loin que cette rapide allusion à une mystique ludique. Elle s’arrête prudemment ici, au seuil de la question : quel lien unit le jeu et la croyance ?

En 1969, le psychanalyste Octave Mannoni dit que l’attitude de croyance – toujours mitigée – se constitue de façon dynamique dans l’incertitude. «Je sais bien, mais quand même…, dit-il, pour définir la croyance. Comme lui, les rôlistes disent : «Je sais bien que les elfes n’existent pas, mais quand même…». Ils incarnent des elfes. De même ceux qui jouent à la poupée : «Je sais bien que ce n’est pas la réalité, mais cette poupée a l’air de m’aimer.» De même ceux qui traversent un jardin en évitant de se faire toucher par les fougères : «Je sais bien que les fougères ne peuvent pas faire de mal, mais quand même…» Nous cultivons toujours la relation avec l’invisible comme une forme de jeu. Et c’est pourquoi nous jouons avec sérieux. Après tout, la foi n’a-t-elle pas le pouvoir de changer l’apparence des choses ?

«Toutes les activités humaines […] supposent un jeu existentiel sans lequel nul mouvement dialectique ne saurait opérer au sein de l’Être» (Jacques Henriot, Le jeu, Puf, 1969).

Du moment qu’on a envie d’y croire, l’image projetée par le désir n’a-t-elle pas autant de consistance, sinon plus à nos yeux, que la chose ou la personne qui sert de support à cette projection ? Tout jeu consiste à spéculer sur l’effet possible, dans le monde réel, de notre pouvoir d’imagination. Toute cérémonie religieuse fait appel au même pouvoir de la métaphore. «C’est du respect des règles que l’effet du rite est escompté», résume Roberte Hamayon (Jouer. Une étude anthropologique, 2012). Dans la plupart des religions, à travers le monde, il est bien plus important de «bien faire» (orthopraxie) que de «bien penser» (orthodoxie). Or le jeu, précisément, ne peut se jouer que dans le respect le plus strict de ses règles. Il s’agit de bien faire. Et c’est pourquoi les rôlistes – qui «font» comme s’ils étaient des créatures magiques – sont aussi sérieux que des prêtres accomplissant une cérémonie.

Le jeu engage une forme de foi

Sachant cela, il n’est guère étonnant de constater la peur que suscitent les jeux pour adultes en Occident. Dès le deuxième siècle de notre ère, les Pères de l’Eglise les condamnent, les méprisent, les déprécient et les associent tour à tour à l’enfance, à l’immaturité ou à la pathologie (Lire notre billet précédent La sexualité est-elle un jeu?). Il est vital pour eux que soit interdites toutes ces manifestations (danses, luttes, déguisements, simulations, spectacles…). Ils savent pertinemment que le jeu va au-delà de l’innocent loisir à quoi ils tentent de le réduire. Le jeu engage bien plus que le simple désir de «s’amuser». Le jeu engage une forme de foi. Si l’on y croit, le fait de lancer les dés peut certainement abolir le hasard. Si l’on y croit, lorsqu’on aura atteint le bout du jardin sans être touché par une seule fougère, la mort sera vaincue. Si l’on y croit, les fées existeront, peut-être. Il faut faire comme si, il faut le faire à plusieurs et avec ardeur. Il faut y mettre toute sa force, tout en sachant cependant, que les fées n’existent pas et que la mort est inévitable. Cette modalité de la croyance, purement formelle, ne s’offre à voir que comme performance. Or les Pères de l’Eglise ne veulent pas que les croyants performent. Au-delà du jeu, ce qu’ils veulent anéantir c’est le «comme si», le «faire semblant», intolérable à leurs yeux. Ils s’emploient donc à éliminer l’incertitude et l’aléa d’un monde désormais voué à l’univoque. Raison pour laquelle, tout en dénigrant le jeu (qu’ils relèguent au rang d’activité inutile, gratuite, frivole, désacralisée), ils s’en méfient autant que d’un culte concurrent. Ont-ils tort d’avoir peur ? Pas vraiment.

Ils ont beau avoir stigmatisé le jeu et l’avoir amputé de sa part de sacré, le jeu revient en force sur la scène occidentale. Pourquoi ? Parce que le jeu nous libère des dogmes, des vérités absolues et surtout de l’obligation de choisir un monde plutôt qu’un autre. «Le choix est un impératif ignoble» (Baudrillard, Les Stratégies fatales). Au monde unique, le jeu substitue ce que le Tobie Nathan (dans Médecins et Sorciers) appelle des «mondes à univers multiples». Jouer, c’est consciemment agir et exister dans une aire intermédiaire du réel à laquelle on donne forme afin de faire advenir quelque chose qui peut changer nos vies. Toujours, celui qui jette les dès espère que son vœu sera entendu. Le mouvement de va-et-vient entre la réalité et le simulacre met potentiellement en jeu des forces qui nous dépassent.

Savoir que l’on joue et oublier que l’on joue

La dynamique du joueur repose sur un mouvement d’alternance psychologique entre le fait de savoir que l’on joue et le fait d’oublier que l’on joue. Le joueur hésite sans cesse entre «être dans le jeu» et rester dehors. Jouer, c’est se situer dans l’entre-deux. La langue française donne d’ailleurs au mot «jeu» le double sens d’intervalle, d’espace intermédiaire. On dit qu’«il faut du jeu» à un piston, au gond d’une porte, à des rouages pour qu’une porte puisse s’ouvrir ou qu’un mécanisme puisse fonctionner. L’espace qui sépare les choses est l’espace qui rend tout possible. Il faut aussi du jeu (une marge de manœuvre) entre les sexes pour que la relation sexuelle ou la séduction puisse se déployer.

Le jeu, dans tous les sens du terme, est l’espace de la liberté. Il abolit les strictes distinctions mâle-femelle, animé-inanimé, humain-divin, etc. Il autorise le passage de l’un vers l’autre.

Klaus-Peter Köpping (dans The Games of God and Man, 1997) fait du mouvement perpétuel sa notion centrale : «Tel un pendule, le jeu crée un espace défini par le mouvement, où toutes les différences sont suspendues. De ce fait, le jeu est par essence «liminal» et potentiellement transgressif ; il ne peut y avoir d’orthodoxie dans le jeu».

Ce qui n’est pas sans rappeler cette «séduisante» théorie de Baudrillard : la séduction, dit-il, est le propre des religions occidentales d’avant le Christ. «La séduction est païenne, l’amour est chrétien.» La séduction ne respecte pas de la Loi, mais des règles. Elle relève non pas de la vérité mais de l’artifice. La séduction est réversible, mouvante, ambiguë, de l’ordre du mystère et du rite. Derrière son «jeu réglé des apparences» : rien d’autre que l’énigme (la mort). Aucune promesse de salut.

«Toujours la séduction veille à détruire l’ordre de Dieu […].

Pour toutes les orthodoxies elle continue d’être le maléfice et l’artifice, une magie noire de détournement de toutes les vérités, une exaltation des signes dans leur usage maléfique.

Tout discours est menacé par cette soudaine réversibilité ou absorption dans ses propres signes sans trace de sens.

C’est pourquoi toutes les disciplines, qui ont pour axiome la cohérence et la finalité de leur discours, ne peuvent que l’exorciser [la combattre].» La séduction est jeu. Elle ne renvoie à une aucune réalité absolue et définitive, mais au charme troublant d’une illusion à laquelle il serait tentant de succomber, «quand même».

A LIRE : Constellations. Des mondes fictionnels dans l’imaginaire contemporain, d’Anne Besson, éditions CNRS, 7 mai 2015. Réédition d’un ouvrage paru en 2004.

A LIRE EGALEMENT : Sous couleur de jouer. La métaphore ludique, de Jacques Henriot, Corti, 1989.

Half-Real: Video Games Between Real Rules and Fictional WorldsHalf-Real: Video Games Between Real Rules and Fictional Worlds, de Jesper Juul, Cambridge, MIT Press, 2005.

Jouer. Une approche anthropologique, de Roberte Hamayon, La Découverte, 2012.

The Games of God and Man, de Klaus-Peter Köpping, Lit Verlag, 1997.

Médecins et Sorciers, de Tobie Nathan et Isabelle Stenghers, La Découverte, 2012.

Les Stratégies fatales, Jean Baudrillard, Grasset, 1983.

mai 18, 2015

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10:08

La sexualité est-elle un jeu?

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En 1974, deux amis – Gigax et Arneson – inventent «Donjons et Dragons», le premier jeu de rôles, peuplé d’elfes sexy et de noirs magiciens… Aux Etats-Unis, le jeu provoque une levée de boucliers dans les milieux chrétiens qui l’accusent d’encourager le viol, la perversion sexuelle et le culte de Satan. Entre autres.

Le 15 août 1979, un jeune prodige de l’informatique, fan d’heroic fantasy et joueur de D&D – Dallas Egbert, 16 ans – disparaît pendant un mois. L’enquêteur chargé de le retrouver attribue sa disparition au fait que Dallas Egbert se soit pris au jeu qui consiste à explorer les souterrains de Blackmoor (1). Il suggère que l’adolescent s’est perdu dans le dédale des tunnels situés sous le campus, dédale qu’il utilise souvent comme décor pour chasser les dragons… L’enquêteur n’écarte cependant pas l’hypothèse d’un suicide, ni celle d’un viol suivi de meurtre. Tout le monde sait en effet que Dallas Egbert, qui vient de découvrir son homosexualité, traverse une période difficile. Par ailleurs, ses parents le harcèlent pour qu’il soit le meilleur en classe. L’adolescent se drogue (il est si fort en chimie qu’il crée ses propres molécules de synthèse). Pendant un mois, en l’absence de toute certitude, la presse s’empare des hypothèses les plus romanesques pour expliquer cette disparition. Le milieu des rôlistes, étiqueté par les médias comme une sorte de secte, est désigné coupable. «Dallas Egbert s’est pris pour un chevalier». «Dallas Egbert est mort d’avoir trop cru aux démons»… En réalité, Dallas a raté une tentative de suicide puis s’est réfugié chez une connaissance, bien décidé à punir ses parents en se faisant passer pour mort. Lorsqu’il refait surface, un mois plus tard, la crise semble passée. Il retourne à ses études puis… se tire une balle dans la tête à l’âge de 17 ans. Aux yeux du grand public, l’affaire est étroitement associée à la «menace» des jeux de rôles (2).

Faire interdire Donjons et Dragons

Une nouvelle tragédie renforce cette rumeur : en juin 1982, un jeune garçon – Irving Pulling, souffrant de dépressions chroniques – se suicide avec le révolver chargé que sa mère garde à la maison. Une fois de plus, les jeux de rôle sont stigmatisés. Mais l’affaire s’envenime. La mère, Patricia Pulling, se met en tête de faire interdire les D&D, coupables dit-elle, de promouvoir «la sorcellerie, le viol, le blasphème, la perversion sexuelle, l’homosexualité, la prostitution, le cannibalisme, le sadisme, la profanation, la nécromancie, la divination, la sorcellerie et l’invocation des démons»… entre autres (3). Elle accuse un des joueurs d’avoir «jeté un sort» sur son fils pendant une de leurs parties. Elle crée le groupe Bothered About Dungeons and Dragons (BADD : «Inquiet au sujet des Donjons et Dragons») et fanatise des milliers de personnes issues des mouvements fondamentalistes chrétiens et de la droite puritaine. Leur combat anti-jeu-de-rôle, – qui génère une véritable panique morale aux Etats-Unis –, prend les allures d’une guerre des religions. Et c’est bien de cela qu’il est question à mots couverts : les jeux de rôle s’inspirent trop d’univers païens. On soupçonne les «maîtres du jeu» de vouloir convertir les jeunes à des croyances barbares impliquant rituels satanistes et messes noires. Pulling publie d’ailleurs un livre intitulé «La Toile du diable» (The Devil’s Web) qui vise l’aspect occulte des jeux.

Tertullien (193 de l’ère chrétienne) contre les jeux

Ne vous y trompez pas, dit-elle. Ce sont bien plus que des jeux. Ce sont des outils de propagande au service d’une religion barbare, outils d’autant plus dangereux qu’ils séduisent des millions de jeunes en quête de divertissement. Sans le savoir (?), Patricia Pulling reprend les arguments que les Pères de l’église n’ont jamais cessé d’utiliser pour condamner les jeux. Il faut relire le livre de la chercheuse Roberte Hamayon («Jouer. Une approche anthropologique»), pour mesurer l’étonnante similitude des propos tenus par tous ces contempteurs. Cela commence dès le deuxième siècle de notre ère. Tertullien, Berbère de Carthage converti au christianisme en 193, ouvre le feu. Il publie un ouvrage intitulé «Le Traité sur les spectacles». C’est «la première des entreprises moralisatrices des Pères de l’Eglise à viser le thème du jeu.» Tertullien s’attaque d’abord à un jeu de sinistre mémoire, et pour cause : les jeux du cirque.

«Les anciens s’imaginaient que ces spectacles étaient un devoir rendu aux morts […] Autrefois en effet, dans la persuasion que le sang humain apaisait les âmes des morts, on égorgeait sur leurs tombeaux des captifs, ou des esclaves de mauvais aloi achetés dans ce but. On trouva convenable, dans la suite, de couvrir des voiles du plaisir cette exécrable impiété. […] C’est ainsi que l’on consolait la mort par l’homicide. Telle fut l’origine du devoir.».

Ainsi que Tertullien le révèle, les jeux du cirque n’ont donc rien à voir avec un spectacle gratuit. Il s’agit d’une cérémonie d’origine funéraire. Roberte Hamayon le souligne avec insistance : ces jeux qui relèvent d’un devoir rituel consistent à apaiser l’âme des morts par un don à la fois de sang et de joie. Assister aux jeux, dit-elle, c’est partager collectivement à l’offrande, à l’effervescence, à la libation sauvage. C’est convier les forces invisibles à partager ce bonheur, suscité, invoqué «en vue de renouveler les énergies vitales». La fête sanglante du cirque, bien sûr, ne survit pas au nouvel ordre moral. Les autorités chrétiennes n’admettent plus désormais que la célébration d’un seul sacrifice, celui de Jésus-Christ (4). Progressivement, «les manifestations dédiées aux dieux païens» sont donc interdites, ce qui implique l’abolition de «toutes les formes de jeu, corps à corps ou divertissements». Spectacles, luttes, danses, festins, sauts… Tout ce qui, dans les religions romaines, participe du «devoir» de réjouissance collectif fait l’objet d’attaques répétées.

L’empereur Théodose abolit tous les jeux

En 393, l’empereur Théodose émet un décret abolissant les jeux (y compris les jeux olympiques). Ce décret abouti à la fermeture progressive des stades puis, en 399, à la fermeture des écoles de gladiateurs. Comme par hasard, c’est sous le règne de Théodose que le christianisme devient la religion dominante : désormais toute manifestation officielle dédiée aux «idoles» est proscrite, les temples sont fermés et les statues de divinités païennes retirées ou détruites. Les représentations théâtrales tombent aussi sous le coup de cette répression. Les drames et les comédies doivent être abolis car – ainsi que l’explique Tertullien – Dieu défend toute espèce de simulacre : «l’auteur de la vérité n’aime pas ce qui est faux». Plus loin, comparant le théâtre au culte de Venus, il dit : «la pantomime emprunte tout à la femme», par allusion au fait que la femme soit naturellement une menteuse, voire une simulatrice. Les jeux trompent les humains en contrefaisant l’œuvre divine. Ce sont des simulacres qui détournent l’homme de la vérité. Pire : ils procurent du plaisir.

«Mais là où il y a plaisir, il y a passion ; autrement le plaisir serait insipide. Là où il y a passion, arrive aussi la jalousie ; autrement la passion serait insipide. Or la jalousie traîne avec elle la fureur, la vengeance, la colère, la douleur et tout le cortège des passions incompatibles avec la règle.»

Faut-il s’en étonner ? Les manifestations populaires au cours desquelles on danse ou saute paraissent aussi terriblement suspectes aux yeux des Pères de l’Eglise. Elles ressemblent trop à des transes. Basile de Césarée (329-379), s’emporte : «Vous remuez les pieds, vous sautez comme des insensés, vous vous permettez des danses peu honnêtes, lorsque vous devriez fléchir les genoux pour adorer le Seigneur.» Jean Chrysostome (349-379) condamne à sa suite «les postures des mimes et des danseuses» disloquant leur «corps par mille contorsions», dont on devine bien – à le lire – qu’il réprouve la nature profondément religieuse. Ce qu’il décrit, ce sont les danses de possession, au cours desquelles l’humain imitant des animaux ou des créatures imaginaires se laisse envahir par les forces qui le dépassent. Scandale. Scandale également que ces rires et ces émotions suscitées par le jeu. «Le monde, dit-il, n’est pas un théâtre fait pour rire. […] Ce n’est pas Dieu qui nous donne l’occasion de jouer, mais le diable». Au XIIIe siècle, pour éviter les courses folles et les mouvements débridés, l’évêque Guillaume Durand «encouragera les processions, genre liturgique où l’on marche juste un pied devant l’autre, sagement».

Pour l’église les jeux c’est pour les enfants

Il s’agit de domestiquer les humains. L’entreprise de dressage mental passe par celui des corps, désormais contraints aux postures «honnêtes» de la solennité. Pendant douze siècles, les contempteurs du jeu ne cessent de vouloir interdire, – quoique en vain –, tout ce qui rappelle la foi ancienne. Au sein même de l’Eglise, d’innombrables prêtres, moines et nonnes ne cessent d’enfreindre les interdits : des Mystères sont représentés devant les cathédrales, des carnavals grotesques concurrencent les processions, des mystiques font danser leurs émules sur le battement hypnotique d’un tambourin… L’Eglise a les pires peines du monde à lutter contre le jeu et n’y parvient que lorsque le protestantisme se développe au XVIe siècle. A la faveur de ce schisme, brusquement, les masques et les tréteaux disparaissent des parvis. Les chants lubriques et à boire des goliards sont proscrits. Fini de rire. Fini de jouer. Seuls les enfants ont encore le droit de jouer, et encore. Jouer devient la marque d’une nature frivole, immature, vicieuse. Un adulte ne saurait sans déchoir jouer comme une petite fille à faire «comme si» il était quelqu’un d’autre. On le soupçonne d’être pervers, morbide ou déviant.

Dans son livre, l’anthropologue Roberte Hamayon pousse plus loin encore son analyse. Afin de priver le jeu de son contenu liturgique et de sa puissance opérative, dit-elle, l’Eglise non seulement infantilise les jeux mais les dissocie et en professionnalise certains aspects. La danse et le théâtre, par exemple, sont relégués du côté des «arts». De créateurs, les musiciens virent exécutants. Ils «jouent» d’un instrument, sans plus. De même, les activités corporelles dérivées de la lutte – transformées en «sport» – deviennent de simples techniques. Les guerriers laissent place aux soldats, chargés d’exécuter les ordres, si possible sans réfléchir. L’invention des catégories «arts» et «sports» participe de cette castration organisée du monde occidental. Ce qui, autrefois, était une forme d’échange avec les puissances invisibles ou avec les âmes des morts, se voit relégué au rang de loisir, de métier ou de «hobby». Que reste-t-il ? Des devoirs de réjouissance païens, nous n’avons gardé que les multiples formes de jeux voués à n’être que des occupations infantiles, non-productives, gratuites et méprisées (5). Certainement, il est possible de faire le lien avec cette vision tronquée, réductrice, stupidement «hédoniste» que notre société donne de la sexualité. La sexualité elle aussi, qui permettait – comme le jeu – d’entrer en contact avec des forces surnaturelles, a été domestiquée, désacralisée, vidée de son sens et ravalée au rang d’amusement hygiénique. Pourquoi ? De quoi veut-on nous protéger ? Faut-il avoir peur des jeux ?

La suite au prochain numéro : un article sur «la religion du Jedi».

A LIRE : Jouer. Une approche anthropologique, de Roberte Hamayon, La Découverte. 2012.

NOTES

(1) Le scénario de D&D (acronyme de Donjons et Dragons) repose sur l’exploration d’un labyrinthe situé dans le royaume imaginaire de Blackmoor. Il s’agit de lancer des sorts, affronter des monstres et trouver des trésors à l’aide de dés à huit, dix ou 20 faces. («Avec deux dés classiques, à six faces, les probabilités d’obtenir un 2 et un 12 sont plus rares (une chance sur douze) que celles d’avoir un 6, 7 ou 8. Un dé à vingt faces rééquilibre la situation, chaque nombre ayant la même probabilité de sortir (5%). Source : Slate)

(2) Un film, »Maze and monsters«, avec Tom Hanks, réalisé par Steven Hilliard Stern (d’après le roman de Rona Jaffe), met en scène un roliste qui finit par confondre le jeu avec la réalité. Le scénario insiste sur le danger de ces jeux de rôles capables de faire basculer des garçons sains d’esprit dans la folie suicidaire. On ne joue pas impunément à être un chasseur de dragon !

(3) «A fantasy role-playing game which uses demonology, witchcraft, voodoo, murder, rape, blasphemy, suicide, assassination, insanity, sex perversion, homosexuality, prostitution, satanic type rituals, gambling, barbarism, cannibalism, sadism, desecration, demon summoning, necromantics, divination and other teachings.» (Source : extrait d’un texte rédigé par Patricia Pulling, cité dans un article publié sur le site de la BBC)

(4) Tertullien le souligne lui-même : «Vous faut-il du sang ? Celui de Jésus-Christ coule sous vos yeux.» (Le Traité des spectacles, XXXIX)

(5) Même Roger Caillois (dans Les jeux et les hommes, aux éditions Gallimard, 1958) reprend à son compte cette définition du jeu comme occupation «improductive». C’est dire si l’Eglise a fait du bon travail. Nous restons persuadés que le jeu n’a rien d’utile et qu’il ne peut pas modifier nos existences, ni influencer le réel.

mai 13, 2015

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12:30

La poésie féminine existe-t-elle ?

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On ne demande jamais à un écrivain ce que ça fait d’être un homme qui écrit. A une femme on le demande encore. Elle est donc obligée de s’en défendre. Dans une anthologie de la poésie féminine, sept poètes expliquent pourquoi elles ont accepté d’y figurer, tout en étant contre…

Le 1er avril 2015, pour lancer leur nouvelle collection consacrée à la poésie, les Éditions Le Bateau Ivre choisissent de «laisser les hommes sur le rivage pour consacrer leur premier ouvrage à la poésie féminine. Un concept qui peut paraître discutable, mais une réalité incontestable, si l’on regarde les programmes des festivals de poésie ou les publications collectives, où les hommes continuent d’occuper généreusement le haut du pavé.» C’est un homme, Guilhem Favre, qui se charge de trouver les poètes femmes de cette anthologie intitulée «Muse toi-même ! Anthologie arbitraire de la poésie féminine du XXIe siècle». La démarche de Guilhem Fabre présente ceci d’intéressant qu’il a parfaitement conscience de l’aspect outrageusement réducteur du projet. Il rassemble donc sept poètes et leur demande à chacune ce qu’elles pensent de la «poésie féminine». L’idée est excellente. Les sept poètes en pensent toutes du mal. Elles le disent avec des mots réjouissants qui servent de préface à leurs poèmes. En voici quelques extraits.

EMMANUEL K.

«Poésie féminine !? Comment cela peut-il faire sens ? Tout acte créatif est un acte érotique et Éros n’a pas de genre, il les a tous. Il n’y a pas de poésie masculine que je sache ? Je suis femme et j’écris. Mon sexe n’est qu’une des mille composantes qui font que ma poésie naît. Aussi n’ai-je accepté de figurer dans cette anthologie qu’à la condition de pouvoir questionner la notion même de poésie féminine, aussi étrange à concevoir que le mot poétesse à entendre ! Face à la puissance de l’expérience poétique, l’idée d’une catégorie poésie féminine me hérisse. Je ne m’y retrouve pas.»

Emmanuel K. se rebelle contre cette étiquette de femme qu’elle juge «passéiste» et «enfermante». Il s’agit d’une forme larvée de sexisme, qui s’inscrit dans la logique de la répression qui a frappé les femmes pendant des siècles. «C’est l’évidence : l’histoire politique et sociale des femmes celle de l’ignorance et de la servitude, du mépris et de la discrimination, au pire, de l’enfermement. Elle est lourde et longue et court toujours. Les femmes comme catégorie, une notion directement issue de cette histoire. […] C’est pour cela que nous autres filles refusons (parfois farouchement) d’être réduites à cette féminité-là. Par nécessité de résistance à cette histoire-là, à cet ostracisme-là, par refus d’être ou d’avoir été considérées comme des sous-êtres : civilement irresponsables, enjeux de guerre, de possession, d’honneur (???), de puissance sociale, chasses gardées des familles, monnaie d’échange».

CLAUDIE LENZI

«Je suis une poète, et la poésie que je défends n’a pas de sexe. C’est une poésie de l’individu. Sur ce qu’il dit au présent et de ce qu’il vit dans un temps donné, qu’il soit homme ou femme. Or, il se trouve que je suis une femme. Mais ça, c’est un pur hasard de la génétique… D’autant que dans chaque femme il y a une part d’homme qui sommeille. Et inversement.»

NADINE AGOSTINI :

«Quand j’écris «et vient boire à mon ventre comme aspirer le ciel», ça n’a pas de sexe.»

Il existe un préjugé courant qui dit que les femmes écrivent plus dans l’intime, à partir de leur corps, ou comme disait Cixous, avec «l’encre blanche» de leur lait… Dans les années 1975-1985, l’idée de l’écriture féminine est à la mode. Mais beaucoup de chercheurs (ses) critiquent ce concept. Monique Wittig notamment, y voit une manière pernicieuse d’enfermer encore et toujours la femme dans le ghetto naturalisant. L’étiquette «féminine», c’est celle de la différence, dit-elle. La différence repose sur l’idée que l’homme créé à partir de sa raison et que la femme secrète naturellement des fluides… Il serait temps d’en finir avec les stéréotypes ressassés d’une écriture privilégiant la description des sentiments ou de la nature. Raison peut-être pour laquelle Nadine Agostini – qui pose volontiers en Aphrodite (dans la version de Botticelli) – écrit par ailleurs des poèmes qui disent : «Tu ne peux pas savoir ce qu’il y a dans ma tête ce que j’ai fait entrer dans ma tête tu ne peux pas savoir ce qui est entré dans ma tête avec ma permission ou tout seul tu ne peux pas savoir tu ne peux pas savoir comment je pense tant que tu n’as pas dans ta tête ce qu’il y a dans la mienne tu ne peux rien savoir».

PAULINE CATHERINOT

«La poésie n’a pas de sexe. Je ne conçois pas la poésie comme un enfermement mais comme une ouverture. L’envie de parler, d’aller vers l’autre. Qu’il soit un homme ou une femme. Je suis contre le fait qu’une poésie écrite par les femmes soit une littérature de femme et pour les femmes. Contre le fait que l’on nous offre des espaces parce que nous sommes des femmes.»

ANNE-MARIE JEANJEAN

A l’instar de Virgina Woolf qui disait «Il est beaucoup plus important d’être soi-même que quoi que ce soit», Anne-Marie Jeanjean pose la question : «Ne cherchons nous pas toutes et tous - sans forcément y parvenir - une «parole singulière?».

«Que dans cette recherche qui tourne autour de l’identité profonde, - même lorsque c’est très masqué, dissimulé ou nié - il se trouve dans cet acharnement à travailler la langue, consciemment ou inconsciemment, nombre d’éléments ayant trait au statut de qui écrit… sans doute.» Mais, ainsi qu’elle l’ajoute : le prénom devrait suffire à qualifier une personne.

«Ici (en cette douce France) Peut-on être poète ? […] Souventefois lorsque l’on me présente il est ajouté : «poète-femme «. Tiens-tiens… mon prénom ne suffit donc pas ? Certains même se risquent, croyant me plaire, à dire po-é-tesse… ce mot qui rime si bien avec pécheresse, emmerderesse, ou pis encore. Lorsqu’ UN poète est invité doit-on préciser : poète-homme poète-mec poète-mâle poète-costaud poète-malabar-fort-des-halles. UNE poète c’est tellement difficile à formuler pour les gosiers d’ICI»

ALICE POPIEUL

««L’avion, l’avion, l’avion, ça fait monter les yeux. La femme, la femme, la femme, ça fait monter la queue. «, qu’on dit chez moi, sur l’air d’une fanfare militaire qui a oublié qu’il faudrait mourir».

EDITH AZAM

«Il n’est pas plus d’écriture féminine, que de chasse masculine etc. à la limite oui, il est quelque part sur terre, une limace poétique. […] Mais de quoi parle-t-on? Sans doute pas du taux de testostérone ou progestérone dans le sang. Le texte à lui tout seul fait sexe, au sens où le lecteur le pénètre autant qu’il le reçoit, et ce, indépendamment de son auteur, n’en déplaisent aux narcissiques patenté(e)s, baiseurzébaiseuses chroniques, incorrigibles libidineux-zéneuses, qu’ils soient auteurs, lecteurs, critiques ou autres. Et pour finir et pour faire simple, les mythes, comme les anges, n’ont pas de sexe. Homme ? Femme ? Mais de quoi on se mêle ?».

A LIRE : «Muse toi-même ! Anthologie arbitraire de la poésie féminine du XXIe siècle», textes choisis par Guilhem Fabre, éditions du Bateau Ivre.

ILLUSTRATION : Photo et shibari de Philippe Boxis. Cette image est extraite du guide : «Shibari. L’atelier des cordes de Philippe Boxis» aux éditions Tabou.

mai 11, 2015

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22:47

Versailles : Le château de la «petite Sodome»

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D’un pavillon de chasse, le jeune Louis XIV fait une garçonnière pour y abriter ses premières amours avec la timide Louise de La Vallière, déflorée à 17 ans. Un ouvrage érudit retrace l’histoire de ce château, prétexte à parler des mœurs étonnantes du «Grand Siècle»… et de l’initiation du future Roi-soleil par une «vieille pute».

«Versailles fut, pour commencer, la garçonnière lointaine et faussement discrète du jeune Louis XIV, âgé de 23 ans. Un lieu de plaisirs et de libertinage à moins de vingt kilomètres de Paris. Un lieu pas forcément de vraies débauches mais de vraie liberté.»

«D’où d’ailleurs la fureur de Colbert quand il vit le jeune roi transformer son lieu de plaisir en centre du pouvoir politique. Colbert, si froid qu’on le baptisa «le Nord» d’après Mme de Sévigné, Colbert, le ministre austère vêtu de noir, Colbert, le rigoureux comptable des deniers du royaume, ne voulait pas que son souverain passe à la postérité pour avoir aménagé le lupanar «de ses jeunes années».

Dans un ouvrage intitulé Une Histoire érotique de Versailles – publié le 6 mai chez Payot-Rivages –, Michel Vergé-Franceschi (professeur d’histoire moderne à l’Université de Tours, spécialiste de l’Ancien Régime) et Anna Moretti (docteur en esthétique de l’Université de Corse, spécialiste de la féminité en littérature) retracent par le menu la vie sexuelle et amoureuse des monarques qui se succédèrent entre les alcôves accueillantes des appartements de Le Brun ou dans les bosquets propices des jardins de Le Nôtre… C’est l’occasion d’apprendre d’où vient la chanson «Auprès de ma blonde», entre mille anecdotes mêlant le masque de fer, les journaux intimes des dames de la Cour et les histoires de filles qui sortent glorieusement du ruisseau… le temps d’un bal.

Tout commence de façon austère : Louis XIII, «fort peu porté sur les femmes, pas plus que sur les hommes d’ailleurs» se fait bâtir un pavillon de chasse dans un coin de campagne giboyeuse. C’est un manoir champêtre si «chétif» qu’«un simple gentilhomme» ne pourrait en tirer «vanité». «Versailles est né sans «chambre de la reine «! Versailles est un rendez-vous de chasse purement masculin ! «Un grand nombre de femmes me gâterait tout «, déclarait Louis XIII.» Néanmoins, il y invite Anne d’Autriche sa femme en novembre 1626. «Mais il ne garda pas la reine à coucher malgré ses 25 ans…». Il ne s’intéresse pas au sexe. Il s’y intéresse si peu que lors de sa nuit de noce, il mange comme un ogre – sans tenir compte des conseils qu’on lui donne – puis marque sur son journal «rien» au lendemain de sa première nuit conjugale. Marié en 1615, il ne devient le père de Louis XIV qu’en 1638… Anne d’Autriche, la Reine mère, craint pour son fils la même inappétence. Elle désigne une «professionnelle» de 38 ans pour initier le jeune Louis aux plaisirs de la chair. Il n’a alors que 14 ans.

Cette «vieille pute», ainsi que le disent Michel Vergé-Franceschi et Anna Moretti, est «connue dans l’Histoire sous le nom de «Cateau la Borgnesse». Son vrai nom est Catherine-Henriette Bellier. Fille d’un marchand d’étoffes, elle est devenue la femme de chambre préférée d’Anne d’Autriche. Comment ? Pourquoi ? Les auteurs du livre hésitent. Cateau est très habile dans l’art de pratiquer le lavement anal : «elle excelle en effet dans l’introduction des clystères, alors fort prisés.» Par ailleurs, Cateau jouit «d’un atout : sa lubricité, doublée de la complaisance d’un mari peu jaloux. Ce dernier, Pierre Beauvais, lui-même marchand de rubans à Paris, est suffisamment fier d’être l’époux de la servante-confidente préférée de la Reine pour accepter les écarts de celle-ci.» Cateau, disent-ils est une «sorte d’infirmière diplômée à la cuisse hospitalière». C’est donc cette femme qui est chargée de déniaiser Louis XIV.

«Elle s’y emploie avec délectation et finit par atteindre son but – enfin ! – pour ses 16 ans, d’où deux mille livres de pension, l’octroi d’un château et une foule d’autres privilège». Louis dépucelé, Pierre Beauvais voit ses terres érigées en baronnie et, de modeste marchand de mode, le voilà promu «conseiller du roi». Quant à sa femme, elle devient, sous le nom de «baronne de Beauvais», une femme que Louis protégera jusqu’à sa mort, survenue à 76 ans, en 1689, preuve qu’elle l’avait bien initié et que ce premier souvenir sexuel lui était plutôt agréable… «Il faut dire que Cateau était femme de grande expérience, si l’on en croit Saint-Simon qui la définit ainsi : «Créature de beaucoup d’esprit, d’une grande intrigue, fort audacieuse, qui eut le grappin sur la Reine mère, et qui était plus que galante. Habituée aux «grands», Cateau – pourtant fort laide et borgne si l’on en croit le mascaron féminin de l’hôtel de Beauvais qui la représenterait édentée et aux lèvres négroïdes – était une femme experte, couverte d’amants parmi lesquels Mgr l’archevêque de Sens».

Si vous voulez savoir la suite… il faut lire le livre.

A LIRE : Une histoire érotique de Versailles, de Michel Vergé-Franceschi et Anna Moretti. Paru le 6 mai chez Payot-Rivages.

ILLUSTRATION : Nathalie Shau.

mai 04, 2015

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23:03

Quelle est la différence entre une femme et un poisson ?

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Au Japon, quand un pêcheur a attrapé un gros poisson, il garde une trace de son exploit sous la forme d’un gyotaku («empreinte de poisson»). Il recouvre son trophée d’encre et y tamponne une feuille de papier afin d’en immortaliser les dimensions. L’équivalent amoureux du gyotaku se dit mantaku («empreinte de vulve») ou shintaku («empreinte de pénis»).

Spécialisée dans le design nippon, la galerie Vanessa Rau, située aux puces de Saint-Ouen, à Paris, met actuellement en vente un gyotaku de «pagre tête noire» (1). Gyotaku (魚拓) – littéralement «impression de poisson» (2) – se dit «ichtyogramme» en français. L’oeuvre est signée d’un sceau au cinabre qui consacre sa valeur : telle une calligraphie, l’empreinte de poisson fait partie des arts populaires au Japon. Il se pourrait que cette forme d’art tire son origine des relevés d’empreintes de stèles bouddhiques, technique d’origine chinoise dont un des plus anciens exemples répertorié serait un Sûtra du Diamant datant de l’an 868 après Jésus-Christ… Il est impossible bien sûr d’établir une filiation directe entre les empreintes de stèles et celles de poissons, mais très séduisant d’imaginer que les pêcheurs aient désiré fixer leur mémoire comme s’il y avait un lien entre la lecture d’un texte et la célébration d’une belle prise. Certaines choses, fuyantes, laissent des impressions qui disparaissent trop vite. C’est comme si elles n’avaient jamais existé.

Au Japon, (s’il faut en croire Wikipedia) les deux exemplaires les plus anciens de gyotaku que l’on connaisse dateraient de 1862. L’un reproduit une daurade royale, l’autre une daurade grise, symboles du bonheur. Dans les années 70, des producteurs de revues érotiques s’amusent à détourner cette technique d’impression inversée. Alors que la censure fait rage et que les parties génitales – noircies, grattées ou recouvertes de mosaïques – sont systématiquement éliminées des magazines pornographiques, ces éditeurs ont l’idée ingénieuse de publier des mantaku («empreintes de vulve») pour contourner l’interdit. A côté des photos caviardées de femmes nues, ils publient l’image en négatif de ce que les lecteurs n’ont pas le droit de voir. Parallèlement, dans le milieu de la prostitution, l’empreinte génitale se développe sous la forme d’options payantes (3). Si le client désire garder une trace de la femme qu’il a possédée, moyennant un petit supplément, il peut enduire son entre-jambe d’encre et y presser une feuille qu’il emporte en souvenir. Empreintes poétiques, les mantaku font beaucoup penser à des tâches de Rorschach. Elles ressemblent à des papillons noirs ou à d’étranges silhouettes d’oiseaux aux ailes dissymétriques.

La censure étant toujours de mise au Japon, certaines publicités pour des reproductions réalistes de vagin s’accompagnent d’un gyotaku, par clin d’oeil à l’idée de la transgression : il est toujours plus vendeur de signifier qu’un produit relève de l’interdit. Ci-dessous, une image scannée dans le catalogue de sex-toys «Dr Goods» de la firme Hokuto Partners. Date : 2007. Le produit est un ersatz de vagin en élasthanne, vendu en deux versions : à gauche Yuri (ゆり), à droite Riho (りほ). Cet ersatz de vagin est livré dans une boîte qui contient, en plus produit : un mantaku (マン拓) et une empreinte de bouche réalisée au rouge à lèvre.

La grande vulve saisie directement grandeur nature !! (Gensun dai o-manko chokutori !! 原寸大おまんこ直採り！！)

1 Le jus de vulve pris à la source. (1. Genba de saishu shita manjû. １現場で採取したマン汁)

2 Un poster d’empreinte de vulve. (2. Mantaku pôsutâ. 2マン拓ポースター).

3 Un ona hole moulé sur une vulve grande ouverte. (3. Pakkuri mantaku hôru. ３ぱっくりマン拓ホール).

Les photo qui montrent les modèles s’asseoir sur une feuille de papier pour réaliser leur empreinte de sexe sont légendées : «bien aplatie» (pettan, ぺったん). Pettan est une onomatopée qui désigne le fait d’écraser ses parties génitales sur une surface à laquelle les chairs se mettent à coller. Pettan désigne aussi le «splosh» d’une crêpe molle et collante qui tombe par terre et fait ventouse. Le mot Pettan désigne également tout ce qui est désespérément plat : les poitrines de certaines filles, par exemple.

Les deux photos du dessous montrent Yuri et Riho imprimer leurs lèvres sur le papier, juste sous l’empreinte de vulve, en guise de signature buccale. La légende est : «bizz» (chu, ちゅ). L’équation posée entre les lèvres du haut et les lèvres du bas fait donc du visage de la femme l’équivalent d’une offrande.

A gauche, le verso du poster : une empreinte de poisson (gyotaku, 魚拓). A droite, le recto du poster : une empreinte de vulve. Le gyotaku joue le rôle d’oeuvre d’art en trompe l’oeil : «A l’envers, une empreinte de poisson fait office de camouflage» (Nanto uramen ha kamofura yô gyotaku, なんと裏面はカモフラ用魚拓). L’image en négatif renvoie ici à toute poétique de l’envers et de l’endroit, des lèvres du haut (dont la taille correspond, dit-on, à celle du vagin) qui restent closes et des lèvres du bas, largement écartées en signe de bienvenue…

NOTES

(1) «chinu ちぬ en japonais - acanthopagrus schlegelii en scientifique», précise Vanessa Rau

(2) «Généralement sur les gyotaku, le nom du poisson est écrit car on garde l’empreinte du poisson quand c’est une prise un peu exceptionnelle (taille du poisson ou rareté de l’espèce). Ici ce n’est pas le cas. L’œuvre n’a pas de nom. Je la titre simplement Gyotaku - 1988. Souvent, sur un gyotaku, on inscrit : le nom du poisson, sa taille, son poids, le lieu et la date de la prise. Ici, seul le sceau de l’artiste (Takayama) est inscrit. Cette œuvre est en vente à 380€. Les prix sont très variables selon la qualité, l’artiste, l’époque ; et peuvent vite monter. En effet, les gyotaku ne se trouvent pas facilement. C’est un souvenir personnel ou familial, donc on ne les vend pas. Après une demande de gyotaku de la part d’un client, j’ai mis une année à trouver une belle pièce. J’avais demandé à mes contacts japonais, et ils étaient tous très surpris de ma requête. Un brocanteur m’a même dit que j’aurais plus vite fait de le faire moi-même !» (La galieriste Vanessa Rau. Entretien par email, 24 avril 2015)

(3) L’histoire des empreintes reste à faire. «A l’époque Edo, il est d’usage que les lutteurs de sumo laissent une trace apposée de leur main (tegata) en guise d’autographe. Elle est réalisée à l’encre rouge quand les lutteurs ont atteint un certain niveau. Une autre coutume (relativement) ancienne, propre au milieu du théâtre kabuki, c’est l’empreinte de visage (oshiguma) : à la fin d’une représentation, pour remercier leurs fans, certaines stars pressent contre leur visage une pièce de soie ou de papier qui imprime leur maquillage et qu’ils offrent en souvenir. Le plus ancien oshiguma répertorié est celui d’Ichikawa Danjuro VIII, qui se tua de façon spectaculaire à l’âge de 32 ans par seppuku. L’empreinte macabre de son visage remonterait à 1849, soit cinq ans avant son suicide. Mais les spécialistes estiment que les premiers oshiguma datent des années 1830. Quant aux empreintes génitales… aucun historien ne s’est encore penché sur l’origine de ces curieuses signatures corporelles.» Dans les années 2000, une firme lance des empreintes de tétons de pornstars. Pour plus de renseignements : Les Objets du désir au Japon (Glénat).

ADRESSE : galerie Vanessa Rau, Puces de Paris - Saint-Ouen Marché Serpette Allée 3 Stand 11 110, rue des Rosiers 93400 Saint Ouen Tél : 07.86.51.97.62. Email : contact@galerievanessarau.com

POUR EN SAVOIR PLUS : le Facebook Poisson de Groix ; le catalogue (aux éditions Coop Breizh) de l’exposition «Gyotaku, l’âme des poissons» qui a eu lieu à Concarneau en 2012. Il y a également eu une exposition à Paris en 2013, avec la publication d’un catalogue chez Payot : «Gyotaku, empreintes de la mer».

22:53

L’homme qui l’avait en or

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Il y a des femmes ou des hommes qui pèsent 50 kilos, dont 10 kilos d’or réparti en bracelets, chaînes, dents et croix de la Vierge… Ces gens-là n’ont rien d’autre que leur corps. Démunis de tout, mais couverts d’or. Rêvant d’avoir de l’or jusque sur leurs organes intimes, dans une sorte de défi lancé à la misère.

Il travaille au rayon légumes d’un supermarché. Un jour, un collègue magasinier lui fait découvrir la poésie. Alors, Washington Cucurto se met à écrire des poèmes sur ses aventures. Un jour, dit-il, ma petite copine Idalina a voulu que je devienne le dieu maïs.

«Elle m’a tellement bassiné, Idalina, avec cette histoire. “C’est que tu as une […] idéale pour être recouverte d’or. Ni trop grande ni trop petite, mais extrêmement grosse, avec le gland comme une pomme. Allez ! On la fait en or ! Inventons l’affaire du Siècle : l’homme à la […] en or, séducteur de mulâtresses dominicaines. On pourrait même en faire une émission de télé. Je connais l’homme qui peut réaliser ce travail.“»

«Les Aventures du dieu maïs» commencent. C’est une auto-biographie (tout juste publiée aux éditions Le Nouvel Attila) en forme de poème héroïque, dans la lignée des récits d’initiation.

«Elle me bassinait toujours quand elle l’avait en elle. “Cúcu, cúcu… change-la en or, ah ah, change-la en or. Comme ça, tu pourras quitter cette horrible baraque et ce supermarché, et moi je quitterai la rue.“ »

A force d’insistance, Idalina obtient gain de cause. Washington Cucurto ne sait pas précisément ce qu’elle veut. Mais dit Oui…

«Le lendemain, Idalina, ma copine dominicaine, s’est levée du lit d’un bond. Elle a embrassé le bout de ma queue, comme tous les jours. Elle s’est signée face au Vénéré Boudin Noir. – Bonjour, mon Roi. Je vais chercher de l’or au Paraguay».

Comment résister à l’amour que les créatures les plus démunies vouent à l’or ? Autrefois les indiens faisaient des sacrifices humains au soleil. Fils d’indien, vivant en Argentine, Washington Cucurto dresse le portrait de toutes les personnes qu’il a croisées dans les conventillo (maisons communes pour les immigrants) et qui partagent cette fascination pour la couleur dorée de leurs rêves.

«L’or péruvien brille beaucoup. Si tu as la peau brune, tu le portes et tu as l’air d’un taxi, tu jettes des éclairs dans le métro et dans les rues du quartier. Tu peux pas sortir de la ville parce qu’à tous les coups tu te fais enlever. En plus, il est de très mauvaise qualité et il te laisse des taches vertes sur la peau. On dit que l’or péruvien attire les Noirs ; quand tu te laves et qu’il entre en contact avec l’eau, il libère une odeur qui excite les métisses. C’est pour ça que ce genre de métal est aussi apprécié par le monde gay de la nuit».

Ses mots coulent comme du sang et font traverser sous la forme de flashs étonnants ces ghettos de l’Amérique latine où se côtoient les filles perdues et les garçons magasiniers, tous clinquants, à la parade.

«L’or bolivien est le plus léger : on l’utilise pour des chaînettes et des petits bracelets, il porte chance, il contient un bon mélange de cuivre ce qui lui donne un éclat magnifique. En plus on dit qu’il attire les fées de la nuit. Les putes et les petites provinciales qui dansent dans les bals. Si par une nuit d’automne tu te balades dans Constitución avec une chaîne autour du cou, tu seras comme un fils du Président tout juste descendu du Paraguay. Ce sera toi le Roi de la Cumbia […] parce que la cumbia naît des sons produits par le frottement de ce métal. Tu vois, il y a encore un monde qui vit à l’Âge du Métal ! Et ce monde, c’est le nôtre».

L’auteur de ce livre d’amour éperdu, enfiévré, parle à la première personne. Il mélange le vrai et le faux, si habilement qu’il semble tout à fait plausible qu’il soit un jour allé chez le bijoutier de la 123 rue Libertad, pour se faire transformer en dieu maïs. Pourquoi pas ? Son récit raconte qu’à cette adresse, se trouve l’enseigne de la «Maison Roi-Soleil». C’était trois jours avant la Célébration du dieu maïs, dit-il. La bijouterie était tenue par un gay. Il a été endormi pour l’opération et quand il s’est réveillé… Entre les cuisses, «j’avais une brillante fulgurance d’or bolivien», d’une valeur de 45 000 dollars. Soit 6 mois de travail pour Idalina.

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Quand la célébration du dieu maïs commence… Toutes les femmes viennent s’offrir à lui dans l’espoir que le dieu maïs les exauce. Elles mettent de l’argent dans ses poches avant de repartir et aucune d’entre elle ne voit ses voeux se réaliser. La vie est dure. Washington Cucurto le sait bien.

«Les heures de ma jeunesse ont toutes été gratos. Qu’est-ce que je pouvais y faire ? Je suis tombé en plein boom du néolibéralisme et je n’ai pas eu d’autre choix que de remplir une demande d’emploi dans une de ces agences d’intérim, ou de travail temporaire, comme ils appelaient ça à l’époque. Les mots “temporaire“ et “superpromo“ circulaient, je me souviens qu’on appelait plein de jolies filles “Superpromo“. Nous étions tous de la marchandise. […] Combien d’heures gratos de mes 17, 18, 19 ans ; des dimanches et des jours fériés et des week-end de Pâques à travailler à fond, à donner des heures au nom d’une promotion d’employés, au nom d’une croissance de l’entreprise qu’on ne voyait jamais. Qu’est-ce que je pouvais y faire !».

Son récit bifurque. Il parle des rayons de légume dont il est si fier de s’occuper et des laitues sur lesquelles il écrit des poèmes avec la pointe d’une carotte. Les clientes qui achètent leur salade pour mincir savent-elles qu’elles mangent bien plus que des feuilles vertes dopées à la vitamine A double dose pour le bronzage ? En réalité, ce qu’elles mangent est une «Laitue Pièce Maîtresse de la Poésie», couverte de cryptogrammes, «phrases inintelligibles pour le monde», qui recèlent le «secret merveilleux»…

«Les Aventures du dieu maïs» se lisent comme une sublime déclaration de sexe. Elles sont signées du nom d’auteur Washington Cucurto. «Son vrai nom est Santiago Vega, explique la traductrice, Adrienne Orssaud. Il est né dans la région de Buenos Aires, mais pas dans la capitale, ce qui est important pour lui, parce que Buenos Aires est assez européanisée, alors que la province reste plus “américaine“ et métisse, et c’est là l’Argentine qu’il revendique. Dans ses textes, il cherche à représenter une partie de la population et certains quartiers qui ne sont jamais ou très rarement présents dans la littérature argentine, alors qu’ils sont au centre de la réalité argentine. Ce qu’il faut savoir c’est qu’en Argentine tous ceux qui ne sont pas blancs sont «noirs», y compris les indiens… une certaine négation des origines du pays…

«Cucurto vient d’une famille modeste, il a fait beaucoup de petits boulots. Il a entre autres travaillé dans des supermarchés, et il semble que ce soit un collègue de supermarché qui lui ait fait découvrir la poésie. Il a créé une maison d’édition il y a une quinzaine d’années, Eloisa Cartonera, un projet assez spécial, puisqu’il achète le carton récupéré par les cartoneros (des habitants des bidonvilles qui trient les poubelles en ville pour vendre ce qui ce recycle aux usines de recyclage) pour en faire les couvertures des livres et emploie des cartoneros pour la fabrication des livres».

A LIRE : Les Aventures du dieu maïs», de Washington Cucurto, éditions Le Nouvel Attila. Traduction : Adrienne Orssaud. Illustrations : Tom de Pékin.

ILLUSTRATION : Tom de Pékin.

avril 29, 2015

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8:29

La lolita ou le triomphe de la stérilité

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Pourquoi aimons-nous les lolita ? Parce qu’elles n’ont pas d’enfants. Eternellement jeunes et stériles, elles n’offrent rien d’autre que le plaisir du sexe, détaché de toute contingence biologique. Avec elles, pas de reproduction. Ouf !?

Du moment qu’elles tombent enceintes, les lolita meurent. Comme dans le roman de Nabokov, leur destin est de périr à l’instant même où elles donnent la vie. Pour Marika Moisseeff, chercheuse au CNRS, ethnologue et psychiatre, la lolita s’oppose radicalement à la figure de la mère et c’est la principale raison de son succès : en Occident, la génitrice est perçue comme une figure négative, associée de façon abusive à une forme de vie inférieure. On parle de «pondeuse», comme d’un serpent. On dit qu’elle a été «mise en cloque», comme si le foetus était une sorte d’excroissance bizarre. Le bébé est d’ailleurs souvent décrit à la façon d’un parasite. «Vingt minutes de plaisir, vingt ans d’ennuis», disent les plaisantins, penchés sur le berceau du nouveau-né dont les cris suscitent des réflexions consternées et des comparaisons peu flatteuses entre un bébé et une MST.

Dans l’imaginaire occidental, le bébé est souvent «présenté comme un corps étranger – un parasite – prenant possession du corps maternel et l’aliénant à ses propres désirs», explique Marika Moisseeff qui note également que les enfants sont souvent rebaptisés d’une sorte de nom d’insecte : on les nomme «chronophages», parce qu’ils consomment le temps et l’énergie de leurs parents, «tout particulièrement de leur maman, la métamorphosant en esclave totalement dévouée à son petit. Ce que Winnicott désignait sous l’expression de “préoccupation maternelle primaire“ : à la fin de la grossesse et pendant les quelques semaines qui suivent la naissance, la mère développerait un intérêt exclusif pour son nouveau-né.» Lorsqu’elle est mère, il est en effet courant de dire qu’une femme se change en créature purement faite d’instinct maternel, que le sexe n’intéresse plus. Terrifiante métamorphose qui la voit se replier sur le noyau fusionnel qu’elle forme avec sa progéniture, rompant avec son époux les liens que la culture avait noué, au profit d’archaïques pulsions. En Occident, la transformation de la femme en mère est conçue comme une métamorphose qui ramène la femme au stade très antérieur de l’évolution.

Faut-il y voir un hasard ? «Plus une espèce est évoluée sur le plan biologique, moins elle procrée». C’est un fait scientifique reconnu : à la différence des méduses qui lâchent des millions d’oeufs dans les flots, les escargots n’en pondent que des centaines. Les chats ont des portées de 5 à 8 petits, tandis que les humains n’ont, sauf exception, qu’un enfant à la fois. Pour le dire autrement : les organismes les plus récents dans la phylogénie génèrent une progéniture plus faible que les espèces les plus anciennes. Partant de ce constat, les adeptes du néo-darwinisme en ont déduit que, de la même manière, les sociétés les plus évoluées sur terre étaient certainement celles qui se reproduisaient le moins. D’une vérité scientifique, on a donc fait un préjugé. Il est d’ailleurs courant de penser que les familles nombreuses sont soit celles d’intégristes religieux qui vivent repliés en communautés, coupés du monde moderne, soit celles d’étrangers venus de pays sous-développés, dépourvus de sécurité sociale, où la progéniture représente l’équivalent d’une assurance-vie. Pour ces familles issues de milieux dits «passéistes» ou «retardataires», faire des enfants c’est se soumettre à des lois que les prétendus «modernes» qualifient de «rétrogrades».

La séduction de la lolita repose en grande partie sur ce système idéologique binaire qui, depuis la seconde guerre mondiale, associe la jeune fille à l’idéal du progrès et la mère à l’image négative d’une grosse truie (pour le dire gentiment).

Rattachée à l’univers technologique et hédoniste de la «culture» et de la raison, la lolita cristallise le désir de vivre dans un corps artificiellement maintenu en suspens dans toute sa splendeur juvénile. Elle est un réservoir d’énergie vitale pour ceux qui rêvent d’échapper aux contingences corporelles. Par opposition, la mère est devenue la figure repoussoir de notre société. Celle que, ailleurs, on vénère et respecte, chez nous n’est plus qu’une femelle guidée par l’instinct génésique qui la pousse à trouver un mâle protecteur, afin de pouvoir mettre au monde ses petits. La mère, ainsi que l’explique Marika Moisseeff, n’appartient d’ailleurs pas au genre humain dans notre imaginaire : la plupart des films et des livres font de la femelle gestante l’équivalent d’alien. Une machine létale, gluante, mi-sangsue mi-méduse. Comparée à l’alien, la lolita paraît plus attirante. Et pourtant… la lolita, elle aussi, relève d’un mythe de science fiction.

La toute première des lolita n’est en effet pas celle de Nabokov, mais celle d’un auteur de science fiction, Philip José Farmer. Ainsi que le révèle Marika Moisseeff, tout vient d’une nouvelle publié en 1952, ensuite réécrite en version longue sous le titre Les amants étrangers (The lovers). C’est l’histoire d’un ethnolinguiste banni sur une planète étrangère, qu’une très jeune fille issue du peuple des «lalithas» initie aux délices du sexe. Il la prend pour une humaine et ne perce son secret que le jour où, tombée enceinte, la jolie lalitha meurt. Tel est le destin de ces créatures extra-terrestres. Du moment qu’elles deviennent des mères, elle expirent. Nabokov a-t-il lu la nouvelle de Farmer ? Probablement. Dans son roman (publié en 1955), Lolita meurt… en 1952, année de publication de la nouvelle de Farmer.

Mais il est fort probable également que Nabokov se soit inspiré également d’une autre femme pour créer Lolita : la seconde épouse de Charlie Chaplin, nommée Lillita. Elle a 7 ans lorsqu’elle rencontre pour la première fois Chaplin : il fréquente le bar où se mère travaille comme serveuse. De leur histoire, on ne sait pas grand-chose. «Chaplin se contente tout d’abord de donner des petits rôles à Lillita. Mais en 1924, alors qu’elle a seize ans, elle tombe enceinte et son oncle fait opportunément remarquer à Chaplin, qui a alors trente-cinq ans, que des relations sexuelles avec une mineure équivalent, sur le plan juridique, à un viol. Le mariage s’impose donc immédiatement […]. Pendant les deux ans que dura son mariage, il sera contraint d’héberger la mère de son épouse – de même qu’Humbert Humbert est obligé d’endurer la mère de Lolita. Leur divorce, prononcé en 1927, sera sordide et Chaplin sera hospitalisé pour dépression nerveuse à New York ; sa chevelure aurait à cette occasion blanchi prématurément. Les journaux se repaîtront de cette scandaleuse histoire.» Difficile de croire que Nabokov et Farmer n’en aient jamais eu vent… Lorsque le mythe de la lolita naît, c’est donc sur fond de scandale hollywoodien, dans le contexte d’un essor économique qui voit l’American way of life répandre partout le poison d’un rêve collectif de jeunesse éternelle, de sexe sans danger et de corps… délivré.

A LIRE : «Les lolitas ou l’histoire d’une altérité structurelle», de Marika Moisseeff. Publié dans la revue Adolescence, numéro 49, en 2004 (p. 605-618).

POUR EN SAVOIR PLUS : Mamelle ou objet érotique ? ; La lolita, entre interdit et industrie ; Alien Tampon : femmes monstres et fins du monde ; Le massacre des lolitas ; Que faire face à la curiosité sexuelle des enfants ?

ILLUSTRATION : en haut, Mark Ryden, publié par Taschen. «Pinxit». Edition limitée à mille exemplaires, signés de l’artiste. Au milieu, illustration de Hélène Bruller, co-auteure avec Zep du Guide du zizi sexuel et auteure de Je veux le prince charmant, série satirique sur les femmes, les mères, les salopes, etc

Merci à Sophie, mère forte ; à Greg, père tendre ; à leur enfant Laërte.

avril 27, 2015

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10:25

Vous êtes plutôt méditation ou masturbation ?

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Certains souvenirs nous hantent. Ce sont des fantômes qui reviennent la nuit. Dans Théorème de l’assassinat, le romancier-poète Jean Streff explore le lien entre souvenirs traumatiques et rédemption, souffrance et masturbation.

«Toute exaction doit être exacte.

Comme l’horloge parlante,

dont je compose le numéro la nuit,

seul dans ma chambre,

pour entendre une voix».

Dans un roman constitué de cut-up, Jean Streff –auteur de nombreux ouvrages consacrés au SM (Le masochisme au cinéma)– déroule la trame obsessionnelle d’un fantasme de meurtre. Beaucoup d’enfants ont leurs premiers émois face à des photos de prédateurs, de cadavre ou de torture. D’autres se masturbent sur le souvenir qui les a traumatisé, pour en convertir positivement l’influence. Ce qui n’est pas sans rappeler l’usage que font certains mystiques des images représentant le Christ ensanglanté… Le héros du roman de Jean Streff leur ressemble. C’est un nabot qui médite. Enroulé dans «la couverture bleue ciel de son lit», comme dans le suaire de son enfance martyrisée, il rêvasse en contemplant le plafond de sa chambre et ses yeux y découvrent une faille jusqu’ici invisible. Des visions de fin de monde, de suicides et de meurtres alternent alors, au fil d’une poétique errance dans les méandres du cerveau.

«Combien d’années m’éloignent de la vision crépusculaire de cette foule grouillante qui désormais hurle chaque nuit dans mes rêves d’insectes rampants, […] d’enfants allaités par des femmes avortées, dont l’entrejambe cicatriciel coule encore du sang d’un immonde désastre».

Le nabot rêve de se planter un jour sur le trottoir d’une avenue, et debout au milieu d’un cerceau qui lui a offert sa maman quand il avait cinq ans (le même cerceau, mais en flammes, à travers lequel on demande aux lions de sauter dans les cirques), il rêve qu’il brandira une arbalète, à moins qu’il ne s’agisse d’un fusil-mitrailleur, face à la foule. Seul face à la foule comme le lion dans son arène circulaire et sans issue… Nous sommes tous enfermés dans ce cirque, comme les premiers saints, seuls à devoir affronter nos peurs.

«Au milieu d’un cordage faisant cercle sur le sol,

les jambes écartées, je tire sur cette foule compacte.

Les fantômes avancent vers moi.

En rangs serrés, ils marchent vers moi.

Cette foule hideuse, immonde,

sur laquelle je tire sans cesse,

abandonné dans le cercle de mon agonie.

[…] jusqu’à l’épuisement des chargeurs de ma mitraillette,

jusqu’à ce qu’ils m’assaillent à gauche,

tandis que les ultimes balles sifflent à droite,

jusqu’à ce qu’ils me piétinent,

m’éventrent, me lacèrent, m’écorchent vif».

Cette marée de fantômes sur laquelle il tire, «jusqu’à la fin des hommes et du temps» finit toujours par le déborder. Alors le nabot rêve qu’on lui retire sa peau. Le voilà écorché, tel un Christ abandonnant la chrysalide de son suaire derrière lui. Il ne reste dans la tombe qu’un tas de tissu (Evangile de Jean XX, 5-8 ; Evangile de Luc XXIV, 12) car, ainsi que l’écrit Thomas d’Aquin (qui cite l’Epître de Paul aux Philippiens) : Jésus a transformé «le corps de notre misère en corps de sa gloire», invitant les humains à suivre son exemple. Comme lui, nous devons nous transfigurer. Faut-il y voir un lien avec ces fantômes que la tradition populaire affuble d’un drap blanc ?

Dans un article intitulé «La peau du mort», l’anthropologue et philosophe Christine Bergé se penche sur toutes les enveloppes symboliques qui figurent, en Occident, les «revenant». Le Christ est le premier des revenants chrétiens, dit-elle, ce qui explique probablement pourquoi, sur son modèle, les morts reviennent drapés dans un tissu blanc qui semble flotter sur du vide. Ces tissus «manifestent un même travail psychique de cicatrisation : celui des endeuillés sécrétant à leur insu une sorte de “peau commune“ qui les relierait aux absents. Ainsi naissent ces enveloppes symboliques qui rendent la mort acceptable en tissant des formes de “vie“ intermédiaire.» Ainsi naissent également, dans «Théorème de l’assassinat», ces visions flottantes en lambeaux qui parlent de cicatrices semblables à des sexes. Elles sont autant de failles à sonder, toucher du doigt ou embrasser, afin qu’à travers elle une forme de réconciliation avec la souffrance puisse avoir lieu. Dans son roman, le nabot va à l’Eglise Sainte-Madeleine, pour y accomplir, toujours, le même rituel :

«Je m’agenouillais sur un prie-dieu devant l’effigie du fils sur la croix. Je le suppliais de me guérir […] :

— Aidez-moi, Seigneur, à discerner le bien du mal.

[…] Ou encore :

— Faîtes-moi mourir en criant mon amour à celle qui n’est jamais venue.

À la fin des oraisons, je sortais le couteau à cran d’arrêt de ma poche, en faisais jaillir la lame et la plantais dans la tunique du Christ. Cela me faisait rire à chaque fois quand je quittais le lieu saint. Avec mon couteau jaillissant de son bas ventre, on aurait pu croire que le fils de l’homme bandait».

Jésus Christ n’en finit jamais d’être percé et, en retour, de bander dans les textes qui parlent de ses apparitions. La première fois qu’il revient sur terre, les Evangiles disent qu’il dévoile ses blessures et demande à être «touché». Le plus célèbre tableau de cette scène représente une forme de pénétration. Saint Thomas enfonce deux doigts dans la plaie béante du Seigneur, plaie curieusement semblable à un oeil crevé. «C’est bien moi [dit Jésus], touchez-moi et constatez, car un esprit n’a ni chair ni os» [Luc, XXIV, 39]. Priant ses condisciples d’entrer en contact avec lui, l’apparition affirme : «Je ne suis pas un trompe-l’oeil». C’est yeux fermés qu’il faut aller vers lui. Christine Bergé cite, à ce propos, la mystique Angele de Foligno (1248-1309), qui, «le regard saturé des images du Christ en blessures, ferme les yeux et attend la rencontre». Les visions de cette sainte ont donc lieu sous ses paupières closes…

«J’étais debout dans la prière, dit-elle, le Christ se montra à moi et me donna de lui une image plus profonde. Je ne dormais pas. Il m’appela et me dit de poser mes lèvres sur la plaie de son côté. Il me sembla que j’appuyais mes lèvres, et que je buvais du sang, et dans ce sang encore chaud, je compris que j’étais lavée».

Christine Bergé commente : «Entre la vision corporelle et la vision intellectuelle, saint Augustin avait placé la vision spirituelle (imaginatio). C’est celle-ci que développent les mystiques, afin de percer le stade de l’image-miroir (['imago) jusqu’à venir toucher la chose même. Comme l’a montré Jean-Claude Schmitt [2002] l’image médiévale n’est pas une surface, elle est à la fois contact et profondeur. Elle garde quelque chose d’une magique appartenance, puisque la similitude qu’elle partage avec l’objet présenté est une façon de faire corps avec lui. L’image est donc bien plus qu’un support ; elle est un chemin dans lequel on entre par la voie de la méditation. Ce qu’on entend par le terme de méditation recouvre en grande partie une pédagogie du regard, elle-même reliée à une mise en condition corporelle qui vise à décentrer les sens de leur objet ordinaire. Focaliser le regard sur un être unique, opérer une forme de fixation hypnotique jusqu’à vivre la fusion avec l’objet regardé, c’est une prémisse ordinaire aux dévotions. L’exercice permet de se sentir progressivement “envahi par une présence vivante“ [Schmitt] ».

L’ardeur avec laquelle certains mystiques méditent semble d’ailleurs très proche de ces moment d’effusion au cours desquels nous nous plongeons tout entier dans ce qui nous fait peur et mal pour en tirer du plaisir. La vision de la souffrance devient alors source de délectation. C’est le propre du SM. A ce sujet, il est troublant de lire ces mots d’Angele de Foligno, qui explique à quel point elle guette la présence de Jésus, tendue vers lui. «J’étais abîmée tout entière dans le désir de trouver la puissance de faire le vide et de méditer plus efficacement», dit-elle, exaltée à l’idée de pouvoir non seulement voir sa «vision», mais aussi l’entendre, la goûter et la ressentir. Pour cela, la mystique contemple d’abord longuement des images de Jésus en croix, agonisant. Cette «contemplation des images, jointe aux “persévérances de la prière“ [Foligno], est ouverture au voyage de l’âme», explique Christine Bergé. Le monde disparaît dans le point de fuite hypnotique ; au-delà de l’image-écran vient un lieu dans lequel le corps et l’esprit se perdent et rapportent d’autres images : “Je vois ses yeux ; je vois sa face miséricordieuse ; il embrasse mon âme, il la serre contre lui, il la serre d’un embrassement immensément serré“ [Foligno]. Mots qui entrent en résonance étrange avec ceux de Jean Streff, lorsqu’il décrit, par les yeux du nabot, le spectacle d’humains qui meurent, «en vaine lutte contre une fin programmée» :

«J’étais serein, calme, apaisé, merveilleusement bien. J’aurais voulu que jamais cet anéantissement ne cessât. […] Seule une infinie passivité peut engendrer l’envie, plutôt le besoin, ce besoin infini. Comme si ma vie n’avait tendu qu’à cet accomplissement».

A LIRE : «Théorème de l’assassinat», de Jean Streff, éditions Les Ames d’Atala. Enrichi de 10 magnifiques dessins de Richard Laillier (pierre noire et gomme magique).

Vous pouvez à présent trouver l’ouvrage dans de très nombreuses librairies en France, et notamment à Paris, à La Musardine (122 rue du chemin vert), au Regard Moderne (10 rue Gît-le-coeur) et à la librairie La Friche (36 rue Léon Frot). Ou le commander directement à l’éditeur : Les Ames d’Atala <zamdatala@hotmail.com>

A LIRE EGALEMENT : «La peau du mort : enveloppes, écrans, ectoplasmes», de Christine Bergé, dans Ethnologie française, spécial « Voix visions, apparitions » (Octobre-Décembre 2003). Publié par: Presses Universitaires de France

ILLUSTRATIONS : Richard Laillier (pierre noire et gomme magique).

avril 22, 2015

Lien pour 'La sadique aimait les hamsters
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12:59

La sadique aimait les hamsters

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A la différence de la violence des hommes (considérée comme naturelle), celle des femmes relève de l’énigme. Pour l’historienne Fanny Bugnon, auteur du livre Les Amazones de la terreur, le cas de Nathalie Ménigon est exemplaire : la presse en a fait une amoureuse de hamster.

A la fin des années 60, «des femmes et des hommes font, aux quatre coins du globe, le choix des armes pour porter les couleurs – la couleur, pourrait-on dire, même si elle connaît des nuances : le rouge – de la révolution. L’implication des femmes constitue justement l’une des caractéristiques majeures de cette violence». Au moment même où le mot «révolutionnaire» devient à la mode, «Pacifisme, tiers-mondisme, anti-impérialisme, critique du capitalisme, féminisme : le suffixe «isme» occupe le devant de la scène de la dynamique protestataire d’une période où changer le monde semble à portée de main, où l’utopie se fait réalité» et où abattre des cibles humaines paraît conforme à l’idée qu’on se fait d’un monde meilleur. Parmi les militantes les plus violentes de cette galaxie de mouvements que sont alors Fraction armée rouge en Allemagne, Action directe en France, ou les Brigades rouges en Italie, l’une d’entre elles retient particulièrement l’attention de la presse en France : Nathalie Ménigon.

Le 17 novembre 1986, accompagnée de Joëlle Aubron, elle exécute le responsable de la régie Renault, Georges Besse. Il a été nommé en 1984 par le gouvernement socialiste pour redresser l’entreprise nationale, «à la faveur d’un plan de restructuration draconien prévoit la suppression de plus de 20 000 employés». Il est abattu devant son domicile parisien à 20h. Le fait que les tueuses soient deux femmes fait l’effet d’un choc immense. Le Figaro titre : «Des tueuses à bout portant». Leur sang-froid interpelle. Elles ne laissent aucune chance à celui dont elles ont décidé la mort. Elles attendent sur le trottoir du Boulevard Edgar-Quinet, patiemment. Lorsque Georges Besse est déposé par son chauffeur de l’autre côté de la chaussée, l’une dit «C’est bon, on y va», se dirige vers lui, tire de très près. Une fois qu’il est tombé, deux coups l’achèvent. Une balle dans la tête, une autre dans le thorax, à trente centimètres. Puis les femmes s’enfuient. Une blonde, une brune. Nathalie Ménigon et Joelle Aubron deviennent «les femmes les plus recherchées de France».

Une tueuse est amoureuse

Lorsqu’elles comparaissent en 1989 dans le box des accusés, la presse souligne son incompréhension. Le visage détendu des tueuses semble contredire leur acte. «Impossible de voir en Nathalie Ménigon la tueuse du PDG de Renault quand elle sourit nonchalamment à son destin en pouffant sous ses boucles brunes dans le box de la Cour d’assise de Paris», note un journaliste qui assiste au procès. Pour l’historienne Fanny Bugnon, l’insistance avec laquelle les médias soulignent l’aspect féminin des terroristes renforce le sentiment de l’incompréhension. Fanny Bugnon y voit une forme très révélatrice de sexisme. Dans notre société, les femmes sont en effet plutôt considérées comme des victimes. Et lorsqu’elles ne sont pas victimes, on leur cherche des excuses : elles étaient sûrement amoureuses ? Sous l’emprise d’un homme ? Elles bénéficient souvent d’une certaine mansuétude. On les juge moins sévèrement que les hommes. Souvent même, on les juge incapables de faire le mal. Les violences qu’elles exercent ne sont pas répertoriées au titre de violence. «La première manière d’invisibiliser la capacité des femmes à être violentes, et certainement la plus simple, consiste en effet à taire cette violence et à ne pas les nommer, ce qui constitue une manière efficace de réaffirmer la différence sexuelle», résume Fanny Bugnon.

La violence des femmes est transgressive dans les sociétés qui cherchent à renforcer la distinction mâle-femelle. Dans ces sociétés-là, c’est l’homme qui a le monopole de la violence. Voilà pourquoi, lorsque Ménigon est jugée, de très nombreux journalistes insistent sur le fait qu’ils ne comprennent pas ses actes. «Que déduire du soin apporté par Nathalie Ménigon, ancienne salariée de la BNP, à nourrir convenablement ses deux chèvres, ses quatre chats et ses quinze hamsters ?», demande un journaliste, qui met en avant l’aspect tendre, voire maternel, de la tueuse comme s’il y avait là une forme d’aporie. Un autre écrit : «On sent que derrière sa violence déchaînée, cette jeune femme blessée a un cœur».

Aimer les chiens et les hamsters

Il ne semble pas incompréhensible qu’un assassin puisse avoir une vie de famille et que les bourreaux puissent aimer les chiens. En revanche, quand il s’agit d’une femme… cela dépasse les limites du croyable. Nathalie Ménigon prend du coup l’aspect d’un monstre. Ses actes deviennent le fruit d’une folie et non pas d’un choix réfléchi, ni d’une prise de position (aussi douteuse soit-elle). Il s’agit de la classer dans la catégorie des folles. «C’était Nathalie la furie !», titre Paris Match au lendemain de sa première arrestation (en septembre 1980). Tout comme les Furies, les Harpies ou les Gorgones de la mythologie gréco-latine, les femmes terroristes sont donc placées du côté de ces figures qui n’appartiennent plus au genre humain. Ou alors elles sont comparées à des amazones, c’est-à-dire «pas vraiment femmes» : les ennemies des hommes sont celles qui s’arrogent le droit de leur ressembler.

Comme pour alimenter, aux yeux du grand public, ce fantasme de la guerre des sexes, les journalistes reprennent sans vraiment vérifier une étrange information. «Les policiers assurent que Nathalie Ménigon donnait des morceaux de la serviette de Georges Besse à manger à ses hamsters» (Libération). L’information, d’abord relayée par des agences de presse, est reprise dans tous les journaux. Partout, les articles publiés le 24 février 1987 racontent que Nathalie Ménigon donnait des lambeaux de la serviette en cuir (volée à la victime) à ronger aux «hamsters qu’elle affectionnait tant»… Il s’avère que c’était une erreur. Un article publié dans Le Monde rétablit les faits : «les confidences policières recueillies par nos confrères précisaient, en réalité, que Nathalie Ménigon avait fabriqué un holster – étui d’arme au poing – avec ladite serviette. Holster, hamster, la consonance des mots et le goût du sensationnel ont fait le reste».

Fanny Bugnon cite l’anecdote, pour le moins croquante, «une anecdote qui illustre de manière saisissante le fantasme de cruauté à l’égard de Nathalie Ménigon», dit-elle. Holster, hamster… «Surprenante méprise phonétique qui alimente les accusations de sadisme et de perversion» portées contre celle que, dans le même temps, on présente comme une petite fille qui «haïssait ses petites copines de l’école Sainte-Marie-Madeleine», alors qu’«à deux ans déjà, elle adorait les lapins». L’historienne fait le parallèle avec Marie-Antoinette (si douce avec les petits moutons, si méchante avec le peuple) puis conclut : «L’imaginaire social mobilisé en cette fin du XXe siècle rappelle celui de temps plus anciens.» Il semble, en vérité, que depuis au moins la Révolution, la femme n’ait pas le droit d’être un meurtrier comme les autres.

Croquis d’audience représentant une violente altercation entre les leaders du groupe terroriste Action Directe (Jean-Marc Rouillan (à gauche), Nathalie Ménigon (au centre), Joëlle Aubron à droite)) et les gendarmes lors de leur comparution au palais de justice de Paris le 2 mai 1994, après que le juge Yves Jacob eut donné son verdict. Jean Chesnot AFP

À LIRE : Les Amazones de la terreur, de Fanny Bugnon, Payot-Rivages.

avril 20, 2015

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8:48

Est-il normal d’avoir mal ?

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Certaines femmes ne ressentent rien lorsqu’elles sont réglées. D’autres éprouvent une sensation de pesanteur. Les moins chanceuses souffrent. Leurs douleurs sont parfois telles qu’il leur faut prendre des antalgiques et parfois même aller aux urgences. Bilan pour la France : 9,5 milliards de… pertes.

Si vous souffrez une fois par mois, c’est peut-être normal. Mais c’est peut-être le symptôme d’une maladie – l’endométriose – qui touche une à deux femmes adultes sur dix en France. Bien qu’elle concerne 14 millions de personnes en Europe et 180 millions sur la planète, les médecins connaissent rarement cette maladie qui attaque, invisible, le bas-ventre des femmes et qu’ils mettent en moyenne 7 ans à identifier. Au bout de 7 ans de souffrance, lorsque le diagnostic est enfin posé, l’endométriose a parfois fait de tels ravages qu’il est déjà trop tard : la femme ne peut plus avoir d’enfant. Dans un livre intitulé «La maladie taboue», Marie-Anne Mormina, créatrice d’un site d’information sur l’endométriose, explique la façon dont se déroule généralement la vie d’une «endogirl».

Prenons une fille nommée Lilli, dit-elle. «Son enfance se déroule tranquillement, sans que rien de particulier ne se passe. […] Et puis nous y voilà, le grand jour est enfin arrivé : Lilli a ses règles. Les premiers temps ne se passent pas si mal. Les cycles se mettent en place. «Quand même ça fait un peu mal, maman – Oui, ma fille, c’est vrai…«Le temps passe. «Quand même, maman, ça fait vraiment mal. – Oui, ma fille, c’est vrai… Mais le médecin te l’a bien dit : c’est normal, Lilli, c’est comme ça…«. Un jour Lilli a tellement mal qu’elle vomit et s’évanouit en plein cours au lycée. Le médecin ne s’inquiète pas plus que ça. On va lui donner un antidouleur plus fort et puis elle va commencer à prendre la pilule, ça aide bien (1). Les années passent. Lilli jongle entre les anti-douleurs, les pilules, et puis les allers-retours aux urgences aussi, parce que vraiment, vraiment, ça fait mal, les règles. Un jour, Lilli rencontre celui qui deviendra sa première fois… Elle ne savait pas que faire l’amour ça voulait aussi dire avoir mal. Même après, quand c’est fini… même au bout de plusieurs fois… Les années passent encore. Lilli a beau expliquer, insister, changer de gynécologue… personne ne comprend qu’elle a vraiment mal. C’est normal. Il faut prendre un peu sur vous, Mademoiselle !».

Jusqu’au jour où «à la faveur d’une situation critique comme une rupture de kyste, une hémorragie trop importante, une crise de douleurs plus sévère qu’une autre, un des soignants aura enfin la puce à l’oreille.» Parfois aussi, c’est parce que Lilli ne parvient pas à avoir d’enfant… «Alors le relai est passé à un chirurgien» qui procède à une cœlioscopie diagnostique «avec introduction d’une caméra miniaturisée dans le nombril pour explorer l’intérieur de l’abdomen». A son réveil, Lilli apprend enfin ce qu’elle a. Elle est soulagée de savoir que ses douleurs, non, ce n’était pas normal. Non, elle n’était ni une folle, ni une douillette. Mais pour autant, est-elle sauvée ? Hélas. On ne guérit pas de l’endométriose, c’est une sorte de cancer qui vous poursuit jusqu’à la ménopause (2). Il ne vous tue pas. Mais il peut détruire votre vie.

«L’endométriose est une maladie complexe, exclusivement féminine, mal connue, caractérisée par la présence hors de l’utérus de cellules qui normalement tapissent la muqueuse utérine (endomètre). Les cellules endométriales s’implantent dans les organes voisins (ovaires, vessie, intestin, etc.) et réagissent aux fluctuations hormonales survenant lors du cycle menstruel. Elles provoquent alors aux endroits où elles se trouvent des lésions, nodules et/ ou kystes ainsi que des réactions inflammatoires avec formation de tissu cicatriciel et d’adhérences entre les régions avoisinantes. Les manifestations cliniques de l’endométriose sont variables selon le type d’atteinte : règles douloureuses, douleurs pelviennes chroniques et infertilité chez 30 à 40% des femmes concernées. Le délai entre la première consultation et le diagnostic est de sept ans en moyenne, Beaucoup de temps perdu…». Pour le docteur Zacharopoulou, gynécologue et chirurgienne, qui signe la préface du livre, l’ignorance qui entoure cette maladie relève d’un non-dit qui peut s’avérer fatal. «Certaines femmes souffrent dans la solitude, d’autres ne réussissent pas aller jusqu’au bout de leurs études, d’autres encore sont licenciées à cause d’arrêts de travail répétés liés à la douleur !».

L’endométriose empêche aussi d’avoir une vie de couple normale. Difficile de rester amoureux d’une femme qui, une fois par mois, se plie en deux de douleur, souffre de fatigues chroniques, est incapable de porter des sacs, négocie chaque relation sexuelle, ne trouve pas d’emploi fixe et, dans 30 à 40% des cas reste stérile. Le pire, c’est que plus le temps passe plus les douleurs s’installent. L’opération chirurgicale destinée à retirer les cellules endométriales des organes qu’elle a attaqué doit parfois être répétée. «Il faut nettoyer, «curer» comme ils disent, pour éliminer le plus possible l’endométriose de nos corps». Mais l’opération ne résout pas le problème des douleurs qui reviennent à l’assaut, à chaque début de cycle, activées par la montée d’œstrogènes.

La maladie est incurable. «Aucun traitement spécifique n’existe à ce jour». Les traitements font parfois plus de mal que de bien et surtout sont appliqués à tort et à travers par des médecins souvent mal informés qui ignorent les règles élémentaires de prudence. Ils préconisent par exemple des injections d’agoniste de la GnRH, un puissant traitement hormonal qui provoque une ménopause artificielle, parfois sans même prévenir leur patiente des effets secondaires qui sont importants, voire dangereux, ni des résultats qui sont douteux : beaucoup de souffrances et de risques pour rien. «Le célèbre blog Pharmacritique le dénonce en rappelant les abus, dérives et non-sens dans le traitement de la prise en charge de l’endométriose en France (1). Il signale qu’aux Etats-Unis sont mentionnés des problèmes cardio-vasculaires, des répercussions sur la santé mentale, des effets gastro-intestinaux, dermatologiques, urino-gynécologiques, etc. […] Là où en France on ne parle que de risques accrus de dépression, de problèmes hormonaux et de risque d’ostéoporose».

Sans compter que «dans les faits, peu de femmes constatent une réelle amélioration grâce aux analogues, et la plupart rechutent assez rapidement.» Les analogues sont en effet si puissants qu’il ne faut pas en prendre plus de six à douze mois au cours de sa vie. Pendant quelques mois, les douleurs provoquées par l’endométriose sont donc suspendues, mais en parallèle la femme souffre de chaleurs, devient obèse, perd ses cheveux, a des fuites urinaires et des crises de larmes… «Au bonheur des dames !». Après quoi, une fois le traitement aux analogues fini, c’est reparti dans la spirale infernale des douleurs pelviennes et des sensations de se faire éventrer à coups de couteau.

Si les femmes étaient mieux informées et les médecins mieux formés, Marie-Anne Mormina estime que la France ferait des millions d’économies : les femmes n’auraient plus besoin d’aller voir à répétition des médecins pour être mises en arrêt de travail, ni de multiplier des examens inutiles, des appels aux médecins de nuit, des arrivées catastrophes aux urgences. «Les coûts directs et indirects de cette maladie sans notre pays seraient de 9,5 milliards d’euros par an (en intégrant la perte de productivité). Imaginez les économies que l’Etat ferait si la recherche trouvait enfin le traitement efficace ! Or la recherche n’est absolument pas financée. Aucun appel d’offres pour financement de l’Etat n’est lancé dans ce domaine et, pour en avoir parlé directement avec le représentant d’un des plus grands groupes privés d’investisseurs médicaux, ils ne sont tout bonnement pas intéressés par le sujet !». Pourquoi ? Parce que l’endométriose n’est pas connue (3). Son nom ne dit rien à personne. Ce n’est pas une maladie «bankable», en somme. Raison pour laquelle c’est aux malades de faire connaître, haut et fort, ce dont elles souffrent.

Aux Etats-Unis, les «endogirls» se sont déjà organisées. Pour surmonter la honte, elles s’appuient sur des exemples connus de femmes célèbres touchées par l’endométriose : Hillary Clinton, Padma Lakshmi, Whoopi Goldberg, Susan Sarandon, Pamela Anderson… En France, Sonia Dubois, Raphaëlle Ricchi, Laetitia Millot et la chanteuse Imany ont brisé le silence. «D’autres noms circulent, car il est évident que les femmes concernées sont nettement plus nombreuses. […] Si seulement celles qui se taisent avaient le courage de parler, cela nous aiderait tellement !». Il semblerait que Marilyn Monroe aussi en souffrait.

A LIRE : «La maladie taboue», Marie-Anne Mormina, Fayard.

A CONSULTER : Lilli H contre l’endométriose, site d’information créé en 2001 par Marie-Anne Mormina. Le célèbre blog Pharmacritique.

NOTES

(1) «Une des erreurs les plus fréquentes qui aident l’endométriose à passer inaperçue est la prescription de la pilule contraceptive aux jeunes filles qui se plaignent de règles douloureuses. En prenant ce traitement, on sait maintenant que, si l’adolescente ressent un mieux, cela ne signifie pas pour autant que le problème est réglé : l’endométriose attend simplement de pouvoir se développer, emmagasinant ses forces pour être plus virulente dès que libérée. Pis : elle peut même être active, abîmer le corps en toute tranquillité puisque les symptômes qui risqueraient de la faire repérer sont désormais masqués. Jusqu’au jour où un kyste devient trop gros, par exemple, permettant de découvrir le pot aux roses, en même temps que les dégâts parfois irréversibles. Si le médecin prescripteur de la pilule avait été au courant que les symptômes de la demoiselle correspondaient à une maladie, il aurait d’abord écarté tout risque qu’elle l’ait. Mais, comme il ne le sait pas, il prescrit en toute bonne foi un produit qui va potentiellement mener sa patiente à l’enfer.»

(2) Parfois, la maladie entre en rémission. Un traitement, par miracle, a marché. Parfois, c’est la ménopause qui vient résoudre le problème. On peut alors enfin vivre tous ses rêves d’adolescence, avec cinquante de retard.

(3) Marie-Anne Mormino évoque à mots couverts les soupçons qui pèsent sur certains groupes pharmaceutiques. Ceux qui produisent les analogues et qui les vendent à des prix élevés, sont peut-être aussi ceux qui font tout pour qu’aucun traitement viable ne soit mis au point…

ILLUSTRATION : Photos de l’artiste Nicole Dufour, qui réalise des tressages à partir de draps de lit ayant «vécu» les amours, les accouchements, les épanchements de sang et de fluides durant parfois quelques générations. Draps imbibés d’une mémoire familiale.

avril 15, 2015

Lien pour 'Libido : une question d'horoscope ?
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18:03

Libido : une question d'horoscope ?

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Pensez-vous que les astres ont une action sur votre vie ? Peu importe. Lisez «L’Etrange encyclopédie du docteur K». Que vous soyez «sceptiques ou astro-dépendants», ce livre vous concerne car au-delà des ondes astrales – dont l’influence n’est pas avérée – il traite des «résonances» qui, elles, sont bien réelles.

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Peu importe qu’une chose soit vraie ou fausse : si elle entre en résonance avec nous, elle peut nous modifier. Revenants, planètes amies, esprit protecteur, troisième œil. Toute la question est de savoir quelle prise psychologique nous offrons à ces choses dont nous nions l’existence, tout en ayant un peu peur d’elles… ou un peu envie d’y croire. Dans un livre, récemment publié par la société d’ethnologie de Nanterre, intitulé L’Etrange encyclopédie du docteur K., l’anthropologue Emmanuel Grimaud, chercheur au CNRS, aborde l’astrologie sous un angle inédit : il s’agit d’art brut autant que de poésie métaphysique. Ce livre reproduit le travail d’un étonnant astrologue indien, collection unique en son genre de portraits réalisés à partir du zodiaque des personnes parfois disparues depuis des milliers d’années.

Tout commence au début des années 50. Né dans une caste de brahmane du nord de l’Inde, le «docteur Kulkarni» appartient par son père à la septième génération d’astrologues. Il se fait appeler Pandit, qui signifie «savant», voire «médecin», parce que les astrologues en Inde ont pour fonction d’aider les gens suivant des principes considérés comme aussi rigoureux que la neurologie. Alors que depuis au moins le XVIe siècle en Europe l’astrologie est reléguée au rang d’ésotérisme charlatan, en Inde elle bénéficie d’une faveur telle que les revenus de l’astrologie y sont estimés à 400 milliards de roupies en 2004. Il y a là-bas une véritable «industrie de la destinée». Se marier, avoir un enfant, jouer en bourse… Rien ne se fait sans consulter les jyotishis, spécialistes du sidéral.

Au début, bien qu’il grandisse la tête dans les étoiles, Kulkarni s’intéresse peu aux astres. Il veut devenir artiste. Il finit par travailler comme dessinateur sur des chantiers de fouilles archéologiques. Son travail consiste à reconstituer en images des scènes de vie à partir de tessons de poterie, des graviers et de fragments d’os. Son travail le confronte souvent à des crânes. Kulkarni leur redonne un visage. Un jour, du fond d’une tranchée touchant aux strates d’un lointain passé, un cercueil contenant un squelette de femme est exhumé. Kulkarni s’efforce de dessiner celle qu’il appelle «la mère». Il lui redonne vie, par le biais de portraits remplis d’une étonnante énergie vitale. Les passions de la mère, ses traits psychologiques dominants, lui apparaissent aussi clairement qu’en photo. Il ouvre un cabinet de consultation astrologique et entreprend de peaufiner sa méthode, basée sur l’examen du crâne. «Réputé pour avoir conçu une méthode de dessin inédite permettant, sans l’avoir jamais vue et à partir de son horoscope, de recomposer le visage d’une personne, le Pandit mûrit ensuite le projet monumental d’une encyclopédie astrologique illustrée de la destinée humaine». Les consultations qu’il donne, essentiellement à des femmes, mais aussi des criminels, des drogués, des célébrités ou des hommes d’affaires, sont uniques en leur genre. Il dessine le portrait du client et fournit, sur une feuille en décalque, le même portrait… sans peau ni chair. Chaque client peut donc se voir et, sur la feuille de dessous, voir son crâne. A ces deux portraits, le Pandit joint un diagnostic astrologique en forme de poème étrange.

«Voici le portait d’une femme experte dans l’art d’embrasser, de toucher, de caresser et de masser. Sa peau est comme de la crème de lait. Attardez-vous sur son squelette et vous comprendrez la délicatesse de sa peau. Quel beau contraste !».

«Regardez cette femme, elle est très belle, elle possède un diplôme universitaire, une licence es études commerciales. Mais son histoire est une très grande affaire de séduction, de prostitution dans les hautes sphères de l’état. Tout visage décèle un danger !».

«Et voici un homme dangereux, un voleur, il a pillé les siens et s’est enfui de la maison. Son visage est aussi dangereux que son crâne».

Certains clients viennent pour lui demander le portrait d’un proche, parce qu’ils n’en possèdent pas de photographie. Kulkarni demande alors simplement les dates de naissance. Parfois c’est le contraire : on lui fournit un portrait. A lui d’établir la date de naissance exacte de la personne… C’est «scientifique», explique-t-il. La forme que les êtres et les roches avaient avant d’être érodés ou dissous par le temps n’est pas le résultat du hasard. Notre visage est en effet l’émanation directe du crâne qui le sous-tend. Or le crâne, lui-même et la façon dont la chair le recouvre résulte directement du jeu des astres sur nos morphologies. Tout vient de ces interactions qui renvoient, in fine, au mouvement des planètes, suivant le jeu subtil de ce qu’Emmanuel Grimaud nomme «les affinités».

«Pourquoi votre nez est-il plus décalé vers la gauche ? Pourquoi vos oreilles sont-elles plus longues que les miennes ? […] Si vous venez me voir, je décèle tout ce qui vous échappe et que vous ne voyez plus, car personne ne peut se voir tel qu’il est, même dans un miroir. Il ne rencontre que son image inversée».

Il existe un rapport d’affinité indéniable entre notre crâne et notre visage. Allant plus loin dans l’analyse, le Pandit établit le rapport d’affinité qui unit nos os aux planètes, dont l’union amoureuse modèle non seulement nos traits mais notre psychisme lui-même, dit-il. Les humains tout comme les paysages montagneux subissent chaque année l’érosion, celle du vent, de la pluie et de l’action des forces naturelles. «Vous serez vous-même un objet archéologique dans quelque temps. Vous l’êtes déjà, vous ne cessez de vous modifier.» Rien ne meurt, tout n’est que changement. De ce point de vue, «il n’y a pas moyen de séparer les hommes de minéraux». Ce sont des corps affectés par des influences invisibles, parmi lesquelles le Pandit détecte celle des objets célestes. Sa méthode, originale, mélange curieux de physiognomonie et d’astro-connexion, ouvre «des possibilités de lecture et d’action, en envisageant la personne dans un cadre interactif plus large à cheval entre le visible et l’invisible», explique Emmanuel Grimaud, dans un texte d’introduction à la fois pointu et troublant. Cette astrologie, dit-il, pense les humains (et non humains) «en devenir» et «en recherche constante d’équilibre au sein d’une configuration de forces. Pour le dire vite, les habitants de la Terre sont comparables à des accumulateurs d’énergie qui se chargent et se déchargent continuellement, en fonction de forces entrant dans leur champ de sensibilité et qui, à force de buter sur des murs invisibles, sont forcés d’adopter des chemins».

«Voici le portrait d’une jeune fille qui dit à son compagnon : «Ne t’attache pas à moi. Suis ton propre chemin. Je vais mourir !». Très belle, venant d’une autre ville, sa beauté s’est en effet révélée fatale. Elle fut violée et assassinée. J’ai réalisé cette peinture avant l’apparition de la photographie en couleur».

Le Pandit affirme que ses dessins «remédient à une absence». Il décrit le cosmos comme une sorte d’imprimante qui laisse par touches, ses traces et ses empreintes. En remontant l’échelle des causes, au-delà des influences que peut avoir sur nous la façon dont nous mangeons, dont nous vivons, notre éducation, notre milieu socioculturel, il y a les astres qui englobent toutes ces influences et les dépasse. Est-on coupable de vouloir entrer en résonance avec les étoiles et les planètes ? Dans notre culture, il est bien vu de raconter ses souvenirs sur un divan pour essayer d’expliquer qui l’on est ; d’attribuer ses mouvements d’humeur aux hormones ; ou d’imputer sa baisse de libido à une carence en fer. Nous subissons en permanence une multitude d’impacts, avec des variations d’intensité diverses et qui nous affectent plus ou moins suivant la façon dont nous les appréhendons.

Nous sommes un champ de bataille pour les «emprises», dit Emmanuel Grimaud, définissant l’humain comme espace traversé par le désir, situé au centre d’un «champ de force composé, pour les plus éloignés, par les divinités et les planètes et, pour les plus proches, par d’autres personnes ou d’autres corps» mus par l’attraction ou la répulsion. Cherchant à identifier qui nous sommes, nous ne cessons de le trouver non pas dedans mais dehors. C’est comme si notre cerveau n’était qu’un fantôme. Comme si notre Moi était fait de choses venues de très loin dans le temps et l’espace. A la fois «vestiges» et «vertiges»…

A LIRE : L’Etrange encyclopédie du docteur K., d’Emmanuel Grimaud. Publié par la société d’ethnologie de l’Université de Paris OUest Nanterre.

EXPOSITION : Morpho-astrologie. Les œuvres du Pandit étaient exposées ce week-end à la Salle Saint Bruno, à Paris. Hélas, l’exposition a duré… trois jours.

Salle saint Bruno : 9 rue Saint-Bruno 75018 Paris // 01 53 09 99 22 //

avril 13, 2015

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8:08

Alien Tampon : femme, monstre et fin du monde

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Brodant sur le lien entre «menstruel» et «monstrueux», le film Alien Tampon parle avant tout d’une peur, largement partagée en Occident : la peur de la «génitrice». Nous en avons si peur que nous préférons déléguer ce rôle à des femmes venant de pays moins développés, sur qui nous comptons pour «pondre» les enfants à notre place…

Le film Alien Tampon – pour l’instant à l’état de projet – raconte l’histoire d’une étudiante qui a eu le malheur d’enfiler un tampon infecté de sang vert extra-terrestre. La voilà transformée en monstre. La terre est en danger car elle infecte à son tour toutes les personnes qu’elle rencontre.

En février 2015, la bande-annonce est lancée sur Internet. But : convaincre les investisseurs de miser sur un éventuel long-métrage. Le projet, chapeauté par le réalisateur Jan Zenkner, ne ressemble pour l’instant qu’à une parodie de film de zombie délirant. «Menstrueux !», entonnent en chœur les amateurs de série Z, qui se régalent d’avance et pour cause : la bande-annonce mélange belles blondes à gros flingues et détournements bizarres de tampons gluants. Stupide, potache et de mauvais goût, le projet de film Alien Tampon suscite un vif intérêt sur les réseaux sociaux. Pourquoi ? Parce qu’il flirte avec des fantasmes qui touchent les fibres sensibles de notre imaginaire, tissant avec d’innombrables autres œuvres – romans et films – la trame d’une hantise collective : la hantise de la maternité, associée à une forme de dégénérescence contagieuse.

Il n’est en effet pas innocent que la femme, dans de nombreux récits de science-fiction américains ou européens, soit considérée comme le vecteur principal d’épidémies frappant l’humanité. Comme par hasard, la maladie – très proche d’une MST – fait régresser les humains à un stade primitif. Ceux qui sont infectés par le «virus alien» mutent en créatures décérébrées, comparables aux fourmis rouges. Les voilà qui pullulent, guidés par une forme d’instinct collectif qui les pousse à se sacrifier au seul profit de leur groupe. L’être qui les dirige, comme par hasard, prend les traits d’une reine pondeuse. Dans Alien Tampon, il s’agit d’une fille devenue femme, c’est-à-dire fertile. «Voilà pourquoi faut pas énerver une femme quand elle a ses règles», s’amuse une commentatrice, soulignant avec justesse l’équation posée dans le film entre les cycles menstruels et la menace d’un désordre. Quand une femme devient potentiellement une reproductrice, c’est le début des ennuis.

La figure maternelle est-elle donc si monstrueuse dans notre société ? Oui, répond Marika Moisseeff, ethnologue, psychiatre et chercheuse au CNRS, pour qui la science-fiction apparaît comme une véritable mythologie contemporaine. Depuis le début des années 2000, Marika Moisseeff démonte les ressorts de films grand public – Starship Troopers, Alien, Xtro, La mutante – dont elle révèle les significations secrètes. Ces films ne sont pas que de simples produits d’une industrie du divertissement, dit-elle. Ils sont l’équivalent des mythes gréco-romains, des récits amérindiens, des contes africains ou des traditions orales aborigènes… Ce sont des dispositifs conçus pour transmettre un savoir concernant la réalité, une vision du monde. Mais à la différence des discours scientifiques, philosophiques ou théologiques, qui entendent délivrer une vérité absolue ou trouver LA solution d’un problème, le discours mythologique brode à l’infini sur une trame, sans jamais imposer de réponse claire ni définitive à nos questions (1). Chaque mythe possède plusieurs versions et s’enrichit d’adaptations nouvelles qui renvoient indéfiniment cette réponse à plus tard, confrontant l’auditeur-spectateur à l’insondable mystère des choses.

Concernant le rapport de la femme avec les aliens, à quelle vérité cachée nous renvoie un film comme Alien Tampon ? Dans un texte intitulé «La Procréation dans les mythes contemporains», Marika Moisseeff explique : dans notre imaginaire occidental moderne, il est mal-vu d’enfanter. Plus une espèce est «évoluée» (avancée sur le plan technologique), moins elle procrée et plus elle devient dépendante d’espèces moins évoluées pour se reproduire. Elle délègue cette fonction à des machines ou à des créatures inférieures. Avant de devenir réalité, la PMA, l’IVG et le clonage étaient des topos récurrents de la science-fiction. De plus en plus nombreuses sont les femmes qui, à l’instar de Marcela Iacub (2), se montrent favorables à l’idée que le fœtus soit délocalisé hors du corps de la mère. On appelle cela l’ectogenèse. La plupart des futurologues prévoient d’ailleurs qu’il sera possible, d’ici quelques décennies, de confier le «fardeau» de la gestation à des utérus artificiels. Les biotechnologies, disent-ils, délivreront les femmes de ce qu’ils appellent une «charge» : l’accouchement. Pour ces adeptes du «progrès», il semble injuste que les femmes restent inféodées aux nécessités de la reproduction biologique. La femme aussi, tout comme l’homme, devrait avoir le droit de faire un enfant sans nécessairement le porter dans son ventre. Marcela Iacub va plus loin : elle accuse les hommes de vouloir maintenir les femmes sous leur joug, en les reléguant au rôle de génitrices, en les maintenant dans l’obligation d’assumer le devoir de survie biologique. Son discours est séduisant, car il repose sur une vision largement partagée aujourd’hui de la maternité. Tomber enceinte, c’est un peu comme devenir une grosse vache.

Mais d’où vient cette vision si négative de la maternité ? Pourquoi associe-t-on l’image d’une mère à celle d’une créature momentanément dépossédée d’elle-même et rendue stupide, faible, dépendante ? C’est ici que Marika Moisseeff attaque. Pour elle, tout cela relève d’une construction culturelle de la différence homme-femme. Il faudrait se défaire de ce schéma pour se libérer, suggère-t-elle. Prisonniers d’une vision binaire des rapports mâle-femelle (culture-nature, intelligence-affect), nous vivons dans la hantise du «biologique». Et cette hantise nous mène droit dans le mur. La solution, ce n’est pas de créer des utérus artificiels. La solution, c’est d’en finir avec cette hantise de la maternité, assimilée à une forme de maladie affectant les fonctions intellectuelles et l’autonomie des femmes. Pour détruire ce schéma, il faudrait d’abord prendre conscience qu’il domine notre pensée. Marika Moisseeff le prouve. Dans notre imaginaire, dit-elle, porter un enfant pendant neuf mois, puis accoucher, sont des «activités peu propices à l’accession aux cimes de la spiritualité auxquelles l’évolution a porté l’humanité» (3). Son ironie est mordante. Elle cite, à l’appui, de très nombreux exemples de cette pensée morbide qui mine notre société.

«Fin 1999, un hebdomadaire français proposait d’établir une liste de faits qui caractériseraient l’humanité de l’an 2000 au regard de celle de l’an 2100 et quelque. Nous retiendrons celui-ci : “En l’an 2000, les gens étaient enfantés à l’intérieur de leur mère, comme les animaux“. La grossesse, l’enfantement naturel, la nécessité d’être englobé dans un corps de femme avant de naître, relèguerait donc l’humanité au rang de l’animalité. Ce constat pourrait ne relever que de l’anecdote s’il ne constituait une constante dans les récits et les films de science-fiction qui ont pour thème la procréation. Le premier du genre est Le Meilleur des mondes (Huxley 1932). Les enfants y sont fabriqués en flacon et élevés dans des centres spécialisés tandis que la viviparité, terme scientifique utilisé à dessein par Huxley pour signifier l’horrible obligation animale d’en passer par un ventre féminin pour naître, y est perçue comme une infâme chose du passé, ne subsistant plus qu’à l’état de survivance honteuse dans quelques réserves de sauvages. L’apogée de la civilisation correspond dans cette utopie à l’avènement de la stérilisation généralisée. Celle-ci s’accompagne de la disparition de la famille, du mariage, de toutes formes de relation de parenté qui sont devenus autant d’obscénités. De fait, dans ce mythe d’anticipation, la pornographie est rattachée, non au sexe, mais à l’enfantement».

Dans son roman Aldous Huxley dénonçait déjà, de façon prémonitoire, la logique propre à notre société, tendue vers toujours plus de factice «liberté». En Occident, nous avons d’abord inventé la pilule puis chanté «les vertus de l’amour et de la volupté sexuelle libérée du joug reproducteur» (4), ainsi que le formule Marika Moisseeff. Ce faisant, nous avons associé d’une part le sexe aux nobles sentiments (ce qui est abusif) et d’autre part la maternité aux basses besognes (ce qui est très regrettable). La part du travail reproductif assumé par les femmes est devenu synonyme de déchéance. Pire : de menace. La figure de la génitrice a progressivement été associée aux «dangers de l’involution», c’est-à-dire du retour en arrière de l’humanité. Faut-il s’en étonner ? Nous avons fini par penser que «faire des enfants» était le propre des êtres inférieurs, tout juste capables de se reproduire, comme des bêtes, à la chaîne. Dans les films de propagande, ainsi que le souligne Marika Moisseeff, «les méchants sont montrés comme totalement soumis aux lois de la sélection naturelle réduite à la loi du plus fort, à savoir celui qui réussira à produire le plus grand nombre d’individus de son espèce. Le savoir populaire associe l’archaïsme d’une espèce, d’une culture, d’un genre, à sa propension à accorder la suprématie aux activités reproductrices : la quantité d’énergie consacrée à la reproduction est supposée inversement proportionnelle à celle dédiée au développement de la connaissance et à sa transmission, c’est-à-dire au développement de la culture proprement dite» (5). Où nous mène cette vision du monde ?

Très logiquement à l’immigration. Nous vivons dans une société schizophrénique, guidée par une logique totalement contradictoire qui nous pousse, irrésistiblement, à prôner l’ouverture des frontières à des populations que nous dénigrons. Ces populations – qui se reproduisent beaucoup plus vite que nous – sont constituées de femmes jugées inférieures, des «ventres», tout juste capables de produire des enfants que, en toute logique, nous considérons comme des monstres. Nous faisons entrer des populations dites «étrangères» chez nous, afin qu’elles participent, soi-disant, à notre «croissance économique» et, dans le même mouvement, nous produisons des films de science-fiction qui parlent d’invasions extra-terrestres. En anglais «étranger» se dit alien. Nous reportons sur l’autre (l’étranger) la responsabilité d’assurer le renouvellement des générations et, dans le même temps, nous l’accusons de nous infecter et de nous faire régresser. Nous dénigrons la figure de la mère, nous bestialisons les génitrices et, dans le même temps, nous allons inséminer des femmes pauvres dans d’autres pays. Au final, qui sont les monstres ? Qui sont les envahisseurs ? La question est ouverte. Question que tous nos films de science-fiction ne cessent de nous poser. Rappelez-vous dans Starship troopers à quoi ressemblent les uniformes des armées humaines qui luttent soi-disant pour que triomphe l’intelligence. Des uniformes allemands de la seconde guerre mondiale.

A LIRE : «La Procréation dans les mythes contemporains», de Marika Moisseeff. Texte paru dans Anthropologie et sociétés : Le mythe aujourd’hui, numéro 2, en 2005 (vol. 29, p. 69-94)

«Les lolitas ou l’histoire d’une altérité structurelle», de Marika Moisseeff. Publié dans la revue Adolescence, numéro 49, en 2004 (p. 605-618).

NOTES

(1) «En maintenant le fossé abyssal entre connaissance et vérité, la mythologie est le moteur de remises en question perpétuelles : elle apporte moins de réponses ou de solutions qu’elle n’incite à les chercher en prenant la forme d’une vérité cachée» (Source : «La Procréation dans les mythes contemporains», de Marika Moisseeff).

(2) A la question posée par le journaliste du site Les Mutants : «Quand on étudie l’histoire des biotechnologies, on constate que l’ectogénèse a intéressé très tôt les chercheurs : Julian Huxley et Hermann Müller en parlaient déjà dès les années 1920. Or cette piste de recherche est restée largement inexplorée, y compris dans l’expérimentation animale. Ce désintérêt relatif doit-il, selon vous, être associé à l’obligation implicite pour la femme de remplir ses devoirs «naturels» de maternité ? Ne peut-on le rapprocher de la répugnance vis-à-vis de la pratique des» mères porteuses «, notamment dans certains pays (dont la France) qui l’interdisent formellement ?, Marcella Iacub répond :

«On pense qu’on ne peut pas aimer un enfant qui n’est pas passé par un corps, c’est faire peu de cas de la paternité ! L’ectogénése fait de la gestation une technique, de même que la gestation pour autrui. On pourrait au contraire enfin débarrasser les femmes de cette charge. D’autres problèmes comme l’avortement seraient dédramatisés car il est toujours plus facile d’avorter une machine qu’une femme. Cela instituerait aussi un rapport symétrique à l’enfant entre l’homme et la femme… Au-delà de contraintes techniques, car l’ectogénése est en effet très complexe à mettre en place, il y va plutôt d’une répugnance d’ordre symbolique : un enfant né de la sorte ne serait pas humain, il y a aussi l’impact du Meilleur des Mondes, l’idée que la technique nous dépossède au moment où l’on s’en sert, etc. Mais j’espère qu’il y a des personnes qui pensent autrement…». (Source : entretien avec Marcella Iacub, intitulé»L’Empire du ventre«)

(3) (4) et (5) Source : «Les lolitas ou l’histoire d’une altérité structurelle», de Marika Moisseeff.

avril 08, 2015

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11:33

Sex-toy et guerre des sexes ?

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Les vibromasseurs sont souvent accusés de créer des conflits dans les couples. Pour combattre cette mauvaise image, la marque de sex-toys Lelo vient de produire un film dont des extraits et des passages inédits ne peuvent être découverts… qu’à deux.

En 2014, la marque suédoise de gadgets sexuels Lelo lance un stimulateur de clitoris et de point G appelé l’Ina™ Wave. De nombreuses utilisatrices soulignent ses qualités en expliquant qu’elles n’ont désormais «plus besoin de partenaire»… Les responsables de Lelo s’affolent. «Ce constat certes flatteur a cependant pointé du doigt l’importance de la responsabilité qu’avait Lelo de rappeler combien le plaisir est plus puissant et plus essentiel lorsqu’il est partagé… ». Il s’agit de remettre les utilisatrices au pas et de faire passer le message : les produits Lelo ne sont pas conçus pour séparer les hommes des femmes !

Le 10 février 2015, la firme Lelo annonce qu’elle est en train de tourner un film de science fiction avec Casper van Dien (Starship Troopers, Sleepy Hollow). La bande annonce, dévoilée le jour-même, est proposée à travers «une expérience interactive qui rapproche physiquement les couples.» L’annonce de presse indique : «C’est la première fois qu’une entreprise de sex-toys produit un film de cette envergure et, non, ce n’est pas un film pornographique. En fait, à aucun moment le film ne montre d’accessoire de plaisir Lelo».

S’il faut en croire le dossier de presse, ce film – intitulée « Au-delà de la vague » (Beyond the Wave) – est «une intervention créative qui vise à montrer aux couples combien il est important d’être physiquement ensemble l’un avec l’autre. Le film raconte l’expérience d’un homme dans un monde post-apocalyptique où les hommes et les femmes ont décidé de vivre séparément. La rencontre imprévue avec la jeune Noria va entrainer le héros dans un périple qui lui enseignera l’importance de comprendre la vision de l’autre. A première vue, il s’agit d’une histoire d’amour, mais en regardant plus loin, c’est surtout un rappel sur comment enrichir sa relation dans un monde de plus en plus individualiste et divisé».

Dès le 14 février, pour la St Valentin, tous les couples se voient proposer un jeu en exclusivité. Pour voir le film – ou plutôt sa mise en bouche, agrémentée de scènes inédites – il est obligatoire d’être à deux, plus précisément deux téléphones avec écran ou deux tablettes numériques. Ce que le dossier de presse appelle l’expérience «JouerEnsemble » (playtogether) se déroule en trois étapes :

Etape 1:

Votre et votre partenaire devez vous asseoir côte à côte, munis chacun de votre appareil connecté à Internet.

Etape 2:

Vous devez cliquer sur le site http://www.beyondthewavemovie.com/#PlayTogether puis partager ce lien sur votre compte facebook ou twitter. Cela vous permettra de recevoir un code secret que vous pourrez transmettre à votre partenaire.

Etape 3:

Une fois que vous aurez entré chacun le code secret, suivez les instructions : le film pourra commencer. Au cours du film, comme dans un jeu vidéo, vous aurez à faire des choix. Faites-les à deux (c’est l’occasion, semble-t-il, de resserrer des liens affectifs).

L’expérience du visionnage est proche de celle d’un jeu vidéo : au total 12 choix sont proposés, mais chaque séance de visionnage, qui dure 8 minutes, n’en propose que 4. Il faut donc, pour voir toutes les images, rejouer à nouveau la partie en faisant d’autres choix. Le fait de négocier chaque choix justifie que les deux « joueurs » soient côte à côte : il est toujours plus amusant de discuter de vive voix pour savoir si l’on va prendre le chemin de gauche ou celui de droite.

Mais l’expérience PlayTogether doit se faire côte à côte pour une autre raison : certaines scènes, coupées en deux, se déroulent séparément sur les deux écrans.

Il faut donc joindre les deux écrans l’un contre l’autre pour regarder la scène en entier… La technologie mise à contribution par Lelo est assez pointue, ce qui justifie que les joueurs «se rapprochent physiquement» pour regarder les images, façon subtile de désamorcer l’accusation qui frappe souvent les smartphone et les tablettes : il est possible d’utiliser ces objets sans s’enfermer dans une bulle. De la même manière, certainement, il est possible d’utiliser des sex-toys à deux, n’est-ce pas ?

L’usage des gadgets sexuels est souvent associé à l’image d’une personne seule, d’une épouse égoïste qui s’enferme avec son gode ou d’un célibataire frustré souffrant de misère sexuelle. C’est cette image très négative des sex-toys que la plupart des utilisateurs-ices relaient, influencés peut-être par une forme de culpabilité larvée qui consiste à croire que si un jouet vous donne du plaisir, cela en fait un rival du compagnon et un ennemi du genre humain. Rappelez-vous Sex and the city : dans cette série TV, lorsqu’une des héroïnes découvre le vibromasseur «rabbit», elle en est tellement accro qu’il devient impossible de la faire sortir. Elle s’enferme avec lui, comme une toxicomane. L’image du sex-toy est si négative que lorsque certains sexologues affirment qu’il s’agit d’un objet «segmentant» (entendez par là qu’il segmente le couple), leurs propos sont repris par la presse sans une ombre de protestation. Les sex-toys sont jugés coupables, à l’unanimité.

Comment lutter contre ce préjugé rampant ? Il ronge l’imaginaire occidental depuis au moins les années 60. Ceci expliquant peut-être cela, lorsque la firme Lelo s’attaque à ce discours, elle le fait de façon biaisée, avec un luxe de formules bien-pensantes (1) qui entrent quelque peu en contradiction avec les moyens même mis en oeuvre pour le film. Est-il, par exemple, pertinent de dire – comme le fait l’acteur principal du film – que nous vivons «déconnectés les uns des autres» alors que l’expérience implique de posséder non seulement un mobile, une connexion et un compte facebook ou twitter mais un partenaire possédant le même arsenal technologique ? Il faut finalement être terriblement connecté pour vivre cette expérience pour les personnes souffrant soi-disant d’être déconnectées.

Est-il également pertinent, comme le font les multiples personnes impliquées dans le projet (elles s’expriment ici, YouTube), de dire que dans notre société (sous-entendu consumériste) les gens ne s’accordent plus d’attention ? «Ils se parlent tout en relevant leurs messages sur leur I-Phone», explique Zabrina Law, spécialiste des politiques de ventes, en pointant du doigt un coupable avec la même air de certitude que les sexologues lorsqu’ils parlent d’«objet segmentant». Tegan Smith, responsable du projet, abonde dans le même sens : «Surtout dans les grandes villes, même dans une salle remplie de gens nous pouvons nous sentir incroyablement solitaires», dit-elle. «Nous ne nous connectons pas vraiment», ajoute Steve Thompson, responsable des stratégies à l’internationale, qui affirme que le film met justement cette solitude en scène, cette solitude dont il affirme que tellement d’hommes et de femmes souffrent actuellement. Le but de Lelo, «n’est pas seulement d’améliorer sa vie sexuelle», conclut Kathryn Catney directrice de la communication à l’internationale. Lelo a des valeurs supérieures. Lelo croit en la «relation» (sous-entendu amoureuse).

Bien qu’il paraisse très séduisant (l’amour, c’est indéniablement chouette), ce discours me paraît déplacé car il s’appuie sur une «idée rebattue selon laquelle nos relations aux choses prendraient le dessus sur nos relations aux autres personnes, du fait de la frénésie consumériste et du déluge d’objets qui nous rendraient de plus en plus matérialistes.» Je cite ici Thierry Bonnot, chercheur au CNRS, auteur d’un livre bouleversant sur L’Attachement aux choses. Dans ce livre, Thierry Bonnot pose surtout des questions. A quoi servent les objets ? Pourquoi avons-nous besoin d’eux ? Pourquoi certains idéologues accusent-ils les objets de nous pervertir ou de nous aliéner ? Nous vivons actuellement dans une société qui leur voue un culte en même temps qu’une haine farouche. Les objets sont des boucs émissaires faciles à sacrifier… On les jette, après les avoir accusé de tous nos maux. Et puis après ? Est-ce qu’on se sent mieux ? Moins seul ? Thierry Bonnot est sceptique. Son livre retrace d’ailleurs toute l’histoire des théories relatives aux objets, pointant du doigt les idéologies qui les sous-tendent…

Le dernier concept idéologique à la mode consiste à dire que les objets sont des «prothèses affectives» qui participent au délitement des liens sociaux, dans le contexte d’une société industrielle marquée par l’urbanisation et la perte de réalité. De cette vulgate qui fait des produits sexuels (par exemple) le symptôme d’un «malaise dans la civilisation» dérive l’idée selon laquelle la popularisation des vibromasseurs correspond à une forme de contagion frappant tous les pays ayant succombé à un mode de vie hédoniste, visant la simple satisfaction des plaisirs. Il est curieux d’entendre, peu ou prou, le même discours dans la bouche des membres de la firme Lelo, lorsqu’ils affirment «l’importance d’entretenir et enrichir les relations dans un monde de plus en plus individualiste et divisé». Est-il judicieux d’utiliser les mêmes mots et les mêmes arguments que les pourfendeurs de sex-toys ? Cela me semble maladroit, un peu comme se tirer une balle dans le pied.

A LIRE : L’Attachement aux choses, de Thierry Bonnot, éditions CNRS.

Le film Beyond the wave sortira au cinéma à une date pour l’instant secrète.

(1) Sur son site, la firme Lelo proclame : «l’amour, l’harmonie et le bien vivre ensemble triompheront toujours !». Je trouve ce mélange sirupeux de bons sentiments et de vocabulaire politiquement correct déplacé, malséant. Il est désolant de constater que la novlangue de George Orwell (1984) soit mise eu service d’une stratégie de vente d’objets par ailleurs si utiles et si «attachants».

avril 07, 2015

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8:34

Elle donne de l'amour aux morts

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«Jamais de ma vie je ne me suis sentie aussi maladroite – sauf peut-être pour mon premier baiser ou la première fois que j’ai fait l’amour. Je peux vous dire que le temps paraît drôlement long quand on se retrouve tout seul avec un vieillard mort, un rasoir rose à la main».

Caitlin Doughty, belle brune née à Hawaï, est extrêmement connue aux Etats-Unis pour sa série de vidéos Internet «Demandez à un croque-mort» (Ask a mortician). Entrepreneur en pompes funèbres, elle milite en faveur de pratiques funéraires plus humaines et surtout plus «intimes», disons, affectueuses, enfin… difficile de trouver le mot adéquat. Il s’agit d’aider les gens à vaincre leur peur des cadavres, même et surtout quand c’est celui d’un proche : lavez-le vous-même, encourage-t-elle. Donnez-lui les derniers soins. Lui, ça ne lui fera ni chaud ni froid. Mais vous… cela vous aidera.

Dans un livre récemment publié aux éditions Payot-Rivages (Chroniques de mon crématorium), Caitlin raconte qu’a priori rien ne la destinait à manipuler des restes humains. Sur son site Internet, on peut lire que ses «parents avaient peu de raison de penser qu’elle finirait par gagner sa vie en sondant les limites séparant les morts des vivants. C’est seulement lorsqu’elle s’est mise à poser des questions bizarres, qu’ils ont commencé comprendre : “Maman, si je me trouvais en haut d’une falaise et que je glissais, si mon corps se fracassait contre les rochers, est-ce que tu serais triste ?“ ».

Tout vient d’un accident auquel elle assiste, à l’âge de 8 ans. Sous ses yeux, dans un centre commercial, une petite fille gravit une rambarde puis s’écrase 10 mètres plus bas, la tête la première sur le rebords d’un comptoir, dans un bruit d’os et de chair broyée. Caitlin n’en dort plus. «C’est comme si la petite fille n’en finissait pas de tomber dans un puit de terreur au beau milieu de mon corps».

Tout peut donc s’arrêter d’une seconde à l’autre ? Pour combattre cette hantise, Caitlin accomplit d’abord des petits rituels. Faire le tour de la maison trois fois avant de nourrir le chien. Marcher sur les dalles impaires pour aller à l’école… Ces tics disparaissent peu à peu, sans que cela ne résolve rien. Après le lycée, Caitlin rédige une thèse sur le sexe démoniaque dans l’imaginaire de la sorcellerie au XVe siècle. Puis, au lieu de chercher du travail comme historienne, elle se met à envoyer son curriculum à toutes les entreprises funéraires de Californie, essuyant d’innombrables refus jusqu’à ce qu’une petite firme spécialisée dans l’incinération l’accepte. Elle n’a strictement aucune expérience.

A 23 ans, le premier jour de son embauche, le patron lui tend un rasoir de plastique rose et lui demande de raser le visage d’un homme mort de cancer à 70 ans. Elle doit donc toucher le cadavre. Et en douceur : la peau des morts ne cicatrise pas. La moindre blessure serait du plus mauvais effet sur la famille venu leur dire adieu. Après avoir fixé le corps pendant dix longues minutes en essayant de se convaincre qu’il s’agit juste d’une carcasse d’animal, Caitlin se penche sur le défunt (qu’elle nomme Byron) et, craignant de lui faire mal, se met doucement à le raser…car «Byron était bien autre chose qu’une viande avariée : une créature noble et féérique, au même titre qu’une licorne ou qu’un griffon».

Pour son patron, l’épreuve est réussie. Caitlin désormais sera en charge du travail principal. A elle d’aller chercher, parmi les «cercueils» (boîtes) en carton empilés dans la salle froide, celui des morts ayant reçu leur permis de crémation. Une fois qu’elle les a trouvé, parfois sous une pile, Caitlin doit charger l’élu sur une table roulante aussi difficile à manier qu’un wagon de mineur avant de pousser son contenu dans la chaudière à 800°.

Chaque crémation prend environ deux heures, au cours de laquelle elle doit ouvrir la porte du four et munie d’une fourche, déplacer le cadavre en combustion pour le positionner correctement dans le coeur de la flamme. C’est salissant. Mais Caitlin ne trouve pas cela sale, au contraire : lorsque le corps a été entièrement brûlé, elle effectue avec son râteau un va-et-vient presque hypnotique qu’elle compare aux mouvements des moines qui chaque matin brossent des motifs de vague dans les graviers des jardins zen. Les cendres viennent à elle, mêlées d’os tièdes. Les cendres lui recouvrent les cheveux, s’infiltrent sous ses ongles, lui imbibent les pores de leur odeur étrange… Elle prend ses repas où elle peut, cherchant un abri, terrifiée à l’idée qu’il y ait des «des gens» dans ses nouilles. Mais heureuse d’avoir pu transformer leur corps en une poudre si douce et si légère.

Caitlin parle de tout, même du putride, avec des mots simples et lumineux. Elle parle aussi de la difficulté qu’il y a à draguer des garçons lorsqu’elle sort du travail, trainant après elle l’odeur tenace du crématorium. Et de la magie qui consiste à clore les paupières et la bouche d’un cadavre, dont il faut masser les muscles pour lui donner l’expression apaisée. Ce contact peau à peau c’est sa thérapie quotidienne. Le livre, rédigé six ans après ses débuts dans le crématorium, retrace l’histoire d’une réconciliation avec soi-même. Ses mots ne sont pas sans rappeler ceux du livre Mille cercueils, bouleversant documentaire consacré à la morgue improvisée de Kamaishi dans laquelle – après le grand séisme du 11 mars 2011 au Japon – des survivants se sont battus pour redonner aux morts un nom, un visage et une famille. Il y a de la beauté dans le rapport aux cadavres. Une beauté extrêmement proche parfois de ces gestes amoureux qui nous réconcilient avec ce corps que nous aimons si peu. Et pourtant, c’est ce corps-là que l’autre désire. C’est ce corps-là que quelqu’un caresse, même lorsque nous n’y sommes plus… qu’en souvenir. Il y a donc quelque chose de précieux en lui ?

A LIRE : Chroniques de mon crématorium, Caitlin Doughty, éditions Payot-Rivages.

Mille Cercueils, de Kôta Ishii, traduit bénévolement par le groupe Honyakudan, afin d’aider les survivants du du séisme et du tsunami du 11 mars 2011 au Japon. Editions Seuil.

avril 05, 2015

22:23

Elle donne de l'amour aux morts

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A LIRE : Chroniques de mon crématorium, Caitlin Doughty, éditions Payot-Rivages.

Mille Cercueils, de Kôta Ishii, traduit bénévolement par le groupe Honyakudan, afin d’aider les survivants du du séisme et du tsunami du 11 mars 2011 au Japon. Editions Seuil.

avril 01, 2015

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15:43

Vous êtes plutôt chatte ou scorpion ?

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Vendredi 3 avril, au festival «Hallucinations collectives» de Lyon, le film Femina Ridens (1969) pose la question de savoir comment une femme, séquestrée par un sadique, peut survivre. Quelles armes utiliser contre un homme beau, pervers et cruel ?

Le Docteur Sayer dirige une célèbre organisation philanthropique.

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Une jolie journaliste, tout juste embauchée par sa fondation, entre dans son bureau avec un dossier sensible : la stérilisation forcée des hommes en Inde. «Qu’en pensez-vous ?», lui demande Sayer. «Si un homme a déjà eu deux ou trois enfants, sa stérilisation s’impose», répond-elle. Tension palpable. Le Docteur Sayer parle d’«atteinte à la puissance virile». La journaliste s’incline, promet de rédiger un rapport conforme aux opinions de son employeur… mais réclame des arguments plus solides. «Venez chez moi demain, je vous remettrai des documents.» Le lendemain, après lui avoir montré sa précieuse collection de dagues, il lui sert à boire un whisky allongé de narcotique.

La belle reprend ses sens dans l’antre d’un sadique. Le Docteur Sayer montre son vrai visage : il hait les femmes, persuadé qu’elles cherchent à dominer le monde. Les féministes en particulier, dit-il, se préparent en secret à imposer leur suprématie : elles ont déjà mis au point des banques de sperme, accumulé des stocks leur permettant de se passer des hommes : «Vous comptez vous reproduire par insémination artificielle en vue de créer un monde composé uniquement de femmes, je le sais !». C’est le début d’un étrange huis-clos, au cours duquel, – dans le décor futuriste d’une villa de science fiction –, un blond aux yeux bleus, obsédé par la perfection physique, affronte une rousse aux yeux verts dont il pense pouvoir faire son esclave avant de la tuer. Il lui promet qu’il l’achèvera au moment de l’orgasme… Elle lui promet qu’elle le guérira de sa folie, car l’amour, dit-elle (avec des mines de chatte), l’amour seul peut le sauver.

Qui des deux mène le jeu de cet étrange combat ? Qui des deux est le plus diabolique, le plus pervers, le plus assassin ? Le film est d’une beauté plastique étourdissante, chaque plan tourné comme ceux d’un architecte fou : on dirait du Kubrick, mâtiné de Bunuel, assaisonné d’une dose de LSD. Le film date de 1969 et cristallise l’idée, alors très en vogue, de la guerre des sexes. Une guerre à mort qui renvoie dos à dos les discours les plus radicaux de l’époque. Le titre même du film Femina ridens, «La Femme qui rit», pourrait faire croire qu’il s’agit d’un brûlot féministe. Mais qui sont les héroïnes de ce film ? Une prostituée et une femme-scorpion. La première ne veut des hommes que leur argent. La seconde ne veut que les épingler à son tableau de chasse. Elles sont les incarnations des pires caricatures masculinistes. Le film, d’ailleurs, n’est guère plus tendre avec les mâles, poursuivis par leurs traumatismes infantiles, qui compensent leur terreur du sexe en jouant de l’orgue dans des cryptes néo-gothiques.

C’est à rien n’y comprendre. On se laisse emporter par ce film comme au fil d’un rêve baroque et prismatique menant le spectateur par des portes dérobées vers les chambres de l’inconscient. Pour y voir plus clair, certainement, mieux vaut, suivant l’exemple de Sylvain Perret, rédacteur en chef du site Internet 1Kult, le replacer dans son contexte : «Pour commencer, il ne faut pas oublier que le film était distribué comme du pur cinéma d’exploitation. Il était proposé à un public masculin venu se rincer l’oeil, et voir quelques séquences de sado-masochisme soft. Dans un tel contexte, il n’aurait pas été étonnant de voir le personnage féminin uniquement relégué à son statut de femme-objet. Pire, si celle-ci avait fini par apprécier être soumise à l’homme, par l’aimer, le film aurait navigué dans le tout-venant nauséabond à mon avis. Il est intéressant de voir (après coup) que la femme domine sans cesse le jeu, alors que le docteur (tout comme le spectateur pendant un temps) est persuadé du contraire. En fait, la femme se montre aussi dangereuse que l’homme, il y a donc une égalité, jusqu’au retournement de situation assez étonnant dans cette cinématographie d’exploitation. Et puis il y a cette fin somptueuse, transcendée par une statue de Niki de Saint Phalle…».

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Trois questions à Eric Peretti, qui présentera le film dans le cadre du festival Hallucinations collectives.

Comment comprendre ce film qui fait s’affronter un mâle et une femelle en miroir dans un décor psychédélique de murs coulissants et de vitres sans teints ?

Replaçons tout d’abord le film dans son contexte : le cinéma italien de la fin des années 60. Coincé entre les films d’auteurs et les films populaires (les fameux films bis), FEMINA RIDENS échappe à toute catégorisation et, encore aujourd’hui, demeure une belle énigme. Les années 60 et leur psychédélisme pop touchent à leur fin alors que la libération sexuelle oriente le cinéma vers des œuvres de plus en plus explicites, tant dans la représentation de la violence que de la sexualité, l’un allant d’ailleurs rarement sans l’autre. Depuis quelques temps, le giallo, thriller basant son script sur une intrigue policière tortueuse qui multiplie les fausses pistes et accumule les meurtres graphiques, attire les spectateurs dans les salles. Les femmes y sont souvent des victimes de choix, occises à l’arme blanche après qu’elles se soient savamment dénudées et époumonées. FEMINA RIDENS arrive au début de cette vague montante de gialli, et est encore souvent assimilé en tant que tel sur la base de son script à rebondissement et de ses séquences de nudité. Pourtant le film n’est pas un giallo, pas plus qu’il n’est une comédie érotique ou une étude psychologique comportementale. C’est une œuvre assez misanthrope qui, une fois qu’on l’a cataloguée comme misogyne, se fait un malin plaisir à verser dans la misandrie, et qui ne se prend jamais trop au sérieux, alternant passages graves et scènes à mourir de rire.

Mais peut-on le qualifier de féministe ?

Pourquoi pas, puisqu’au final c’est la femme qui mène le jeu, comme dans de nombreux films basé sur le sadomasochisme tel de THE IMAGE (Radley Metzger, 1975). Car oui, FEMINA RIDENS est aussi un huis-clos basé sur un faux-semblant où les rôles de dominant/dominé ne sont jamais clairement définis mais en constante rotation. Mais voilà, le film est écrit par un homme (ce sont même trois hommes en réalité qui sont crédités au scénario) et pour mettre en avant la suprématie féminine, le réalisateur passe par toute la panoplie de la séduction voyeuriste qui consiste à dévoiler l’anatomie de son actrice principale à mesure que son plan se dévoile au spectateur, faisant monter le désir d’en voir et d’en savoir plus. En amenant l’ambiguïté vers un point de non retour, puisque l’héroïne devient l’incarnation vivante du pire cauchemar masculin, le film semble alors conforter la vision réductrice de la femme manipulatrice et castratrice, faisant ainsi le jeu contraire du féminisme. Je ne vois pourtant pas la toute fin du film de cette façon, mais plutôt comme l’aboutissement d’une lutte de haut vol à l’issue de laquelle celui ayant su à la fois utiliser ses ressources et exploiter les faiblesses de son adversaire, remporte une victoire éclatante. FEMINA RIDENS ne se termine pas comme une démonstration de perfidie, mais comme un thriller d’exploitation dans lequel le plan parfait s’est déroulé sans accrocs.

 S’il est féministe, ce serait quelle tendance du féminisme ?

S’il fallait trouver une case pour ranger FEMINA RIDENS, ce serait dans le tiroir du film de revanche, voire même du film de vigilante. Ne s’agit-il pas là d’un précurseur féminin de l’essence du personnage de Paul Kersey, le justicier incarné par Charles Bronson dans UN JUSTICIER DANS LA VILLE, qui fait, à sa manière disparaître ceux qu’il juge comme dangereux pour son modèle sociétaire ?

Vendredi 3 avril : Femina Ridens. A 17h, dans le cadre du Festival «Hallucinations collectives» (du 31 mars au 6 avril)

CINEMA COMOEDIA : 13 Avenue Berthelot, Lyon 69007 Tel: 04 26 99 45 00

mars 30, 2015

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17:52

Problème de libido… ou de ventre ?

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Déprimé(e) ? Fatigué(e) ? Pas envie ? Avant d’aller chercher un psy, posez-vous la question de savoir comment vous digérez. La réponse à nos ennuis ne se trouve pas forcément dans la tête, mais plus bas : nos intestins.

Il y a des livres qu’on dévore, surtout quand ils répondent aux questions essentielles: pourquoi pétons-nous, pourquoi les humains qui défèquent accroupis n’ont pas d’hémorroïdes, pourquoi sommes-nous parfois vidés de toute énergie… Ce livre formidable, réjouissant, instructif, s’intitule «Le charme discret de l’intestin» (sortie chez Actes Sud début avril). Il a été écrit par une passionnée de gastroentérologie, Giulia Enders, 25 ans.

Dès le début du livre, elle explique : sa passion lui est venue d’une grave maladie, à 17 ans. Un jour, Giulia Enders souffre d’une plaie anodine à la jambe. Le médecin lui conseille une crème. Quelques jours plus tard, d’autres plaies se propagent sur ses deux jambes, puis sur son visage et ses bras. Pendant un an et demi, Giulia Enders consulte tous les dermatologues possibles, sans qu’aucun d’eux ne trouve la solution et doit porter des bas pour que les suintements de ses plaies ne tâchent pas ses vêtements. «On me demandait si j’étais stressée, si j’avais des problèmes personnels.» Giulia décide de prendre son mal en main et part en quête d’informations. Elle tombe sur un compte rendu évoquant une pathologie similaire. «Le patient était tombé malade après avoir pris des antibiotiques»… comme elle, juste avant l’apparition de la première plaie. Giulia se renseigne sur les antibiotiques. Ce sont des armes de destruction massive qui tuent les bactéries, qu’elles soient bonnes ou mauvaises. Ils dévastent la flore intestinale. Or c’est la flore intestinale qui produit 80% de nos défenses immunitaires. Giulia pense que sa maladie n’a rien à voir avec la peau. Elle change de régime alimentaire et guérit. C’était donc une maladie liée au système digestif.

Elle entame des études de médecine, filière intestins. Ses intuitions se précisent : les maux que nous attribuons au stress ou au spleen naissent parfois d’intolérances presque invisibles à certains aliments ou de carences en « bonnes » bactéries. «En première année, à une soirée, j’étais assise à côté d’un garçon qui avait l’haleine la plus fétide qui soit. C’était une odeur très étrange […]. Au bout d’un moment, je suis allée m’asseoir plus loin. Le lendemain, le garçon était mort. Il s’était suicidé. Cette histoire ne m’a pas quittée. Se pouvait-il qu’une indigestion défaillante influence notre état psychologique ?». Il y a un lien direct entre la tête et l’intestin. Ce lien, mis à jour depuis relativement peu de temps, fait actuellement l’objet de recherches qui ouvrent de nouveaux horizons dans la compréhension de l’humain. L’intestin est au moins aussi bavard que le cerveau. Mais ce que l’intestin raconte se limite généralement à des bruits de flatulence ou de renvois : ce qui sort de lui, par en bas ou par en haut, n’a guère de chance de nous faire obtenir un prix Nobel. Raison pour laquelle l’intestin a si longtemps été dédaigné. En faire le centre du Moi ? Quelle idée absurde.

Il y a en moyenne cent billions de bactéries dans nos intestins. Le travail qu’elles effectuent parvient à notre cerveau sous forme de signaux qui atterrissent dans les régions généralement activées par des opérations comme la perception du moi, la gestion des sentiments, la moralité, la peur et la mémoire. En 2011, John Cryan, un chercheur irlandais, met à jour l’influence des intestins sur la capacité de survie d’une souris : il nourrit la moitié de son échantillon avec une bactérie connue pour ses effets bénéfiques pour l’intestin puis les met dans une bassine d’eau où elles n’ont pied nulle part. C’est un test typique pour étudier la dépression chez un sujet : combien de temps va-t-il nager en pensant trouver un point d’appui ? «C’est au fond l’un des archétypes de notre existence, dit Giulia Enders. Quelle énergie mettons-nous à chercher quelque chose (le sol sous nos pieds, un diplôme, la satisfaction ou la joie) ?». Les souris qui ont les tripes boostées au lactobacille L.rhamnosus JB-1 non seulement nagent plus longtemps mais leur sang contient moins d’hormones de stress et sont plus performantes dans les tests de mémoire et d’apprentissage. Conclusion : soignez vos bactéries intestinales.

«95% de la serotonine (hormone du bien-être) que nous produisons nous-même est fabriquée… où ? Dans les cellules de l’intestin. […] Toute personne qui souffre d’états anxieux ou dépressifs devrait garder à l’esprit qu’un ventre mal en point peut aussi être à l’origine d’humeurs noires. Par exemple quand il réagit à trop de stress ou à une allergie alimentaire non détectée». Giulia Enders cite aussi le cas d’empoisonnements presque invisibles à certains parasites tels que les toxoplasmes, dont on sait maintenant qu’ils peuvent provoquer des réactions suicidaires. «Une jeune femme de 32 ans s’entaille un jour volontairement le poignet avec la lame d’un rasoir de supermarché. L’envie était trop forte. Un fan de voiture de course de 50 ans appuie sur l’accélérateur et fonce tout droit dans un arbre. Il meurt sur le coup. Un rat s’allonge dans une cuisine, juste à côté de la gamelle du chat.» Ces trois sujets souffrent du même mal. Ils ont été contaminés par les toxoplasmes, des micro organismes parfois présents dans l’estomac des chats. Il suffit d’avoir un chat infecté et de changer sa litière sans se laver les mains… puis de manger un fruit. On devient l’hôte du toxoplasme. Rien de trop grave a priori : «Ces parasites n’ont pas beaucoup d’impact sur les adultes en bonne santé. Certains remarquent quelques symptômes grippaux, mais la plupart des gens ne remarquent rien du tout. Passé la phase aiguë de l’infection, les toxoplasmes entrent en hibernation et ne dérangent plus»… ou presque.

En 1990, une chercheuse à Oxford, Joanne Webster, démontre que des rats atteints de toxoplasmose deviennent kamikazes : ils sont attirés par l’odeur du chat. Pourquoi ? Parce que les toxoplasmes veulent rejoindre un intestin de chat, le seul endroit où ils peuvent vivre. Les rats ne sont que des taxis pour eux. Se pourrait-il que les toxoplasmes puissent également prendre les manettes à bord d’un humain et le pousser à devenir suicidaire ? Oui. Une étude de grande ampleur est menée en Tchécoslovaquie. 3890 participants subissent une prise de sang puis sont suivis au cours des années qui suivent. On évalue tous leurs accidents de route. Ceux qui arrivent en tête du classement des crashs sont les sujets infectés et porteurs du groupe sanguin rhésus négatif (qui apparemment protège moins que les autres groupes sanguins). Comment cela se fait-il ?

Simple, répond Giulia : «en cas d’infection à la toxoplasmose, le système immunitaire active un enzyme (IDO) pour nous protéger des parasites. Celle-ci résorbe alors en quantité accrue une substance dont les envahisseurs se nourrissent et les force ainsi à entrer dans une phase de somnolence et d’inaction. Malheureusement, la substance en question est aussi l’un des ingrédients permettant de fabriquer la sérotonine (pas assez de sérotonine : états dépressifs ou anxieux). IDO faisant son possible pour affamer le parasite, le cerveau manque de sérotonine.» Non seulement nous devenons chagrins, mais parfois même léthargiques et comme anesthésiés. Nous ne sentons plus la douleur. Nous sommes aussi désinhibés par rapport à tout plein de pensées qui jaillissent de cette zone cervicale dites «des possibles» que la toxoplasmose attaque. «Je pourrais me mettre à lécher la table. Je pourrais chanter une chanson. Je pourrais donner un coup d’accélérateur et fermer les yeux. Je pourrais prendre cette lame de rasoir.» A chaque seconde des centaines de possibilités s’offrent à nous. Certaines sont sélectionnées pour devenir réelles. Voilà pourquoi, conclut Giulia, il faut prendre soin de notre intestin. Ce que nous mangeons peut nous faire faire des choses affreuses… ou le contraire.

A LIRE . «Le charme discret de l’intestin», de Giulia Enders, Actes Sud.

Illustration : L’artiste Paloma Blanco détourne des images pornos avec un sens aigu de la carte postale kitsch. Elle recouvre les anatomies de costumes rigolos et ne garde que les visages, décontextualisés de la façon la plus réjouissante qui soit. Son travail : Porno Tapados.

mars 25, 2015

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11:25

Peut-on se masturber sur du rouge à lèvre ?

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Andy Warhol prétend avoir arrêté de faire des films après avoir découvert le cinéma gay de Wakefield Poole. Wakefield Poole est un précurseur du porno. Son oeuvre la plus étrange – Bijou – sera projetée à Lyon, samedi 4 avril, dans le cadre du festival Hallucinations Collectives.

Accident de voiture à New York. Une femme est renversée par une voiture sous les yeux d’un ouvrier de chantier qui ramasse le sac à main de la victime et le glisse sous son blouson. Une fois rentré chez lui, l’ouvrier fouille le sac : un nécessaire à maquillage et un billet pour un spectacle qui a lieu le soir-même… L’homme, déçu, prend le rouge à lèvre, le renifle, le lèche, se masturbe en pensant à la femme puis décide de se rendre au spectacle. «Bijou». A l’adresse indiquée, personne… ou presque. Une guichetière obèse l’accueille sans un mot, tend le doigt vers l’entrée obscure de ce qui pourrait être un club, plongé dans l’obscurité. L’ouvrier avance à l’aveugle et c’est alors que commence le rêve. Telle Alice, le voilà guidé par des phrases qui clignotent : «Enlevez vos chaussures», «Enlevez vos vêtements». Nu comme un mort, il avance à travers des labyrinthes de miroir, qui forment la ronde avec lui, puis s’effacent, à travers des forêts de mains géantes, des paysages psychédéliques de corps géants et des projections scintillantes… Le film déploie, avec une lenteur irréelle, la trame d’un rêve initiatique étrange et baroque. Atmosphère d’apesanteur. Sensation de vide…

Le samedi 4 avril, à Lyon, ce film expérimental de 1972 sera présenté par Eric Peretti, inconditionnel du cinéma Bis, dans le cadre du festival «Hallucinations Collectives» qui commence dès le 31 mars. Le festival – organisé par l’association Zonebis – a pour ambition de faire redécouvrir des perles rares, parmi lesquelles Bijou brille d’un éclat si particulier. «Pour comprendre Bijou, il faut d’abord présenter Wakefield Poole, explique Eric Peretti. Sa première expérience homosexuelle a lieu dans les toilettes d’un cinéma, avec un marin de passage. Il est alors très jeune. Il devient danseur de ballet, puis chorégraphe à succès. Il assure la mise en scène de nombreux spectacles à Broadway, mais aussi pour la télévision américaine. En 1968, il tombe amoureux d’un amant sculptural. Il s’amuse parfois à le filmer avec une petite caméra 16 mm, mais rien de sérieux. Jusqu’au jour où… en 1970, il se rend avec des amis dans un cinéma porno gay qui projette un film médiocre, Highway Hustler. Poole se met en tête de réaliser un porno gay qui ne soit pas dégradant. Il tourne donc sur une plage ensoleillée de Fire Island une première séquence dans laquelle son amant fait l’amour avec un éphèbe qui émerge de l’océan. D’autres scènes sont tournées, ce qui donne naissance au premier film pornographique (gay) chroniqué par le New York Times (plus de 6 mois avant Gorge Profonde !), ouvrant véritablement la voie à ce que l’on nomme maintenant le porno chic».

Le film s’intitule Boys in the Sand («Garçons dans le sable»). Wakefield Poole le signe de son véritable nom. Après Bijou, il réalise un troisième film intitulé Bible. «C’est un film soft dans lequel il reprend trois récit de la bible incriminant des femmes mais pour cette fois les mettre en position de force, offrant une surprenante relecture de l’histoire, le tout sans dialogue et sur de la musique classique…». Après Bible, qui fait un flop, Wakefield Poole fera encore des films mais ces derniers seront de moins en moins intéressants, pour devenir quasiment «anonymes» dans les 80’s (1). Le porno se codifie et perd toute mixité. Homos et hétéros cloisonnent le genre. On ne mélange plus. Plus question pour un gay de se masturber sur une femme, même par tube de rouge à lèvre interposé… Le X «impose progressivement une dictature du physique et des pratiques, pour devenir un genre à tiroirs», explique Eric Peretti qui regrette l’effet de mystère troublant provoqué par la vision, presque fantomatique, de beautés dénudées dans Bijou… La fascination exercée par ce film repose en grande partie sur l’énigme posée par la bisexualité du héros. Est-il à voile ou à vapeur ? Mais cette question, en apparence futile, n’est jamais que le commencement d’une interrogation plus profonde… «A mon sens, le voyage proposé par Bijou à plus à voir avec l’accomplissement de soi qu’avec la découverte d’une orientation sexuelle immuable. Mais, comme le voulait Poole, chacun peut fantasmer sa propre trame. A sa façon, Bijou est donc un moins un film-puzzle dont il faut assembler les éléments pour le comprendre, qu’un test de Rorschach ouvert à toutes les interprétations. Il n’y a pas de mauvaises réponses possibles».

Pour finir, trois questions à Eric Peretti.

Andy Warhol connaissait-il Wakefield Poole ?

Poole a toujours été un grand admirateur du travail de Warhol dont il a d’ailleurs acheté quelques oeuvres. En 1970, armé de sa caméra 16mm, il se rend au Whitney Museum lors de la rétrospective Warhol pour y filmer l’exposition. Son court métrage expérimental fait littéralement fusionner les œuvres de Warhol dans un montage qu’il accompagne de musique classique. Une fois ce film hommage achevé, et baptisé ANDY, il en donnera une copie à Warhol. Il n’a jamais su si ce dernier l’a visionné ou non. Toujours est-il que dans une interview qu’il accordera au New York Times en 1972 (donc après la sortie de BOYS IN THE SAND et de BIJOU) et au cours de laquelle on lui demandera pourquoi il ne réalise plus de films, Warhol répondra : « Après les films de Wakefield Poole, les miens semblent très naïfs et n’ont plus d’utilité ». Pour info, une copie d’ANDY se trouve au Warhol Museum de Pittsburgh. Tout ça pour dire que Poole a vraiment baigné dans l’univers d’Andy Warhol et que son cinéma a certainement pu en être influencé.

Pourquoi faut-il qu’une femme meure pour que le film commence ?

De nombreux films à énigme débutent par la mort d’un personnage. Bijou n’y fait pas exception, mais utilise ce brusque décès non pas pour conduire une enquête policière, mais pour amorcer un voyage initiatique. En se délestant d’entrée du personnage féminin qu’il nous a pourtant fait suivre dans son introduction, le film affirme son appartenance à un genre bien précis, le all male cast. Et pourtant, la femme continue de hanter l’univers du film : c’est elle qui guide notre héros vers le club Bijou et indirectement lui ouvre les portes d’un autre monde. C’est encore cette même femme, ou plutôt son image, qui vient s’incruster au centre d’un kaléidoscope homo-érotique fantasmé juste avant l’accomplissement final du personnage principal…

Pourquoi intituler le film «bijou» ?

Là encore, on en revient au désir de Poole de créer une œuvre qui ne soit pas figée. Mon côté pragmatique d’historien du cinéma me fera dire que le nom Bijou était très usité dans les années 30-40 pour nommer des salles de cinéma. De nombreuses villes américaines possédaient un Bijou Theater, et Wakefield Poole a justement grandi à cette période dans une petite ville… Mais dans un sens plus large et artistique, pourquoi ne pas simplement reconnaître que Bijou est autant une façon de nommer le film que de le qualifier, puisqu’il s’agit d’un véritable joyau.

ZoneBis présente sa 8ème édition du festival Hallucinations Collectives : du 31 mars au 6 avril 2015 au cinéma Comoedia, à Lyon.

Hallucinations Collectives cherche à faire (re)découvrir à un large public tout un pan du cinéma injustement oublié ou méprisé : des films aux qualités réelles, mais qui, sortant des sentiers battus, ont eu du mal à trouver leur place au sein des réseaux de distribution et face à la critique.

NOTES

(1) «Poole tiendra longtemps un magasin d’art à San Francisco et vendra des copies 8mm de ses films pour gagner sa vie. Lorsque les temps seront durs, il passera un diplôme de chef cuisinier et exercera ce métier pour de grandes institutions.» (Source : Eric Peretti)

mars 23, 2015

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12:02

«Jouer avec le feu» : la sexualité enfantine en images

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Le peintre punk Antoine Bernhart, dresse actuellement au Musée d’art contemporain de Genève un catalogue de perversions enfantines à faire frémir. Chaque tableau, comme au cirque, représente un numéro. Dans l’arène circulaire et fatale, des martyres croisent des satyres, sont livrées aux bêtes ou découpées en morceaux.

«Meurtres, viols, mutilations en tous genres, zoophilie, coprophagie… Le catalogue d’actes de barbarie proposé par Antoine Bernhart est-il soluble dans le champ de l’art contemporain ? Membre du groupe néo-surréaliste Phases dès 1968, A. Bernhart finira par se faire exclure du mouvement quelques années plus tard au prétexte que ses délires pornographiques seraient trop extrêmes.» Sur le site du Mamco (Musée d’art contemporain de Genève), c’est ainsi que les travaux d’Antoine Bernhart sont présentés : comme des œuvres radicales, qui tranchent sur la production dominante de l’art contemporain. L’exposition – interdite aux moins de 18 ans – s’intitule «Jouer avec le feu» et confronte le visiteur à des scènes infernales de tortures sexuelles travaillées par la joie. Joie d’être en vie, joie d’être en rut. Joie sauvage de l’enfant qui découpe au canif tout ce qui lui tombe sous la main… Les tableaux d’Antoine Bernhart ressuscitent ces moments de jouissance pure qui hantent nos noirs paradis. Interview.

D’où viennent ces visions ?

«Les images me tombent toujours dessus à l’improviste et je les saisis au vol dans mes petits carnets. J’en ai des centaines en attente».

Votre technique de travail est assez spéciale je crois : vous piochez dans des collections de mains coupées, de pieds tranchés, de têtes décapitées, de chaussures, de vêtements, d’éléments de décor en pièces puis vous assemblez tous ces éléments disjoints ?

«Je commence par dessiner les corps en m’aidant parfois de photos pour des détails. Puis je les découpe suivant les contours et je feuillette les classeurs dans lesquels sont mes croquis de visages. Quand l’un d’entre eux me convient, je le colle sur le corps dessiné, sinon j’en fais un pour l’occasion. Je fais de même avec tous les personnages et je les place en situation sur une feuille et je les fixe provisoirement. A présent je m’occupe des mains et des pieds dessinés au préalable sur des petits bouts de papier. Je les découpe et les ajoute aux personnages. Pour finir il reste le décor –forêt ou papier peint– que je glisse derrière les personnages et je colle le tout. Se rajoutent souvent des flammes, des éclairs, des animaux, les agents du chaos. Une fois que tout est en place, j’en tire des photocopies à la dimension voulue et je décalque le tout à la table lumineuse.»

Y’a t-il un lien entre le chaos de ces corps en pièces détachées que vous collectionnez et la violence que vous mettez en scène ?

«J’aurais tendance à répondre : «Quelle violence?». Je ne pense pas que cette restitution des corps par collage de parties anatomiques ait quelque chose à voir avec la violence. Découper du papier ce n’est pas comme planter les ciseaux dans un œil. D’autre part je ne crois pas que ma manière de construire l’image soit particulièrement originale, mais c’est une technique que j’aime bien, c’est amusant, excitant et surprenant car il y a toujours des dérapages, des trucs qui apparaissent dans le feu de l’action.

Mais revenons à la violence. J’aime mes personnages et peut-être plus encore ceux que je torture et massacre. J’ai un rapport érotique avec eux et je me contrefous de savoir si cette relation est perçue comme violente. Ce sont des images, c’est de la représentation. Si mes images perturbent, ce n’est pas mon problème, moi elles m’enchantent, c’est tout ce qui compte.

Bien sûr il m’est arrivé de pratiquer la vraie violence. Tous les gamins font des expériences… Mais c’est tout à fait autre chose. Et je dois ajouter que les personnes qui se permettent de critiquer ce que je fais d’un point de vue moral, ne font rien pour s’opposer aux vrais tueurs que sont, par exemple, Tepco et Areva.»

Quels sont vos jeux préférés ?

«Les jeux érotiques, ça tombe sous le sens. Mais les jeux en tant que jeux, et non pas comme «préliminaires», mot que j’ai en horreur. A l’âge de cinq ans je m’amusais avec mes petites voisines légèrement plus âgées que moi et c’était une excitation quotidienne merveilleuse. On s’enfonçait des doigts, des objets, on se mordait, on se léchait, on se pissait dessus, chaque trouvaille était chargée, mais on ne savait rien du rapport sexuel proprement dit, la queue dans la schneck. Ce qui fait que ces jeux avaient leur propre finalité, ce n’était pas des «étapes» avant la baise. Retrouver l’état de grâce des émotions érotiques enfantines est une de mes drogues préférées. Je pense que l’art du ligotage rejoint cette notion de jeu en créant un désir lancinant, une excitation permanente sans forcément déboucher sur l’accouplement. Du coup l’imaginaire prend son vol. Les images érotiques ont le même pouvoir.»

Exposition «Jouer avec le feu», d’Antoine Bernhart

Du 18 février 2015 au 10 mai 2015, au MAMCO

MAMCO : 10, rue des Vieux-Grenadiers, CH-1205 Genève

Téléphone : +41 22 320 61 22

Pour en savoir plus : un article d’Etienne Dumont sur le site Bilans ; article sur Les 400 culs : «Au coeur des ténèbres» et «Les contes sombres et sadiques d’Antoine B.»

mars 16, 2015

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9:26

Un coussin qui dit "Non" quand…

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Un coussin qui dit «Non», quand on lui caresse les seins ? Personne ne s’en étonnera, c’est au Japon que cela se passe. Pourquoi ? Parce que le geste de caresser fait partie des moyens les plus souvent utilisés pour attirer à soi la force et le bonheur.

Le 6 mars 2015, à Tôkyô, l’exposition de robots japonais « Sensors ignition » voit apparaître un nouveau type d’objet interactif : un polochon orné d’une jeune fille grandeur nature dotée d’un système vocal et de senseurs programmés pour la reconnaissance du toucher. Lorsqu’on la touche, donc, la jeune fille imprimée en trompe-l’oeil sur la housse de traversin gémit une plainte, soupire, proteste ou encourage… Les visiteurs de l’exposition se précipitent : hommes, femmes, ils la touchent tous-tes. Mais selon qu’ils palpent la tête ou les fesses de la jeune fille, ce qu’elle dit est différent. Mieux : les propos qu’elle tient varient suivant la façon dont les humains la traitent. Ceux qui l’effleurent d’une main douce déclenchent un cri du coeur : «Cela me donne envie de t’aimer plus» (Kore ijô suki ni nattara dôsun no, これ以上好きになったらどうすんの). Ceux qui, au contraire, fourragent maladroitement le traversin s’attirent une réprimande : «Uhhh, ne me touche pas» (Moooo, sawan’nai deyo, も～っ、さわんないでよ). Certains visiteurs sont vexés lorsqu’elle crie «Ouille» (Itai, 痛い). D’autres sourient aux anges lorsqu’elle roucoule. Les réactions sont aussi contrastées que les innombrables répliques de la jeune fille.

Sur Internet, le site qui présente le produit explique : «Ce coussin – conçu pour émettre des sons quand on le caresse – s’appelle Itasupo». Itasupo est composé du mot Itai («J’ai mal») qui signifie en argot «J’ai honte». Le coussin est produit à l’attention des personnes qui aiment l’idée qu’une fille rougisse, frémisse, le cœur serré, partagé entre des sentiments contradictoires de plaisir, de douleur et de pudeur offensée. Le site explique : «Les senseurs sont placés à certains endroits précis, qui correspondent à des parties du corps. Par exemple, quand on caresse la tête, la voix fait : «Ahhhhh c’est agréable» (Kimochi iiinyaaa, 気持ちいいにゃ～). Quand on caresse les seins, elle fait : «Arrête pervers» (Yamete yo ecchi, やめてよエッチ).» Mais tout dépend, bien sûr, de la façon de toucher : les petites phrases changent suivant le type de pression. Il est d’ailleurs prévu que le répertoire de ces petites phrases soit régulièrement renouvelé et que les utilisateurs puissent même avoir le choix entre différentes voix de jeune femme : voix de pinson, voix de gorge, voix d’héroïne de dessin animé… Tout est possible avec ce système, qu’il est possible de relier, via un smartphone, au serveur sur lequel des «applis» de voix devraient bientôt être mises en accès payant. Il suffira de les télécharger pour que le coussin change de personnalité, d’humeur ou d’état d’âme…

L’auteur du produit s’appelle Koichi Uchimura, créateur de la compagnie Joyas (Joyeux ?) dédié aux coussins interactifs. Koichi est un fan de manga. Il vit dans la ville de Fukuoka, sur l’île de Kyushu. Il a fait des études dans un lycée technique. Il aime l’électronique et surtout les dessins animés. Lorsqu’il lance son projet d’Itasupo, via crowdfunding, il est probablement loin d’imaginer que beaucoup de personnes s’y intéressent. Son but, au départ, est de rassembler 500 000 yens pour le lancement du produit. Il obtient plus 2,3 millions de yens. 466% de réussite ! Il reste encore 43 jours avant la clôture de l’appel à participations, ce qui augure un avenir radieux. Le projet, d’ailleurs, est déjà en pleine phase de diversification. Koichi Uchimura vient à peine de créer son premier personnage qu’il prévoit d’autres types de beauté. Pour l’instant, la jeune fille qui orne la taie d’oreiller est une jeune eurasienne : née d’un père japonais et d’une mère allemande, cette «half» (ainsi qu’on nomme les métis au Japon) se présente sous les traits d’une blonde aux yeux bleus verts appelée Makuraba Rina. «Bien qu’elle ait une attitude très rebelle en général, elle est capable de tomber amoureuse d’une façon pleine et entière. Egoïste et indépendante en apparence, c’est une jeune fille qui possède en réalité un cœur très pur.» Deux autres personnages sont déjà dessinés. Il s’agit pour la firme Joyas d’offrir un choix de taie de traversins – et d’interactions affectives – plus grand, afin que chaque client(e) trouve le-la partenaire à son goût. Le fait que cette partenaire soit un coussin n’a d’ailleurs rien d’innocent.

Articles de literie et invocation des forces positives

Les polochons ornés d’une image imprimée de personnage grandeur nature sont nommés daki makura au Japon: «coussin à étreindre». La tradition de ces coussins «à serrer dans ses bras» est ancienne : dès le 18e siècle, de nombreuses estampes montrent des hommes enlacer leur futon, enroulé et noué dans une étoffe douce, afin de lui faire prendre une forme humaine. Le magnifique livre d’estampes d’Ofer Shagan – L’Art érotique japonais, le monde secret des shunga – récemment publié aux éditions Hazan, en offre quelques aperçus inédits : à la page 205, une oeuvre de Keisai Eisan intitulée Makura bunko (1822-1823) montre un homme qui fait l’amour avec son édredon, glissant son pénis dans un pli du tissu qui dissimule probablement une fausse vulve. Page 174, une autre gravure (de Takehara Shunchôsai, datée de 1778) montre une femme endormie, qui prend son traversin pour un fougueux amant : elle l’agrippe avec passion. De cet usage détourné de la literie, Itasupo ne fait que réactualiser les principes, suivant une logique très proche de celle qui préside aux cérémonies religieuses au Japon : il s’agit, en célébrant le bonheur, de générer le bonheur. Les sentiments seuls sont appelés à se manifester.

Or les articles de literie sont les instruments privilégiés de la joie et de l’invocation des forces positives : ils s’offrent comme les vecteurs privilégiés du rêve. Leur fonction d’adjuvants au sommeil (conçus «pour bien dormir») les rend tout particulièrement aptes à assurer le bon déroulement de ce voyage à caractère onirique qu’est la masturbation. Mais il existe une autre raison, liée probablement à la valeur particulière que revêt la notion de «toucher» dans cette culture qui privilégie le langage corporel et la transmission de pensée sans les mots. Tous les objets qui entrent au contact du corps humain, surtout s’il s’agit d’un contact prolongé, par caresses répétées ou par frottement, sont considérés comme potentiellement susceptibles d’être contaminés par l’humain. Ils absorbent la psyché de leur utilisateur et sont donc plus aptes à se laisser investir par ses émotions, ses désirs, ses attentes, etc. Raison pour laquelle au Japon on n’hésite parfois pas à toucher les sculptures sacrées : afin de leur procurer un plaisir dont on espère en retour recevoir les influx positifs.

L’Art érotique japonais, le monde secret des shunga, d’Ofer Shagan, éditions Hazan.

Merci à Philippe A.

mars 09, 2015

8:06

La tectonique des spasmes

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Pourquoi voyons-nous les cîmes arrondies comme des seins et des courbes de femmes allongées dans les paysages ? Dans un numéro spécial «Erotisme», la revue L’Alpe explore le lien entre montagne et nudité, «grimper» et «grimper», froisser les draps et faire une ascension.

Le mot séduction vient du latin seducere qui signifie «emmener à l’écart», «détourner du droit chemin». C’est une des raisons peut-être pour laquelle les paysages tourmentés de montagne exercent une telle attraction, similaire à celle qu’exerce le paysage des draps froissés…

Suivant les chemins tortueux de leurs plis, on se prend à rêver de parcours détournés, ponctués d’embranchements en Y, de goulots ou de gorges dont l’énumération elle-même renvoie à l’idée des désirs : ils vont rarement tout droit. La revue L’Alpe s’interroge : pourquoi, dès les années 1880, certains photographes ont-ils déshabillé leurs modèles sur des corniches à flanc de montagne ? Pourquoi les affiches vantant les charmes des stations de ski ont-elles, rapidement, montré des seins plutôt que des pics ? Pourquoi les premières communautés nudistes se sont-elles établies en altitude ? Et surtout… pourquoi voyons-nous des topographies dans les empreintes textiles laissées par le corps ?

Pour l’artiste Cécile Beaupère et le poète et photographe Jean-Louis Roux, dont L’Alpe publie les œuvres sur six magnifiques pages, tout commence au lendemain d’une nuit d’amour. Leur histoire vient de commencer. Cela se voit au petit matin. Le lit défait garde d’étranges stigmates. Jean-Louis Roux décide de les photographier, en lumière rasante et gros plan. Le cliché évoque une étendue de crêtes enneigées à l’aube. Cécile se prend au jeu et décide elle aussi de dessiner ces massifs en trompe-l’œil dont le désordre évoque la violence des séismes et des spasmes.

«Un de ces récents étés, j’ai posé un trépied devant le lit défait […]. Cécile s’en est étonnée, s’est tue longtemps, puis m’a confié qu’étant enfant, elle se représentait des paysages, lorsqu’elle faisait juste dépasser ses yeux des draps bordés par les mains parentales. Elle distinguait des montagnes et des gorges, des déserts et des ravins, qu’elle animait de personnages imaginaires, en les projetant par la pensée sur le relief des draps. Bien au chaud dans la touffeur des couvertures, la petite fille bougeait insensiblement l’une ou l’autre jambe, afin de bouleverser la géologie du lit. Elle était la géante, qui donnait vie aux Lilliputiens.

Depuis lors, le temps a fait son oeuvre […] : les rêves font désormais route commune. Draps de lin et bras de l’Autre… Nous traversons des continents, en sombrant côte à côte dans le sommeil. Nous en avons ramené des carnets de voyage et des albums de photographies, en nous offrant réciproquement les images de nos géographies mentales […] Nous avons survolé de vastes cordillères et des fjords étroits, des vallées et des crêtes, des cimes et des gouffres, des rivages et des plages. Nous avons franchi des traversins vastes comme de hauts plateaux, des collines aux courbes aussi moelleuses qu’un édredon. Nous avons discerné au loin — presque aussi loin que nos pieds — des flots battants, des lames hautes, des landes rases, des regs arides, des steppes froissées par la bise.»

Transformant le drapé en image-miroir du monde, les amants effectuent chaque nuit leur voyage presque immobile en direction des cimes. «La lune brille aussi timidement qu’une lampe de chevet», dit Jean-Louis Roux par allusion à cette forme de magie qui consiste à reproduire le monde en miniature dans l’espace étroit d’un cadre qui vaut pour l’univers. L’infini à portée de main : voilà les hauteurs inaccessibles réduites à celles d’un corps humain. Dans ce décor «enchanté» qui est celui du lit les draps forment un labyrinthe mouvant dont on ne sait pas s’il mène vers le haut ou vers le bas. La légende raconte que le labyrinthe menant en direction du Minotaure, la bête de sexe, fut dessiné par un architecte nommé Dédale, qui s’était inspiré d’un autre labyrinthe : celui menant aux enfers.

Jean-Louis Roux et Cécile Beaupère ont montré pour la première fois leur travail lors d’une exposition intitulée «Cécile et Jean-Louis sont dans de beaux draps» (Galerie Alter-art de Grenoble, été 2014).

La revue L’Alpe numéro spécial «Le sexe des Alpes Numéro (presque) érotique» est en kiosque et en librairie.

Illustration : carte postale de la montagne appelée Jungfrau (La jeune vierge). Photos de Jean-Louis Roux.

mars 04, 2015

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8:13

Les archives somatiques et le cul

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Il est courant de dire que nous sommes passifs face au porno, « exposés » comme à une menace, vulnérables et influençables. Pour la chercheuse Susanna Paasonen, « mater un porno » est une opération plus complexe, qui engage l’esprit, le corps et surtout la mémoire : le cul est directement relié à…

Dans les années 1970-90, le porno c’est la guerre : soit on est contre, soit on est pour. Au sein du mouvement féministe, le combat fait rage entre le camp des «anti» qui répètent «le porno avilit la femme» et des «pro-sex » ou «sex-positive» qui affirment le contraire. Les chefs de file du camp «anti» sont Andrea Dworkin (1946-2005) et Catharine MacKinnon (1946-). Elles partent du principe que la pornographie qui montre des femmes pénétrées, montre en réalité des femmes passives donc dominées. Bien que cette équation soit plus que douteuse – qui prend qui en matière de sexe ? (Une femme n’est pas passive lorsqu’elle absorbe l’homme, l’ingère, l’avale, le broie, le mâche et le recrache à l’état de noyau) – elle fait école. Pourquoi ? Parce qu’elle s’appuie sur «la théorie de la performativité du langage». Cette théorie, mise au point par le philosophe John Austin (1911-1960), repose sur l’idée que le langage ne fait pas qu’interpréter la réalité, mais qu’il l’a réalise. Les mots et les images nous conditionnent, explique McKinnon qui compare le X à l’hypnose : lorsqu’on voit des images de corps nus, dit-elle, cela détruit notre sens critique. En d’autres termes : «Un pénis en érection réduit l’esprit en bouillie» (1993 : 20). Pour McKinnon, la pornographie est une énorme machine à décérébrer, inculquant aux masses (excitées donc abêties) les gestes élémentaires de la phallocratie. Le X «définit ce que les femmes sont censées être, comment elles doivent être vues et traitées», dit-elle (1993) : de la chair à canon. De la viande. Un tas de trous (fumants, si possible).

Sa théorie est… imagée, mais elle devient rapidement caduque : lorsque la vidéo se démocratise et que tout le monde se met à tourner du porno-maison, la diversification de l’offre est telle qu’il devient difficile de tenir un discours toujours aussi manichéen. Peut-on dire que le X discrimine les femmes, lorsqu’on regarde deux hommes se sucer, des lesbiennes se goder ou des trans se faire fouetter par des dominatrices ? Il est temps de passer à une réflexion plus pointue. Au tournant des années 2000, plusieurs chercheurs-ses posent l’idée selon laquelle on ne subit pas la pornographie : on l’incorpore. Sur quoi repose leur théorie ? Deux arguments.

Premier argument : voir une vidéo, ce n’est pas forcément s’identifier à l’homme si on est homme ou à la femme si on est femme. Les spectateurs se projettent diversement sur les personnages qu’ils voient. Par ailleurs, ils n’adhèrent pas forcément aux idées mises en scène, mais peuvent au contraire trouver très excitant une situation qui, dans la réalité, leur ferait horreur. Se masturber sur l’image d’une jeune fille humiliée ou forcée ne signifie pas que l’on trouve cela normal. Au contraire. C’est la transgression qui excite. Affirmer que le porno «implante» en nous des désirs immoraux, c’est ignorer l’essence même de l’érotisme.

Deuxième argument : voir une vidéo porno, ce n’est pas forcément laisser le corps prendre le pas sur l’esprit. A cette vision binaire de l’humain, opposant la raison et la chair, le sens critique et le sensuel, des chercheurs-ses opposent une autre conception de ce qu’ils appelle «l’expérience du porno». L’expérience du porno, disent-ils-elles c’est une forme de connaissance qui passe à la fois par le corps et par l’esprit, qui tous deux réagissent, parfois en choeur, aux images avec lesquelles ils essayent de se synchroniser : il s’agit d’atteindre l’extase que l’on regarde à l’écran. La chercheuse Susanna Paasonen utilise pour le dire une très belle expression : «entrer en résonance». Nous sommes des caisses creuses, dit-elle, nous attendons en frissonnant que quelque chose ou quelqu’un nous fasse vibrer.

Susanna Paasonen est probablement une des chercheuses les plus intéressantes dans le champ de ce que l’on appelle maintenant les «études sur la pornographie» («porn studies»). Elle a enquêté pendant plus de dix ans sur les consommateurs de X, ceux-celles qui surfent sur Internet pour se mater des vidéos. Elle n’a cessé de leur poser des questions. Qu’est-ce qui vous excite ? pourquoi ? comment ? Des milliers de réponses accumulées, elle a tiré l’idée que «mater» du porno n’était certainement pas une activité passive. Ceux qui surfent non seulement se donnent du mal pour trouver les images capables de les exciter, mais doivent se concentrer sur ces images pour en tirer la substantifique moelle. Il faut qu’il y ait «une production de sens», résume le sociologue Florian Voros (1) qui l’explique ainsi : pour s’exciter, il faut investir des affects dans les images. On peut regarder du X pour se remémorer des souvenirs, en projetant sur le corps musclé du hardeur l’image d’un amant qu’on a eu. On peut s’imaginer à la place de la fille et avoir peur, avec les poils qui se dressent (cette queue est tout de même bien trop grosse, cela doit faire affreusement souffrir). On peut aussi déguster la seule beauté plastiques des corps, imaginer que l’on caresse les seins de l’actrice, sentir la chaleur de sa peau… Cela demande une certaine dose de concentration, la capacité d’imaginer et surtout celle de détourner les images en les faisant passer au filtre de ses propres expériences, ou envies.

Susanna Paasonen appelle cela les «archives somatiques» : ce sont les strates de souvenirs que les images pornographiques nous permettent de consulter, alors que face aux vidéos de cul nous mettons la main entre les cuisses… à la recherche d’émotions (parfois négatives) à ressusciter ou à exorciser.

Dans la revue Poli, publiée en octobre 2014 sous le titre «Sexe en public», Florian Voros consacre à Susanna Paasonen une longue et passionnante interview de dix pages, dont je me permets de citer un petit extrait (c’est Susanna qui parle) :

« Il y a déjà près de trente ans, Richard Dyer et Linda Williams proposaient une conceptualisation pionnière de la pornographie en tant que genre filmique corporel qui vise à éveiller chez le public des réactions physiques similaires à celles visionnées sur l’écran. […] À travers la notion d’archive somatique, je me suis intéressée à la manière dont le corps de celles et ceux qui visionnent du porno résonne avec les images et les sons des corps à l’écran. Cette résonance puise dans les strates de l’histoire corporelle des publics, c’est-à-dire dans les intérêts, orientations, traumatismes, fascinations, goûts et dégoûts qui y ont sédimenté. Les archives somatiques sont des accumulations d’expériences, des traces de mémoire corporelle, qui permettent de combler l’écart entre les actes visionnés et écoutés d’une part et les actes vécus dans la chair d’autre part. Telle résonance va être évoquée par la sensation de l’intensité du sexe dans telle vidéo, tandis que tel souvenir déplaisant va être réveillé par tel geste ou tel acte. il y a tout type de trafics entre les archives somatiques et les images et sons ressentis. La pornographie peut également introduire de nouvelles possibilités dans les palettes sensorielles, par exemple lorsque l’on est excitée par quelque chose que l’on n’a jamais expérimentée « en chair et en os ». Une bonne part de tout cela précède le processus de conscientisation : certains sons et images – ou gestes et scénarios – nous saisissent [grab] immédiatement, tandis que d’autres nous laissent indifférentes. Bien sûr, une bonne part du porno échoue complètement à créer de la résonance et il se pourrait bien que la question centrale soit celle de la dissonance, c’est-à-dire du dégoût, de la répugnance et de la consternation. Les images qui attirent telle personne ont toutes les chances de laisser telle autre indifférente. Et les images qui nous excitent un jour nous laissent parfois de marbre lorsque nous y retournons plus tard.

Ce qui peut aussi être recherché à travers le visionnage du porno, c’est le bizarre, le surprenant ou le dégoûtant (comme c’est souvent le cas dans les formes de shock porn). Il n’est donc pas toujours question de résonance intime ou de reconnaissance agréable. Je pense toutefois toutefois que dans les usages du porno, comme dans les usages de la culture populaire (et de l’art) en général, ce qui est en jeu, c’est souvent la recherche d’une intensité de l’expérience, aux formes et aux qualités variables ».

A LIRE : « Carnal Resonance. Affect and Online Pornography », de Susanna Paasonen, Cambridge, Massachussetts, MIT Press, 2011

« Des sex wars aux porn studies : l’émergence de nouveaux savoirs sur l’expérience spectatorielle de la pornographie », de Florian Voros (Communication à la journée d’études « La pornographie en France, XIX-XX siècles », Université de Versailles-Saint-Quentin, 18 mai 2011.

Revue Poli numéro 9. Numéro intitulé « Sexe en public », Sous la direction de : Nelly Quemener et Florian Voros. Publié en octobre 2014 en librairie et sur

POUR EN SAVOIR PLUS : «Est-ce que les femmes se font baiser quand elles jouissent ?» (Un portrait d’Andrea Dworkin), «Femmes, la nuit vous appartient aussi» (Le discours victimaire des féministes anti-porno)

NOTES

(1) Source : « Des sex wars aux porn studies : l’émergence de nouveaux savoirs sur l’expérience spectatorielle de la pornographie », de Florian Voros, 2011.

(2) Source : l’article intitulé « Affects et pornographies numériques. Entretien avec Susanna Paasonen », Florian Voros. Publié dans la revue Poli numéro 9 « Sexe en public », Sous la direction de : Nelly Quemener et Florian Voros. 2014.

ILLUSTRATION :«Oh Calcutta ! Calcutta !» tableau de Clovis Trouille.

février 27, 2015

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14:36

Des poèmes sur le sperme qui passe

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Faire de la poésie sur l’actualité : cette tradition existe en France. Faire de la poésie sur du porno ? Une fois par semaine, le pigiste-poète Thomas Deslogis compose des vers sur les fesses ou les fellations de ses actrices de X préférées.

Journalisme et poésie ne sont pas incompatibles. Le poète Stéphane Mallarmé (1842-1898) écrit en 1873 huit numéros d’une revue intitulée «La Dernière Mode» : le voilà chroniqueur de fanfreluches. Quelques années plus tard, en 1906, son ami le journaliste et critique d’art Félix Fénéon (1861-1944) signe des faits divers en trois lignes qui relèvent du haiku pour leur assassine brièveté.

Mme S…, de Jaulnay (Vienne), accuse son père de lui avoir détérioré ses trois filles. Le vieillard s’indigne.

Qu’ils parlent de splendides tenues d’opéra ou de sordides histoires de viol, journalistes et poètes ne font parfois qu’agencer des mots pour leur beauté propre. Les saisons passent, les viols et la mode restent. Que faire face à la futilité ou à l’horreur du réel ? Parfois, la poésie protège. Mallarmé qui décrit les robes comme des «cuirasse[s] contre le maléfice» ou des armures «semée[s] bizarrement d’acier bleu à reflets d’épée», ne fait que souligner la vanité de vouloir écrire sur l’actualité. Il n’y a pas d’actualité. Il n’y a que la litanie ressassée des malheurs et des vanités humaines. Tout ça ne rime à rien, ce qui explique peut-être d’ailleurs pourquoi leurs poèmes sont en prose.

C’est donc sans faire de rimes que Thomas Deslogis, lui aussi, compose. Il a 25 ans, il se définit comme «poète à la pige» : c’est-à-dire payé comme journaliste. Il a inauguré la rubrique hebdomadaire «Les Poèmes d’actu» (depuis un an sur Fluctuat). Il tient aussi depuis septembre 2014, sur Le Tag Parfait, une rubrique intitulée «Le Porn la poésie» (en hommage à «L’Amour la poésie» de Paul Eluard). Le principe est simple : trouver une vidéo porno inspirante, et en faire un poème.

Une démarche «qui vise tout autant à démocratiser la poésie que «dédiaboliser» le porn ou, plutôt, le ramener à sa beauté originelle», dit-il. Y parvient-il ? Son travail consiste, une fois par semaine, à trouver une vidéo – généralement sur xHamster – qu’il sélectionne en fonction de ses goûts et qu’il met en ligne sur Le Tag Parfait, accompagné d’un commentaire en vers. Ses goûts sont plutôt «gentils» : les vidéos sont hétéros, consensuelles, classiques (1), mais on comprend assez vite pourquoi Thomas les a choisies : il aime bien les visages des filles.

«Tout ou presque peut me fasciner/exciter, tant qu’il s’agit d’un «moment donné». Un événement spécifique au milieu d’une histoire, l’instant où la vie apparaît, un geste. D’où l’envie d’écrire des poèmes et non des romans.

Je ne regarde jamais du porno qui commence directement par l’acte. Il me faut un contexte, une histoire (deux collègues, une prof, une tromperie, etc...) et c’est à partir de là que je vais parcourir la vidéo en recherche du moment le plus excitant de cette histoire. Ce peut tout autant être un regard pendant une sodomie qu’un sein à peine dévoilé durant la phase de séduction. Les deux peuvent me «suffirent», si je puis dire.

Ce que j’aime en somme c’est la femme dans son entièreté à ce moment précis, son corps ET son esprit, la pensée (moins de l’actrice que de son personnage) qui la pousse à agir ainsi, à lancer tel regard ou faire tel mouvement. C’est pourquoi je coupe souvent le son, encore très artificiel et gênant tant tout sonne souvent faux (musique, voix, dialogues, gémissements) dans la plupart des productions, pour pouvoir mieux observer la vérité des corps.

Je regarde finalement assez peu les sexes pour privilégier les yeux, les lèvres, les seins et quelques lubies personnelles comme les hanches ou les épaules.

Mes poèmes du Tag partent toujours de ces détails là et sont à chaque fois un hommage à la femme qui apparaît alors».

(1) «Je ne suis pas fan du hard hard. Je veux brasser large, je choisi des vidéos assez généraliste et qui plaisent déjà, mais le fait est que pour trouver l’inspiration lorsqu’il s’agit d’écrire un poème sur un objet aussi particulier qu’une vidéo porno, il faut obligatoirement qu’elle me plaise. D’où mon seul regret : ne pas pouvoir écrire sur des vidéos gays hommes, les excluant ainsi de mes lecteurs potentiels, ce qui me peine». (Entretien par courriel, 20 février 2015).

ILLUSTRATION : captures d’écran de la vidéo mise en ligne sur Le Tag Parfait : «Rebeca le serpent Linares». L’actrice s’appelle Rebeca Linares.

février 25, 2015

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9:23

Peut-on enquêter sur le sexe sans y toucher ?

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Enquêter sur le sexe demande parfois des concessions. Philippe Combessie, socio-anthropologue, raconte son expérience et propose des analyses de ses propres pratiques. Le fait d’être un homme pose-t-il problème lorsqu’on doit questionner des femmes ? Faut-il être «libertin» pour enquêter sur le «libertinage» ? Faut-il plaire ? Faut-il donner de soi ?

Il est souvent difficile de séparer nettement les sphères de la vie publique et de la vie privée lorsque l’on doit mener un travail de terrain sur l’intime. Dans Le Sexe de l’enquête, un ouvrage dirigé par Anne Monjaret et Catherine Pugeault, entièrement consacré à «l’engagement sexuel des chercheurs», sociologues et anthropologues témoignent des difficultés que pose le fait de travailler sur la consultation gynécologique, les femmes flics, l’homosexualité dans le rugby, les escorts, les égoutiers… Comment établir la confiance ? Philippe Combessie fait partie de ceux qui défendent la méthode dite de «l’observation directe» : pour comprendre un milieu, il faut y entrer, dit-il. Mais, une fois entré : à quel point faut-il «participer» ? Il y a bien sûr des terrains qui permettent au chercheur de rester à distance et d’observer – sans faire tache – les interactions humaines… Mais, en matière de sexualité, comment faire ? Le rôle de voyeur n’est-il pas déjà un «engagement» ?

«J’aime les rencontres, pas vous ?»

Pour Philippe Combessie, tout commence il y a douze ans. «En 2003, à la fin d’une soirée-débat consacrée à la série télévisée Sex & the City, deux femmes m’ont proposé de les interviewer pour que je «rende compte«, m’a dit l’une d’elles, de la façon dont les Parisiennes «vivent leurs relations sexuelles. La première […] avait commencé sa «vie de débauche» dès son adolescence. […] La seconde, femme au foyer, n’avait quant à elle «découvert [sa] puissance sexuelle» qu’après douze ans d’une vie conjugale monotone et d’une banalité affligeante». Philippe Combessie décide d’enquêter sur les «libertines» – non sans préciser que certaines personnes apprécient ce terme, alors que d’autres le rejettent. Il commence le recueil de données en interviewant ces deux femmes, puis, elles lui présentent certaines de leurs amies. Mais la recherche ne peut aboutir que sur un échantillon plus vaste de population… Comment faire pour trouver d’autres interlocutrices ? Le sociologue se branche alors sur les sites de rencontre («amoureux», «libertins», «échangistes») et sélectionne les annonces en fonction du contenu du message. Il retient ceux qui invitent les hommes à vivre une «aventure». Sur Netclub, par exemple, il entre en contact avec Camille, 35 ans, fonctionnaire, mariée et mère de famille, qui annonce simplement : «J’aime les rencontres, pas vous ?». Sur Meetic, il fait la connaissance de Clytemnestre, 28 ans, cadre, mariée sans enfants, qui indique s’ennuyer les semaines où son mari est absent… Il ne les contacte pas pour du sexe mais, très clairement, pour son enquête. Ses analyses, cependant, ne seraient pas aussi précises s’il n’y connaissait rien au milieu «libertin» et à diverses formes de sexualité collective (entre amis, en sex-club ou dans des réseaux privés). Le fait qu’il ait eu quelque expérience avant de commencer son enquête importe ; un sociologue doit pouvoir être à la fois «dedans» et «dehors».

Comment constituer un carnet d’adresses en milieu de cul ?

«Ayant été initié, dans les années 1980, à des pratiques de sexualité collective, j’avais conservé un certain nombre de contacts dans ces milieux que je continuais à fréquenter de temps à autre, et cela m’a permis assez rapidement d’obtenir des entretiens avec des personnes organisatrices de «soirées privées».» Philippe Combessie fait jouer son ancien réseau : des femmes autrefois croisées lors de soirées deviennent ses informatrices. De plus, certaines personnes de son entourage personnel ou professionnel, lorsqu’elles apprennent qu’il enquête sur les femmes pluripartenaires (polyamoureuses, échangistes, libertines, voire adeptes de gang bang…) lui proposent également de le renseigner. Pourvu que tout cela reste anonyme, bien sûr. Cela fait boule de neige. Au bout de quelques années, son carnet d’adresses d’informatrices contient une centaine de noms. «Les données de base de l’enquête sont principalement recueillies par entretiens prolongés, réitérés, et par échanges de courrier électronique», explique-t-il, insistant sur la nécessité de recueillir des informations des mêmes personnes au fil du temps qui passe. Presque la moitié des femmes acceptent ce qu’il appelle «un suivi qualitatif à long terme» qui lui permet d’analyser l’évolution des comportements dans le temps. Année après année, il les revoie pour un entretien qu’il enregistre soigneusement, parfois pour une soirée ou un repas. Depuis le développement d’Internet, beaucoup le tiennent régulièrement au courant, par mail, de leurs «petits bonheurs», leurs déceptions aussi, voire leurs malheurs… «Les données récoltées à différents moments de la vie d’une même informatrice» en disent long sur les marges de liberté des femmes d’aujourd’hui qui envisagent de s’engager dans ces comportements que la morale réprouve (voir les ennuis récents du site Gleeden attaqué par des associations catholiques). L’objectif de Philippe Combessie vise «au-delà de l’apparente cohérence d’un discours livré un jour donné, la complexité de la construction de l’image de soi et de sa sexualité, et son évolution». C’est que, pour ce type de comportement, la situation des femmes est particulièrement difficile, comme le précise le sociologue : «le stigmate qui affecte parfois le «Dom Juan» n’a rien à voir avec l’ignominie dont on affuble la «salope»».

De quoi ont peur les femmes qui ont beaucoup d’amants ?

Reste à savoir comment gérer les relations avec des femmes qui pourraient se sentir mises à nue par un regard inquisiteur. De façon qui peut sembler étonnante, voire paradoxale, le principal point de vue négatif que craignent les «libertines», de la part d’un sociologue, serait celui des «féministes» disent-elles. Marina, 32 ans, mariée sans enfants, lui explique : «Tu comprends, on en prend plein la gueule dès qu’on parle de nos comportements, alors on n’a pas forcément envie, en plus, que des sociologues viennent y fourrer leur nez…». Philippe Combessie l’interroge : «Est-ce qu’il n’y aurait pas, au contraire, intérêt à ce que ce soit mieux connu ?». Réponse de Marina : «ça dépend par qui c’est présenté tu sais ! Y a quand même vachement de pudibonderie. Et puis il y a les intégristes du féminisme ! L’autre jour, j’ai lu un truc hallucinant pour critiquer le port des talons hauts ! C’est une femme […] furieusement féministe… Et elle développait toute une théorie par rapport au voile islamique […]. Alors, elle défend le voile islamique, et elle est contre les talons, le maquillage, les minijupes. Y’en a marre de cette façon des sociologues de nous donner des leçons. Ras-le-bol ce moralisme conservateur !». Philippe Combessie remarque qu’il a «pu être perçu comme un allié potentiel au regard des stratégies de légitimation des groupes qui participent à certains développements contemporains du «féminisme pro-sexe».»

«Cassage de gueule» préliminaire : le chercheur humilié

A priori, comme l’avait noté André Béjin au sujet des enquêtes sur la masturbation féminine, qui avait relevé que «le coefficient de sous déclaration de la masturbation est moindre quand les femmes répondent à des enquêteurs hommes», mieux vaut être homme pour interroger des libertines sur leurs pratiques… elles se sentent plus en confiance. Mais certaines éprouvent cependant le besoin de mettre les choses au clair avant de dévoiler leur vie. Une «Vendéenne de 30 ans qui a arrêté sa scolarité en seconde : «Il faut d’abord que je vous dise qu’il est hors de question qu’on baise ensemble !«». Le regarde-t-elle d’un air dégoûté ? Une autre femme, 52 ans, après 10 minutes d’entretien, lui indique, à brûle-pourpoint : «Moi, un homme qui a le crâne rasé, ça ne m’excite pas du tout… J’adore faire l’amour, mais j’ai énormément d’exigences ! Je ne dis pas ça pour vous. Mais bon, j’aime autant que vous le sachiez : crâne rasé, c’est «niet !». Pourquoi ces remarques humiliantes ? C’est ce que Philippe Combessie appelle «le cassage de gueule» préliminaire, rappelant qu’il y a quelques années, le sociologue Gérard Mauger avait déjà noté que lorsqu’un jeune sans diplôme devait répondre aux questions d’un enquêteur, il arrivait que l’enquêté se montre agressif au cours de l’entretien. Il s’agit «de placer le sociologue en situation d’infériorité, explique Philippe Combessie, afin de renverser la situation de domination» que représente le jeu des questions-réponses. En préambule des entretiens, il arrive donc parfois que des femmes estiment nécessaire de s’imposer face au chercheur. Cela n’est pas si fréquent. Mais quand cela arrive, mieux vaut faire comme si de rien n’était. Philippe Combessie explique : «Cette façon de placer un socio-anthropologue homme dans une position d’objet sexuel potentiel qu’on disqualifie immédiatement en tant que tel est aussi une façon de montrer qu’une femme qui se revendique »épicurienne« a du mal à ne pas passer pour une »fille facile«».» Le sociologue note aussi que ce n’est pas uniquement face au chercheur que ces femmes cherchent à s’imposer. Il en a vu qui portent un t-shirt ou une casquette avec un message clair : «I have the pussy, so I make the rules !» («C’est moi qui ai le minou, c’est moi qui établis les règles du jeu !»).

«Elle m’envisage, elle m’dévisage» : le chercheur est-il un bon coup ?

Que dire de la séduction lors de l’entretien ? «En 1967, Georges Devereux, anthropologue et psychanalyste, écrivait : «un entretien sur la sexualité, même s’il s’agit d’une interview scientifique, est, en lui-même, une forme d’interaction sexuelle.» Quid d’un entretien sur le libertinage ? Philippe Combessie répond que la séduction a moins pesé sur ses enquêtes en milieu libertin que sur d’autres terrains. Avant d’enquêter sur les pratiques de pluripartenariat amoureux ou sexuel, il était spécialiste du milieu carcéral. Le fait d’être en prison «facilite les projections affectives vers les chercheurs qui manifestent une forme de sympathie ou à tout le moins de compréhension à l’égard de la souffrance liée à la violence de la répression pénale et qui peuvent consacrer du temps à écouter.» Lorsqu’il commence ces enquêtes sur le «libertinage», paradoxalement, Philippe Combessie n’est plus qu’un homme parmi bien d’autres. Les femmes adeptes de sexe à plusieurs l’envisagent peut-être parfois comme un nouveau partenaire potentiel, mais sans plus : elles ont pléthore de choix. «Si des informatrices m’ont déclaré d’emblée ne pas être attirées par mon apparence physique, la plupart ont fait montre d’indifférence, et quelques-unes de signes d’intérêt. De fait, j’ai reçu peu de propositions ; lorsque ce fut le cas, on notera que c’était toujours sur un ton badin».

Plus il y a de (morceaux de) choix, moins il y a de danger

Dans les milieux du sexe facile, finalement, le chercheur est peut-être beaucoup plus à l’abri des sollicitations qui peuvent se révéler gênantes pour une recherche scientifique que lorsqu’il enquête dans les univers sociaux où le sexe est une denrée rare. «À partir du moment où on le considère comme sympathisant du »milieu«, on attend avant tout du socio-anthropologue qu’il respecte scrupuleusement les règles du plus strict anonymat qui y ont cours.» Tout ce qu’on lui demande c’est de montrer qu’il «comprend» pourquoi des femmes ont des amants multiples. Il ne doit par ailleurs jamais trahir leurs secrets. La confiance qui se développe entre le chercheur et ses informatrices au fil des années d’enquête permet à Philippe Combessie de recueillir des détails intimes que parfois certaines femmes cachent à leur mari, voire à leurs meilleures copines. Il note par exemple qu’il faut souvent du temps avant qu’on lui parle de chirurgie esthétique des parties génitales. Même si ces pratiques (réduction des lèvres, lifting de la vulve, raffermissement du vagin… tout ce qu’on appelle nymphoplastie) sont plus fréquentes qu’ailleurs en milieu libertin, on n’en parle guère au sociologue dans les premiers entretiens. Philippe Combessie rapproche cette réticence de celle qui concerne le «féminisme» et propose une explication : «En France, en milieu intellectuel, la chirurgie esthétique est en général envisagée sous un jour négatif – le rejet paraît renforcé lorsqu’il s’agit d’obtenir une forme de rajeunissement, comme si les marques du temps sur le corps devaient impérativement être »assumées«».

À LIRE : «Le socio-anthropologue et les «libertines«», chapitre de Philippe Combessie dans : Le sexe de l’enquête. Approches sociologiques et anthropologiques, sous la direction d’Anne Monjaret et Catherine Pugeault, Lyon, ENS Éditions, 2014, 264 pages (en version papier ou en téléchargement PDF sans DRM).

A LIRE EGALEMENT : «POURQUOI LES FEMMES DOMINENT LE MARCHE DU SEXE ?»

ILLUSTRATION : Photo de Philippe Boxis, extraite du livre Shibari, de Philippe Boxis, éd. Tabou, avec toutes les explications sur les nœuds.

février 23, 2015

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13:17

Les boules de… Mode d’emploi

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Les boules de geisha, tout le monde en veut… mais sans savoir comment s’en servir. Ce n’est d’ailleurs pas un sex-toy. Les boules servent à muscler le vagin. Pour en tirer des sensations, il faut les détourner de leur usage premier.

Le succès frelaté des boules de geisha

«Bonjour, c’est pour écrire un article sur le phénomène “Fifty shades of Grey“. Est-ce que vos ventes de boules de geisha ont augmenté ?». Depuis quelques mois, à la boutique Demonia, pas une semaine ne passe sans un appel de ce genre. «Toujours sur les boules de geisha, s’amuse Miguel, le gérant de la boutique. Visiblement c’est le «sex-toy» du livre qui a le plus retenu l’attention des journalistes. Il est vrai qu’il est plus facile de parler de boules de geisha que de plaisir anal, c’est plus accepté dans la presse grand public.» Miguel cependant refuse de répondre. «Cette question n’a aucun sens, explique-t-il. Elle repose sur l’idée que les boules de geisha peuvent procurer du plaisir, ce qui n’est pas le cas. En tout cas… il ne suffit pas de se mettre les boules dans les orifices pour avoir un orgasme. Le sujet nécessite une approche plus “nuancée“… n’est-ce pas ?».

Ne pas confondre avec un jouet à piles

Miguel fait un clin d’œil mais ce n’est pas toujours très drôle de voir des clientes revenir en se plaignant qu’elles n’ont rien senti. «Après la sortie du tome 1 de “Fifty shades“, plein de gens sont venus acheter des boules, en pensant qu’il s’agissait d’œufs vibrants. Ils sont très mal informés sur l’utilisation de ce produit. Je suis toujours obligé de leur dire qu’à l’origine les boules de geisha ne servaient pas au plaisir de la femme mais uniquement à celui de l’homme : il lui fallait un vagin bien serré, musclé…». Les boules sont l’équivalent de haltères, pour le vagin.

Peut-on jouir avec un instrument de musculation ?

«Vous pouvez jouir avec des haltères ?», demande Miguel. Non. A moins d’avoir beaucoup d’imagination… «Il faut qu’il y ait un jeu : si une personne force l’autre à se mettre les boules (dans le vagin, dans l’anus) et l’emmène au restaurant ou pire… un repas avec la belle-mère. Une réunion de travail. Il faut qu’il y ait la peur et la honte. A ce moment-là, certainement, la sensation des boules peut devenir très agréable. Mais je ne crois pas qu’il soit possible de jouir avec…». Miguel hésite. «En fait, si, mais cela demande de l’entraînement…».

Pourquoi les appelle-t-on boules de geisha ?

Les geisha n’y sont pour rien. Ces boules ne viennent pas du Japon mais d’Asie du sud-est (Chine ? Birmanie ? Thailande ? impossible de savoir). Elles s’inspirent probablement de ce que l’on appelle maintenant des Bao Ding : «Les boules chinoises étaient historiquement deux boules libres yin yang pour jouer avec les énergies, explique Miguel. Elles sont maintenant reliées par un cordon avec un anneau pour les retirer facilement. L’avantage de ces boules, c’est qu’elles musclent le périnée. Plus le périnée est musclé, plus la femme peut le contrôler et avoir des orgasmes puissants. Mais il y a autre chose : la boule est parfois creuse, avec une plus petite boule à l’intérieur. L’entrechoquement provoque des vibrations qui se répercutent à l’intérieur du vagin».

Les boules de geisha : instrument de musique ?

«En réalité l’instrument c’est le corps, dit Miguel. Les boules créent les vibrations et le corps fait office de caisse de résonance. C’est le vagin tout entier qui produit cette étrange mélodie silencieuse, oui.» Reste à savoir s’il est possible d’apprendre à contrôler ces vibrations… «Dans un premier temps, les femmes les “subissent«. Je crois qu’il faut vraiment s’entraîner avant de pouvoir jouer avec. Pour y arriver, je ne sais pas très bien comment il faut faire. Peut-être contracter et décontracter ? Il faudrait demander à une spécialiste. En tout cas, il faut apprendre à utiliser les muscles de son vagin.» Consulter une spécialiste ? Qu’à cela ne tienne.

La sage-femme Sophie Frignet

Elle anime à l’Institut de Gasquet une formation pour les professionnels de santé sur «l’utilisation des boules de geisha en rééducation périnéale». Dans son cabinet de consultation, les boules de geisha sont posées bien en évidence. Sophie les recommande fortement aux patientes en l’absence de contre-indication. «Le travail avec les boules est un excellent outil pour mieux appréhender le creux vaginal et la façon dont il se modifie avec la posture, la respiration et l’excitation», dit-elle. Son discours a priori n’est pas très érotique. Mais… ses patientes fantasment facilement sur l’objet. «Je n’ai jamais rencontré de femmes ayant eu un orgasme rien qu’avec des boules, tempère Sophie. En revanche, elles sont nombreuses à me parler spontanément de leur excitation à porter des boules, de la prise de conscience de cette excitation et du réveil de leur désir…». Pourquoi ? Deux raisons.

L’humidification reflexe

Première raison : lorsqu’une femme met des boules dans son vagin, cela provoque un réflexe de vaso-congestion génitale. «En clair quand on porte des boules un certain temps (temps variable d’une femme à l’autre) cela se traduit pas des sensations de gonflement, de chaleur, d’humidité», explique Sophie Frignet. Au contact des boules, les muqueuses se gorgent de sang... Pour peu que l’utilisatrice fantasme sur la situation, la voilà lubrifiée, «demandeuse, prête à recevoir son partenaire…». Mais il faut que la tête participe pour que cela fonctionne. «Côté plaisir je pense que l’on est d’abord dans le fantasme, l’imaginaire sexuel : les geishas, la prostitution... tout cela se confond. L’utilisation vient pimenter le quotidien, crée une situation érotique. Certaines portent les boules dans un lieu ou un contexte décalé…». D’autres en revanche, qui ne fantasment pas sur les boules, n’éprouvent que des démangeaisons. «Chez certaines femmes, l’utilisation des boules est parfois contre-productive : difficulté voire impossibilité d’introduction, irritations (si elles oublient d’utiliser un lubrifiant), expulsion des boules au mouvement... aucun plaisir là dedans. En revanche ce qui est constant dans leur discours c’est cette émotion d’avoir »osé“.» Même celles que les boules laissent froides, sont tout de même un peu réchauffées.

Le bénéfice musculaire

Deuxième raison : «Les boules déclenchent un réflexe de contractions au niveau des muscles du périnée et des adaptations posturales d’auto-grandissement et de fermeture vaginale pour ne pas les expulser. Cela travaille le tonus périnéal.» Les bénéfices de cette stimulation réflexe sont nombreux : prévention des descentes d’organes et de l’incontinence urinaire… Augmentation du plaisir chez les deux partenaires dû à la «bonne tonicité vaginale»… «Les muscles sont mieux vascularisés et se contractent régulièrement. Le périnée s’anime. D’ici à dire qu’il se renforce ? Scientifiquement ce n’est pas validé, mais…». Le périnée s’entraîne. Voilà peut-être pourquoi certaines légendes racontent que les courtisanes chinoises utilisaient les «oeufs de jade» dans le cadre de pratiques taoïstes : «un muscle qui travaille de manière réflexe reste en bon état de marche pour le plus grand plaisir de l’Empereur... et peut être aussi de sa partenaire, dit Sophie. On dit d’ailleurs que les courtisanes étaient capables de faire «tourner» les boules à l’intérieur de leur vagin. Personnellement je n’ai pas réussi…».

Pour les contrôler, que faire ?

Il ne faut pas se leurrer : tout comme Miguel, Sophie souligne que le plaisir ne tombe pas tout cuit… Il faut : «contracter son périnée, se grandir, respirer en remontant le diaphragme, faire des fausses inspiration thoracique, des mouvements du bassin... Bref, tout ce que j’ai appris à faire avec le Dr de Gasquet (1) pour la rééducation du périnée. En complément d’une prise en charge globale par un sexologue c’est super intéressant chez les femmes qui ne peuvent pas être pénétrées ou qui n’ont pas d’orgasme... Leur apprendre à mieux sentir ce qui se passe avec les boules comme accessoire. Mais aussi chez les autres qui reviennent en disant qu’elle et leur partenaire ont plus de plaisir depuis qu’elles utilisent les boules. Développer les habilités érotiques corporelles, voilà l’idée.» Sophie Frignet a-t-elle d’autres idées pour «aller plus loin» ? Oui.

Idée numéro 1 : Garder les boules dans le vagin pendant la pénétration

«Avec l’excitation, il y a de la place, rassure-t-elle. Les boules peuvent donner plus l’impression d’être «défoncée». Maintenant dire que cela augmente le plaisir...c’est je pense très individuel. En tout ce qui est partagé c’est l’excitation du jeu à “enfiler“ les boules.» Certains hommes peuvent se sentir gênés par la ficelle. «Mais ce n’est pas le cas pour tous. Quant aux boules ils ne les sentent pas tous... et de toute façon là encore ce qui va déplaire à l’un va plaire à l’autre. Certains prendront du plaisir à l’idée de «bourrer» plus leur partenaire. Question de sexualité. Comme dirait DSK il y a des sexualités plus «rudes» que d’autres. Si cela convient aussi à la partenaire…». Sophie Frignet ajoute : «Il m’est arrivé d’en parler à une patiente dont le mari avait un pénis de petite taille : l’usage des boules pendant la pénétration lui permettait d’éprouver bien plus de sensations. Je pense que les boules sont une vraie bonne solution pour certains couples».

Idée numéro deux : se masturber avec des boules dans le vagin

«Facile à expérimenter, dit Sophie. Cela intensifie et prolonge le temps de plaisir, car les boules accentuent l’excitation mécanique par massage interne et vibrent en résonance sous l’effet des contractions périnéales lors de l’orgasme. Pour les positions il n’y a pas de recette... La même chose qu’avec un partenaire : à chacune de trouver selon son ressenti. Si les boules ont tendance à sortir, il faut privilégier les positions inversées».

Idées numéro trois, quatre et cinq : attention de ne pas trop tirer

Se faire fesser avec les boules de geisha dans le vagin : «50 nuances de Grey, page 393, du tome 1 je crois…». Se faire sodomiser avec les boules de geisha dans le vagin : «Massage de la verge par les boules, double remplissage pour madame.» Retirer les boules rapidement en tirant dessus : «Il faudrait le faire au moment de l’orgasme, pour en augmenter la puissance... Je ne suis pas sûre de savoir pourquoi : stimulation du point G? douleur de l’urètre qui est frottée au passage? Difficile à dire. L’idée de «tirer» sur les boules me fait plutôt peur pour l’urètre.» Sophie Frignet ne recommande pas forcément cette «extraction brusque des boules» car cela peut endommager les muqueuses et favoriser une descente de la vessie ou de la paroi recto-vaginale en cas de fragilité.

L’intérêt principal des boules

Il y a des femmes dont le vagin est si exercé qu’elles sont capables de «serrer» un homme en elles, comme des pieuvres. Leur vagin mâche et remâche le pénis, convulse sur lui et se secouent de spasmes à n’en plus finir… D’une façon ou d’une autre – masturbations fréquentes, talent, entraînement – ces femmes-là ont appris à se servir des muscles du périnée. Ainsi que le rappelle Sophie Frignet : «le périnée fonctionnel est fait en deux plans (superficiel et profond), d’où l’intérêt de deux boules pour un travail patient et régulier. Il s’agit de stimuler alternativement un plan puis l’autre : le plan superficiel (la zone que je contracte quand je retiens un gaz ou que je stoppe mon pipi) et le plan profond (la zone vaginale qui se contacte quand j’ai un orgasme).» Prendre conscience de ces deux plans, c’est déjà être sur la bonne voie. Il n’y a ensuite plus qu’à apprendre à maîtriser l’alternance des plans, alternance dont Sophie Frignet enseigne les arcanes à ses patientes, dans le cadre de ce qu’elle nomme si justement la «rééducation».

A LIRE : «Périnée, arrêtons le massacre !», Dr Bernadette de Gasquet. Ed Marabout.

SOPHIE FRIGNET anime à l’Institut de Gasquet une formation pour les professionnels de santé en partenariat avec Hedoneo « fournisseur officiel » des boules pour la formation.

DEMONIA : 22 av Jean Aicard 75011 PARIS. Tél. : 01 43 14 82 70

Quelles boules de geisha recommandent-ils, et pourquoi ?

SOPHIE FRIGNET : «En rééducation cela dépend de l’indication. Le plus souvent ce sont les perles vaginales Lasselle d’Intimina. Pour leur nom d’abord ! Même si la perle, l’huitre... On peut critiquer... Bon les couleurs - 3 nuances de rose - un peu « quiche » je vous l’accorde... Pour leur texture douce en silicone grade médical sécure (pas de phtalates). Pour leur facilité d’entretien et surtout pour la taille de la ficelle entre les deux boules qui permet aux boules de se placer dans le vagin à distance l’une de l’autre...comme dans les modèles traditionnels. Il en existe de différents poids à combiner en fonction de la tonicité du périnée pour la rééducation. D’où l’intérêt de former les professionnels du périnée à l’utilisation de cet accessoire ».

MIGUEL (DEMONIA) : « En général je recommande les boules de la marque Lelo : les matériaux sont de bonne qualité, elles ne sont ni trop petites ni trop grandes et plutôt élégantes. Le cordon qui les relie est en silicone. Il faut éviter les ficelles en tissu, mauvaise pour l’hygiène. Les boules de geisha ne sont pas un article extrêmement cher, évitez les boules trop bas de gamme, vous devrez les remplacer plus rapidement et comme les boules sont un accessoire à utiliser régulièrement, au final ce ne sera pas rentable. Les boules de la marque Lelo sont des boules évolutives : elles sont amovibles et peuvent aussi être utilisées sans l’habillage en silicone qui les relie, seule ou à deux, non-reliées. Comme il est plus difficile de contrôler une seule boule que deux, il vaut mieux y aller progressivement ».

Illustration : Boules de la marque Lelo. Le blog de Lelo indique d’ailleurs des exercices à faire avec les «boules de Kegel», rebaptisées du nom de l’inventeur d’une méthode de remusculation du plancher pelvien. La méthode du Docteur Bernadette de Gasquet s’inscrit dans cette lignée, de façon plus efficace.

février 18, 2015

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10:13

Mon squelette a-t-il un sexe ?

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Lorsqu’un cadavre anonyme arrive à la morgue et qu’il n’en reste plus grand chose, à part des os, il faut d’abord déterminer son sexe. Par où commencer ? La largeur du bassin ? Le poids des os ? La taille du crâne ?

Identification du squelette : quel pourcentage de réussite ?

Lorsqu’un médecin légiste doit identifier un squelette, il essaye d’abord de savoir si la personne était mâle ou femelle. Est-ce facile ? «Non, répond Evelyne Peyre. Il est impossible d’estimer le sexe de plus de la moitié de la population. Seulement 30% des squelettes sont réellement identifiables.» Paléoanthropologue au Muséum d’histoire naturelle, chargée de recherche au CNRS, Evelyne Peyre mène depuis des années un travail de recherche sur ce qu’elle nomme «le sexe osseux» : au moment de son Doctorat, il lui faut recoller bout à bout les os d’environ 300 mérovingiens, tous habitants d’un même village situé en Ile-de-France. Sa recherche a pour objectif l’étude de l’évolution du crâne. Mais pour effectuer sa recherche, elle doit d’abord identifier les corps : «Il fallait au préalable les classer par sexe… suivant quel critère ?». Evelyne Peyre prend sur chaque squelette 300 mesures qu’elle passe au crible, en cherchant «la variable» : la mesure qui distinguerait au mieux le groupe femme du groupe homme. Elle finit par trouver : la hauteur de la symphyse mandibulaire (du menton) fournit les chiffres les plus parlants. Mais d’autres chercheurs suggèrent d’autres variables, à leurs yeux plus pertinentes… variables elles-mêmes variables, soumises à quantité de remises en question et toujours sujettes à caution. Rien n’est simple non plus quand il s’agit d’autres estimateurs biologiques du sexe. La meilleure preuve qu’en fournit Evelyne Peyre se trouve dans un ouvrage passionnant qui rassemble exclusivement les travaux de scientifiques : leur vision de la différence homme-femme s’appuie sur les dernières découvertes en matière de biologie, endocrinologie ou génétique. Dans cet ouvrage intitulé Mon corps a-t-il un sexe ?, Evelyne Peyre s’amuse à recenser les études publiées depuis un demi-siècle sur le sexe osseux. Le nombre des recherches ne cesse d’augmenter depuis les années 1940… en même temps que les certitudes s’effondrent. Un seul article en 1945, 10 en 1968, 93 en 2012, deux articles par semaine en 2014 sont publiés sur la base Medline. «L’étude du sexe osseux est un champ scientifique en pleine expansion», souligne Evelyne Peyre. Ce qui prouve bien l’ampleur de la tâche. S’il était si facile d’identifier des squelettes, pourquoi autant d’articles seraient-ils consacrés à la question ?

La taille du squelette est-elle un critère valable ?

Quand les gens sont en vie, il est facile de les identifier. Quand ils meurent, la chair molle des organes génitaux disparaît… et les difficultés commencent. Dans le chapitre «Sexe des os» du livre Mon corps a-t-il un sexe ?, Evelyne Peyre résume le contenu d’un millier d’articles publiés par Medline sur les identifications de squelette : «Ces résultats confirment que le sexe osseux reste une question complexe. Ils prouvent que notre corps manifeste des variations d’expression d’un trait sexué à l’autre chez un même individu : par exemple, un squelette de petite taille, aux arcades sus-orbitaires très saillantes, peut aussi bien être celui d’un homme petit ou d’une femme au crâne masculin. »

Pour donner un exemple, Evelyne Peyre évoque la taille des individus : «La moyenne des hommes en France est de 175 cm et 161 cm pour les femmes (2). Cela signifie que 50% des femmes mesurent plus de 161 cm et 50% des hommes mesurent moins de 175 cm. Les individus mesurant entre 161 et 175 cm – qui sont de taille moyenne – peuvent être avec la même probabilité un homme ou une femme. Si un squelette mesure 169 cm, on ne peut rien en déduire : s’agit-il d’une grande femme ou d’un petit homme ? Si le squelette fait 145 cm c’est probablement une femme… Mais connaissez-vous beaucoup de femmes de 145 cm ?». Les «vraies» femmes sont rares, autant que les «vrais» hommes dans la population. Qu’il s’agisse de personnes en chair ou en os, cela revient au même : les gens sont plutôt de taille moyenne, avec des corpulences moyennes, des squelettes moyens, etc. Pour le dire en une phrase : «Les traits osseux sexués répartissent une communauté selon un continuum dont la distribution gaussienne rend impossible la prédiction du sexe chez plus de la moitié de la population et ne permet d’identifier comme hommes et femmes que les sujets dont le squelette extrême est le plus éloigné de la “norme“».

Les os des femmes sont-ils plus légers ?

«Tout dépend de l’accès aux ressources nutritives et du mode d’alimentation», répond Evelyne Peyre. Autrement dit : les différences homme femme inscrites dans le corps peuvent avoir une origine environnementale et culturelle. «Le squelette se forme jusqu’à l’âge de 19 ans. Or il s’avère qu’à l’heure actuelle 20% des jeunes adultes françaises sont anorexiques. Lorsqu’on examinera leur squelette dans un siècle, il y a de fortes probabilités que tous les squelettes présentant des signes d’ostéoporose seront identifiés comme ceux de femmes, parce qu’elles auront subi les séquelles de la malnutrition.» C’est la même chose quand on examine les squelettes de villageois français des siècles passés : les os des femmes portent les stigmates évidents de leur sacrifice. «Jusqu’à récemment encore, dans les familles paysannes pauvres, lorsqu’il n’y avait qu’un morceau de viande, il était pour le chef de famille. Quand il y en avait un deuxième, il était pour le fils ainé. Les femmes, elles, en général buvaient le bouillon de cuisson. Les protéines, c’était en priorité pour les hommes.» Impossible d’identifier le sexe d’un squelette, sans avoir une connaissance précise des habitus d’une population : les hommes et les femmes développent leur corps selon des activités qui leur sont parfois propres. Il y a des gestes répétés de travaux dont les femmes ont le monopole, par exemple, et l’usure de certains de leurs os sert donc d’indice très fort pour les identifier. Le fait que les femmes se soumettent à des critères de beauté comme la minceur n’est pas non plus anodin : la minceur acquise par défaut nutritionnel laisse son empreinte sur le squelette. De même que le sport extrême. Les activités physiques, les coutumes alimentaires ou vestimentaires, «ça marque l’os, résume Evelyne Peyre. Les inégalités sociales économiques aussi marquent l’os. Dans les cultures qui attribuent moins d’importance au sexe dit “faible“, les squelettes présentant des symptômes de carence alimentaire sont plus souvent ceux des femmes…». Ce que l’on attribue à la constitution «naturelle» des femmes relève donc surtout de la construction : le squelette ne naît pas faible, il le devient.

Le bassin des femmes est-il plus large ?

Quid de cette activité proprement féminine, et biologique, qu’est la procréation ? Ne nécessite-t-elle pas un bassin plus large afin que le foetus puisse «sortir» ? Pour July Bouhallier, une des plus grandes spécialistes en France du bassin osseux et spécialiste de la parturition dans l’évolution humaine, c’est une idée reçue : «Il faut cesser de dire que la largeur des hanches joue un rôle dans la gestation et dans le passage de l’enfant lors de l’accouchement. Les femmes ont des hanches plus larges à cause de la graisse et de leur taille fine, ce qui n’a rien à voir avec les os…». En général, la taille du bassin n’est pas aussi dissemblable qu’on aimerait qu’il soit entre les femmes et les hommes (3). Quant à sa forme… elle résulte d’une adaptation à la marche en posture debout. July ajoute : «L’histoire de cet os est intimement mêlée à celle de la bipédie acquise il y a 6 millions d’années. Les contraintes liées à l’accouchement ne représentent qu’une partie des fonctions qu’assument le bassin et ne concernent que sa partie «creuse», la cavité pelvienne. La morphologie du bassin dépend pour l’essentiel des contraintes exercées par la locomotion et la contention des viscères, mais aussi du mode de vie : les facteurs individuels – âge de l’acquisition de la marche, nutrition, activité physique – jouent beaucoup…». Nous avons un bassin de bipède avant tout, dit-elle. Sa forme s’est constituée sous l’effet de pressions majeures d’un tout autre ordre que sexuées : l’adoption du déplacement sur deux pattes. Dans Mon corps a-t-il un sexe ?, le chapitre dédié au bassin comporte cependant trente pages d’explications serrées… Le sujet est rien moins que facile. Quid de la cavité pelvienne par exemple ? C’est par là que passe le foetus, au moment de l’accouchement…

La cavité pelvienne des femmes est-elle gynécoïde ?

July Bouhallier répond : «En matière de procréation, ce qui compte ce n’est pas la largeur du bassin, c’est la largeur de sa cavité pelvienne.» En 1933, les médecins Caldwell, Moloy et d’Esopo établissent d’après radiographies qu’il existe quatre types majeurs de cavités pelviennes : anthropoïde (ressemblant vaguement à celui des grands singes)

gynécoïde (féminin)

androïde (masculin)

platypelloïde (plat).

Ils affirment que la forme gynécoïde – ronde, d’un diamètre de 12 centimètres – est présente chez 41% des femmes européennes. Suite à quoi, le type gynécoïde devient le «bassin obstétrique idéal», considéré comme le plus adapté au travail de parturition… En 1952, un autre chercheur – Snow – procède à des radiographies. Il ne trouve que 30% de bassins gynécoïdes chez les femmes. En 2000, July Bouhallier s’y attelle à son tour. Elle démontre par une analyse morphométrique de la cavité pelvienne que « le bassin gynécoïde n’est pas le bassin féminin par excellence partagé par toute la population féminine.» En clair : on trouve les morphotypes dans les deux sexes. Les hommes peuvent avoir un bassin gynécoïde. Les formes de bassins propres à une histoire de vie sont bien plus nombreux que les 2 morphotypes censés représenter l’humanité femelle et mâle. «Les types pelviens existent dans toutes les populations humaines, dit July, et aucun ne caractérise une population en particulier. Attribuer aux femmes le type gynécoïde, c’est comme définir ce qui est un corps de femme “typique“ par le corps de Marilyn Monroe et celui de l’homme typique par celui d’Arnold Schwarzenegger».

Le bassin est-il un critère universel d’identification du sexe ?

«L’éventail de la variabilité humaine est tel que la majorité des humains partagent des formes pelviennes qui ne sont pas liées au sexe (4)», affirme July Bouhallier. Mieux : selon les populations, ce n’est pas le creux du bassin, ni la taille du squelette, ni la densité des os qui permet de distinguer les hommes des femmes… Ainsi que l’explique Evelyne Peyre : «le sexe osseux est désormais recherché sur la mandibule des Coréens, la clavicule ou la rotule des Iraniens, les métacarpiens (main) des Thaïs, l’astragale (cheville) des Égyptiens, l’omoplate ou le bassin des Grecs, le bassin ou le carpe (poignet) des Mexicains, l’humérus (bras) des Crétois…». Elle cite encore une dizaine d’autres exemples. Dans le sud est de la France, c’est à leurs dents qu’on identifie le sexe des squelettes. En Australie de l’Ouest : à leur sternum. En Crète : à l’humérus. Il n’existe aucun critère absolu d’identification du sexe osseux. Tout dépend de l’époque et du lieu : chaque population possède ses propres caractéristiques, qui dépendent des coutumes alimentaires, des gestuelles adoptées au travail, etc. Autrement dit, conclut Evelyne Peyre : «le squelette est une mémoire “vivante“ de notre histoire. Le “lire“, c’est décrypter les informations enregistrées au niveau du temps long de l’évolution ou du temps court de la vie particulière».

Mon corps a-t-il un sexe ? d’Evelyne Peyre et Joëlle Wiels, éditions La Découverte. Sortie le 12 février 2015. Evolution de la fonction obstétricale chez les hominoïdes: analyse morphométrique tridimensionnelle de la cavité pelvienne chez les espèces actuelles et fossiles , de July Bouhallier, 2006.

NOTES

(1) « Il est très aisé d’interpréter la morphologie d’un bassin féminin en raison de la très grande implication de cet os dans les processus physiologiques propres à la femme que sont la gestation et la parturition. La valeur d’indice des traces y est très importante. Outre l’aspect dichotomique de la caractérisation dont nous avons parlé précédemment, l’identification et l’interprétation de l’indice fait avec un taux de fiabilité très élevé, autorise une diagnose sexuelle correcte dans plus de 95 % des cas. » (Source : article du socio-anthropologue Pascal Adalian, en ligne ici)

(2) Chiffres 2007. Source : Wikipedia.

(3) La taille du bassin est aussi la même chez les petites femmes aux hanches larges et les grandes gigues filiformes. On peut avoir des hanches d’homme et accoucher sans plus de difficulté qu’une modèle de Botticelli. Comme dit July Bouhallier : « Le bassin n’est ni lié à la largeur des hanches, ni lié à la stature (fondamental ! les femmes petites n’ont pas de petits bassins !) et ne participe pas à la contention du foetus lors de la grossesse puisque c’est la sangle abdominale qui maintient l’enfant. De plus, quand on entend dire d’une femme que ses larges hanches lui permettront d’accoucher facilement, c’est une erreur : les hanches peuvent être larges et l’intérieur du bassin très petit.» (Entretien par courriel, 14 février 2015)

(4) « Les caractères du bassin propres à la parturition donc typiquement féminin reste très «intime» et caché puisqu’il ne concerne qu’une cavité formé par trois os. Trois os dont la forme dépend des muscles, de la croissance et de son arrêt, de la nutrition... on est loin d’un bassin féminin dont la forme serait déterminée et reconnaissable par sa seule fonction d’accoucher les petits de l’espèce. Et ce creux entre les trois os du bassin n’est pas que le lieu de passage d’un enfant. On y trouve des organes, dont la mobilité varie, des artères et des nerfs, de la graisse parfois sans oublier que deux puissants muscles pour maintenir le tronc droit viennent chevaucher en partie l’ouverture de ce petit bassin. » (Source : July Bouhallier, courriel).

LIENS : Lucy est-elle Lucien ? ; Institut Emilie du Chatelet, colloque «Mon corps a-t-il un sexe ?», 2012.

Illustrations : Les images en haut sont signées Antoine Bernhart. Les schémas de bassins viennent du livre Mon corps a-t-il un sexe ? et illustrent l’article signé par July Bouhallier.

février 16, 2015

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10:48

Le pénis circoncis a-t-il plus de tact que l'intact ?

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Certaines zones très sensibles du corps humain ne procurent, au toucher, aucune excitation sexuelle. Les doigts par exemple. D’autres zones, quoique moins sensibles, sont très demandeuses de caresses… Quelles sont ces zones ? Le tissu cicatriciel les rend-elles plus sensibles ?

Pour des raisons médicales, un nombre croissant de chercheurs tente de dresser la carte des réactions dermiques moyennes chez l’humain. Depuis quelques années, les zones génitales masculines font l’objet d’études spécifiques. Il s’agit d’établir des bases de données, afin de comprendre quels sont les seuils de détection cutanés sur le pénis et autour… C’est une question «centrale dans la réflexion sur la santé sexuelle, notamment chez les personnes blessées médullaires et transsexuelles.», explique la kinanthropologue Margaux Blamoutier (dans un mémoire en PDF ici). Mais c’est aussi une manière de savoir quels dégâts sont occasionnés par l’usage du bistouri sur les parties génitales. On touche là un sujet… sensible.

L’initiateur de ce type de recherche s’appelle Bleustein. Dès 2002, il met au point des tests visant à mesurer le degré de perception des contacts très légers, à l’aide d’instruments utilisés en neurologie pour mesurer la sensibilité tactile au «toucher fin». On les appelle mono filaments de Semmes-Weinstein. La méthode habituelle veut que le sujet (volontaire) s’allonge sur un fauteuil allongé et garde les yeux bandés. Le mono filament est appliqué sur son corps, à des endroits qui sont marqués d’un coup de feutre. On lui demande s’il sent quelque chose. Réponse : oui, non. Le stimulus est appliqué pendant environ 1,5 seconde. Chaque stimulation est séparée de la suivante par quelques secondes. L’amplitude de la stimulation est progressivement augmentée, afin de déterminer à partir de quel moment le sujet va se mettre à «sentir». Plus son seuil est élevé, moins il est sensible.

La première fois qu’il mène cette étude, Bleustein se contente d’une seule zone de test : le mono filament est appliqué sur le milieu du gland (face dorsale). Le seuil moyen de détection du toucher léger est établi à 0,90 gramme pour les sujets sains. En 2003, Bleustein recommence. Le seuil de détection est à peu près le même : 0,83 gramme. Est-ce peu ? Est-ce beaucoup ? Bleustein ne le dit pas. Il faut cependant noter que ses cobayes ont la cinquantaine. Or plus on vieillit, plus on devient insensible. Par ailleurs, Bleustein travaille sur des sujets qui sont en majorité circoncis… Or, ainsi qu’il le note lui-même, le seuil des sujets circoncis est plus élevé : ils sont moins sensibles à la stimulation que les sujets au pénis intact. Cela remet complètement en cause les idées reçues : à cette époque, aux Etats-Unis, les seules sources d’information fiables sur ce sujet sont les recherches menées par Masters et Johnson.

Il s’avère que dans les années 60, tout le monde pense que le gland des hommes circoncis est bien plus sensible que celui des hommes au pénis intact. En 1966, Masters et Johnson s’attaquent à ce mythe. Ils établissent comme un fait clinique l’idée selon laquelle il n’y a pas de différence significative de sensibilité entre les deux types de gland. Mais leur étude repose sur un test neurologique établi uniquement au niveau du gland et de la verge (faces ventrale et dorsale) or les zones qui contiennent les récepteurs les plus fins se situent sur la bande striée du prépuce. «Le gland est pratiquement insensible, explique le chercheur Tim Hammond, en 1998. Le seul endroit du corps qui possède aussi peu de récepteurs au toucher léger, dans le corps humain, c’est le talon du pied. Ce test totalement inapproprié pourrait donc être comparé à un test de l’écoute audio sur un patient atteint de la cataracte».

En 2007, pour la première fois, un chercheur décide de mener une étude comparative «sérieuse» entre les pénis circoncis et les non-circoncis. Il s’appelle Morris Sorrells. «Notre idée de départ était que le prépuce est un organe sensible et que, peut-être, cela aiderait les personnes qui cherchent des raisons objectives de laisser leur(s) fils intact(s) (non circoncis). Il nous semblait que pour les personnes qui voulaient étudier cette question, peut-être que des faits objectifs, à supposer que nous puissions les établir, seraient utiles.» Pour y parvenir, Sorrells engage les gros moyens. Il s’agit de ne pas répéter l’erreur de Masters et Johnson. Quatre points de test, ce n’est pas suffisant. Sorrells en trouve… dix-sept !

«Si vous voulez faire de la science, vous devez, autant que possible, mettre en place une étude qui peut vraiment démontrer que vous avez tort. Vous devez être aussi objectif que possible», dit Sorrells (dans une interview en 2009). Ses dix-sept points de contact sont répartis sur la face ventrale et dorsale du pénis, tantôt calotté, tantôt décalotté. «Sur les pénis circoncis, il y en avait 6 de moins puisque évidemment il n’y avait pas de prépuce.» Les cobayes de Sorrells sont jeunes. Un écran est placé entre leur tête et leur pénis afin qu’ils ne puissent rien voir. Un médecin fait le test, un autre enregistre les résultats, une infirmière tient les instruments. Lorsqu’il y a un doute, le test est répété après un nouveau calibrage. Certains tests sont faits en double aveugle pour vérifier que les mêmes résultats sont obtenus à chaque fois. («En fait, nous n’avons pas obtenu exactement les mêmes résultats, mais la proportionnalité de sensibilité était identique à chaque fois.»). Les résultats sont éclairants.

Première constatation : les pénis intacts ont des seuils de détection situés entre 0,159 et 1,141 gramme. Les pénis circoncis ont des seuils de détection situés entre 0,192 et 1,180 gramme. Cela signifie que, toutes zones confondues, les pénis intacts sont plus sensibles au toucher léger que les pénis privés de prépuce.

Deuxième constatation : la zone la moins sensible du pénis se situe au milieu du gland. A cet endroit, les hommes circoncis sont moins sensibles (1,180 gramme) que les hommes intacts (1,141).

Ce qu’en dit Sorrells : «Le gland était plus sensible au toucher léger chez les personnes non circoncises. Cela est tout à fait logique parce que le pénis non circoncis est couvert la plupart du temps. Il reste dans un environnement relativement humide, tout comme l’intérieur de votre bouche est plus sensible que l’extérieur et plus sensible que l’extérieur de la lèvre, et vous pouvez mesurer cela. Donc ce n’était pas vraiment surprenant».

Troisième constatation : la zone la plus sensible du pénis circoncis se situe au niveau de la cicatrice (celle de la face ventrale étant plus sensible que celle de la face dorsale). Le seuil de détection est en moyenne de 0,192 gramme à cet endroit. La zone du pénis intact la plus sensible se situe au niveau du prépuce (face ventrale), plus précisément sur les points 13 et 14 dont les seuils de détection sont respectivement de 0,159 et 0,177 grammes.

Ce qu’en dit Sorrels : «Il est apparu que les zones les plus sensibles du pénis étaient sur le prépuce et que les zones les plus sensibles du pénis non circoncis étaient plus sensibles que les zones les plus sensibles du pénis circoncis. Donc non seulement le gland du pénis était moins sensible au toucher, mais la zone la plus sensible de toutes était la zone du prépuce (totalement absente chez l’homme circoncis) révélée quand le prépuce se replie sur lui-même en découvrant le gland. Cette zone était extrêmement sensible, plus sensible que n’importe quelle zone d’un pénis circoncis, statistiquement. C’était très intéressant».

S’il faut en croire Morris Sorrells, il y a donc cinq zones sur le prépuce du pénis qui sont plus sensibles que n’importe quelle zone sur le pénis circoncis. «Cela ne veut pas dire qu’il n’y a pas de plaisir sexuel chez l’homme circoncis, dit-il. Cela n’est clairement pas vrai. Nous ne suggérons rien de tel. Nous disons simplement qu’il y a une différence, qu’il s’agit d’une partie particulièrement sensible de l’anatomie pénienne. La circoncision supprime définitivement la partie du pénis la plus sensible au toucher».

En 2011, une kinanthropologue – Margaux Blamoutier – décide de vérifier les données enregistrées par Sorrels. Elle utilise aussi des mono filaments, établit un protocole d’enquête strict, limite son terrain à des cobayes âgés de 25 à 35 ans et… obtient des résultats similaires à ceux de Sorrells. Ses points de test sont seulement au nombre de 10 sur le pénis (verge, couronne, gland, frein, base, face ventrale et dorsale) et ses résultats s’alignent sur ceux de Sorrells pour les hommes au pénis intact : leurs seuils de détection se situent entre 0,192 et 1,522 gramme. Margaux ne compare pas avec des hommes non-circoncis. Cela ne l’intéresse pas. En revanche, elle s’intéresse beaucoup à l’anus et note que Sorrells aurait peut-être dû intégrer d’autres point de tests en dehors du pénis. Après tout, le pénis n’est pas tout dans la vie. Il y a les bourses, l’intérieur des cuisses, la prostate, l’anus, la nuque… Toutes ces zones que, dieu merci, aucun scalpel ne pourra retrancher de notre corps.

LES DIX SEPT ZONES DE TEST (sur le pénis intact)

SURFACE DORSALE DU PENIS

(1) La verge (près de la couronne du gland)

(2) Le prépuce externe

(3) Le pourtour de l’orifice du prépuce

(4) La jonction entre la peau de la verge et la muqueuse du gland

(5) La bande striée

(6) La muqueuse du prépuce

(7) Le sulcus (sillon situé derrière le rebord du gland décalotté)

(8) La couronne du gland

(9) Le milieu du gland

(10) Le méat

SURFACE VENTRALE DU PENIS

(11) La couronne du gland

(12) Le frein sur la fente urétrale

(13) Le frein près de la bande striée

(14) Le frein à la jonction muco-cutanée

(15) Le pourtour de l’orifice du prépuce

(16) Le prépuce externe

(17) La verge

LES ONZE ZONES DE TEST (sur le pénis circoncis)

SURFACE DORSALE DU PENIS

(1) La verge (près de la couronne du gland)

(6) La muqueuse du prépuce

(7) Le sulcus (sillon situé derrière le rebord du gland décalotté)

(8) La couronne du gland

(9) Le milieu du gland

(10) Le méat

SURFACE VENTRALE DU PENIS

(11) La couronne du gland

(12) Le frein sur la fente urétrale

(17) La verge

(18) Cicatrice dorsale

(19) Cicatrice ventrale

Sources : une interview de Sorrells réalisée en 2009, sur YouTube. L’étude de Morris Sorrells et de son équipe (Snyder James, Reiss Mark D, Eden Christopher, Milos Marilyn, Wilcox Norma, Van Howe Robert) intitulée «Fine-touch pressure thresholds in the adult penis», en PDF téléchargeable ici. La recherche de Margaux Blamoutier, réalisée en 2011, intitulée «Cartographie des seuils de détection cutanés de la région périnéale chez l’homme», téléchargeable en PDF ici. Merci à l’équipe de Droit au corps pour l’aide à la traduction.

Illustration : Tony Ward.

février 06, 2015

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20:09

Méfiez-vous des femmes qui aiment les os

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C’est en France que pour la première fois, en 1759, un ouvrage montre non pas le squelette humain mais deux squelettes – celui de l’homme et celui de la femme – sur des planches séparées destinées à mettre en valeur la différence des sexes. L’auteur de l’ouvrage… est une femme.

Il est courant de dire que le squelette des femmes est facilement reconnaissable. N’est-il pas plus petit, avec un bassin plus large «pour faire des enfants» ? Dans un ouvrage collectif intitulé Mon corps a-t-il un sexe ? (bientôt en librairie), la chercheuse Évelyne Peyre – paléoanthropologue au Musée de l’Homme à Paris, chargée de recherche au CNRS – réfute ces croyances dont elle situe précisément la naissance en 1759. Tout commence avec deux planches anatomiques, dit-elle. Ces planches sont publiées dans un ouvrage intitulé Traité d’ostéologie. Il s’agit de la traduction d’un livre rédigé par le célèbre anatomiste anglais Alexander Monro (1697-1767).

La femme qui publie cet ouvrage en France – Marie-Geneviève-Charlotte Thiroux d’Arconville (1720-1805) – est la fille d’un riche fermier général. Elle n’apprend à écrire qu’à 8 ans. Elle épouse son mari à 14 ans. Les biographes (1), qui ne s’expliquent pas trop son brusque goût pour les sciences, se complaisent généralement à dire qu’un grand malheur la frappe à 23 ans : elle est défigurée par la petite vérole. Elle renonce désormais à plaire, s’habille comme une grand-mère, devient dévote et se consacre entièrement à l’étude (comme si une femme ne pouvait désirer s’instruire qu’après être devenue laide). Bref, elle assiste à des cours de dissections, se passionne pour la chimie, puis consacre huit ans de sa vie (1755-1763) à l’étude… de la putréfaction. Chaque jour, elle met des morceaux de viande dans des bocaux remplis de substances herbacées dont elle observe avec gravité les influences.

«4 juillet, le vent Ouest, beaucoup de nuages, le temps assez frais. Je trouvai la liqueur jeune et trouble, il y avait du dépôt brun et de la moisissure aux parois du bocal. La liqueur teignait en rouge le papier bleu», «Il y avait une pellicule blanchâtre assez épaisse à la surface de la liqueur, l’odeur était très fétide, la viande molle, gluante, et d’un rouge pâle.» «14 mai, Le vent Sud Ouest, beaucoup de nuages, le temps chaud. Il avait tonné le 11 et le 13. Je trouvai la liqueur partagée en deux, d’un assez beau rouge inférieurement et d’un jaune doré supérieurement ; elle était assez claire, quoiqu’il y eut à la surface une pellicule assez épaisse.» «17 décembre. Le vent Est, le ciel très pur. J’aperçus à la surface de la liqueur un petit endroit qui avait les couleurs de l’iris. » Etrange femme en vérité qui se délecte de putrides métamorphoses… Pas étonnant qu’elle ait trouvé tant d’intérêt aux ossements humains.

Lorsqu’elle décide de traduire le traité sur les os humains, en 1759, elle ne se contente cependant pas d’en donner une traduction éclairée, agrémentée de notes et d’une longue préface : elle se met en tête, contre l’avis de Monro, d’y ajouter des illustrations. Mieux : elle fait publier le livre sous la forme de deux lourds volumes dont la taille des pages est seize fois supérieure à l’original. Les planches anatomiques qui illustrent le texte, ainsi qu’elle l’explique elle-même « par leur beauté, effacent toutes celles qui sont connues jusqu’à présent.» Il est vrai qu’elles sont belles. Elles aident certainement le lecteur «à surmonter la répugnance [pour] des objets hideux tels que les squelettes.» On pourrait même dire qu’elles sont terriblement suggestives… Le squelette féminin se reconnaît du premier coup d’oeil.

«Ces Planches seront connues de toute l’Europe, explique Evelyne Peyre. Révélant en Thiroux une artiste accomplie, elles illustrent parfaitement les différences femme/homme […]. La passivité de la femme y est exprimée par une vue de face. Sa posture statique est accentuée par la figuration d’une tête immobile regardant droit devant, placée en équilibre sur un rachis (colonne vertébrale) dont la rectitude rigidifie l’ensemble osseux tel un bilboquet. Le dessin de l’homme montre, en opposition, un être altier, dynamique et puissant. La vue de trois quarts rend visibles les courbes souples spécifiquement humaines du rachis d’un corps en mouvement qui élève le regard au-dessus de l’horizon ».

Non contente de représenter la femme de face, en attente, et l’homme de trois quart profil, en action, les planches mettent en avant la différence de taille : le squelette de l’homme fait 20 cm de plus que la femme, qui lui arrive timidement à l’épaule. « La différence de stature f/h représentée (20 cm) est le double des statistiques actuelles (10 cm)», note Evelyne Peyre. Par ailleurs, le crâne de la femme semble minuscule. On dirait celui d’un enfant et cela d’autant plus que son front est « divisé verticalement par une suture, trait rare chez l’adulte mais constant chez le très jeune enfant, [ce qui] suggère une maturation féminine inachevée. » Dernier détail d’importance : une illusion d’optique donne l’impression que son bassin est plus beaucoup plus large que celui de l’homme. Pourquoi ? Parce qu’elle est dessinée avec la cage thoracique étriquée, déformée par le port du corset… Un seul coup d’oeil sur ces planches permet de constater la différence, spectaculaire, entre les sexes.

Mais que penser d’un telle différence ? Evelyne Peyre souligne le fait que le squelette féminin ne saurait représenter qu’une ultra-minorité de femmes. « Comme l’artiste précise que ses Planches sont «copiées fidèlement d’après Nature«, on peut supposer que son modèle était une petite aristocrate au crâne réduit, inactive et mal nourrie dans son enfance. En tout cas, ces images ne sont pas anodines pour l’histoire des femmes car, en érigeant une morphologie singulière comme norme, elles étayent une doctrine essentialiste naissante qui proclame des différences considérables entre femme et homme, et contribuent à les fonder comme naturelles en les «gravant« ». Ce qui nous mène à la question : pourquoi diable Marie-Geneviève-Charlotte Thiroux d’Arconville a-t-elle ainsi contribué à donner des femmes une image si négative ?

Il faut se restituer dans le contexte de l’époque. Au XVIIIe siècle, la conception qui dominait jusqu’ici de la similarité des organes génitaux féminins et masculins s’effrite : les ovaires puis les spermatozo¨des ont été découverts. Les savants sont bien forcés de se rendre à l’évidence : la femme produit des oeufs, comme les poules. Seul l’homme produit du sperme. Cette découverte provoque des controverses acharnées et pousse certain médecins – comme Pierre Roussel – à dire que la femme est foncièrement différente de l’homme. Non seulement par son sexe, mais par tout le reste : sa musculature est différente, sa façon de penser est différente. Même ses os sont différents, dit-il : « l’essence du sexe ne se borne pas à un seul organe mais s’étend à toutes les parties ; la femme n’est pas femme par un seul endroit, mais par toutes les faces ».

Inéluctablement assimilée à une étrangère, une alien, une ovarienne, la femme devient radicalement «différente». Ainsi que l’explique Evelyne Peyre : «la distinction totale de deux «natures«, féminine et masculine, s’impose dès la fin du siècle. C’est alors à l’anatomie du squelette, perçue comme la plus intime du corps, qu’il revient de justifier cette différenciation, pendant tout un siècle. » Que vient faire Marie-Geneviève Thiroux d’Arconville dans un contexte si défavorable à son sexe ? Elle fait comme elle peut, avec les armes dont disposent les femmes de son temps. Elle essaye de défendre l’égalité des sexes. Or l’égalité, au XVIIIe siècle, repose sur l’idée que les femmes sont complémentaires des hommes. Il s’agit donc d’établir une répartition harmonieuse des rôles. La femme aura pour tâche d’être belle (c’est à dire petite, fine, galbée) et l’homme d’être fort (c’est à dire grand, musclé, actif).

Lorsqu’elle publie ces planches révolutionnaires, Madame d’Arconville n’a certainement pas l’intention de nuire à son propre sexe, au contraire. Le problème, c’est que ces planches favorisent l’idée que la femme possède un squelette à part. De nos jours encore, il est courant de penser que les femmes ont «par nature» des hanches plus larges, une cage thoracique plus étroite, une tête plus petite et un cerveau plus léger (normal, vu le peu de place). C’est ce que démontre brillamment Evelyne Peyre dans son article : lorsque le «beau sexe» se voit disqualifié en «sexe faible», des illustrateurs s’emparent des planches de Madame d’Harcourt et en donnent des versions remaniées qui frisent la caricature. En 1829, notamment, un médecin écossais nommé Barclay publie dans The Anatomy deux planches montrant les deux squelettes accompagnés chacun d’un animal et d’un décor allégorique. Devinez quel animal accompagne le squelette de l’homme ?

C’est un cheval, bien sûr, emblème du pouvoir et de la force. Quant au décor, il s’agit d’un bois occupé par un manoir : nous sommes donc en terrain civilisé. L’animal qui accompagne la femme, en revanche… « La femme est flanquée d’une Autruche, animal sauvage légendairement connu pour sa stupidité et ses oeufs ; sa figuration de profil fait ressortir sa petitesse de tête et son ampleur de bassin. Cette métaphore d’un féminin à l’intelligence dépréciée, isolée et «pondeuse«, justifie une place sociétale limitée à l’enfantement ; au contraire, celle de l’homme, force sociale pensante et puissante, légitime sa position de dominance. Ces Planches de style naturaliste affichent deux êtres que tout oppose aussi radicalement que le Cheval et l’Autruche. L’utilisation du squelette garantit l’importance des différences de corps jusqu’au plus intime et, cautionnant implicitement l’infériorité mentale des femmes, il légitime, en l’inscrivant dans la nature, une société fortement inégalitaire ».

Evelyne Peyre en profite pour citer quelques extraits de traités médicaux. Je ne résiste pas au plaisir de reproduire les propos de Julien-Joseph Virey [1824], pharmacien chef de l’hôpital militaire du Val-de-Grâce : « Les différences sexuelles ne sont point bornées aux seuls organes de la génération dans l’homme et dans la femme ; mais toutes les parties de leurs corps, celles mêmes qui paraissent être indifférentes aux sexes, en éprouvent cependant quelques influences. […] Cette différence de conformation est analogue aux fonctions de chaque sexe. L’homme est destiné par la nature […] à l’usage de sa pensée, à se servir de la raison et du génie pour soutenir la famille dont il doit être le chef ; la femme, à qui le dépôt de la génération devait être confié, avait besoin d’un bassin spacieux qui se prêtât à la dilatation de l’utérus pendant la grossesse, et au passage du foetus dans l’accouchement »

Lundi prochain, j’aimerais me pencher plus avant sur ces histoires de bassin et de taille de crâne. Vrai ou faux ? Un article plus pointu sur ces questions suit donc.

Mon corps a-t-il un sexe ? , d’Evelyne Peyre et Joel Wiels, éditions La Découverte. Sortie en février.

(1) Le biographe qui exhume Madame d’Harconville de l’oubli se nomme Antoine-Alexandre Barbier dans un ouvrage datant de 1820. Wikipedia adopte plus ou moins sa vision du triste destin de la malheureuse «marquée par la vérole» qui se console dans les joies de l’esprit.

(2) Par souci de convenances, Madame d’Harconville publie ses ouvrages sous anonymat ou en utilisant des noms d’hommes. Le Traité d’ostéologie est signé par Exupère-Joseph Bertin et par M. Hérissant. Pour en savoir plus.

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