Un kiss-in s'est tenu devant le musée zurichois de la Fédération de foot, accusée de fermer les yeux sur la politique LGBTIQphobe du Qatar, hôte du Mondial.
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Cet article Beautiful Skin : récit d’une soirée club naturiste entre potes provient de Manifesto XXI.
Il existe des vendredis soirs qui nous donnent envie d’accélérer la semaine : surtout quand une soirée Beautiful Skin nous attend. Organisée par les collectifs Bragi Pufferfish et A222-32, le dancefloor est 100% déshabillé.Le temps d’une nuit, en plein cœur de Paris, Lila & Liselotte se sont essayées au club naturiste.
Liselotte, mercredi 14h, Montmartre
On vient de se faire virer d’un café. Trop bruyantes paraît-il pour un endroit « typique » atypique, ambiance suédoise-cold brew-céramique. Qu’à cela ne tienne, on se dirige vers la sortie, tote-bag sur l’épaule et carnet sous le bras pour télétravailler ailleurs. Au milieu d’un brouhaha de sujets, vient la question fatale du mercredi après-midi : Bon alors, on fait quoi ce week-end ? Sacré, Java, Mazette, Cabaret Sauvage, aucun de ces clubs déjà écumés ne trouvent grâce à nos yeux : trop loin, trop petit, trop chaud, trop fort, nous, ce que l’on recherche, c’est du dancefloor inconnu, des toilettes aux écritures nouvelles et du son neuf. Soudain, illumination. Et si on allait à la Beautiful Skin ?
Une soirée nue dans un club ? Lila fait la grimace et décline, trop pudique. Pourtant, mon idée lui trotte dans la tête et elle me bombarde, un peu plus tard, de questions. C’est quoi l’ambiance d’une soirée naturiste ? On s’y sent comment ? Ça augmente le malaise social ou tout le monde est plus ouvert ? Est-ce qu’on se parle, est-ce qu’on bouge autrement ?
Bas la booze, haut les boobs.
Fidèle à elle-même, la curiosité la démange, elle craque et écume le web à la recherche d’articles sur le naturisme et sur le dévêtissement dans les soirées queers. Je reçois une avalanche de liens sur ma messagerie. La nudité fait son chemin. Au diable la pudeur. Elle me raconte qu’elle en a parlé à un ami naturiste, qui pratique en famille depuis tout jeune : pour lui, se mettre nu sous terre, Le Klub étant une boîte de nuit souterraine, c’est no-go. Alors qu’elle, bizarrement, c’est ce clair-obscur des nuits festives qui lui plaît. Plus que de faire un barbecue à poil dans un camping sur l’île du Levant. « Un désir gronde » elle ajoute. Celui d’une nuit queer où l’expression des corps est tangiblement libre. Si elle fait sauter les agrafes, c’est pour accéder à un état de fête différent. Bas la booze, haut les boobs.
Lila, vendredi 22h, before
La perspective de cette soirée ensemble nous rapproche. Autour de quelques pastis, on parle d’enfance, de souvenirs de piscine municipale, d’internat et de la relation à nos corps. Moi, je ne suis pas très tendre avec lui, c’est un peu le fusible quand ma confiance en moi prend la tangente. Il prend alors cher. On navigue entre être et avoir corps. Liselotte me dit qu’elle et lui sont colocs, se côtoient bien sans pour autant pleinement se connaître. Trois ans d’internat à vivre avec celui des autres, à se balader de chambre en chambre, à se prêter des fringues et des rasoirs passés par-dessus le rideau des douches communes…. Elle reconnaît qu’elle est plutôt à l’aise avec la nudité. Et en même temps, le vêtement fait quand même office de barrage et ça l’arrange bien.
Cette perspective d’une soirée nue est aussi une ôde à la vulnérabilité, c’est un moment sans artifices où tout est montré. C’est un peu ce que disent Florence Gherchanoc et Valérie Huet, auteures de l’essai Pratiques politiques et culturelles du vêtement (Presses Universitaires de France): ce dernier souligne autant qu’il cache. Un jeu d’ombre et de lumière finalement où l’on choisit quel morceau mettre en avant et comment camoufler nos autres parties plus honteuses. Une bande de poil oubliée, les genoux écorchés et bardés de cicatrices éternelles, les marques du temps, les plis, bref, une peau tout sauf silencieuse qui sera bientôt remise en liberté.
Dans notre top des inquiétudes, il y a les yeux baladeurs, se faire frôler par des relous, se sentir trop gênées pour kiffer et gaffer en abordant les gens. Car habituées à nos couches successives qui définissent notre packaging social, nous protègent et communiquent à notre place, on est un peu désarçonnées : comment va-t-on engager la conversation sans cet élément qui donne le “la” ? Comme le disait feu Barthes, c’est un moyen de communication non-verbale. Il nous rattache à un groupe socio-culturel tout en semant des indices sur notre personnalité, notre lieu de vie, notre classe sociale, nos préférences sexuelles, notre statut économique et religieux.
Liselotte, 00h45, Barbès
C’est l’heure. Branle-bas de combat, on lève le camp. Bien que l’on soit débarrassées de nos rituels de préparation et autre quête de la tenue adéquate, Astrid, notre troisième acolyte, est en pleine hésitation. Étant donné que nos seuls accessoires sont nos chaussures et chaussettes, pudeur des malléoles ou non, le choix est de taille. 39. Elle hésite, trois paires entre les mains. Bleu nuit, rouges volcan ou vertes avec des petites Jocondes dessus ? Énorme dilemme. Après un bref conciliabule, ce sont les De Vinci qui l’emportent. On note pour la prochaine fois d’en trouver avec un motif homme de Vitruve, histoire d’être à fond dans le thème. On sort du métro, nos pantalons battent la mesure sur nos jambes, bientôt mises à nues. Paradoxalement, c’est à quelques instants d’enlever nos tissus que l’on se rend compte qu’on les porte. Plus loin, ourlée de néons festifs, la devanture du Klub nous attend. Le vigile aussi d’ailleurs. « Vous connaissez le genre de la maison ? » qu’il nous dit. Après un rapide check-up et une réponse affirmative, la porte s’ouvre. Ça y est, on entre dans un monde où le mot vêtement n’existe pas.
Tous ces corps, loin des diktats d’Instagram et de la publicité, des filtres et des pressions sociales, vivent. Libres et visibles. Ils donnent à lire une part de leur histoire intime : cicatrices, poils, dépigmentation, piercing mais aussi tatouages ou marques de bronzage.
Liselotte, 1h28, direction le vestiaire du Klub
Encore habillée, la première chose qui me frappe, c’est à quel point les gens sont détendus. On nous accueille à bas ouverts, tout sourire et peau dehors. Imaginée par le collectif Bragi Pufferfish, cette idée de mêler clubbing et naturisme remonte à 2015 et à l’organisation d’apéros nus en appartement.
Jérémy Lapeyre, l’un des cofondateurs, et Julien Pénégry, ont décliné ce concept en 2017, dans un squat du 18ème, où l’affluence dépassait la centaine de personnes. « On organisait aussi des events clubbing et des afterworks “habillés”, je me suis dit que ça serait fantastique de pouvoir allier le naturisme et la fête. Et en même temps, que ça serait quasiment infaisable logistiquement » nous raconte Jérémy. Et pourtant, 5 ans plus tard, on se faufile entre des corps dévêtus jusqu’au vestiaire. Tenue correcte exigée, on nous fournit un sac pour mettre toutes nos affaires, téléphone compris.
On se jette un dernier coup d’œil avec Lila puis, par pudeur, on se retourne face au mur pour se déshabiller. On prend encore quelques secondes pour chuchoter à nos vêtements qu’on se retrouve tout à l’heure, promis. Au moment d’enlever ma bonne vieille culotte 100% coton, une sensation de vertige me prend à la poitrine. Comme quand j’étais gosse, au moment d’enlever un gros pansement qui protégeait une blessure fraîche, je me lance dans un compte à rebours : troiiiis, deuuuuux, un et demiiii, un et quaaaart, unnnnn dixièèème, un. Zéro. Je glisse mon sous-vêtement d’un coup sec, je sens le tissu se détacher de moi. Ça y est, je suis nue au milieu de gens nus.
C’est la soirée idéale pour celles et ceux qui ont envie de tenter le naturisme en club.
Clem
Lila, 2h, au stand paillettes
Sans notre tenue d’apparat, le goût de la soirée est tout autre. Inconsciemment, on se recroqueville pour gommer nos formes, nos seins, nos fesses. Il est encore trop tôt pour danser et pas assez tard pour rentrer. Alors, en attendant de se ruer sur la piste, on apprivoise notre regard et nos sensations le temps de s’habiller les yeux. Rapidement, on se rend compte que l’on est peu de femmes. Une dizaine à tout casser. Une meuf du staff vient nous voir: « Si un mec vous embête, vous venez me voir, on le dégage direct. » Car être nu·e ne veut pas pour autant dire absence de tenue. Comme en témoigne la communication de l’événement autour du respect d’autrui, de l’inclusivité et de la tolérance zéro. « Ils font un super travail, c’est la soirée idéale pour celles et ceux qui ont envie de tenter le naturisme en club. C’est un très bon moyen de mettre un premier pied dedans, la team est vigilante, prévoyante et bienveillante pour proposer une fête ultra safe » ajoute Clem, bénévole et performeuse burlesque.
Alors qu’on attend pour se faire maquiller, on se prend aussi dans la tronche une piqûre de réalité. Tout le monde est nu et égaux. Tous ces corps, loin des diktats d’Instagram et de la publicité, des filtres et des pressions sociales, vivent. Libres et visibles. Ils donnent à lire une part de leur histoire intime : cicatrices, poils, dépigmentation, piercing mais aussi tatouages ou marques de bronzage. Comme nous l’explique Jérémy, l’intention de ces soirées, nommées « Beautiful Skin » en clin d’œil au film de Gregg Araki, est de prouver que toutes les peaux sont belles et pas uniquement un vecteur d’intimité et de sexualité. Une occasion de dézoomer de soi-même, de se rendre vulnérable aux autres.
Lila, 2h35, sur le dancefloor
Passé l’étrangeté des premiers instants encore imprégnés de qu’en dira-t-on, bouger nues nous met en éveil, on est ivres, une ivresse sans substance ajoutée. Un état propice à la fête par d’autres moyens (okay j’enjolive, on nous a offert un shot de pastis aussi. Oui vous avez bien lu, sans eau, juste du pastis). Comme toute ivresse, je sens que ça augmente, déplace ma perception, quel kiff ! Simplement d’abord la perception de mon propre corps, que je sens, non plus par le moule du vêtement, non par la silhouette, mais comme de l’intérieur, par les transferts de masse, l’air sur la sueur et sur mes poils. Danser nues nous fait sentir non plus les ondes solaires mais sonores sur la peau, les basses pulser dans notre cage thoracique et se répandre sur nos peaux. Et là plus que d’habitude, nos palpitances font corps, un peu comme dans cette scène du baiser dans Daredevil où Ben Affleck devine le corps de son crush par l’onde que renvoient les gouttes de pluie sur sa peau.
Et, prenez-moi pour une hippie si vous voulez, mais ce qui se passe dans le corps ne laisse pas l’esprit indemne. En explorant les façons de prendre corps, en groovant de plus en plus confiante et présente à mes sensations sur les beats de DJ Fenouil 2000, il me semble que cette amplitude corporelle dépasse mon enveloppe charnelle. Audre Lorde l’écrit magnifiquement à propos de sa mère et de sa tante dans Zami : « [leurs] deux corps amples semblent renforcer la détermination avec laquelle elles se meuvent dans l’existence ». C’est ça qui m’a traversée. Une détermination à exister.
Être à poil dans une boite ne suffit pas, offrir sa lune à la nuit, c’est une contre-culture à inventer.
Lila, 3h10, à côté de la scène à gauche
Le cocktail nuit-nudité a fait effet. Le jugement est resté au vestiaire. Le regard n’est pas très baladeur, à la limite curieux, apprenant : on est plein de culs, et plus on est de culs, plus on a de représentations diverses des corps, plus le pluriel prend le dessus sur la norme. Ça éduque nos yeux et ça redessine nos désirs : « La beauté peut devenir une dimension de notre regard » suggère le philosophe Michaël Foessel dans son livre La Nuit. Vivre sans témoin, paru aux éditions Autrement. Il ajoute même : « beauté signifie alors ‘laisser être‘ ». Une dimension de notre regard donc, et même une attitude.
C’est politique au sens premier du terme, ça engage nos façons d’être en relation, avec autrui et comme collectif. N’est-ce pas ce qui est en jeu quand on fait la fête, et ce que recherche aussi le naturisme ? Alors dans la fusion des deux on y parvient, je crois. On se regarde dans les yeux, on se laisse plus d’épaisseur d’air pour envelopper nos vulnérabilités et donner libre cours à nos mouvements. Comme pour célébrer cette nuit où tous les gens sont beaux, un show burlesque commence. De grands éventails en plumes, des rivières de colliers de perles et Britney qui hurle dans nos oreilles. La foule est en transe. Ça se contorsionne, les peaux luisent, c’est émouvant. « J’aime les hommes, mais y a pas à dire, c’est quand même beau le corps d’une femme » me souffle-t-on à la vue de ce spectacle dans l’oreille.
Liselotte, 3h45, sur le départ
On échange notre nudité contre notre sac d’habits. On s’y glisse à contre-cœur, leurs poids nous dérange, la sensation de mettre des couches de bienséance aussi. Un dernier coup d’œil au dancefloor avant de franchir la porte et de rejoindre les autres, les habillés, les frileux : cette soirée à Poiland me fait penser que danser nue, mine de rien, ça fait du bien à la fête. Ça crée un décalage qui enrichit nos moments festifs, qui s’embourbent facilement dans des codes eux aussi. Exposer nos parties intimes, ça questionne ce que l’on croit en être, ça fait valser une intimité normée et normative, ça ouvre une possibilité de tisser des liens ou de vivre des expériences à l’abri du jugement social.
Mais être à poil dans une boite ne suffit pas, offrir sa lune à la nuit, c’est une contre-culture à inventer. À l’instar de ce qui se crée déjà par bribes, à celles et ceux qui osent proposer autre chose, une marge anticonformiste, une frontière dissidente, inconfortable car différente, mais exaltante car interdite. Nous nous devons d’y retourner : ne pas rester au stade de baptême mais plonger et encourager les tenté·es à être attentif·ves, curieux·ses, avides ensemble de nous défaire des injonctions vestimentaires, comportementales et corporelles et de co-créer, enfin, un monde qui permette à chacun de se lâcher et d’être soi.
Lila Bigio
Liselotte Girard
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Illustration : Anne-Charlotte de Rochechouart
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Sur la chaîne publique allemande ZDF, Khalid Salman, s'est exprimé à propos des « gays », qualifiés de « choses », qui vont débarquer dans le pays :
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Cet article Les Femmes S’en Mêlent : 25 ans de programmation exclusivement féminine provient de Manifesto XXI.
Du 14 au 26 novembre à Paris et jusqu’au 3 décembre dans toute la région, les concerts du festival annuel Les Femmes S’en Mêlent signent leur retour pour une édition toujours à contre-courant des programmations habituelles.Fondé à Paris en 1997, Les Femmes S’en Mêlent (LFSM) s’est érigé comme une revendication culturelle au vu d’un constat indéniable : les artistes-musiciennes se retrouvent sans cesse sous-représentées dans la programmation des festivals français. Bâtir une scène qui leur est exclusive s’imposait alors comme une évidence.
Événement culturel pionnier quant à l’ambition de promouvoir le talent des artistes-musiciennes, toujours plus nombreuses dans les scènes musicales indépendantes, Les Femmes S’en Mêlent est devenu le premier festival international à construire son identité sur ces aspirations militantes. Et ce n’est pas tout ! Afin de réduire comme peau de chagrin les inégalités subsistantes dans les métiers de l’industrie musicale, donner des clés et conseils avisés à des professionnel·les ou aspirant·es à l’aventure dans ce secteur qui est longtemps resté opaque et sujet aux violences sexistes et sexuelles, l’équipe a lancé Les Femmes S’engagent.
Ce nouveau dispositif d’accompagnement qui vise également à informer sur les enjeux de parité dans les programmations musicales, invite du 14 au 26 novembre à venir assister à des ateliers, conférences, échanges et débats autour de ces questions d’égalité, dans quatre lieux de la capitale. C’est donc entre le Point Éphémère, la Cité Audacieuse, le FGO Barbara et le Petit Bain que sont organisés ateliers d’écriture féministe ou de coaching scénique et rencontres ayant pour thématiques des problématiques on ne peut plus actuelles comme « futur au travail » ou « état des lieux et réponses collectives face aux violences et le harcèlement sexiste et sexuel en France ».
Sur le plan musical, on retrouvera au cœur des salles parisiennes des artistes comme l’incontournable DJ et productrice Chloé, qui aura carte blanche pour faire vibrer le Trabendo le temps d’une nuit, Clara 3000 (déjà présente lors de la 21ème édition), mais aussi la Britannique Surgeons Girl, l’anadolu folk-rock de Derya Yıldırım & Grup Şimşek, l’Américaine Stella Donnelly et l’électro-punk de la Japonaise Zombie Chang.
En outre, seront également présentes Les Vulves Assassines à Ivry-sur-Seine, Emma Peters à Chelles ou bien Maë Defays et Fanny Polly à Guyancourt.
Affiche promotionnelle du festival Les Femmes S’en Mêlent. Illustration : © Le Cheveu BlancLes Femmes S’en Mêlent, immanquable rendez-vous des découvreurs·ses et passionné·es de créations sonores aussi disruptives que féministes est fixé du 14 au 26 novembre à Paris et depuis le 22 septembre et jusqu’au 3 décembre en région parisienne.
Site du festival / Événement Facebook / Billetterie
Image en une : © Florie Berger
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Un homosexuel philippin a dénoncé le viol qu'il a subi par des policiers Qataris, lors d'une « opération d'infiltration » anti-LGBT+, témoignant d'une « réalité permanente » vécue par la communauté dans l’Émirat.
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Cet article Girls don’t cry festival #2 impulser les joies collectives provient de Manifesto XXI.
Le Girls don’t cry festival revient à Toulouse du 24 au 27 novembre 2022 pour une nouvelle édition pluridisciplinaire, queer et féministe. Un cocon de douceur et de découverte qui se pare d’un quatrième jour pour le bonheur des fêtard·es toulousain·es.En novembre 2021 le festival organisé par l’association La Petite a pris ses premières marques dans la ville rose. Engagée pour l’égalité des genres dans les arts et la culture, l’association entendait déjà queeriser les regards avec une proposition d’avant-garde et de fête en-dehors du centre-ville, au Metronum dans le quartier Borderouge. Le lieu de création avait accueilli une programmation en non-mixité choisie ; les performances de TTristana, Lotic et Cate Hortl faisant suinter les murs. Un engagement féministe confirmé par d’autres propositions inédites qui s’étaient succédées : un cabaret drag, la performance de pole dance d’Eff the Goddess ou encore la diffusion de porno féministes au cinéma l’Utopia.
Du 24 au 27 novembre prochain, le festival souhaite renouveler sa démarche d’inclusivité dans une deuxième édition de militantisme joyeux. Un week-end de partage autour du club et de l’expérimentation sonore, de la fête comme du soin, pour accompagner en douceur l’arrivée de l’hiver. Girls don’t cry s’engage pour une fête bienveillante qui défend la visibilisation des artistes sexisé·es et lutte contre les violences sexistes et sexuelles en milieu festif avec la présence du dispositif toulousain Main Forte. La directrice artistique de La Petite Camille Mathon entend « célébrer aussi bien des propositions expérimentales que des pointures club pour réunir la communauté de curieux·ses toulousain·es ».
Affiche par Natalia PodgorskaLa ligne artistique audacieuse de cette nouvelle édition est sublimée par le visuel organique et pétillant pensé par l’artiste Natalia Podgorska. Le Girls Don’t Cry fait aussi une place forte à la démarche collaborative en permettant à un groupe de bénévoles de construire la programmation. Au rendez-vous des festivités : des DJs sets, des lives, des stands pour prendre soin de soi, du tirage de tarot, des shows drag, des expositions, des workshops et des conférences prodigueront les outils pour apprendre et partager collectivement.
Côté line-up, notre cœur s’est emballé à l’annonce de la présence de l’artiste imer6ia pour un live transcendant ; Aïsha Devi ouvrira le festival avec sa composition vocale époustouflante. Le samedi 26, la brésilienne xd_Eric proposera un set enflammé oscillant entre funk et neo perreo après le live bouillant de la productrice LYZZA. On attend avec impatience Trinity et Anaco qui clôtureront le week-end par cinq heures de sets immersifs et exaltants.
Cette deuxième édition se profile déjà comme un rendez-vous incontournable de la création et du militantisme. Une bulle de douceur à explorer avec ses adelphes ; un moment pour s’exprimer sans entrave.
Informations et réservations sur le site de La Petite
Girls don’t cry festival du jeudi 24 au dimanche 27 novembre à Toulouse
En 2021, ManifestoXXII avait participé au festival dans une table-ronde pour penser les gestes et les actions féministes. Réécoutez-la ici.
Image à la une : Anamorphose Studio, Girls Don’t Cry Festival 2021
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Suppression de la Pride de Jérusalem, levée du veto contre les « thérapies de conversion » (...) Le retour de l’ancien Premier ministre à la tête d’une coalition de nationalistes et religieux annonce de grands bouleversements pour la communauté LGBT+ israélienne.
L’article Les promesses de réformes anti-LGBT+ du parti du sionisme religieux, autre vainqueur des législatives en Israël est apparu en premier sur Association STOP HOMOPHOBIE | Information - Prévention - Aide aux victimes.
Cet article Qui est Toya Delazy, queen de l’afrorave ? provient de Manifesto XXI.
Artiste originaire d’Afrique du Sud basée à Londres, Toya Delazy mélange les traditions de la culture zulu, la drum and bass et des messages forts dans ses productions.Sorti en 2021, son album Afrorave Vol 1 fonde le genre du même nom et marque un tournant radical dans la carrière de l’artiste active depuis 10 ans. Jeune maman, un autre tournant récent dans sa vie, Toya Delazy tient un discours fort sur la parentalité lesbienne. Elle sera au Hasard Ludique le 19 novembre pour la quatrième édition du festival Nyokobop, un rendez-vous à ne pas manquer avec cette artiste complète.
Tambours, rave & exilNée à Zululand, Toya Delazy descend d’une lignée prestigieuse : elle est la petite-fille du chef zulu Mangosuthu Buthelezi, figure active de la lutte anti-Apartheid, et l’arrière petite-fille de la princesse Magogo, compositrice. Cet héritage est au cœur de l’art de Toya Delazy. Dans la culture zulu, l’isigubu – tambour – est un intrument et une pratique fondamentale comme elle explique sur le site de Beatportal : « Les percussions sont spirituelles. Si on dit aux gens qu’iels vibrent à des fréquences basses, ce sera le cas. Si on dit aux gens qu’iels n’ont pas d’histoire, iels le croiront et partent de plus bas. »
Comme son nom l’indique, l’afrorave puise l’autre partie de ses racines dans les registres techno, drum and bass, et dans l’énergie de la danse que Toya Delazy considère comme une pratique spirituelle. A cette synthèse détonnante de sons s’ajoute le chant en langue zulu, parfois en anglais et qui permet à Toya Delazy d’exprimer ses multiples facettes : « J’ai souvent eu la sensation qu’on ne pouvait pas être traditionnel·le et moderne en même temps. C’était l’un ou l’autre – le succès est occidental ou rien. Afrorave m’a donné la plateforme pour raconter des histoires, des visions et des problèmes de la communauté noire dont on parle peu, comme la dépression. » Ce dernier sujet est abordé dans son titre « Tini ».
Basée à Londres depuis 2017, ce tournant musical afrorave intervient après plusieurs années de recherche et marque une distance par rapport aux débuts house et pop de l’artiste. Avec Afrorave Toya Delazy aborde des thèmes politiques et célèbre ses racines, désormais loin de son quotidien. Toujours à Beatport, elle confie : « Quitter ma maison a été un moyen de libération. En tant que personne queer, ma vie était en danger. Si j’étais restée là-bas, je pense que je serais morte aujourd’hui. »
En mai cette année, Toya Delazy et sa femme Alisson Chaig, ont accueilli leur premier enfant. A l’occasion de cet heureux événement, l’artiste s’est longuement exprimée dans un post Instagram : « Nous avons trouvé la connection, l’amour, la paix de l’esprit, le bonheur et la famille. Être mère, en tant qu’artiste, est une des expériences les plus transformatrices que j’ai jamais vécu – Je dois travailler activement à trouver un équilibre entre ma carrière, la maternité et l’amour – Ce voyage m’apprend la gestion de ma présence et du temps à un niveau que je ne pensais jamais atteindre. » L’artiste exprime également sa fierté d’avoir surmonté des années d’épreuve, l’invisibilisation des familles lesbiennes, et envoie un message d’espoir puissant.
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Nyokobop 2022 : nos 3 concerts à voir
Du 4 au 30 novembre, le Hasard Ludique
Morena Leraba + Toya Delazy, samedi 19 novembre
Image à la Une : © Pattern Nation
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Un philippin dénonce le viol qu'il a subi par six officiers de police, lors d'une « opération d'infiltration » anti-LGBT+, qui a conduit à son arrestation et expulsion de l’Émirat, sur des allégations de « prostitution homosexuelle ».
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Après deux ans d'une idylle qu'elles souhaitaient « privée », les deux jeunes femmes, rivales sur les podiums, ont annoncé qu'elles s'étaient mariées ce 28 octobre 2022, en pleine semaine des Fiertés en Argentine.
L’article Félicitations : Mariana Varela et Fabiola Valentín, Miss Argentine et Miss Porto Rico 2020, annoncent leur mariage est apparu en premier sur Association STOP HOMOPHOBIE | Information - Prévention - Aide aux victimes.
L’association HF Auvergne-Rhône-Alpes, qui lutte contre les inégalités femmes-hommes dans le domaine culturel, et le Théâtre de la Croix-Rousse, mené par la très impliquée Courtney Geraghty, poursuivent leur collaboration autour des Universités d’automne du mouvement HF. Spectacles, tables rondes, conférences : un weekend dédié à la lutte féministe sous le marrainage d’Habibitch.
Depuis 2008 et la prise de conscience suscitée par les rapports de Reine Prat sur les inégalités femmes-hommes dans le secteur culturel, l’association HF lutte sans relâche pour faire reculer les discriminations. Si leurs Journées du Matrimoine sont désormais bien implantées dans le paysage de la rentrée, leurs Universités d’automne prennent également de plus en plus d’ampleur.
Comme l’an passé, l’association s’associe au Théâtre de la Croix-Rousse pour proposer un weekend dédié à la lutte féministe. Dès le vendredi soir, le spectacle de Jeanne Balibar, Les Historiennes, consacré à trois femmes aux destins hors du commun (Violette Nozière, Delphine Seyrig et Páscoa Vieira) ouvrira les festivités. Le dimanche en fin d’après-midi, c’est le Collectif Marthe qui prendra possession de la scène, avec Rembobiner, pièce qui explore les luttes du MLF et du FHAR à la manière de Carole Roussopoulos.
À la conférence inaugurale du samedi, réunissant Lauren Bastide, Grace Ly et Rose Lamy aux côté des Lyonnaises Bérénice Hamidi et Chloé Bagou autour de la question de l’après #MeToo, succédera le dimanche une conférence d’Iliana Eloit sur le genre et la sexualité d’après la pensée de Monique Wittig. Cette dernière sera à nouveau mise à l’honneur au cours d’un atelier proposé par Yannick Chevalier, plus tard dans la journée.
Dans le cadre d’une carte blanche au FACT, le Festival Arts et Création Trans, Delfina Martinez animera un atelier autour de la création transféministe, le samedi. On s’intéressera aussi au concept de booty therapy proposé par Maïmouna Coulibaly ou encore à la présentation de la bande-dessinée de Guillaume Daudin, Les Contraceptés, qui se penche sur les contraceptions masculines.
Enfin, on ne saurait manquer la grinçante conférence Décoloniser le dancefloor de la marraine de l’événement, Habibitch, qui avait électrisé le hangar des Subs cet été lors du festival Vogue la Nuit, ni le karaoké féministe qui lui succédera le samedi soir. Et ce n’est là que le sommet de l’iceberg d’une programmation ambitieuse qui se fait le reflet de la diversité des luttes féministes d’aujourd’hui.
À voir
Les Universités d’automne de HF, du 4 au 6 novembre 2022 au Théâtre de la Croix-Rousse, place Joannes Ambre-Lyon 4 / www.croix-rousse.com
Programmation complète sur www.hfauvergnerhonealpes.org
L’article Universités d’automne de HF : reflet des luttes féministes est apparu en premier sur Hétéroclite.
Cet article La trance solaire et sensible de Desire provient de Manifesto XXI.
Avec plusieurs disques sortis cette année aux tonalités trance mouvementées et une nouvelle plateforme musicale With Us qui met en avant les artistes queers, Desire a tout pour marquer la scène. On est revenu sur la création de son dernier opus An Ode to Our Nights sorti le 14 octobre sur le label Matière et les prochaines directions de cette nouvelle plateforme.Un court échange au téléphone avec Desire suffit pour apprécier l’amour profond de la compositrice et DJ, qu’elle porte à la scène électronique et ses tempos rapides. Sensible et étincelante Desire porte tous ses projets en puisant dans son intimité, on la suit alors dans un univers sensible et hypnotique. Depuis le début de l’année, Desire a donné vie à de multiples scènes, radios ou encore remix de grands classiques. Elle a encore beaucoup de surprises à nous dévoiler !
La compositrice réveille la scène électronique par ses musiques aux influences multiples. Son deuxième projet de l’année, An Ode To Our Night, très influencée, jongle entre les genres : de la trance progressive aux sons purement rave/techno jusqu’aux sonorités house. Les tonalités lumineuses qu’offre ce dernier EP cassent les attentes pour un mélange puissant qui se termine sur une sélection de remix qui précise le projet dans sa diversité. Ce dernier vient donner suite au premier EP Express Your Love sorti plus tôt dans l’année, moins prononcé dans les mélodies et plus orienté techno mouvementée.
Artwork par Who Is DemianUne ode à ces nuits pour une belle déclaration d’amour à des soirées raves bien rythmées. Produit il y a plusieurs mois, ces compositions soulignent un changement dans le style d’une artiste qui enchaîne dernièrement les closing sur de la techno. Desire précise: « À l’époque, Il y avait des sonorités house dans la trance que je jouais. J’y reviens un peu dernièrement. J’ai travaillé sur des éléments mélancoliques, toujours très influencé rave, je ne considère pas ça comme de la musique de salon. Je n’arrive pas trop à me détacher de ces styles, j’aimerais faire des projets plus techno, mais je crois que je vais arrêter de me forcer. J’ai besoin de faire des choses assez solaires et cet EP amène assez bien cette énergie ». Un autre point de vue sur ses compositions qui selon elle “ne sont pas dans l’euphorie mais sont plutôt introspectives ».
Un véritable élan de production qui pousse la compositrice à aller « chercher plus loin dans les structures de morceaux”. Desire vient de la musique dite “minimale”, les méthodes de productions qui accompagnent ce genre l’influencent encore aujourd’hui, en particulier dans les structures répétitives. La productrice plaisante en avouant avoir essayé de « travailler différemment, mais les basses trop longues me suivront toujours ».
À essayer de diversifier au possible son travail musical, la présence de deux artistes qui jouent sur machines analogiques en remix à la fin du projet, remplit entièrement cette tâche. On retrouve ici, Azo, une artiste basée à Bruxelles, résidente chez Kiosk Radio, aux puissantes compositions, et MZA avec ses basses bien sombres, ayant sorti dernièrement un projet sur Maison Close Records. Leurs remix créent une véritable rupture avec les morceaux précédents, vers un ensemble complexe et bouillonnant. Desire a insisté sur le besoin de présenter des « meufs ou personnes issues de minorités afin de les mettre en avant. Je ne m’attendais pas du tout à ce qu’elles allaient produire, il y a eu un gros travail de percussions qui casse bien avec ce que je fais ».
Tout transpire la trance progressive avec de belles références à la house, on change de registre à chaque morceau. Plus lumineux au début, à l’ambiance house plus prononcée, Le projet s’assombrit progressivement dans ses textures et sonorités. « Je trouvais intéressant de ramener des éléments différents à la fin, aller droit au but avec moins d’éléments. Perdre ce côté solaire sur la fin de l’EP ».
Encore en questionnement à l’idée de jouer ses morceaux en set, Desire marque par son mélange constant de genres, compliquant leurs intégrations en mix. « Les morceaux que je fais sont soit des tracks de closing ou des passerelles entre des styles. Je n’arrive pas encore à faire des tracks de milieu de set. Vu qu’il y a pas mal de styles qui se mélangent, c’est un peu compliqué à placer au milieu d’un set de Trance », explique-t-elle. La connexion avec le label Matière s’est faite via Soundcloud. À l’époque encore à la recherche d’un label moins techno, elle finit par envoyer cet EP. « Je savais qu’ils avaient un large panel d’influences et qu’ils ne se limiteraient pas qu’à un seul genre ». Assez vite, Desire rencontre Charles (aka G.ear) et Lisa (aka LAZE) du label à l’Alimentation Générale.
Ces mois d’attente permettront à Desire de se concentrer sur sa plateforme de podcasts et d’interviews With Us, créée récemment. Aussi inspirante que nécessaire, la plateforme met en lumière les artistes trans et non-binaires trop souvent écartés de la scène électronique. La plateforme est en collaboration avec Justine Thevenin qui s’occupe de la partie visuelle. » Au départ c’était des interview et des podcasts, il y a eu deux épisodes. Puis je n’arrivais plus à en sortir des nouveaux, les personnes à qui je demandais dans la communauté queer avaient des problèmes de logements, de matériels, d’argents… C’est vraiment se confronter à la réalité du milieu queer. J’ai rencontré l’équipe du lieu À la Folie, on a vite discuté avec le directeur pour redonner de l’élan à ce projet. La prochaine soirée, c’est un test on met tout en place pour créer un environnement safe. C’est important pour nous de n’avoir que des personnes trans ou non-binaire sur scène. Cette soirée se fait dans l’optique de peut-être commencer une résidence à la Folie ».
La première soirée de la plateforme With Us s’est tenue lors du Festival Bizarre à la Folie le 14 octobre (la date de sortie du projet). Desire plaisante sur le « hasard que ça tombe le même jour ». Pour développer sa plateforme et son impact dans la scène, Desire est prête à emmener loin son projet. Poussant vers le plus de terrains possibles, de la résidence aux placements en radio.
Le deuxième opus de Desire An Ode To Our Night est à découvrir depuis le 14 octobre sur le label Matière Production. On vous incite à suivre le mouvement With Us avant l’annonce d’un prochain événement.
Cet article La trance solaire et sensible de Desire provient de Manifesto XXI.
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C'est un record de primaires validées, avec des postulants dans les 50 États américains, en réaction aux « attaques incessantes » perpétrées contre la communauté.
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Cet article Révolte féministe en Iran : « Brûler notre voile, c’est brûler les violences qui vont avec » provient de Manifesto XXI.
Depuis septembre, l’Iran est secoué par une contestation toujours plus intense, après qu’une jeune fille est morte aux mains de la police des mœurs. Alors que l’espace médiatique occidental s’est révélé propice aux récupérations, nous interviewons la sociologue féministe kurde Hawjin Baghali pour comprendre l’intersectionalité de ce soulèvement inédit et les relations entre opportunisme conservateur et impérialisme capitaliste.Le 15 septembre, Jîna/Mahsa Amini, 22 ans, meurt aux mains de la police des mœurs à Téhéran, en Iran. Elle avait été arrêtée pour un voile pas assez couvrant. Depuis, le peuple iranien et sa diaspora, emmenés par une mobilisation de femmes, se soulève dans les villes, les villages, à travers le monde.
La contestation appelle à un changement de régime, en place depuis 1979, sous l’autorité d’un Guide suprême religieux et politique. Aujourd’hui, on compte au moins 200 morts, dont une trentaine d’enfants, selon Iranian Rights Watch ; ainsi que l’arrestation de plusieurs milliers d’adultes et l’internement d’enfants en camps de rééducation.
Pour décrypter correctement ce mouvement féministe historique, il faut comprendre l’intersectionnalité propre à l’Iran qu’incarne Jîna Amini. C’est une femme, jeune, d’une minorité ethnique, dans une théocratie où le corps des femmes est un champ du pouvoir politique et religieux. C’est ce que nous explique la sociologue Hawjin Baghali, féministe kurde d’Iran, spécialiste des questions de pouvoir et de religion au Moyen-Orient, engagée dans les luttes queers, anticapitalistes et ethniques.
Manifesto XXI – Le slogan repris par la contestation iranienne de façon transpartisane à travers le globe est « femme, vie, liberté ». Peux-tu nous expliquer d’où il vient ?
Hawjin Baghali : Ce slogan vient de mouvements de femmes kurdes turques. Les femmes kurdes ont toujours imposé les problématiques féministes au sommet du programme politique. Par exemple, elles ont obtenu des branches de parti non-mixtes dès les années 2000. En 2013, le chef du PKK (Parti des travailleurs du Kurdistan), Abdullah Öcalan, emprisonné en Turquie depuis 1999, l’a repris pour résumer la doctrine du parti ainsi : « femmes, vie, liberté ».
Le slogan a été repris dans le Rojava où combattent de nombreuses femmes. Il a aussi résonné dans les manifestations qui ont suivi l’assassinat par balles à Paris, le 9 janvier 2013, des militantes kurdes Fidan Doğan, Sakine Cansız et Leyla Söylemez. Ou encore en 2014-2015, lors des manifestations au Kurdistan d’Iran en réaction aux événements de Kobané [ville syrienne théâtre d’une bataille opposant les forces kurdes et de l’armée syrienne libre aux djihadistes de l’Etat Islamique, ndlr]. Puis sur la tombe de Jîna, en septembre dernier.
Pourquoi l’appelles-tu Jîna et pas Mahsa ?
Mahsa est son nom perse, c’est-à-dire iranien. Au Kurdistan iranien, nous avons le droit de demander un certificat de naissance avec un prénom kurde. Mais cela peut nous être refusé arbitrairement. Dans ce cas, la famille choisit le prénom kurde pour l’usage informel et la personne doit se soumettre à n’exister que sous un prénom perse aux yeux de l’administration. Jîna elle-même se faisait appeler comme cela sur tous ses réseaux. Je pense qu’il est important de la respecter et de continuer à l’appeler Jîna. Sur sa tombe, sa famille a écrit : « Jîna, ton nom devient symbole ».
Les femmes ont réussi à articuler toutes les luttes autour d’elles.
Hawjin Baghali
Comment ce slogan a-t-il fini par dépasser les luttes kurdes ?
Il faut le comprendre en intersectionnalité : Jîna est kurde, une femme, une jeune. Le jour suivant les funérailles de Jîna, les habitants du chef-lieu du Kurdistan sont descendus dans la rue avec ce même slogan. Le jour d’après, les étudiants de Téhéran ont fait de même ; les femmes ont commencé à brûler leur voile et danser dans la rue. Cette alliance entre étudiants de gauche, femmes, Kurdes et autres ethnies opprimées par le colonialisme interne perse, a lancé le mouvement.
Si elle n’est pas originellement coordonnée, cette alliance a une concomitance historique. En résumant à grande vitesse : au même moment, en mars 1979, suite à la promulgation de la République islamique, les femmes ont manifesté en réaction la révocation de leurs droits [ci-dessous, le documentaire du MLF tourné sur place en mars 1979, Mouvement de libération des femmes iraniennes, année zéro] ; le Kurdistan a boycotté le référendum le rattachant à la République islamique ; l’université s’est soulevée. Résultat, ils ont bombardé le Kurdistan, fermé l’université, privé les femmes de leurs droits, rendu le voile intégral obligatoire.
Documentaire du MLF lors de la première coordination de riposte féministe sous la République islamique, en mars 1979.Tout de même, on peut s’étonner que tout un peuple s’enflamme pour ce qui aurait pu être classé comme un simple fait divers. D’autant que les précédentes mobilisations de femmes, notamment celles de 2018 des filles de la rue de la Révolution, n’ont pas déclenché un tel mouvement.
Les femmes ont réussi à articuler toutes les luttes autour d’elles. Elles incarnent aujourd’hui le contraire de l’islam politique [régime qui fonde l’Etat dans les principes religieux de l’islam, ndlr] porté par le Guide suprême alors que la rupture entre le régime iranien et le peuple n’a jamais été aussi profonde. Pour devenir Guide suprême ou Président, il faut être un homme, chiite duodécimain, de classe moyenne ou élevée, d’une grande ville perse. Ça représente très peu de personnes. « Le peuple » est infiniment plus nombreux. Cela crée un contexte où toutes les contestations s’agrègent.
Pour autant, tout le monde ne manifeste pas en ce moment. L’étude des profils corrobore l’aspect intersectionnel du mouvement. Il signale un soulèvement de femmes, de minorités ethniques, de jeunes et des classes populaires. À titre de comparaison, en 2009, quand la classe moyenne est descendue dans la rue, cela représentait trois millions de personnes. Cependant aujourd’hui, pour la première fois, on commence à entendre des slogans contestataires jusque dans les quartiers résidentiels des Gardiens de la Révolution, l’armée du Guide suprême.
Peux-tu nous en dire plus sur l’objet de ton travail sociologique, « l’islam politique », soit le fondement théologico-politique sur lequel se base la Révolution islamique, qui semble montrer des fissures en ce moment ?
L’islam politique naît au XXème siècle au Moyen-Orient. C’est un mode de concentration de pouvoir dans une co-construction nationaliste et religieuse où l’Etat et Dieu sont grands, forts, autoritaires et surtout unis. Lors de la promulgation de la Révolution islamique en 1979 [où l’Iran est devenu une théocratie chiite, ndlr], on a redéfini un Dieu sans merci dans la formation d’un Etat implacable. Auparavant, Dieu n’était pas si autoritaire et l’Etat n’avait pas autant de sens. Et pour montrer son pouvoir sur le territoire, il faut montrer sa domination sur le corps des femmes. La République Islamique se fonde sur leur oppression. Prendre le corps des femmes, c’est maîtriser le territoire.
La lutte des femmes est donc transverse à l’ensemble de la société. Aujourd’hui nous vivons un soulèvement structurel, qui, s’il échouait à modifier les structures politiques, transformera en profondeur la société iranienne.
Hawjin Baghali
En Europe au XIXème siècle, le corps des femmes est devenu un champ du pouvoir afin de donner corps aux nouveaux États-nations. Codes civils qui font de la femme un meuble reproducteur, « civilisation » des femmes colonisées, allégories comme Marianne, Germania ou Britannia… Est-ce qu’on peut voir des parallèles entre les constructions de ces différents nationalismes ?
C’est cela, mais avec Dieu en plus au milieu. Puis le pouvoir a senti qu’il perdait sa poigne, en 2017. Il s’est alors déchaîné contre les femmes – puisque perdre le corps des femmes, c’est perdre le territoire. Il nous a accusées de ne pas faire assez d’enfants, d’être ennemies de la Nation. Depuis, ils ont rendu la contraception de moins en moins accessible et traquent les avortements devenus clandestins en réquisitionnant les registres des hôpitaux.
Ensuite, l’islam politique a politisé le voile intégral. S’il existait régionalement avant 1979 sous le mode du culturel, il est à présent omniprésent sous le mode du nationalisme. Ces dernières années, en pleine crise économique, l’Organisme de l’ordonnance du bien et de l’interdiction du mal a multiplié exponentiellement le budget du contrôle du hijab. L’institution religieuse, donc étatique, signale aux femmes « on est là et tu ne vas nulle part ». Les femmes sont d’ailleurs contrôlées au volant de leurs voitures. Le voile intégral et le contrôle des naissances sont les deux piliers du régime actuel.
Dès lors, les femmes deviennent des leaders contestataires, puisque leur simple existence dans l’espace public est révolutionnaire en Iran. C’est dur à réaliser en France, mais être dans la rue est un acte de soulèvement. Tout comme brûler son voile. Mais aussi danser, chanter, parler. Et rire. On risque la prison, voire la mort pour cela.
Les lycéennes en #Iran, 17 jours après l’assassinat de #MahsaAmini : pic.twitter.com/b48iguRoq8
— Farid Vahid (@FaridVahiid) October 3, 2022
Comment cette intrication du religieux, du policier et du carcéral influence-t-elle les comportements de la population ?
Cette répression est aussi une répression envers les mamans. Lorsque les femmes ne sont pas les objets directs de la répression, ce sont leurs enfants, petits ou grands, qui sont arrêtés, enfermés ou tués par le régime. La lutte des femmes est donc transverse à l’ensemble de la société. Aujourd’hui nous vivons un soulèvement structurel, qui, s’il échouait à modifier les structures politiques, transformera en profondeur la société iranienne.
Par exemple Gohar Eshghi, maman devenue militante et symbole politique après l’assassinat de son fils en prison en 2012. Elle porte le tchador, qui a été réhabilité par Khomeini en 79 d’ailleurs ; elle était peut-être pro-régime à la base. En tout cas, elle est très croyante. Cette femme-là, il y a quelques jours, a enlevé son voile devant une caméra. Elle a dit « si vous opprimez celles qui enlèvent leur voile, moi aussi je l’enlève » avant de diffuser la vidéo. C’est un geste énorme pour une dame âgée du monde musulman. Énorme.
Gohar Eshghi: "For the sake of our youth, after observing hijab for [almost] 80 years [and to defy] the religion that is killing people, I take off my hijab." She is mother of political prisoner Sattar Beheshti who was killed in jail in 2012. #مهسا_امینی pic.twitter.com/OajzG9V3Rr
— Khosro Kalbasi Isfahani (@KhosroKalbasi) October 19, 2022
Il est compliqué de parler correctement et avec nuance de cette réalité en France, car la droite instrumentalise l’Islam. Mais c’est notre réalité, là-bas. J’ai connu l’oppression, j’ai été forcée de porter le voile pendant 27 ans. Brûler notre voile, c’est aussi brûler toutes les violences qui vont avec. On se bat contre notre culture, contre la domination masculine. Et c’est quelque chose que la gauche doit voir en face en Europe. Il ne faut pas laisser la question des violences culturelles à la droite.
En France, je suis pour les droits des femmes voilées ; alors que je suis complètement contre le voile qu’on m’a imposé en Iran. En France aussi il y a oppression, interdiction. J’évite de tomber dans le piège de l’identité.
Hawjin Baghali
Est-ce que les questions LGBT arrivent à se faire un chemin dans la discussion ?
Notre groupe de militantes kurdes, à Paris, est parfois plus à l’aise avec des personnes queers qu’avec des hommes de gauche kurdes ou des femmes féministes perses. On se sent mieux comprises dans les problématiques que nous rencontrons. Et dans cette dynamique-là, on pose nos questions, on questionne les slogans. Nous organisons les actions de Paris sous l’appellation « coordination des féministes et queers anticapitalistes internationalistes ». Mais c’est un sujet toujours très inconfortable dans la société iranienne, au-delà du régime. S’il y a des signaux d’espoir, être LGBT en Iran est toujours tragique [l’homosexualité est punie de torture et de mort ; il est à noter que l’Iran facilite largement les transitions de genre, mais dans le but d’éviter les relations homosexuelles, ndlr].
La chanson virale Barayé, dont l’auteur Shervin Hajipour a été arrêté en octobre, montre que les revendications de ce mouvement sont disparates et même parfois contradictoires (« Pour les hommes, la patrie et la prospérité / Pour les femmes, la vie, la liberté »). Quelles sont-elles ?
Avoir des revendications, cela signifierait être en mesure de demander quelque chose au pouvoir, une communication. Impossible. Notre seule revendication, c’est « à bas le régime ». Après, « femme, vie, liberté » insiste sur les questions des femmes et de l’autonomie. Je ne suis pas optimiste, pour deux raisons.
Premièrement, à propos de l’autonomie : même si on renversait le régime pour installer une utopie socialiste, on serait entouré par le capitalisme et l’ingérence étrangère. Les USA, le Canada, l’Europe, l’Arabie saoudite financent déjà des canaux médiatiques alternatifs au régime de la République islamique, mais toujours sous un angle conservateur voire royaliste – afin de servir leurs intérêts et pas l’autonomie du peuple. Ensuite, à propos du féminisme, ces derniers façonnent des soi-disant héroïnes comme Masih Alinejad, éditorialiste incontournable en Occident et soutien de Trump, qui porte le combat comme si elle était seule depuis les USA alors qu’en Iran les femmes s’organisent, résistent et risquent leur vie.
L’espoir, c’est que l’Iran est champion de la mobilisation – 11,5 manifestations par jour depuis 2016 ! Notamment avec la question écologique qui rebat les cartes. Elle est devenue tellement urgente avec la sécheresse qu’au Kurdistan, les associations écologistes coordonnent de plus en plus les territoires. D’autant que l’État a tendance à laisser courir les feux pour débroussailler les maquis, éviter la guérilla et revendre les parcelles à des oligarques. Lors du covid, ces associations ont tout géré. L’écologie est capitale : c’est pouvoir ou ne plus pouvoir habiter. Question de vie ou de mort.
Tu milites en France au sein de la coordination des féministes et queers anticapitalistes internationalistes. Qu’est-ce que cela signifie pour toi, militer en France en tant que féministe iranienne ?
Je ne me présente pas comme iranienne. « Iranien », dans le colonialisme intérieur iranien, cela signifie perse et je ne suis pas perse : je suis kurde. Mais, pour moi, ce n’est pas une identité. C’est une question politique ; exactement comme être une femme. Mon positionnement est intersectionnel. Là où il y a accumulation de pouvoir, je me bats.
En France, je suis pour les droits des femmes voilées ; alors que je suis complètement contre le voile qu’on m’a imposé en Iran. En France aussi il y a oppression, interdiction [du port du voile, ndlr] donc je dois me positionner, même si ce n’est pas mon problème. J’évite de tomber dans le piège de l’identité. Si chacun combat uniquement depuis sa position, on ne peut rien organiser, on ne peut pas mobiliser.
Merci pour toutes tes réponses. Une dernière question : comment, en dehors d’Iran, soutenir le mouvement féministe ?
Notre collectif a des actions communes avec des collectifs féministes français. Notamment lors des événements de Kobané, de Nuit Debout, des Gilets jaunes, au Rojava… Nous avons créé une boucle Telegram pour montrer en Iran ce qui se passe en France. On partage les collages féministes français et le slogan « femme, vie, liberté ». Ils ont été repris dans la mobilisation au Chili ! On vit ici, et on a besoin de solidarité féministe internationale.
De manière générale, ne demandez pas à vos gouvernements d’intervenir. Où pensez-vous que le régime achète ses matières premières, ses machines-outils, à qui il exporte sa marchandise ? À qui appartiennent les usines sur nos territoires en conflit ? Ensuite, venez dans nos manifestations, nous les féministes de gauche. Favorisons la coopération internationale avec les féministes de gauche en Europe, au Canada… Et tenez-vous au courant des prochaines actions ! On organise une soirée-cantine et on se prépare pour la journée de mobilisation du 25 novembre. Vous pouvez nous suivre sur Instagram ou nous contacter par mail.
Pour aller plus loin :
Pour prendre la mesure du fondement misogyne de la République islamique :
À propos de l’organisation quotidienne de la ségrégation entre hommes et femmes en Iran :
Pour commencer à comprendre la problématique kurde :
À propos des principaux mouvements pour la défense des droits des femmes en Iran :
Cet article Révolte féministe en Iran : « Brûler notre voile, c’est brûler les violences qui vont avec » provient de Manifesto XXI.
Cet article Révolte féministe en Iran : « Brûler notre voile, c’est brûler les violences qui vont avec » provient de Manifesto XXI.
Depuis septembre, l’Iran est secoué par une contestation toujours plus intense, après qu’une jeune fille est morte aux mains de la police des mœurs. Alors que l’espace médiatique occidental s’est révélé propice aux récupérations, nous interviewons la sociologue féministe kurde Hawjin Baghali pour comprendre l’intersectionalité de ce soulèvement inédit et les relations entre opportunisme conservateur et impérialisme capitaliste.Le 15 septembre, Jîna/Mahsa Amini, 22 ans, meurt aux mains de la police des mœurs à Téhéran, en Iran. Elle avait été arrêtée pour un voile pas assez couvrant. Depuis, le peuple iranien et sa diaspora, emmenés par une mobilisation de femmes, se soulève dans les villes, les villages, à travers le monde.
La contestation appelle à un changement de régime, en place depuis 1979, sous l’autorité d’un Guide Suprême religieux et politique. Aujourd’hui, on compte au moins 200 morts, dont une trentaines d’enfants, selon Iranian Right Watch ; ainsi que l’arrestation de plusieurs milliers d’adultes et l’internement d’enfants en camps de rééducation.
Pour décrypter correctement ce mouvement féministe historique, il faut comprendre l’intersectionnalité propre à l’Iran qu’incarne Jîna Amini. C’est une femme, jeune, d’une minorité ethnique, dans une théocratie où le corps des femmes est un champ du pouvoir politique et religieux. C’est ce que nous explique la sociologue Hawjin Baghali, féministe kurde d’Iran, spécialiste des questions de pouvoir et de religion au Moyen-Orient, engagée dans les luttes queers, anticapitalistes et ethniques.
Manifesto XXI – Le slogan repris par la contestation iranienne au-travers du globe, de façon transpartisane, est : « femme, vie, liberté ». Peux-tu nous expliquer d’où il vient ?
Hawjin Baghali : Ce slogan vient de mouvements de femmes kurdes turques. Les femmes kurdes ont toujours imposé les problématiques féministes au sommet du programme politique. Par exemple, elles ont obtenu des branches de parti non-mixtes dès les années 2000. En 2013, le chef du PKK (Parti des Travailleurs du Kurdistan), Abdullah Öcalan, emprisonné en Turquie depuis 1999, l’a repris pour résumer la doctrine du parti ainsi : « femmes, vie, liberté ».
Le slogan a été repris dans le Rojava où combattent de nombreuses femmes. Il a aussi résonné dans les manifestations qui ont suivi l’assassinat par balles à Paris, le 9 janvier 2013, des militantes kurdes Fidan Doğan, Sakine Cansız et Leyla Söylemez. Ou encore en 2014-2015, lors des manifestations au Kurdistan d’Iran en réaction aux événements de Kobané [ville syrienne théâtre d’une bataille opposant les forces kurdes et de l’armée syrienne libre aux djihadistes de l’Etat Islamique, NDLR]. Puis sur la tombe de Jîna, en septembre dernier.
Pourquoi l’appelles-tu Jîna et pas Mahsa ?
Mahsa est son nom perse, c’est-à-dire iranien. Au Kurdistan iranien, nous avons le droit de demander un certificat de naissance avec un prénom kurde. Mais cela peut nous être refusé arbitrairement. Dans ce cas, la famille choisit le prénom kurde pour l’usage informel et la personne doit se soumettre à n’exister que sous un prénom perse aux yeux de l’administration. Jîna elle-même se faisait appeler comme cela sur tous ses réseaux. Je pense qu’il est important de la respecter et de continuer à l’appeler Jîna. Sur sa tombe, sa famille a écrit : « Jîna, ton nom devient symbole ».
Les femmes ont réussi à articuler toutes les luttes autour d’elles.
Hawjin Baghali
Comment ce slogan a-t-il fini par dépasser les luttes kurdes ?
Il faut le comprendre en intersectionnalité : Jîna est kurde, une femme, une jeune. Le jour suivant les funérailles de Jîna, les habitants du chef-lieu du Kurdistan sont descendus dans la rue avec ce même slogan. Le jour d’après, les étudiants de Téhéran ont fait de même ; les femmes ont commencé à brûler leur voile et danser dans la rue. Cette alliance entre étudiants de gauche, femmes, Kurdes et autres ethnies opprimées par le colonialisme interne perse, a lancé le mouvement.
Si elle n’est pas originellement coordonnée, cette alliance a une concomitance historique. En résumant à grande vitesse, au même moment, en mars 1979, suite à la promulgation de la République Islamique : les femmes ont manifesté en réaction la révocation de leurs droits [Ci-dessous, le documentaire Mouvement de libération des femmes iraniennes, Année zéro tourné sur place par le MLF en mars 1979, NDLR] ; le Kurdistan a boycotté le référendum le rattachant à la République Islamique ; l’université s’est soulevée. Résultat, ils ont bombardé le Kurdistan, fermé l’université, privé les femmes de leurs droits, rendu le voile intégral obligatoire.
Documentaire du MLF lors de la première coordination de riposte féministe sous la République Islamique, en mars 1979.Tout de même ; on peut s’étonner que tout un peuple s’enflamme pour ce qui aurait pu être classé comme un simple fait divers. D’autant que les précédentes mobilisations de femmes, notamment celles de 2018 des Filles de la rue de la Révolution, n’ont pas déclenché un tel mouvement.
Les femmes ont réussi à articuler toutes les luttes autour d’elles. Elles incarnent aujourd’hui le contraire de l’islam politique [régime qui fonde l’Etat dans les principes religieux de l’islam, NDLR] porté par le Guide Suprême alors que la rupture entre le régime iranien et le peuple n’a jamais été aussi profonde. Pour devenir Guide Suprême ou Président, il faut être un homme, chiite duodécimain, de classe moyenne ou élevée, d’une grande ville perse. Ça représente très peu de personnes. « Le peuple » est infiniment plus nombreux. Cela crée un contexte où toutes les contestations s’agrègent.
Pour autant, tout le monde ne manifeste pas en ce moment. L’étude des profils corrobore l’aspect intersectionnel du mouvement. Il signale un soulèvement de femmes, de minorités ethniques, de jeunes et des classes populaires. A titre de comparaison, en 2009, quand la classe moyenne est descendue dans la rue, cela représentait trois millions de personnes. Cependant aujourd’hui, pour la première fois, on commence à entendre des slogans contestataires jusque dans les quartiers résidentiels des Gardiens de la Révolution, l’armée du Guide Suprême.
Peux-tu nous en dire plus sur l’objet de ton travail sociologique, l’« islam politique », soit le fondement théologico-politique sur lequel se base la Révolution Islamique, qui semble montrer des fissures en ce moment ?
L’islam politique naît au 20e siècle au Moyen-Orient. C’est un mode de concentration de pouvoir dans une co-construction nationaliste et religieuse où l’Etat et Dieu sont grands, forts, autoritaires et surtout unis. Lors de la promulgation de la Révolution Islamique en 1979 [où l’Iran est devenu une théocratie chiite, NDLR], on a redéfini un Dieu sans merci dans la formation d’un Etat implacable. Auparavant, Dieu n’était pas si autoritaire et l’Etat n’avait pas autant de sens. Et pour montrer son pouvoir sur le territoire, il faut montrer sa domination sur le corps des femmes. La République Islamique se fonde sur leur oppression. Prendre le corps des femmes, c’est maîtriser le territoire.
La lutte des femmes est transverse à l’ensemble de la société. Aujourd’hui, nous vivons un soulèvement structurel, qui, s’il échouait à modifier les structures politiques, transformera en profondeur la société iranienne.
Hawjin Baghali
En Europe au XIXe siècle, les corps des femmes sont devenues des champs du pouvoir afin de donner corps aux nouveaux États-nations. Codes Civils qui font de la femme un meuble reproducteur, « civilisation » des femmes colonisées, allégories comme Marianne, Germania ou Britannia… Est-ce qu’on peut voir des parallèles entre les constructions de ces différents nationalismes ?
C’est cela, mais avec Dieu en plus au milieu. Puis le pouvoir a senti qu’il perdait sa poigne, en 2017. Il s’est alors déchaîné contre les femmes – puisque perdre le corps des femmes, c’est perdre le territoire. Il nous a accusées de ne pas faire assez d’enfants, d’être ennemies de la Nation. Depuis, ils ont rendu la contraception de moins en moins accessible et traquent les avortements devenus clandestins en réquisitionnant les registres des hôpitaux.
Ensuite, l’islam politique a politisé le voile intégral. S’il existait régionalement avant 1979 sous le mode du culturel, il est à présent omniprésent sous le mode du nationalisme. Ces dernières années, en pleine crise économique, l’Organisme de l’ordonnance du bien et de l’interdiction du mal a multiplié exponentiellement le budget du contrôle du hijab. L’institution religieuse, donc étatique, signale aux femmes : « On est là et tu ne vas nulle part ». Les femmes sont d’ailleurs contrôlées au volant de leurs voitures. Le voile intégral et le contrôle des naissances sont les deux piliers du régime actuel.
Dès lors, les femmes deviennent des leaders contestataires, puisque leur simple existence dans l’espace public est révolutionnaire en Iran. C’est dur à réaliser en France ; mais être dans la rue est un acte de soulèvement. Tout comme brûler son voile. Mais aussi danser, chanter, parler. Et rire. On risque la prison, voire la mort pour cela.
Les lycéennes en #Iran, 17 jours après l’assassinat de #MahsaAmini : pic.twitter.com/b48iguRoq8
— Farid Vahid (@FaridVahiid) October 3, 2022
Comment cette intrication du religieux, du policier et du carcéral influence-t-elle les comportements de la population ?
Cette répression est aussi une répression envers les mamans. Lorsque les femmes ne sont pas les objets directs de la répression, ce sont leurs enfants, petits ou grands, qui sont arrêtés, enfermés ou tués par le régime. La lutte des femmes est donc transverse à l’ensemble de la société. Aujourd’hui nous vivons un soulèvement structurel, qui, s’il échouait à modifier les structures politiques, transformera en profondeur la société iranienne. Par exemple Gohar Eshghi, maman devenue militante et symbole politique après l’assassinat de son fils en prison en 2012. Elle porte le tchador, qui a été réhabilité par Khomeini en 79 d’ailleurs ; elle était peut-être pro-régime à la base. En tout cas, elle est très croyante. Cette femme-là, il y a quelques jours, a enlevé son voile devant une caméra. Elle a dit : « si vous opprimez celles qui enlèvent leur voile, moi aussi je l’enlève » avant de diffuser la vidéo. C’est un geste énorme pour une dame âgée du monde musulman. Énorme.
Gohar Eshghi: "For the sake of our youth, after observing hijab for [almost] 80 years [and to defy] the religion that is killing people, I take off my hijab." She is mother of political prisoner Sattar Beheshti who was killed in jail in 2012. #مهسا_امینی pic.twitter.com/OajzG9V3Rr
— Khosro Kalbasi Isfahani (@KhosroKalbasi) October 19, 2022
Il est compliqué de parler correctement et avec nuance de cette réalité en France, car la droite instrumentalise l’Islam. Mais c’est notre réalité, là-bas. J’ai connu l’oppression, j’ai été forcée de porter le voile pendant 27 ans. Brûler notre voile, c’est aussi brûler toutes les violences qui vont avec. On se bat contre notre culture, contre la domination masculine. Et c’est quelque chose que la gauche doit voir en face en Europe. Il ne faut pas laisser la question des violences culturelles à la droite.
En France je suis pour les droits des femmes voilées ; alors que je suis complètement contre le voile qu’on m’a imposé en Iran. En France aussi il y a oppression, obligation.
Hawjin Baghali
Est-ce que les questions LGBT arrivent à se faire un chemin dans la discussion ?
Notre groupe de militantes kurdes, à Paris, est parfois plus à l’aise avec des personnes queers qu’avec des hommes de gauche kurdes ou des femmes féministes perses. On se sent mieux comprises dans les problématiques que nous rencontrons. Et dans cette dynamique-là, on pose nos questions, on questionne les slogans. Nous organisons les actions de Paris sous l’appellation : « coordination des féministes et queers anticapitalistes internationalistes ». Mais c’est un sujet toujours très inconfortable dans la société iranienne, au-delà du régime. S’il y a des signaux d’espoir, être LGBT en Iran est toujours tragique [l’homosexualité est punie de torture et de mort ; il est à noter que l’Iran facilite largement les transitions de genre, mais dans le but d’éviter les relations homosexuelles, NDLR].
La chanson virale Barayé, dont l’auteur Shervin Hajipour a été arrêté en octobre, montre que les revendications de ce mouvement sont disparates et même parfois contradictoires (« Pour les hommes, la patrie et la prospérité / Pour les femmes, la vie, la liberté »). Quelles sont-elles ?
Avoir des revendications cela signifierait être en mesure de demander quelque chose au pouvoir, une communication. Impossible. Notre seule revendication, c’est : « à bas le régime ». Après, « femme, vie, liberté » insiste sur les questions des femmes et de l’autonomie. Je ne suis pas optimiste, pour deux raisons.
Premièrement, à propos de l’autonomie : même si on renversait le régime pour installer une utopie socialiste, on serait entouré par le capitalisme et l’ingérence étrangère. Les USA, le Canada, l’Europe, l’Arabie Saoudite financent déjà des canaux médiatiques alternatifs au régime de la République Islamique, mais toujours sous un angle conservateur voire royaliste – afin de servir leurs intérêts et pas l’autonomie du peuple. Ensuite, à propos du féminisme, ces derniers façonnent des soi-disant héroïnes comme Masih Alinejad, éditorialiste incontournable en Occident et soutien de Trump, qui porte le combat comme si elle était seule depuis les USA alors qu’en Iran les femmes s’organisent, résistent et risquent leur vie.
L’espoir, c’est que l’Iran est champion de la mobilisation – 11,5 manifestations par jour depuis 2016 ! Notamment avec la question écologique qui rebat les cartes. Elle est devenue tellement urgente avec la sécheresse qu’au Kurdistan, les associations écologistes coordonnent de plus en plus les territoires. D’autant que l’État a tendance à laisser courir les feux pour débroussailler les maquis, éviter la guérilla et revendre les parcelles à des oligarques. Lors du Covid, ces associations ont tout géré. L’écologie est capitale : c’est pouvoir ou ne plus pouvoir habiter. Question de vie ou de mort.
Tu milites en France au sein de la coordination des féministes et queers anticapitalistes internationalistes. Qu’est-ce que cela signifie pour toi, militer en France en tant que féministe iranienne ?
Je ne me présente pas comme iranienne. « Iranien », dans le colonialisme intérieur iranien, cela signifie perse et je ne suis pas perse : je suis kurde. Mais, pour moi, ce n’est pas une identité. C’est une question politique ; exactement comme être une femme. Mon positionnement est intersectionnel. Là où il y a accumulation de pouvoir, je me bats.
En France, je suis pour les droits des femmes voilées ; alors que je suis complètement contre le voile qu’on m’a imposé en Iran. En France aussi il y a oppression, interdiction [du port du voile] donc je dois me positionner, même si ce n’est pas mon problème. J’évite de tomber dans le piège de l’identité. Si chacun combat uniquement depuis sa position, on ne peut rien organiser, on ne peut pas mobiliser.
Merci pour toutes tes réponses. Une dernière question : comment, en-dehors d’Iran, soutenir le mouvement féministe ?
Notre collectif a des actions communes avec des collectifs féministes français. Notamment lors des événements de Kobané, de Nuit Debout, des Gilets Jaunes, au Rojava… Nous avons créé une boucle Telegram pour montrer en Iran ce qui se passe en France. On partage les collages féministes français et le slogan « femme, vie, liberté ». Ils ont été repris dans la mobilisation au Chili ! On vit ici ; et on a besoin de solidarité féministe internationale.
De manière générale, ne demandez pas à vos gouvernements d’intervenir. Où pensez-vous que le régime achète ses matières premières, ses machines-outils, à qui il exporte sa marchandise ? A qui appartiennent les usines sur nos territoires en conflit ? Ensuite, venez dans nos manifestations, nous les féministes de gauche. Favorisons la coopération internationale avec les féministes de gauche en Europe, au Canada… Et tenez-vous au courant des prochaines actions ! On organise une soirée-cantine et on se prépare pour la journée de mobilisation du 25 novembre. Vous pouvez nous suivre sur Instagram ou nous contacter par mail.
POUR ALLER PLUS LOIN :
Pour prendre la mesure du fondement misogyne de la République Islamique :
A propos de l’organisation quotidienne de la ségrégation entre hommes et femmes en Iran :
Pour commencer à comprendre la problématique kurde :
A propos des principaux mouvements pour la défense droits des femmes en Iran :
Cet article Révolte féministe en Iran : « Brûler notre voile, c’est brûler les violences qui vont avec » provient de Manifesto XXI.
Les couples homosexuels qui vivent ou travaillent dans la capitale japonaise peuvent désormais souscrire un « certificat d’union » auprès de la mairie et bénéficier ainsi de certains services... Un nouveau statut qui, s'il pas force de loi, représente néanmoins un progrès.
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Une fois par semaine, je prends le bus pour la périphérie de Lausanne. Arrivé à
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Dans la scène gaie de Milwaukee, où Jeffrey Dahmer avait fait de multiples victimes, l'engouement pour le tueur en série vedette de Netflix passe mal à l'approche de Halloween.
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Les situations d’emprise peuvent toucher tous les couples, peu importe le genre et/ou l’orientation sexuelle. À quels signaux d’alarme faut-il être vigilant·e·x?
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Des dizaines de milliers de personnes ont bravé la pluie à Taïwan pour la première marche des fiertés LGBT+ depuis deux ans, pour raison de pandémie.
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Cent-onze homicides et féminicides recensés depuis le début de l'année 2022, contre 47 en 2021. Et la moitié reste impunie à ce jour.
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Un homme de 27 ans s’est livré spontanément aux gendarmes de Lodève, mercredi 26 octobre, s’accusant d’un homicide commis un peu plus tôt dans la nuit, à Saint-Martin-de-Londres, une commune située à une trentaine de kilomètres au nord de Montpellier, rapporte Midi Libre. Il avait reçu sa victime à son domicile, sans autre précision sur …
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Quelques mois après l’entrée en vigueur du mariage civil pour les couples de même sexe en Suisse, 360° a rencontré Marianne Huguenin. Portrait de la popiste, figure de proue de la campagne lors du référendum sur le partenariat civil enregistré au milieu des années 2000 et première personnalité politique romande à avoir fait son coming out alors qu’elle officiait sous la coupole fédérale.
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À Zurich, une lecture de contes pour enfants par des drag queens avait été perturbée par des individus masqués. Une action dont le groupe Junge Tat se sert aujourd'hui pour recruter.
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Une première prise de position et de soutien, parmi les 32 sélections qualifiées, que nous aurions espérée de la part de l'équipe française...
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Les députés russes ont adopté à l'unanimité et en première lecture, jeudi 27 octobre, des amendements à la législation de 2013, interdisant la « promotion des relations sexuelles non traditionnelles ».
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Cet article Nyokobop 2022 : Nos 3 concerts à voir provient de Manifesto XXI.
Du 4 au 30 novembre, le Hasard Ludique célèbre la 4ème édition de Nyokobop, le festival du dancefloor mondial !Pour une nouvelle édition, Nyokobop réunit un nouveau florilège de sonorités et offre une occasion unique de découvrir l’amapiano, min’yō électro ou encore le zagué. La programmation réunit des célébrités de différentes scènes et des projets plus underground. Avec ses huit dates, le festival promet de nous faire danser sur de nouveaux rythmes et prouve ainsi que l’avenir de l’innovation musicale se joue ailleurs qu’en Occident. Voici les trois temps forts qui ont retenu notre attention.
KOKOKO ! + Faya Soundsystem, mercredi 9 novembreAprès un premier album très remarqué en 2019, Fongola, le groupe KOKOKO ! a publié un nouvel EP cet été. Composé à l’origine de Boms, Makara, Dido et Bovic, musiciens de Kinshasa, et du producteur français Débruit, le collectif évolue : Elongi na Elongi,prend la forme d’un duo entre le producteur et le performeur autoproclamé « seigneur de l’ambiance » Makara Bianko. Le résultat est toujours aussi tonique et envoûtant, ce que le zagué, mélange de musique folklorique congolaise, de techno et d’électro, peut produire de mieux. La soirée se prolongera avec les DJ sets de Full Option et Ti Nazoli, représentants du Faya Soundsystem, émanation de Nique la radio.
Morena Leraba + Toya Delazy, samedi 19 novembreCette soirée réunit deux bouillonnants artistes hip hop originaires d’Afrique australe. Musicien et berger, Morena Leraba vient du Lesotho. Des montagnes de son village natal à son arrivée en ville, il s’est créé un personnage étrange et charismatique qui plaît (il était notamment à l’affiche de la 40ème édition des Transmusicales). Il chante en sesotho et s’inspire de la tradition du « famo », un genre de rap né il y a cent ans des complaintes et poèmes chantés par les travailleurs en route pour les mines de diamants de la région, qu’il twiste avec de l’électro.
Artiste d’Afrique du Sud basée à Londres, Toya Delazy célèbre aussi bien sa culture zulu que son identité lesbienne dans ses productions afrorave.
Nyege Nyege Night, samedi 26 novembreLe festival et label ougandais qui s’est imposé comme une référence en matière de curation des musiques africaines présente une fois de plus une sélection alléchante. À l’affiche de ce dernier samedi de Nyokobop : la badass rappeuse nigériane Aunty Razor qui manie avec brio les changements de registre, du rap hardcore à l’afrobeat. Puis la soirée enchaînera avec un DJ set de Chrisman, consacré comme l’une des étoiles montantes de la nouvelle scène électronique congolaise. Il a publié son premier album Makila sur le label Hakuna Kulala et vient de publier un nouvel EP, Genetik. La talentueuse artiste franco-ghanéenne Pö clôturera la soirée avec un de ses DJ sets mêlant dancehali, kuduro et gqom.
Nyokobop, du 4 au 30 novembre au Hasard Ludique
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Image à la Une : © Pö
Cet article Nyokobop 2022 : Nos 3 concerts à voir provient de Manifesto XXI.
Dans une vidéo, des joueurs membres de l'équipe nationale de football d'Australie se sont émus des « souffrances » qui ont accompagné l'organisation de la Coupe du monde au Qatar et ont réclamé des réformes sur le droit du travail mais aussi la « décriminalisation des relations de même sexe » dans ce pays.
Les couples homosexuels peuvent désormais se marier dans tout le Mexique après son adoption par l'État de Tamaulipas, dans le nord-est, qui était le dernier du pays à le
L’article Le Mariage pour Toutes et Tous désormais légal dans tout le Mexique est apparu en premier sur Association STOP HOMOPHOBIE | Information - Prévention - Aide aux victimes.
Journaliste à la RTS, Aurélie Cuttat a co-créé avec sa compagne Christine Gonzalez le podcast Voyage au Gouinistan qui met à l’honneur la beauté souterraine de la culture lesbienne. Autoportrait bariolé de cette reporter pas comme les autres.
L’article Le queer’stionnaire d’Aurélie Cuttat est apparu en premier sur 360°.
Ancien conseiller d'Emmanuel Macron sur la francophonie notamment puis directeur du cabinet de Marlène Schiappa, Jean-Marc BERTHON a été promu lors du Conseil des ministres de ce 26 octobre 2022.
L’article France : Jean-Marc BERTHON, premier « ambassadeur aux droits LGBT+ » est apparu en premier sur Association STOP HOMOPHOBIE | Information - Prévention - Aide aux victimes.
Cet article La température de fusion à laquelle la colère devient rage provient de Manifesto XXI.
L. Camus-Govoroff est artiste et commissaire au sein du collectif Alien She. C’est en février 2021, l’année de son diplôme à l’EnsAD (Paris), qu’iel a écrit ce texte suite à une conversation houleuse avec un·e camarade. Iel nous l’a envoyé cet été, et on est très fièr·es de publier ce témoignage sous forme de coup de gueule, important et nécessaire.On nous vend souvent le rêve des écoles d’art comme des lieux potentiellement « safe » et « déconstruits » même si je n’aime plus employer ces mots qui ont perdu leur vérité. Ces endroits ne sont en réalité que des lieux de reproduction des dynamiques de pouvoir de notre société blanche-hétéro-cis-patriarcobourgeoise ; où les privilèges restent les mêmes qu’ailleurs. Le « monde de l’art »ne fait pas exception mais il nous demande d’être ouvert·e·x, patient·e·x ou même plus silencieu·se·x lorsqu’on aborde nos traumatismes ou qu’on ose ne pas séparer l’œuvre de l’artiste et qu’on n’a plus peur de l’ouvrir.
La température de fusion à laquelle la colère devient rageDébut janvier 2021 les masques tombent, Olivier Duhamel est accusé d’inceste, Claude Lévêque est accusé de viols sur mineurs, quelques semaines plus tard Richard Berry est accusé par sa fille et aujourd’hui c’est Dominique Boutonnat qui est accusé de tentative de viol par son neveu.
Dans la nuit du 3 au 4 février 2021, lors de sa deuxième lecture au Sénat, le projet de loi Bioéthique pour une ouverture de la PMA à toustes s’est vu rejeté.
Dans la soirée du 9 février 2021, Guillaume s’est suicidé alors qu’il avait révélé quelques temps auparavant, via le hashtag #MeTooGay, avoir été violé par l’élu du PCF parisien Maxime Cochard et son compagnon Victor Laby.
Mercredi 10 février a été examinée en cassation l’affaire Julie. La cour d’appel de Versailles avait estimé, en novembre dernier, que Julie consentait aux actes qu’elle a subis parce qu’elle n’avait pas clairement dit non. Vingt pompiers sont accusés de l’avoir violée en réunion. Elle avait 14 ans, eux une vingtaine d’années.
Le lien entre ces évènements peut être imperceptible. Pourtant, il est là et il saute bien aux yeux. Il est réel comme les remontées de salive brûlante qui m’empêchent de déglutir lorsque l’on me dit « on n’en sait rien pour cette histoire d’inceste » et « peut-être que Coline Berry-Rojtman a des comptes à régler avec son père ».
Comme si on avait quelque chose à gagner à inventer des histoires de viol pour régler nos affaires avec nos papas ou avec les garçons qui ont brisé nos cœurs quand on avait 13 ans. Comme si c’était dans nos gènes à nous femmes, trans, pédés, gouines d’être des menteur·euse·x, d’inventer des histoires à dormir debout pour se sentir exister. Comme si tenter d’évoluer dans notre société hétéro-blanche-coloniale-cis-patriarcale n’était pas déjà la croix et la bannière. Comme si nos traumas dus à nos identités de genre, nos orientations sexuelles et nos coming-outs plus ou moins forcés n’étaient pas suffisants et qu’il nous était urgemment vital d’ajouter des couches de pathos et d’auto-flagellation fictives, juste pour le plaisir.
Ça me broie les viscères d’entendre ce genre de discours. Ça me tétanise de savoir qu’hors de nos cercles minorisés, ces pensées restent majoritaires et que le pouvoir mis en place les encourage. N’oublions pas que monsieur le ministre de l’intérieur est accusé de viol, partisan de la Manif’ Pour Tous et qu’il trouve madame Le Pen un peu molle.
On est violé·e·s, on se suicide pour ne pas dire directement tué·e·s par la société et l’hégémonie, des milliers de gens se rassemblent pour nous interdire d’avoir des droits. Dans certains pays nous n’avons pas le droit ne serait-ce que d’exister, des zones anti-LGBT sont créées, des amendements rétrogrades sont adoptés, des droits sont évincés. Et lorsqu’on parle et que l’on se regroupe, on nous demande de ne pas être trop radicaux·ales, pas trop violent·e·x et surtout pacifistes et souriant·e·x. On nous demande de ne pas faire de réunion en non-mixité, alors que le monde est dirigé par des boysclub qui n’ont absolument pas prévu de se remettre en question. Preuve en est, les séminaires sensibilisant aux violences sexistes et sexuelles ont lieu avec une fine poignée d’hétérosexuels-cis-blancs sur leurs bancs. Nous, nous n’avons pas besoin d’être sensibilisé·e·x, on subit ces violences tous les jours.
Et lorsqu’on veut se reproduire sans eux, c’est la même rengaine. Pas de PMA pour les couples lesbiens, pour les hommes transgenres et pour les femmes seules, pas de technique ROPA et la GPA encadrée pour les couples homo c’est pas pour demain non plus. Car aucun de ces vieux parlementaires n’auraient une once de courage pour aller dans le sens des minorités, ils ont trop peur qu’on se reproduise sans leur sperme et que leur race s’éteigne avec eux au moment de leur mort.
Il y a ce fameux proverbe français « la colère rend aveugle », pourtant ma rage me permet de voir très clair. En tant que personne assignée femme à la naissance j’ai dû dealer avec ces aléas de la vie qui paraissent nous être destinés. Mon premier souvenir traumatisant avec des hommes remonte à l’enfance, je devais avoir 6 ou 7 ans. Après il y a eu deux viols, trois avortements, le slutshaming, puis les fusillades du regard quand j’embrassais ma copine dans le Noctilien. On se fait traiter de salopes ou de sales gouines dans la rue, c’est au choix, en fonction de leurs humeurs, les mains au cul dans le métro, les remarques inacceptables à l’école, les blagues sexistes en soirée, et encore je fais partie des chanceu·se·x dont le foyer a été un lieu calme, où j’ai pu me reposer. Mais nier toute homophobie et transphobie dans ma famille nucléaire serait mentir alors on apprend avec les expériences à se protéger et à dissimuler.
Aujourd’hui je ne supporte plus qu’on me touche, ni qu’on me regarde. Pendant longtemps je ne pouvais plus avoir de relations sexuelles avec des hommes cisgenres sans avoir mal, fondre en larmes et avoir la nausée en rentrant chez moi, me sentir sale. J’en fais encore des cauchemars une nuit sur deux me réveillant la boule au ventre, sans savoir où je suis mes draps trempés par l’anxiété qui me suit jusque dans mes nuits.
Pourtant, ça fait un temps que les choses ne me mettent plus en colère, je ne la sens plus monter car elle a atteint son climax, elle est permanente. J’ai la rage. On me l’a imposée de force dans mon bas ventre. La société l’a nourrie malgré moi alors avec elle j’alimente ma pratique, que les hommes-cisgenres trouvent souvent trop violente, car je crée des armes ces objets qui habituellement leur appartiennent. Je veux me battre pour que nos oppresseur·euses comprennent que non il n’est pas plus dur à vivre d’être accusé de viol que d’être violé·e.
Aujourd’hui je ne suis plus femme. Je ne suis pas homme non plus. Et je crache ma salive brûlante qui m’empêche de déglutir aux yeux des vieux patriarches et de leur système raciste, binaire d’oppression qui leur donne la demi-molle.
L. Camus-Govoroff
Image à la Une : L. Camus-Govoroff, Body Fluid #1 / Manifesto, 2018, performance filmée, 01:22 min, courtesy de l’artiste
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Cet article La température de fusion à laquelle la colère devient rage provient de Manifesto XXI.
Trois garçons et une jeune fille de 16 à 17 ans ont été placés en garde à vue pour l'agression d'un jeune homosexuel, dans une station de métro de la région lilloise.
L’article Quatre interpellations pour une agression homophobe dans le métro à Mons-en-Baroeul est apparu en premier sur Association STOP HOMOPHOBIE | Information - Prévention - Aide aux victimes.
Peter Tatchell se tenait devant l'un des artères principales, avec un t-shirt légendé du hashtag « #Qatarantigay » et une pancarte, rappelant que « le Qatar arrête, emprisonne et soumet les LGBT à la "conversion" ».
L’article Le militant britannique Peter Tatchell appréhendé au Qatar alors qu’il dénonçait la répression anti-LGBT+ est apparu en premier sur Association STOP HOMOPHOBIE | Information - Prévention - Aide aux victimes.
Selon le dictionnaire Le Robert, la « famille » se définit par « le père, la mère et les enfants ». Pour le Larousse, c'est « La mère, le père (ou l'un des deux) et les enfants ». Des énoncés « discriminatoires », souligne l'ADFH, qui demande des modifications et excuses aux éditeurs.
L’article Qu’est-ce qu’une « famille » ? est apparu en premier sur Association STOP HOMOPHOBIE | Information - Prévention - Aide aux victimes.
Agressions physiques, sexuelles, humiliations, chantage, manipulation… Depuis quelques jours, sur Twitter et Instagram particulièrement, les témoignages affluent dénonçant les « violences sexistes et sexuelles, qui perdurent dans les sphères militantes et queers, et plus généralement les violences commises entre femmes ». Les mythes et préjugés peuvent faire obstacle au dévoilement de cette vulnérabilité au sein …
L’article #MeTooLesbien : Courage et soutien à toutes est apparu en premier sur Association STOP HOMOPHOBIE | Information - Prévention - Aide aux victimes.
Ivre au moment des faits, il avait appelé deux fois le commissariat de police, pour expliquer que son fils était « homosexuel », que c'était « inacceptable », et qu'il allait donc tuer ses deux enfants.
L’article A Laval, un père de famille interpellé après des menaces de mort homophobes est apparu en premier sur Association STOP HOMOPHOBIE | Information - Prévention - Aide aux victimes.
Six anciens détenus, « quatre femmes transgenres, une femme bisexuelle et un homme gay », témoignent des mauvais traitements subis dans les prisons qataries.
L’article A quelques semaines du Mondial, HRW expose les abus à l’encontre de personnes LGBT+ au Qatar est apparu en premier sur Association STOP HOMOPHOBIE | Information - Prévention - Aide aux victimes.
Cet article Podcast – Gentrification : quels espaces de résistance ? provient de Manifesto XXI.
Le 16 septembre 2022, dans le cadre du festival de photographies Regards du Grand Paris, Manifesto XXI a organisé une table ronde aux Magasins généraux entre Yamina Zarou (Verdragon) et Tatiana Reinhardt (MakeHerSpace). Ces deux militantes pour l’inclusion des marges dans le territoire urbain discutent de la pérennisation de l’accès aux personnes marginalisées aux lieux de réunion, de formation, de soin et d’expression dans une gentrification galopante.Yamina Zarou (Verdragon) et Tatiana Reinhardt (MakeHerSpace) discutent de leur combat pour un droit à la ville jamais garanti dans une gentrification qui fragilise les populations les plus marginalisées, ainsi que les accomplissements qui les inspirent et qui les portent.
Verdragon, c’est une association qui pousse des racines dans le quartier de la Noue, à Bagnolet. Fondée par Alternatiba et Front de mères, la mission de cette « maison d’écologie populaire » est de garantir un « laboratoire des luttes » intersectionnelles – nous en parlions ici. En auto-organisation, ses militant·es luttent pour l’inclusion et contre la gentrification, organisent des événements culturels et artistiques, de l’éducation à l’écologie, des voyages à la mer… Iels redéfinissent leur cadre et leur mode de vie, là où les pouvoirs publics ont tendance à se retirer.
MakeHerSpace, c’est une association qui milite pour l’inclusion des femmes dans les fablabs et « lieux du faire » – occupés entre 70 et 100% par des hommes, selon le livre blanc du Réseau français des fablabs de 2017. Ces lieux où l’on peut trouver matériel et usager·es qualifié·es sont un nouvel acteur incontournable dans la résilience sociale : on peut s’y retrouver, se former, conceptualiser de nouveaux outils pour répondre à de nouveaux besoins, en bref inventer de nouvelles façons d’innover socialement et industriellement. L’enjeu d’y inclure femmes et personnes marginalisées est des plus pressants alors que cette culture pourtant apte à redéfinir des parcours de vie par l’auto-organisation est encore très excluante.
Photo © Jan Gottweiss
Cet article Podcast – Gentrification : quels espaces de résistance ? provient de Manifesto XXI.
Cet article Kuduro, dancehall, bouyon : Les soirées Menace Progressive hybrident nos nuits provient de Manifesto XXI.
Réservez votre 28 octobre, parce que Menace Progressive est la première édition de nouvelles soirées initiée par le DJ Franssouax qui s’annonce bouillante au Chinois à Montreuil !Après avoir fait ses armes en tant que DJ aux soirées de LA CREOLE ou encore Club Visage (Parkingstone), il était temps pour Franssouax, DJ émergent de la scène queer, de relever un nouveau défi : créer ses propres soirées. Sous son nouvel étendard « Menace Progressive » il souhaite apporter sa petite pierre à l’édifice, en proposant des soirées qui lui ressemblent certes, mais qui se font aussi très peu aujourd’hui dans le milieu queer. Avec des soirées techno à gogo (surtout sur la capitale), Franssouax désire emprunter une direction différente avec pour seul souhait de « mettre à l’honneur la pluralité de genres musicaux et des scènes musicales, mais avec une dimension club, progressive et plus hard. On va naviguer entre plein de scènes musicales du monde entier, et j’ai hâte de l’émulation que cela va produire. » Parce que oui, ces scènes alternatives et la global music en général, Franssouax les a diggées et étudiées de très près. Il se questionne : « l’histoire qui se cache derrière le gqom, le baile funk, la scène ballroom, ou encore le kuduro mérite de s’y intéresser. Je me pose beaucoup de questions de légitimité dans mon travail de DJ, s’intéresser à ces courants musicaux est important. » Il a même dédié au genre le changa tuki un gros papier sur nos pages pour lequel il était allé interroger les fondateurs de cette musique.
Pour cette première édition de Menace Progressive qui aura lieu le 28 octobre au Chinois à Montreuil il y aura donc au menu un cocktail explosif de sonorités venu des quatre coins du monde : du shatta, du dancehall, du bouyon, du logobi, de la baltimore, de la club music, du kuduro, du grime, en terminant sur du hardcore à 160bpm. Côté artistes, il nous confie : « je souhaite inviter des DJs dont le travail est beaucoup influencé par la notion d’hybridité tant artistique que journalistique » et ainsi mettre en lumière des artistes émergent·es qui n’auraient peut-être pas trouvé leur place sur un line-up. Souhaitant couvrir la club music dans toute sa globalité, pour ce premier crash test, on retrouvera comme pilotes de ce DJ booth A360 : Cherry B. Diamond, Kokoprisci, Ohjeelo, Renoiterrible et Franssouax. Quant on lui pose la question à quoi peut-on s’attendre ? Il répond solennellement : « à transpirer ! » car le line-up est construit d’une telle manière, en résonance avec le nom de sa soirée, que le thermomètre augmentera progressivement jusqu’à atteindre des températures encore jamais égalées en automne à Paris.
Pour l’avenir de Menace Progressive, Franssouax voit déjà les choses en grand, en souhaitant inviter les artistes de tous les horizons, comme celleux de la scène Changa Tuki/Raptor House au Venezuela, mais aussi des danseur·ses lié·es à cette scène comme Elberth El Maestro. Mais aussi, « pourquoi pas un label, qui sait ! » songe-t-il.
Pour terminer, on a demandé à Franssouax de nous dire quel serait l’hymne de Menace Progressive. Il n’en choisira pas un, mais bien deux, qu’on vous laisse découvrir pour vous donner une première idée de l’esprit de cette nouvelle soirée.
Im A Threat – Sasha Go Hard :
« Difficile de choisir, je pense à tellement de morceaux ! Mais pourquoi pas, « Im A Threat » de Sasha Go Hard. Les artistes de Menace Progressive sont prêt·es pour la bagarre et moi aussi, c’est un peu comme si on allait prendre les armes pour se battre sur un champ de bataille à coup de clés USB chargées de plein de bangers, ce morceau de Sasha Go Hard pourrait être une bonne arme. »
Gøce – Bitter Babe & Nick León(De Schuurman remix) :
« Le morceau Gøce de Bitter Babe & Nick León, remixé par De Schuurman pourrait aussi être un très bon hymne. C’est un morceau très club, assez rapide, mélangeant bubbling et sonorités tribal, un peu sombre, mais très dansant. C’est une belle métaphore de ce que je veux essayer de faire avec Menace Progressive, mélanger les genres musicaux, proposer une musique hybride qui soit dansante et énergique. »
Menace Progressive, le 28 octobre au Chinois à Montreuil : Event
Image à la une : Affiche de Menace Progressive réalisée par llyazel
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Cet article Kuduro, dancehall, bouyon : Les soirées Menace Progressive hybrident nos nuits provient de Manifesto XXI.
Depuis le 1er mai, Catherine Fussinger occupe le poste de déléguée aux questions LGBTIQ+ pour le Canton de Vaud. Interview avec celle qui travaille d’arrache-pied à rendre l’administration cantonale plus inclusive pour les personnes queer.
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Une plainte a été déposée par Pink Cross et la LOS contre le site d'extrême droite romand La Hallebarde, qui publie des textes anonymes bourrés d'amalgames nauséabonds.
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Trois associations LGBTQI+, dont STOP homophobie, engagent un procès contre Tovaritch (Yuri Mikhailov), pour des faits d’injures sexistes et homophobes, après la publication, le 7 septembre dernier, de son clip « 2CB ».
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Régulièrement, 360° vous propose un aller-retour direct avec le Tessin. Ce mois-ci, rencontre en tête-à-tête avec Thomas Salati, jeune figure du monde politique par delà le Gothard.
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Un an après l’adoption de la loi bioéthique, Zola, premier bébé issu d'une procréation médicalement assistée pour un couple de femmes, a vu le jour ce 27 août au CHU de Nantes.
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Deux jeunes gens, Arsen et Tigran, se sont donnés la mort ce jeudi 20 octobre en se jetant d'un pont d'Erevan, après avoir partagé un dernier message sur Instagram évoquant leur amour désespéré.
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Un jeune de 18 ans a été condamné à dix mois de prison pour l'agression d'un adolescent qu'il trouvait « trop efféminé ». Les faits se sont déroulés le 7 septembre dernier dans le quartier des Garennes, à Guyancourt, dans les Yvelines.
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Chaque mois, Payot Libraire nous propose une sélection littéraire queer. Au programme pour ce numéro, cinq coups de cœur à dévorer en octobre.
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Cet article La culture de l’inceste : un essai pour en finir avec le principe de domination provient de Manifesto XXI.
En France, presque une personne sur dix est incesté·e. Comment, alors, pourrait-on encore soutenir, avec l’anthropologie et les discours médiatiques mainstream, que l’inceste est un interdit universel ? « L’inceste est partout. (…) s’il est tabou de le dire, il n’est certainement pas tabou de le faire ». Voici ce que nous adresse La Culture de l’inceste – ouvrage pluridisciplinaire co-dirigé par Iris Brey et Juliet Drouar, aux côtés de Wendy Delorme, Dorothée Dussy, Sokhna Fall, Ovidie et Tal Piterbraut-Merx paru en septembre chez Stock. L’inceste est « un acte de domination structurel, et donc également structurant, de notre société ».Lorsqu’au cours de l’été 2022, j’apprends la sortie prochaine de La Culture de l’inceste, je suis envahi d’un puissant sentiment d’espoir. Sans doute étions-nous nombreux·ses dans ce cas ? Presque une personne sur dix, c’est beaucoup. Et, comme l’explique l’anthropologue Dorothée Dussy, « (…) compte tenu du désastre intérieur déclenché par une enfance incestée, l’attente vis-à-vis d’un savoir qui permette de comprendre l’inceste s’apparente parfois à une course pour la vie ». Répondre à la nécessité de produire un tel savoir, indispensable tant pour les personnes concernées, que pour que notre société se regarde dans les yeux : voici à quoi s’emploient les sept co-auteur·ices.
De l’urgence de penser l’inceste comme un trauma collectifLe point de départ des co-auteur·ices est le suivant : si 6,7 millions de français·es sont concerné.es, c’est que l’inceste n’est pas une exception pathologique, mais une règle – un trauma collectif, dont il est urgent de mesurer l’ampleur. La culture de l’inceste qui est la nôtre se définit ainsi, par analogie avec la culture du viol, comme « une pratique inscrite dans la norme qui la rend possible en la tolérant, voire en l’encourageant ». La culture de l’inceste implique, de l’incesté·e à l’incesteur « un lien de proximité, d’autorité, de confiance, de dépendance et d’amour » (extrait de la définition de l’inceste par l’Association internationale des victimes de l’inceste – AIVI) : elle existe donc en continuum avec la culture de la pédocriminalité, qui repose sur un lien de même nature.
Ce livre sera une façon de déplacer la question de l’inceste du champ de l’intime, du cabinet des thérapeutes ou des cours de justice, pour la placer dans le champ public.
Iris Brey
Comprendre l’inceste en ces termes, c’est se positionner radicalement hors des cadres d’analyse prévalents sur le sujet (sortir du débat psychanalytique, juridique, ou du témoignage), afin de « placer la question dans le champ du public ». « La réponse clinique n’est pas la seule pour réparer l’inceste », affirme Iris Brey : comment une réparation des individus serait-elle possible, en effet, si le système alimente son échec ? Les militant·es, chercheur·euses, thérapeutes et artistes réuni·es s’emparent ainsi de la nécessité de formuler une « réponse politisée et collective à l’inceste ».
L’introduction, qui retrace pas à pas la fabrication du livre, confirme ce dont il aurait été naïf de douter : autour de l’inceste, « l’empêchement de la parole est systémique ». Le projet naît de la rencontre entre des réflexions qui – malheureusement si peu entendues, répandues – posaient déjà, parfois depuis longtemps, la question du « pourquoi ». Juliet Drouar, Dorothée Dussy, Sokhna Fall et Tal Piterbraut-Merx avaient écrit précédemment sur le sujet. Seulement, une fois le travail engagé, presque un an s’écoule avant de trouver les contrats nécessaires à sa publication. Au-delà des efforts colossaux réunis pour arriver jusque-là : comment tenir jusqu’au terme, lorsqu’on expérimente soi-même la loi du silence dans sa chair ? Dorothé Dussy hésite un moment à quitter le projet. Deux des autrices présumées se retirent. Tal Piterbraut-Merx – chercheur·euse en philosophie politique à propos relations adulte-enfant et militant·e – s’est suicidé·e au cours de l’écriture, le 25 octobre 2021.
La Culture de l’inceste, dont on comprend donc que la parution relève du miracle – ou plutôt, surtout, de l’exploit – se structure en deux mouvements. Le premier s’intéresse aux institutions qui incarnent la culture de l’inceste ainsi qu’aux mécanismes qui permettent sa reconduction (chapitres de Sokhna Fall, Juliet Drouar et Tal Piterbraut-Merx). Le second montre comment les productions culturelles (entendues au sens plus restreint d’ensemble de savoirs et d’œuvres disponibles) participent de la culture de l’inceste en jetant le voile sur sa réalité (chapitres de Dorothée Dussy, Iris Brey et Ovidie). L’ouvrage se termine avec Cela, courte fiction, écrite à plusieurs mains, avec le support de Wendy Delorme.
La famille, berceau des dominations80% des violences sexuelles exercées sur les enfants ont lieu dans le cadre familial. Est-il, dès lors, encore possible d’ignorer les liens entre la structure familiale hétérocispatriarcale occidentale et ces violences ?
L’inceste est un apprentissage érotisé de la domination.
Dorothée Dussy, citée par Tal Piterbraut-Merx
Juliet Drouar et Tal Piterbraut-Merx questionnent et répondent : non. La naturalisation de la « famille » et de ses supposées vertus protectrices est, en réalité, cause et condition de possibilité de l’inceste. Car cette structure (une personne dite homme + une personne dite femme + enfants biologiques), explique Juliet Drouar, est celle qui organise, à la plus petite échelle, la domination par le sexe et par l’âge sur laquelle repose notre société. Dans ce cadre, l’inceste est un acte de domination (parmi d’autres), à la fois « prévisible et nécessaire à la reconduction de ce type de communautés ». L’inceste est un « L’inceste est un apprentissage érotisé de la domination », ajoute, en miroir, Tal Piterbraut-Merx, reprenant les mots de Dorothée Dussy dans Le Berceau des dominations (2013, éd. La Discussion). Si la famille réalise la fonction éducative qui lui est associée, c’est ainsi surtout pour « éduquer à se taire, à plier sous le joug de l’ordre social ».
Le refus généralisé de renoncer à la fiction de la famille fonctionnelle place ainsi non seulement les voix, mais aussi les mémoires traumatiques sous silence. Comme le rapporte Sokhna Fall : « c’est l’enfant qui croit devoir s’accuser (…) et l’adulte qu’on protège ». Par dessus les difficultés rencontrées par les personnes concernées pour se souvenir (le vécu d’un événement traumatique déclenche une « tempête neurologique » qui peut provoquer l’amnésie), l’ensemble du corps social (parfois y compris les personnes incestées) construit des théories échappatoires, qui ont pour fonction d’alimenter un doute suffisant pour nous permettre d’oublier, ou de détourner le regard.
Sciences sociales, représentations, discours : cesser de jeter le voileQuel meilleur exemple de théorie échappatoire que celle de Lévi-Strauss, selon laquelle l’inceste est l’interdit universel à la base du fonctionnement de toutes les sociétés humaines ? « La pratique réelle de l’inceste ne change rien à la bonne marche du monde et de l’économie, ni à la bonne marche de la famille », objecte Dorothée Dussy, tout simplement. Des critiques de cette théorie ont été formulées dès les années 1990, notamment par des autrices et des anthropologues féministes (Nicole-Claude Mathieu, Gayle Rubin, Jeanne Favret-Saada, etc.). Pourtant, l’anthropologie patriarcale continue de la porter – les médias, de la relayer (pour illustration, l’interview complètement hors sol donnée par Maurice Godelier au Monde pendant #MeTooInceste, suite à la sortie de La Familia grande de Camille Kouchner).
montré comme un interdit, mais reposant sur le consentement (…) une attirance inéluctable, mais qui ne peut être combattue.
Iris Brey
Représentations cinématographiques et pornographiques participent également à jeter le voile, main dans la main – non pas en excluant la représentation de l’inceste, qui « crève les yeux » à l’écran, affirme Iris Brey – mais en excluant sa représentation en tant que violence. Aussi bien dans les blockbusters que dans les films valorisés par la critique traditionnelle, l’inceste adelphique et l’inceste mère-fils est omniprésent : il est alors « montré comme un interdit, mais reposant sur le consentement (…) une attirance inéluctable, mais qui ne peut être combattue », ou un rite de passage à l’adulte. L’inceste père-fille est, au contraire, très peu représenté, tout du moins explicitement (le Code Hays l’interdit aux Etats-Unis jusqu’à la fin des années 1960). L’adaptation de Lolita de Nabokov par Kubrick marque un tournant, à partir duquel « la (très) jeune fille devient la séductrice et tentatrice ». L’inceste père-fille devient représentable, à condition d’en faire porter la responsabilité à la fille, la Lolita (comme dans Twin Peaks, par exemple). Dans le porno, c’est l’inceste à profusion : « step mom est de loin le tag le plus recherché au monde » sur les plateformes de streaming, nous apprend Ovidie. Si le porno constitue, comme elle l’explique, une sorte d’antichambre de la vie – une « forme transgressive d’expression » qui vient déterrer les fantasmes que la société ne formule, c’est inquiétant. Si la figure de la step mom porte, comme la Lolita, la responsabilité d’initier l’inceste – elle ne franchit pas la barrière du viol. Ici aussi, la mise en scène nous conduit donc à « accepter l’idée d’un inceste sexy, amusant, divertissant et surtout consenti ».
En finir avec une société fondée sur le principe de dominationQue faire, alors, à partir de là ? Comment en finir avec une société dont l’inceste cristallise, dès le berceau, le principe fondamental : la domination ? Cela, qui termine le livre, esquisse une réponse sous forme d’impossible conclusion. Si l’on s’en tient à la réalité, les propositions des co-auteur·ices sont nombreuses. « Entendre, réhabiliter le corps qui parle » (Sokhna Fall). « Remettre en question le principe de domination qui infuse nos liens aux autres et qui constitue l’altérité et soi-même » (Juliet Drouar). « Conjurer l’oubli de l’enfance » (Tal Piterbraut-Merx). « Régler son compte à l’anthropologie patriarcale » (Dorothée Dussy). « Regarder l’inceste du point de vue de l’enfant » (Iris Brey). « Ne plus se poser la question de ce que la pornographie fait au réel, mais affirmer qu’elle est déjà ce réel » (Ovidie).
Une dernière piste, enfin. Pour terminer l’introduction, Iris Brey cite un fragment d’Ann Cvetkovich, dans An Archive of Feelilngs, Trauma, Sexuality and Lesbian Public Cultures, à propos du « lesbianisme comme un effet salutaire de l’abus sexuel ». En tant que personne incestée, j’ai mis plusieurs années à accepter, comprendre comment ma queerité pouvait être liée à ce vécu et en constituer une forme de réappropriation (tant du point de vue de la sexualité, que celui de l’identité de genre). Aujourd’hui, j’aimerais que nous n’ayons plus honte d’investir et de revendiquer la queerité comme un espace de réparation. Car qu’est-ce qu’être queer, si ce n’est inventer d’autres modes de relation qui détruisent les fondements de la domination masculine, et plus largement, le principe de domination en général ?
La Culture de l’inceste, Iris Brey, Wendy Delorme, Dorothée Dussy, Juliet Drouar, Sokhna Fall, Ovidie, Tal Piterbraut-Merx. Seuil (2022)
Image à la une : My little princess, Eva Ionesco (2011)
Cet article La culture de l’inceste : un essai pour en finir avec le principe de domination provient de Manifesto XXI.
L'ex-conseiller national UDC Hans-Ueli Vogt se lance dans la course à la succession d'Ueli Maurer au Conseil fédéral. S'il est élu, la communauté LGBTIQ+ ne pourra pas trop compter sur lui, à en juger par son parcours au parlement.
L’article Conseil fédéral: un candidat gai, mais pas vraiment un allié est apparu en premier sur 360°.
Cet article Podcast – Paye ta vie d’artiste ! Un espace à soi (5/5) provient de Manifesto XXI.
Paye ta vie d’artiste ! est une série de podcasts portée par Manifesto XXI, en partenariat avec Provence art contemporain, qui met en lumière les conditions sociales et économiques des artistes et travailleur·ses de l’art. Le dernier épisode de la saison s’intéresse à la posture des artistes par rapport aux espaces qu’iels occupent, notamment à l’heure des friches urbaines et des politiques de revalorisation du territoire par l’art.Ce cinquième et dernier épisode pose la question des ateliers, ces lieux de création parfois fantasmés. De plus en plus de structures ont fait de l’occupation temporaire leur spécialité et mettent des espaces de travail à disposition des artistes, en périphérie des villes. Les exemples sont nombreux : les tours Mercuriales à Bagnolet, Artagon à Marseille puis Pantin, ou encore Poush Manifesto ou la Fondation Fiminco… Ces projets ne sont pas mus par les mêmes intérêts économiques ou de transformation du territoire, mais posent néanmoins une question de mixité sociale et de gentrification.
À retrouver sur Apple Podcasts, Deezer, SoundCloud et Spotify
Alors que la revalorisation des territoires par l’art et la culture s’inscrit dans des politiques urbaines affirmées, avec des budgets dédiés, quelle posture adopter quand on est artiste avec une économie souvent précaire ? Ce dernier épisode s’intéresse à la position des artistes par rapport aux espaces qu’iels occupent, aux quartiers qu’iels investissent avec les dynamiques urbaines que leur présence peut générer, et aux paradoxes auxquels iels doivent parfois faire face. Pour en discuter, les journalistes Sarah Diep et Soizic Pineau reçoivent l’artiste Louise Mervelet ainsi que Raphaël Haziot, coordinateur artistique chez Yes We Camp qui a notamment géré le projet Buropolis à Marseille. Interviennent également la géographe Pauline Guinard, ainsi que Céline Ghisleri, directrice de l’association Voyons Voir.
Ressources
• Camille Boichot, « Les quartiers artistiques : territoires en construction. Regards croisés sur Montreuil (Île-de-France) et Neukölln (Berlin) », Annales de géographie, 2014/4 (n° 698), pp. 1088 à 1111
• Pauline Guinard, Barbara Morovich, « Villes, cultures et engagements. La mise en culture des villes, jusqu’où ? », Journal des anthropologues, 2020/4-5 (n° 162-163), pp. 21 à 28
• Ghyslaine Thorion, « Espaces en friche, des lieux dédiés à l’expérimentation et à la création culturelle », Communication et organisation, 2005, pp. 114-126
• Vincent Prieur, « Revendications des squats d’artistes et institutions », revue Marges, 2015
• Elsa Vivant et Eric Charmes, « La gentrification et ses pionniers : le rôle des artistes off en question », Métropoles, 3 | 2008, en ligne depuis le 22 septembre 2008
• Martha Rosler, Classe culturelle : art, créativité, urbanisme (première partie), 2010, extrait traduit dans La Belle Revue, 2017
• Eve Charrin, « Pourquoi les promoteurs se ruent sur les squats d’artistes », Marianne, 27 sept. 2019
• « Les quartiers culturels et créatifs, entre création artistique et attractivité des territoires », The Conversation, 4 oct. 2021
• Jérémy Sinigaglia, Artistes plasticiens, de l’école au marché, Presses Sciences Po, 2020
Crédits
Invité·es : Louise Mervelet, Raphaël Haziot
Avec les interventions de Pauline Guinard et Céline Ghisleri (Voyons Voir)
Animation, écriture, montage et réalisation : Sarah Diep et Soizic Pineau
Aide à la documentation : Anne-Charlotte Michaut
Musique et habillage sonore : Alexi Shell
Design graphique : Léna Araguas et Alaric Garnier
Merci à Papi et à Radio Grenouille pour la réalisation technique.
Un podcast Manifesto XXI produit avec Provence art contemporain, enregistré dans les studios de Radio Grenouille à Marseille
Image à la une : l’atelier de Louise Mervelet à la Fondation Fiminco
Cet article Podcast – Paye ta vie d’artiste ! Un espace à soi (5/5) provient de Manifesto XXI.
Un homme de 49 ans a été condamné à Niort, ce 17 octobre, à dix mois de prison ferme pour avoir injurié et menacé de mort une jeune femme, le 23 septembre dernier.
L’article « Je vais te buter sale gouine ! » : Dix mois de prison ferme pour des injures et menaces de mort lesbophobes est apparu en premier sur Association STOP HOMOPHOBIE | Information - Prévention - Aide aux victimes.
Les députés russes ont appelé lundi à durcir la loi condamnant la « propagande homosexuelle », qui serait renforcée d'une interdiction du « déni des valeurs familiales » et de la « promotion des orientations sexuelles non-traditionnelles ».
L’article La Russie veut renforcer sa législation homophobe est apparu en premier sur Association STOP HOMOPHOBIE | Information - Prévention - Aide aux victimes.
Le tribunal correctionnel d'Angers a condamné un homme de 37 ans à douze mois d'emprisonnement ferme et quatre mois de révocation de son sursis, pour des faits de violences homophobes.
L’article Seize mois de prison pour l’agression d’un couple gay à Angers est apparu en premier sur Association STOP HOMOPHOBIE | Information - Prévention - Aide aux victimes.
Cet article Surgeons Girl hypnotise en proposant une techno aux portes de l’ambient provient de Manifesto XXI.
Surgeons Girl signe chez Lapsus Records, un EP de cinq titres IDM aux échos dub. Percussions instrumentales et basslines électroniques se mêlent pour l’un des projets les plus novateurs de son portfolio. Nous allons à sa rencontre pour tenter de déceler les éléments clés de son univers.Depuis quelques années, Surgeons Girl rayonne depuis Bristol avec des EP parus chez Livity Sound et Inside Out Records. Avec Lapsus Records, elle livre un travail riche qui souhaite faire une symbiose d’analogie et de technologie. Aucun de ces deux univers n’est mis de côté, alors même que son EP se classe dans la lignée IDM. Est-il possible de faire de l’IDM, dite « Internet Dance Music » en ayant une approche organique à l’analogue et le modulaire ? Surgeons Girl prouve que oui en expliquant que tout est question de point de vue. Sa vision est retranscrite dans cet échange avec Manifesto XXI.
Manifesto XXI : Dans tes productions, l’analogique et l’électronique combinées créent des œuvres émotionnelles. Il y a un mythe qui dit que les machines mènent à un monde aseptisé. Quelle est ton approche à ce sujet, étant donné ta pulsion de générer une réponse émotionnelle ?
Surgeons Girl : Chaque fois qu’une nouvelle technologie sort, on l’accuse d’avoir un effet aseptisant sur la musique. On lui reproche aussi de rendre le processus de création trop facile. Aujourd’hui tout le monde pense ça dès qu’il y a une innovation et c’est quelque chose dont il faut avoir peur. À cause de ça, nous nous tournons constamment vers des versions plus anciennes de la technologie parce qu’elles sont plus chaudes ou qu’elles possèdent certaines caractéristiques dont nous avons besoin. Mais n’oublions pas que, avec le temps, cette même technologie devient suffisamment ancienne pour devenir vintage et convoitée. Finalement, nous avons juste besoin de prendre le temps de trouver comment l’apprivoiser et créer quelque chose d’intéressant. J’adore le fait qu’il soit possible d’étudier le « laptop » dans certains conservatoires européens. Embrasser la nouveauté dans le cadre de la traditionnelle étude acoustique devrait être une norme.
Puisque nous parlons de l’avenir, je me demandais s’il y avait quelque chose que tu changerais dans l’industrie musicale actuelle ?
Ce que je note de plus positif ces dernières années, c’est le changement d’état d’esprit des promoteurs. Il y a plus d’égalité des sexes dans les programmations et les affichages se font en ordre alphabétique et plus forcément en termes de popularité. J’aimerais simplement que notre quête de gentillesse et d’inclusion dans la musique électronique continue de croître, car nous avons vraiment besoin de ça.
« Sever », le mot utilisé comme titre pour ton EP, exprime le besoin de disséquer et de trancher. Ressens-tu le besoin de revoir les idées préconçues sur la musique ?
Comme tu le dis, le nom de l’EP vient de cette envie de démanteler. Ce n’est pas forcément symbolique, mais plus dans la production. J’avais besoin de disséquer et de découper chaque morceau, afin d’avoir un collage fait de tranches d’images ou d’atmosphères qui changent. Lorsque tous les morceaux s’assemblent, ainsi que toutes les ambiances uniques, c’est là que le cerveau se rend compte du message final.
Certains décrivent l’expérimentation modulaire comme une musique intellectuelle. Est-ce qu’il y a un espace pour de telles œuvres dans les clubs d’aujourd’hui selon toi ?
Pour le moment, je ne suis pas assez courageuse pour me produire avec le modulaire, je l’utilise principalement pour le sound design et pour générer des séquences. Mais je me produis avec beaucoup d’autres machines différentes. En fait, j’essaie d’orienter mes sets plus vers les clubs. J’y joue, mais je dois beaucoup combiner avec des moments plus énergiques étant donné que mes productions sont plus ambient. Le passage à un set plus énergique implique d’improviser et d’expérimenter davantage, en raison de la longueur des sets et de la nécessité de préserver son énergie. J’aime mettre en place cette nouvelle approche depuis quelque temps, et j’aime le défi de ce changement, qui m’est rendu possible par l’accès dans de nouveaux espaces.
L’EP trouve son inspiration dans les lignes bass, dub et IDM. C’est un pas en avant par rapport à tes autres travaux qui tendent à pencher vers la techno et l’ambient. Qu’est-ce qui t’a inspiré pour ces cinq titres ?
J’ai l’impression d’être en perpétuel changement entre l’ambient et la techno, et tout ce qui se trouve entre les deux. Je cherche encore à comprendre où ma musique veut se situer, mais une chose est sûre : je ne veux pas rester immobile. Je trouve que l’ambient me vient très rapidement, mais je suis très pointilleuse avec mes morceaux. Résultat : je laisse dormir des tracks dans des dossiers avec de la musique qui, plus tard, me semble très mauvaise. J’aimerais bien sortir quelques morceaux de techno, avec moins de fioritures et plus d’énergie brute. C’est peut-être en essayant de le faire cette fois-ci que je suis arrivée à ces morceaux qui sonnent plus IDM, car je ne peux pas m’empêcher de mettre ces mélodies du synthétiseur vermona. Ici, j’ai joué des tempos plus rapides et j’ai utilisé des hi-hats éparpillés et des drums puissants tout comme les deux EP précédents. C’était probablement plus subtil avant, mais l’idée reste la même.
Basée à Bristol, que peux-tu me dire de l’énergie de la ville ?
Il y a tellement de bonnes initiatives que tout le monde est très solidaire. Aussi, il y a plein de petits cercles d’artistes ou de labels qui valent la peine d’être explorés à Bristol. J’ai joué avec J.Martin l’année dernière au festival Enmasse, qui a une musique et des visuels incroyables et qui vaut la peine d’être découvert. Il y a aussi Paleman et son alias Fresnal Lens qui est vraiment cool et bien sûr Finlay Shakespeare. J’aime aussi beaucoup Ido Plumes, également sur Livity Sound, Delay Grounds sur Pressure Dome et Lapsus qui a un super set live. Faut venir pour tous·tes les découvrir, il y en a bien plus !
Sever by Surgeons GirlPhoto : © Lisa White.
Pour suivre Surgeons Girl : Insta / Facebook / Bandcamp
Cet article Surgeons Girl hypnotise en proposant une techno aux portes de l’ambient provient de Manifesto XXI.
Deux motions liées à la protection des enfants dans le cadre de l'adoption par le·la conjoint·e de même sexe sont en débat au parlement suisse.
L’article Adoption dans les familles arc-en-ciel: encore du pain sur la planche est apparu en premier sur 360°.
Le procès de l’ancien capitaine de l’équipe de France, Patrice Evra, jugé devant le tribunal de police de Paris pour des injures homophobes proférées en 2019, a été renvoyé au 15 décembre prochain. Il était absent à l’audience. Son avocat n’a eu que très « récemment » connaissance des éléments du dossier… Patrice Evra s’était …
L’article Le procès de Patrice Évra pour injures homophobes renvoyé au 15 décembre est apparu en premier sur Association STOP HOMOPHOBIE | Information - Prévention - Aide aux victimes.
Cet article Bérangère Fromont. « L’amour est le seul endroit où on habite » provient de Manifesto XXI.
Bérangère Fromont, photographe, publie L’amour seul brisera nos cœurs aux éditions A la maison. Accompagné des textes, dont deux inédits, d’Élodie Petit et mis superbement en page par Maycec, le livre est un acte politique, se réappropriant les représentations des amours lesbiennes.À l’image d’ouvrages cultes tels que Eye to Eye de la photographe américaine lesbienne JEB, sorti en 2020, L’amour seul brisera nos cœurs est avant tout une archive de nos mémoires, de nos imaginaires et de nos rêves d’avenir. Bérangère Fromont y questionne et recherche les regards lesbiens en célébrant les identités gouines. C’est un lieu où habiter, où s’unir, où faire « maison », car c’est dans les amours que les queers bâtissent leurs demeures : « On habite ce que l’on peut : la faïence, la baignoire, le hlm, le trottoir, on construit une cabane. Du début à la fin on utilise l’amour comme survie collective. Fiévreuse plébéienne. »
© Bérangère FromontManifesto XXI – Peux-tu nous parler de ce livre, qui est avant tout un objet d’art ?
Bérangère Fromont : Le livre est publié chez une petite maison d’édition qui s’appelle justement A la maison. Iels s’occupent de tout chez elleux, de l’impression à la diffusion. L’une des deux personnes est ma meilleure amie, Maycec, graphiste. Pour cet objet, je voulais quelque chose d’assez radical, en dehors de l’économie des grandes maisons d’édition : qu’il y ait une cohérence entre la forme et le propos. Chaque exemplaire est unique, numéroté, signé, fait à la main. Il y en a deux cent en tout. Cela prend trente minutes de création par exemplaire. On a choisi un très beau papier et une disposition spécifique des pages, des textes et des images. Pourtant, ce n’est pas relié. C’est une réflexion sur la résistance : puisque les pages ne tiennent pas ensemble, il faut faire attention en manipulant l’objet. Il est difficile à tenir, il demande un soin, un effort. Comme un rapport au corps. Il faut s’impliquer physiquement.
Ca a été un processus très cher. Personne ne se paie sur ce travail-là. C’est un livre d’artistes : le livre est l’œuvre en elle-même. C’est ce qu’on a souhaité avec Élodie.
Comment les textes d’Élodie Petit ont-ils accompagné ton travail ?
Comme une musique de fond. Un son qui se répétait dans ma tête, scandé très fort, tel un manifeste. Un manifeste toujours brûlant, toujours présent.
© Bérangère FromontLes seules représentations auxquelles j’ai eu accès étaient littéraires et c’était souvent des gars. Ça a été difficile. Je suis en colère en repensant à cette période : on m’a volé mon adolescence.
Bérangère Fromont
Pourquoi cette envie de travailler sur les représentations gouines ?
J’avais lu depuis peu le manifeste queer TransPédé.eGouines. Cependant, pour des raisons intimes et politiques j’ai ressenti un grand besoin de faire quelque chose. Je venais de faire un travail sur la résistance et sur l’adolescence : l’adolescence étant un lieu de résistance au monde adulte, au cynisme. À cette époque je lisais aussi énormément Paul B. Preciado. Tout cela a contribué à mon envie de faire un projet pour les gouines. Il y a un vide total autour des représentations gouines dans la photographie et en général, dans la culture.
Quelles représentations queers t’ont permis de te construire ?
J’ai 45 ans et je dois dire que quand j’étais ado, c’était la catastrophe en termes de représentations. En plus, j’habitais dans une petite ville de province. Les seules représentations queers auxquelles j’ai eu accès étaient littéraires et c’était souvent des gars. Les récits étaient pour la plupart tragiques et décourageants. Ça a été difficile. Je suis en colère en repensant à cette période : on m’a volé mon adolescence.
Les représentations gouines étaient toujours filtrées par une lesbophobie latente et violente. Il n’y avait rien de positif. Comment se construire avec ça ? À quoi s’identifier quand autour il n’y a que le vide ?
© Bérangère FromontNotes on Fundamental Joy est le premier travail photographique fait par des lesbiennes, pour des lesbiennes, avec des lesbiennes que j’ai trouvé.
Bérangère Fromont
Dernièrement, le monde hétérosexuel s’intéresse à la culture gouine…
Oui, on a fait des films et des docus sur nous. Cette posture de voyeur ça donne la sensation d’être au zoo. C’est une approche qui me terrorise. J’ai toujours trouvé ça choquant d’aller exhiber des photos de personnes queers alors qu’on n’en est pas, un peu en mode freak show.
Il faut que ce soit nous qui le fassions.
As-tu découvert des photographes gouines intéressant·e·s pendant tes recherches ?
Oui, j’ai notamment découvert l’artiste Tee Corinne. Dans les années 1970 elle fût l’une des principales figures à représenter les gouines. Elle apprenait aussi aux autres lesbiennes à prendre des photos et à les développer afin de se réapproprier leur image. Dans ces photographies, qui ont été archivées en partie dans le livre Notes on Fundamental Joy par Carmen Winant, on mène des réflexions importantes, entre autres, sur la place des modèles, qui sont toujours en situation d’égalité. Par exemple, si les modèles étaient nu·e·s la photographe était nue aussi. Ce livre est sublime.
Notes on Fundamental Joy est le premier travail photographique fait par des lesbiennes, pour des lesbiennes, avec des lesbiennes que j’ai trouvé.
© Bérangère Fromont © Bérangère Fromont © Bérangère FromontEn parlant de modèles, comment as-tu rencontré les personnes qui ont posé pour tes photos ?
C’est une question importante qui n’a pas été facile. J’ai toujours été gênée par le fait d’utiliser un autre être humain dans un travail politique que je mène. C’est pour cela que j’ai aussi du mal avec le documentaire. Il y a souvent un rapport de force, entre une personne qui va se mettre à nu et l’autre qui va rendre compte de ça. En même temps, j’adore faire des portraits. J’ai alors essayé de me réconcilier avec cette question : j’ai travaillé avec les modèles comme si iels n’étaient pas des modèles. On fait ensemble. Iels me donnent ce qu’iels veulent. Iels m’emmènent là où iels veulent. C’est iels qui font les images.
De la même façon, il était hors de question de choisir moi-même les modèles. J’ai lancé un appel sur les réseaux sociaux pour toutes les personnes se reconnaissant comme gouines. J’ai photographié tout le monde. Néanmoins, l’appel sur les réseaux a comme problème qu’il s’adresse à un cercle forcément restreint et je regrette donc que le projet ne soit pas plus diversifié.
Pendant ton travail, as-tu réfléchi à la notion de regard lesbien ? Est-ce que tu t’es interrogée sur sa possible définition ?
Je pense qu’il y a des regards lesbiens. C’est justement ce qui nous manque : des regards représentatifs de toutes les expériences et de toutes les identités lesbiennes. Par exemple, mon regard n’est pas du tout le même que celui de mon amie photographe Romy Alizée. J’ai quinze ans plus qu’elle, on n’a pas la même expérience de vie, donc forcément on ne se pose pas les mêmes questions. On parle différemment d’amour aussi. Je ne saurais pas vraiment définir mon propre gaze d’ailleurs…
Je dirais qu’il est forcément politique. C’est une donnée importante. Après il y a la différence entre « gouine gaze » et « lesbian gaze« . Tout ce que j’espère, c’est que des gens se retrouveront dans ce livre et que ça leur fera du bien. En cela, le texte d’Élodie aide beaucoup.
© Bérangère FromontLes vôtres, sont deux écritures qui se rencontrent…
Oui, la photographie étant une écriture aussi. J’ai l’impression que l’écriture d’Élodie est plus érotique, plus explicite. La mienne est pudique, on va dire. Peut-être que ses mots prolongent mes images. Qu’ils disent ce que mes images ne disent pas. L’écriture d’Élodie véhicule ce que j’aime et que j’essaie de faire aussi dans mon travail. C’est un regard romantique et politique, en même temps très direct. La question qui m’intéressait était surtout celle de la place : où est notre place ? L’amour est le seul endroit où on habite.
Le texte à l’intérieur est flottant : on peut le mettre à des endroits différents. En fonction des images auquel il est juxtaposé, il va provoquer autre chose. Et puis parfois, on peut lire juste des mots, pas des phrases. Et ça déclenche encore d’autres émotions, d’autres regards, d’autres possibilités.
Aperçu du livre « L’amour seul brisera nos coeurs » Aperçu du livre « L’amour seul brisera nos coeurs » Aperçu du livre « L’amour seul brisera nos coeurs »L’amour seul brisera nos cœurs, Bérangère Fromont, Élodie Petit & Maycec aux éditions A la maison.
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Cet article NDK Festival #2 – Célébrer les pluralités électroniques provient de Manifesto XXI.
Pour sa seconde édition, le NDK Festival, basé à Caen et organisé par la SMAC Le Cargö et l’association Arts Attack!, poursuit ses ambitions de valorisation plurielle des musiques électroniques actuelles. Rendez-vous du 19 au 29 octobre.Avant le NDK Festival, il y avait Nördik Impakt. Un festival à l’envergure conséquente qui se déroulait dans toute la ville, mais principalement au Parc des Expositions de Caen. Un moment donnant lieu à deux jours de fête dans trois halls qui offraient un écrin idéal pour découvrir les pointures de la musique électronique. On se souvient encore des 20 ans de ce dernier en 2018. Une édition qui avait réuni des artistes qu’on ne présente plus tel·les que Charlotte de Witte, Rebeka Warrior, Daniel Avery, Laurent Garnier ou encore Jennifer Cardini, et pas moins de 20 000 festivalier·es.
Soumis à des contraintes financières et structurelles, le festival a dû se réadapter et s’inscrire dans une nouvelle démarche amorcée l’année passée, donnant naissance à une nouvelle formule : NDK. Un festival qui se développe sur dix jours, du 19 au 29 octobre, et fait vivre Caen au rythme de la musique électronique sous toutes ses formes. Proposant aussi bien des soirées au Cargö – du 20 au 22 octobre – avec des artistes émergent·es issu·es d’une nouvelle scène pointue et riche allant de la techno à la house en passant par l’acid ou la trance, que des ateliers immersifs, des rencontres destinées aux professionnel·les, ou des conférences documentées pour le grand public.
Le teaser du festival NDK 2022Entre une direction artistique et visuelle brillante – à l’image du teaser ci-dessus –, un line-up qui vient défricher et dénicher les artistes de demain, et un processus visant à rendre la culture électronique accessible à toustes en investissant des lieux comme l’Université de Caen, l’ESAM (Beaux-Arts) ou encore la bibliothèque de la ville, le festival s’engage dans une dimension mêlant transmission et émergence. Une démonstration de force à contretemps, qui s’approprie à la fois le territoire et les esthétiques, et s’inscrit dans un engagement inclusif et durable. Au total ce sont 42 artistes, qui occuperont pas moins de sept lieux différents et ce pendant dix jours.
À découvrir :Nos coups de cœur du line-up : u.r.trax, que l’on avait déjà adoré revoir à la Peacock Society cette année ; Superpoze, artiste et producteur caennais qui revient sur scène avec une formule live plus travaillée qu’auparavant ; aasana, DJ qui use d’une ambient deep et méticuleuse ; Paloma Colombe qui décline l’éclectisme musicale à travers ses DJ Set ; Olympe 4000 qui devrait sans nulle doute transcender le dancefloor pendant une bonne partie de la nuit le 22 octobre prochain ; mais aussi le collectif 100% féminin Vénus Club qui invite ici les DJs Sainte Exp et Rrose Sélavy. Autant dire qu’il y en aura pour tous les goûts, avec ce line-up axé sur la découverte. Cette seconde édition s’annonce d’ores et déjà plus qu’excitante, aussi bien par ses choix éditoriaux que par sa démarche de développement à contre-courant.
Informations et réservations sur le site du festival.
NDK Festival, du 19 au 29 octobre 2022 à Caen
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La 21e édition du LUFF, Lausanne Underground Film & Music Festival, revient du 19 au 23 octobre 2022 au Casino de Montbenon et dans différents lieux lausannois.
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Cet article Qui la Fashion Week fait-elle encore rêver ? provient de Manifesto XXI.
Snobisme, enjeux sociaux et rythme effréné : retour sur la dernière Fashion Week de Paris.À l’heure d’une jeunesse en demande de forts engagements écologiques et sociaux, la nécessité de transparence et d’authenticité s’impose pour le secteur de la mode. Avec ses possibilités infinies, ses marqueurs sociaux et ses pouvoirs identitaires, la mode fascine, et toute son industrie avec. Rêve pour certain·es, milieu exécrable pour d’autres, alors qu’une nouvelle semaine de la mode s’est tenue à Paris avec près de cinquante défilés et plus d’une centaine d’événements, une question légitime se pose : la Fashion Week reste-t-elle une immense mascarade ? Récit d’une semaine d’événements au cœur du système.
L’art de taper l’incrusteParis, 19 septembre 2022. Depuis quelques jours déjà, je rafraîchis chaque matin la page web de la Fédération de la haute couture et de la mode, l’organisme de référence qui organise deux fois par an la Fashion Week dans la capitale. Le calendrier pour la saison été 2023 est enfin tombé. Du 26 septembre au 4 octobre, plus de cinquante présentations auront lieu, et autant d’autres événements, soirées, dîners, défilés, non répertoriés dans le calendrier officiel. Bien sûr, je sais que les invitations officielles sont déjà parties il y a une semaine, mais moi qui ne suis qu’un petit journaliste indépendant, a priori non spécialisé dans la mode, il est normal que personne ne pense à moi pour son show. C’est peut-être l’une des premières choses à savoir quand on décide de faire la Fashion Week : pour en être, il faut connaître, pour s’incruster, il faut ruser. Comme me l’explique la doctorante et chercheuse en sociologie de la mode Saveria Mendella, la Fashion est d’abord et avant tout un événement professionnel avec des enjeux stratégiques et symboliques pour chaque capitale qui l’accueille (les quatre plus importantes étant New York, Londres, Milan et Paris). Y sont donc invité·es les acteur·ices phares du secteur comme les journalistes de mode, les acheteur·ses, les influenceur·ses et les célébrités : un monde à part entière à la hiérarchie bien cadrée provoquant son lot de jalousies, crises de nerf, déceptions et euphories pendant une dizaine de jours, le tout arrosé de champagne.
Tout le monde se jauge du regard, chacun·e essaye de deviner qui sont les autres, ce qu’iels font là, s’iels sont connu·es ou pas. La notion de « connu·e » défie les lois du monde réel dans ce petit microcosme.
J’avais lu il y a bien longtemps dans les chroniques d’une blogueuse mode qu’au fond, les célébrités adoraient la Fashion Week car c’était le seul endroit où elles se faisaient traiter comme tout le monde, c’est-à-dire un peu ignorer. Se comporter comme un·e fan déluré·e est bien un des comportements qui soit le plus considéré comme indigne : poker face de rigueur même si vous êtes assis·e juste derrière Rihanna ! La question se pose tout de même : les Fashion Week sont-elles de plus en plus un lieu pour que les célébrités se pavanent ? Pour Saveria Mendella, « les défilés ont toujours été des événements mondains, mais à partir des années 70 ils sont devenus the place to be. Dès qu’elles se sont ralliées au milieu du cinéma, de la chanson, des élites, les Fashion Week sont devenues cool ». Croiser des stars, pourquoi pas, mais dans mon cas, je sais d’avance qu’on ne m’ouvrira pas les portes de Dior ou de Chanel, et d’ailleurs ce n’est pas ça qui m’intéresse particulièrement. Par contre, je pense quand même avoir une chance avec les plus petites marques qui organisent des présentations ou des petits défilés, souvent hors du calendrier officiel.
C’est dans ces moments-là qu’appartenir à la communauté queer se révèle être un atout insoupçonné, car parmi mon carnet d’adresses lesbien se trouve une copine super sympa, meilleure amie de l’ex de l’ex de l’ex de mon ex ou quelque chose comme ça, qui est aussi la rédactrice en chef d’un magazine de mode. Habituée du milieu depuis plus d’une décennie, elle a accès à peu près à tout ce que la Fashion Week peut m’offrir. Je lui fais une première liste des shows auxquels je voudrais assister et, un coup de fil plus tard, ma boîte mail regorge d’invitations à des soirées, des présentations, des défilés et autres événements presse en tout genre. Est-ce que tout le monde fonctionne comme ça ? Bien sûr, alors aucun scrupule. Avec un défilé ou une présentation par jour et une soirée ou un cocktail chaque soir, j’ai enfin matière à chroniquer.
À peine le premier jour et le premier défilé passé que les souvenirs me remontent. J’ai déjà assisté à tout cela, quand j’avais dix-huit ans et que je venais d’arriver à Paris. Je tenais un blog de mode et j’avais innocemment envoyé des mails à tous·tes les attaché·es de presse que j’avais pu trouver pour essayer de me faire inviter quelque part. J’avais évidemment été recalé de partout, mais j’avais tout de même tenté ma chance en attendant à l’entrée des défilés dans mes meilleurs outfits colorés. Tout le monde se jauge du regard, chacun·e essaye de deviner qui sont les autres, ce qu’iels font là, s’iels sont connu·es ou pas. La notion de « connu·e » défie les lois du monde réel dans ce petit microcosme. Entre les mannequins, les attaché·es de presse, les stylistes, les photographes, les influenceur·ses et les réelles célébrités, tout le monde fait semblant de ne pas se reconnaître, tout en se demandant bien qui est qui. Sept ans plus tard, rien n’a changé, sauf peut-être moi qui ne cherche même plus à faire d’effort et vient systématiquement habillé en noir. Des hordes d’étudiant·es en mode et wannabe influenceur·ses se pressent toujours à l’entrée du show espérant peut-être pouvoir rentrer, ou à défaut se faire prendre en photo par les photographes de streetstyle qui pullulent (pour shooter des streetstyle qui n’en sont plus vraiment d’ailleurs, puisque les looks aussi extravagants et provocants de la faune fashion sont maintenant avant tout portés pour être pris en photo plutôt que pour vaquer à ses occupations dans la rue).
Je sais que bon nombre de personnes y entretiennent des relations très superficielles et peuvent se montrer très méchants entre eux, il faut avoir un certain recul pour y travailler [la mode].
Fayna, étudiante en mode
Le schéma se répète chaque jour, j’attends patiemment dans la file presse devant l’entrée du défilé et je me laisse dépasser par des collègues à l’air pressé et concentré, moins sapé·es que la plupart de celles et ceux qui poireautent à côté. Je ressens moi aussi cette étrange satisfaction, qui nous est commune, d’être au-dessus de la nécessité d’être surlooké·e, car nous les journalistes, on travaille. Sentiment absolument artificiel et égoïste parce qu’au fond, tout le monde travaille, ou du moins, tout le monde se pointe au défilé avec la volonté d’être un·e travailleur·se à part entière de ce système. C’est le cas de Fayna. Étudiante en mode dans une école privée renommée, elle participe au défilé en tant que petite-main, c’est-à-dire qu’elle s’occupe d’habiller les mannequins, d’arranger les vêtements et d’aider pour tout et rien. Alors que je suis placé en standing, soit debout derrière celles et ceux plus important·es que moi qui sont assis·es, elle arrive essoufflée juste avant le début avec un de ses camarades, vêtu·es d’un tee-shirt « staff » de la marque. Je leur fais un peu de place, tout le monde les ignore. Je reconnais quelques journalistes et influenceur·ses au premier rang, mais aucune grosse célébrité n’a fait le déplacement pour ce défilé d’une petite marque en plein après-midi. Beyoncé, Marion Cotillard ou Léna Situations ne font l’honneur de leur présence que pour les shows de grandes marques, ayant généralement lieu le soir. Le défilé se passe, que je juge plutôt médiocre, rempli de mannequins plus maigres et plus blancs les uns que les autres, et les lumières se rallument.
Fayna repart rapidement pour s’occuper du retour des mannequins en backstage mais j’arrive à l’interpeller cinq minutes. Elle me détaille la raison de sa présence ici : « On a eu l’info qu’ils cherchaient du monde via notre école et j’ai tout de suite postulé. Entre hier et aujourd’hui, cela va faire à peu près 15h de présence. » Travailler gratuitement ne l’a pas rebuté, bien au contraire, elle raconte pour elle l’occasion de découvrir les coulisses, d’assister au défilé et surtout d’agrandir son réseau professionnel. C’est son tout premier show. Quand je lui demande comment elle perçoit ce milieu, elle reste modérée : « Je sais que bon nombre de personnes y entretiennent des relations très superficielles et peuvent se montrer très méchants entre eux, il faut avoir un certain recul pour y travailler. » L’étudiante qui cite Prada et Gucci comme ses marques préférées n’a malheureusement pas plus de temps à m’accorder, et doit retourner en backstage. Fayna n’est pas la seule à travailler gratuitement, c’est le cas de beaucoup de participant·es de toute la semaine de la mode, sans qui l’industrie retomberait comme un soufflé mal cuit. Mannequins, maquilleur·ses, coiffeur·ses, assistant·es de production, habilleur·ses, nombreux·ses sont celles et ceux à participer gratuitement aux défilés, sans pour autant être invité·es aux événements et fêtes qui les entourent.
Les défilés doivent rester des espaces professionnels, des enjeux économiques et symboliques y sont joués pour les marques.
Saveria Mandela, doctorante et chercheuse en sociologie de la mode
Mon amie Claude-Emmanuelle, mannequin ayant participé à deux défilés me le confirme : « Pour deux défilés je touche moins qu’un smic pour environ 8h de travail par marque, et encore je suis sans agence, donc je suis bookée directement sans donner de pourcentage à un tiers, là où certaines de mes amies membres de grandes agences peuvent toucher près de 10k par Fashion Week. » Beaucoup sont prêt·es à payer le prix de l’épuisement et de la dévalorisation pour se faire une place et augmenter leur capital social, c’est-à-dire leur réseau stratégique de connaissances dans le milieu pour un jour espérer y gagner sa vie, là où une minorité ultra-reconnue “qui a percé” va gagner des sommes astronomiques, parfois pour exactement le même travail. C’est ce qu’explique la sociologue Giulia Mensitieri dans son ouvrage de référence Le plus beau métier du monde (La Découverte, 2018). Dans son chapitre dédié au travail gratuit, elle souligne : « Les travaux les plus valorisants symboliquement et les plus décisifs pour la carrière ne sont pas rémunérés, tandis que les travaux bien rémunérés sont pénalisants pour la carrière. » C’est-à-dire que travailler gratuitement est plus qu’une pratique courante, elle est même encouragée. Ce fonctionnement totalement en dehors des clous du travail a, quand on y pense, de quoi se révolter. Dehors, les hordes d’étudiant·es et de fashionistas qui n’ont pas eu l’opportunité de rentrer attendent que nous sortions. Il n’y a pas grand-chose à faire car chacun·e doit repartir au prochain show ou événement qui l’attend, mais iels restent là, dans le froid, super sapé·es, à nous voir passer. La sensation d’être ainsi envié·e et suspecté·e d’occuper un poste haut placé, alors que pas du tout, est particulièrement étrange.
Je m’approche de deux d’entre elleux. Ariel est habillé d’une cravate noire sur une chemise argentée et d’un jean multiplement troué, Emma a un béret rouge et un manteau moumoute rose fluo. Iels sont très jeunes, visiblement frigorifié·es, mais l’air absolument heureux de participer à tout cela là, d’en être. Prenant leur interview très à cœur, iels répondent à mes questions très solennellement : « Nous sommes tous·tes les deux étudiant·es à Bruxelles et on est venu·es spécialement pour la Fashion Week ! Attendre dehors ne nous dérange pas, on adore être au cœur de l’ébullition, voir passer les gens, regarder les looks, c’est très excitant ! » Habiles, iels traquent les adresses des défilés sur les réseaux sociaux et se rencardent sur place entre étudiant·es. Aucun·e d’elleux n’est parvenu·e à se rendre à un défilé pour le moment, mais iels ne désespèrent pas de pouvoir rentrer. « Certaines petites marques laissent entrer le public dehors en standing, alors on tente notre chance partout ! » Leur enthousiasme est particulièrement touchant, loin de la mine blasée affichée par la plupart de celles et ceux qui assistent aux shows. Devrait-on les laisser rentrer ? Pour Saveria Mendella, cette hiérarchie fait partie du jeu. « Les défilés doivent rester des espaces professionnels, des enjeux économiques et symboliques y sont joués pour les marques. Néanmoins, le covid a laissé place à de nombreux questionnements quant à la digitalisation et la démocratisation des défilés. S’il n’est pas plus simple qu’avant d’y entrer, les diffusions en direct sur les réseaux permettent tout de même de pouvoir y assister, et sont autant de leviers pour les marques de toucher les plus jeunes. » C’est bien là tout le tour de force de la mode, rendre des événements professionnels aussi désirables pour le grand public. Mais, de son côté, est-ce que la mode veut du grand public à sa table ?
La Fashion Week fait-elle partie de la société ?C’est super dur de se faire booker quand tu ne rentres pas dans les codes parisiens c’est-à-dire être la plus blanche, la plus anorexique, la plus jeune possible.
Claude-Emmanuelle, mannequin
Les jours défilent, je cours de défilés en présentations l’après-midi et le soir je me rends à des cocktails et des soirées. Ici plus que n’importe où ailleurs se joue la notion de capital social, où le jeu du paraître et du cool prend une tournure quasi vitale. Alors que je suis déjà pas mal épuisé (et encore, je me contente d’un ou deux événements par jour), je rejoins en route une amie influenceuse pour l’une des plus importantes soirées de la semaine. Dans la queue pour y entrer, nous discutons. Son cas est intéressant : elle n’est pas une influenceuse mode, elle est connue sur Instagram pour son activisme et pour son statut d’artiste. Néanmoins, elle ne tire pas tous ses revenus de ses partenariats mais travaille tout de même avec certaines marques de mode. Ce genre de soirée est une manière de sociabiliser, de montrer aux marques qu’elle fait quand même partie de leur industrie et que son influence en ligne, c’est-à-dire les stories sur la soirée qu’elle publie en temps réel, apporte à la marque hôte un cachet inclusif. Tout cela est évidemment très cynique et elle le dit bien elle-même. Mon amie rédactrice en chef est également de la partie. Pour elle, les enjeux sont liés à son média. Être présente permet de témoigner de son intérêt pour la marque, qui espère en retour une parution presse, et qui, à l’inverse, peut se montrer intéressée à l’achat d’espaces publicitaires, crucial à la santé financière de tout magazine de mode. Les liens sont donc a priori gagnant-gagnant, mais en vérité, entre marque et média, l’une pèse beaucoup plus que l’autre.
Lorsque je demande à une autre amie journaliste de mode indépendante, elle m’explique : « On ne peut plus vraiment critiquer qui que ce soit, on a beaucoup trop besoin des marques comme annonceuses. Aujourd’hui, les retombées presse sont des photos des défilés et quelques mots sur les tendances qui en ressortent, mais personne ne se risque à juger les vêtements, comme le ferait un·e critique de cinéma par exemple. On travaille avec les marques en plaçant leurs produits sur des shootings et en échange elles nous achètent des espaces de publicité. Il est impossible de nous les mettre à dos en critiquant certains aspects qui peuvent paraître problématiques par exemple, notre équilibre financier en dépend. » Mais quand une marque déconne, n’y a-t-il vraiment aucun moyen de faire pression ? Autrement dit, quand Dolce & Gabbana enchaîne les publicités racistes, le boycott est-il efficace ? Pas vraiment. Depuis des années, des activistes dénoncent la maigreur mortifère des mannequins, de même que la blanchité, le validisme, comme le manque d’inclusivité LGBTQI+ dans une industrie où les travailleur·ses sont pourtant légions à l’être.
Empêtrée dans sa volonté de faire rêver, la mode semble passer à côté de tous les enjeux pourtant si cruciaux de notre époque.
Si des efforts peuvent être remarqués dans certaines images promotionnelles ces dernières années, et si certaines créatrices aux profils plus divers comme Ester Manas ou Nix Lecourt Mansion intègrent le calendrier, force est de constater que les podiums sont bien loin de proposer une réelle diversité des corps. Sur un défilé par exemple, je compte 41 silhouettes dont 12 sont des modèles racisés, et tous, hommes comme femmes, d’une incroyable maigreur. Certains shows font quelques exceptions en invitant des mannequins un poil plus remplumés, mais qui pour le commun des mortels ne dépassent même pas le 42, soit quand même la taille moyenne des Françaises. Le reste plafonne au 34, voire 32. Pour Claude-Emmanuelle, les choses ne bougent pas vraiment : « Personnellement je fais entre du 38 et du 40, et je suis considérée comme curvy, et on peut me booker spécialement pour des vêtements dit élastiques, mais parfois dans lesquels je ne rentre même pas ». Elle insiste aussi sur la spécificité de Paris : « c’est super dur de se faire booker quand tu ne rentres pas dans les codes parisiens c’est-à-dire être la plus blanche, la plus anorexique, la plus jeune possible. Si j’habitais à Londres ou New York, je serais beaucoup plus bookée car les standards ne sont pas aussi drastiques. Mais je ne gagne pas assez ma vie pour pouvoir me payer les billets pour passer des castings ailleurs que là où j’habite. »
Pire, après deux années confiné·es, cette saison semble s’être donné pour mission d’exister dans l’outrance, la flamboyance et l’abondance de ses événements, de la robe faite sur mesure en direct sur le corps de Bella Hadid chez Coperni, aux danseur·ses contemporain·es qui accompagnent les mannequins au défilé Issey Miyake, en passant par la fausse fontaine Yves Saint Laurent installée sur le Trocadéro, à deux pas d’une fontaine réelle. Empreinte écologique, sobriété, économie d’énergie ? La mode ne connaît pas ces mots-là. Empêtrée dans sa volonté de faire rêver, elle semble passer à côté de tous les enjeux pourtant si cruciaux de notre époque. Maltraitante envers ses travailleurs, méprisante envers le grand public et les luttes sociales, la mode de luxe en 2022 reste celle qu’elle a toujours été, par et pour les élites, sans inviter qui que ce soit à partager le bout de gras. Content d’avoir pu profiter gratuitement d’un bon nombre de réjouissances, là où les autres travailleur·ses plus précaires n’avaient pas accès, je reste révolté d’un bon nombre de choses. La Fashion Week et moi, on en restera là.
Image à la Une : courtesy de l’auteur
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Cet article Talons hauts et langues fourchues : le terrain de jeu de jajajajjjjja provient de Manifesto XXI.
Créatrice bicéphale formée à Madrid aux Beaux-Arts et à l’École supérieure de design en mode, l’illustratrice Lucía Lomas compose un univers où règne l’esthétique du contraste : onirique, burlesque et coloré, mais également sombre voire inquiétant.C’est sous le pseudonyme à la fois rieur et ambivalent de « jajajajjjjja » que Lucía Lomas invente des personnages attachants et troublants. En utilisant de larges palettes chromatiques, elle crée des scènes bucoliques décontextualisées, entre les champs de pâquerettes, les salons aux murs rose bonbon et les fonds noirs. Plutôt que de s’adresser à l’imaginaire primaire de son public, Lucía exprime par le dessin des angoisses personnelles et des émotions polarisées, où prévalent l’ambiguïté, l’ironie et une certaine mélancolie façon Edward aux mains d’argent, ainsi qu’une réflexion exigeante sur ses procédés de création, à peine cachée par une légère autodérision.
jajajajjjjja, Las amigasC’est au tout début d’un été madrilène chaud et éprouvant que nous avons discuté avec elle de l’illustration comme pratique cathartique, de son rapport aux monstres et au milieu queer, de ses cauchemars d’enfance et des liens entre ses deux pratiques artistiques, le stylisme et l’illustration.
Il était une fois deux chats à deux têtesPour comprendre la genèse du projet jajajajjjjja, il faut mentionner une anecdote datant d’il y a quelques années, lors d’un cours aux Beaux-Arts. Lucía, qui affectionnait particulièrement représenter des meubles, esquissa sans le vouloir deux chats à deux têtes. Rompant soudain avec le mécanisme qui caractérisait son rapport au dessin jusqu’alors, cette situation suscita chez elle le rire et la stupeur. Déviation créatrice instinctive face à un certain pragmatisme ? « D’une certaine façon, je m’étais lassée de la zone de confort à laquelle je me limitais dans mes projets à l’époque », affirme-t-elle. Pourtant, les créatures colorées de Lucía sont restées au départ une source d’amusement plutôt intime, jusqu’à ce que jajajajjjjja voie le jour pendant le confinement, alors qu’elle commençait une formation à l’École supérieure de design et suite aux encouragements de ses ami·es à partager ses dessins.
jajajajjjjja, TaconesDepuis sa naissance officielle il y a deux ans, jajajajjjjja s’est fait progressivement connaître dans un milieu artistique underground à Madrid, par les créations personnelles de Lucía, les commandes régulières de portraits, et le cercle de l’illustratrice proche du monde de la mode. Quelques mois plus tard, grâce aux compétences acquises au cours de sa formation en stylisme, ses personnages ont pris la forme de sympathiques peluches velues, et sont aujourd’hui sollicitées pour la réalisation de vidéo-clips (« Nezuko », de l’artiste pop Rojuu) ou de nombreux shootings de mode (le dernier en date avec Samantha Hudson dans SICKY Magazine), et intégrant les nouvelles collections de certains studios (comme celle de Reparto, présentée du 14 au 18 septembre à Madrid à l’occasion de la Mercedes-Benz Fashion Week). Lucía raconte que les peluches « sont nées des affects », c’est-à-dire dans le but de créer des objets qui accompagneraient ses proches. Lorsqu’elle commence à réceptionner des commandes, elle se met à les concevoir comme « des lettres d’amour » du fait de leur caractère très personnalisé : « Je passais deux ou trois jours à penser constamment à ces personnes que je ne connaissais pas », nous confie-t-elle.
Terrain de jeu : désacraliser l’artisteJ’apprends beaucoup de mes personnages, je sens qu’ils me donnent une autre perspective.
jajajajjjjja
Lucía conçoit chaque illustration avec exigence. Au-delà d’un remarquable travail sur la couleur, pop et psyché, l’accentuation caricaturale des traits de la plupart des personnages confère une apparence naïve à ses dessins. Elle explique l’utilisation de ce langage ingénu : « Peut-être parce que je me sens encore enfant et que je n’ai pas de responsabilité en tant qu’adulte, j’ai l’impression d’être prise au piège dans des sortes de limbes mêlant l’enfance et l’âge adulte. » Cette dimension infantile reflète également la tendresse de l’artiste envers ses créatures, basée sur une relation horizontale dans laquelle Lucía adopte la position de voyeuse : « J’apprends beaucoup de mes personnages, je sens qu’ils me donnent une autre perspective. » Le plaisir est donc au cœur de sa relation au dessin : l’artiste explique que représenter « une drôle de bestiole » incarne toujours « un super moment », ce que démontre aussi l’appellation « terrain de jeu » donnée au profil Instagram de jajajajjjjja.
jajajajjjjja, Destroying the spell, collaboration avec The Beast LoverL’humour et le plaisir peuvent dériver vers le grotesque, jusqu’à parfois subvertir avec beaucoup d’amusement un vocabulaire enfantin scatologique : « Où que tu ailles, prends ton infusion de caca avec toi » est inscrit en légende d’un personnage violet à couettes et claquettes compensées, des marguerites dans une main et son matelas dans l’autre, les petits nuages de gaz derrière elle étant particulièrement évocateurs… Ce côté niña mala (mauvaise fille) que l’illustratrice affectionne tant se transforme cependant en trompe-l’œil lorsqu’il laisse place à l’humour noir et aux scènes cauchemardesques, dont « le contenu est super trash », selon ses propres termes. En ce sens, le contraste entre l’utilisation de couleurs vives et les fonds noirs, ainsi que la représentation de monstres en pleine page, le choix de la disproportion (de leurs jambes et de leurs talons hauts, de leurs ongles ou de leurs sourires parfois machiavéliques) offrent à l’univers de jajajajjjjja un caractère déconcertant, presque effrayant. « C’est plus naturel pour moi d’exprimer des choses négatives que positives », insiste-t-elle en rappelant en riant son côté « hyper emo ».
Sans aucun doute, ce processus de création partant des angoisses et des peurs de Lucía Lomas, qui dit elle-même « beaucoup polariser sur le plan émotionnel », octroie à ses dessins quelque chose de profondément punk ou grunge. Elle ne nie pas que ses personnages puissent représenter les états d’anxiété contemporains de sa génération (entre la Y et la Z), tout en admettant la valeur cathartique de l’expression de son propre mal-être par le dessin, ce qu’elle juge « égoïste ». « Mais finalement, ça fait du bien d’exprimer ce qui t’inquiète, l’extérioriser te permet de valider ce que tu ressens et que ce soit moins pesant », poursuit-elle.
jajajajjjjja, Poster, pour Reparto StudioLe symbolisme et la métaphore partent donc d’un « travail introspectif et en quelque sorte d’exploration ». Elle nous confie : « Quand je dessine un crocodile avec des bas résille, l’image me fait rire mais ensuite je me rends compte qu’il y a énormément de choses là-dedans et que ça produit un “effet passoire”. » Cette dimension d’exutoire trouve un écho particulier chez un public avide d’esthétiques expérimentales et d’œuvres allégoriques, habitué aux projets riches et complexes à déchiffrer. « Même si j’étais sceptique à l’idée de m’exposer, finalement beaucoup de gens peuvent s’identifier ou parfois interpréter les scènes de façon totalement différente », affirme-t-elle. Prendre conscience que ses propres angoisses communiquent avec celles du public lui a donc permis de s’opposer à la figure de « l’artiste » telle que prônée dans le cadre de sa formation aux Beaux-Arts. La vocation ne lui semblait pas aussi naturelle qu’à certaines personnes l’entourant pendant ses études, car elle avait compris que « c’était une façon de performer un rôle et que ça n’avait pas de sens ». À travers l’ironie qu’elle déploie dans ses illustrations, s’exprime la volonté de « ne pas se prendre au sérieux ». D’abord un moyen pour elle de « ne pas affronter les problèmes » ou de « penser que ce [qu’elle ressent] n’a pas de valeur », l’humour, un « outil » qu’elle adore, devient donc déterminant au moment d’exprimer ses émotions par le dessin.
jajajajjjjja, Pensando pensamientos jajajajjjjja, Interrogación Era Dents pointues et robes fleuries : le monstre comme figure queerLe monstre était une façon que tout le monde se sente identifié·e.
jajajajjjjja
Si le panel d’expressions et d’émotions que Lucía transmet à travers l’illustration permet une certaine identification, la figure du monstre recèle en elle-même une puissance de représentation ou d’incarnation. Sur ce plan, les possibilités symboliques se voient démultipliées par un élément qui permet de dépasser le binarisme de genre, jouer avec le travestisme et construire des esthétiques queers. Lucía insiste sur le fait que cette réflexion a intégré son travail a posteriori, soulevant de nombreuses questions personnelles quant à la place de son esthétique dans un milieu artistique concret (madrilène underground et expérimental) ainsi que son identité de genre en tant que femme blanche cis. « J’incarne l’idée de meuf féminine même si je ne le suis pas tant que ça au sens canonique du terme, mais je m’y sens bien malgré tout. Le monstre était une façon que tout le monde se sente identifié·e. » La notion de queer a donc intégré ses illustrations de façon non réfléchie, instinctive, par le biais de son milieu et de ses proches, car les procédés de création personnels « se nourrissent ensuite des gens qui t’entourent et des références culturelles que tu accumules ». jajajajjjjja s’exprime donc comme un projet où l’illustration ne se résume pas à un seul passe-temps : Lucía la conçoit comme « un espace divertissant », même si elle reconnaît qu’« il y a aussi un engagement ».
Malgré tout, les meubles restent un élément clé de certaines scènes et peuvent parfois en être les protagonistes : des boules de noël aux langues fourchues, aux longues boots à bout pointu et yeux maquillés, une chaise à carreaux solitaire au milieu des pâquerettes sur un fond noir, ou encore un fauteuil à talons dévorant une créature en robe fleurie et bottines à rayures. Ils servent souvent à donner un cadre à des atmosphères indéterminées, l’important étant pour Lucía de ne pas « répéter le même schéma de construction ». Elle essaye aussi de lutter contre un « processus créatif mécanisé » en explorant différents formats, ce que lui permettent les collaborations avec des marques comme Vogue, Desigual, Bimba y Lola, The Beast Lover, ou des projets indépendants ou plus personnels comme la revue La Picotres ou l’illustration des contes de Carlos Acosta (« Criaturas de la noche » et le recueil Variaciones sobre la muerte). Le topique du monstre, malgré son importance, ne devrait selon elle en aucun cas devenir « un caractère générique » ni un « moyen de son langage graphique » : son emploi doit être justifié.
Emeerree x jajajajjjjja, DROP 3 La styliste dans l’illustratrice : jajajajjjjja versus LuciDans les illustrations de Lucía, la variété des motifs accompagne un travail minutieux de la couleur. Un regard aiguisé prendra certainement beaucoup de plaisir à observer les extraordinaires détails des apparats des personnages de jajajajjjjja, de leurs pieds systématiquement chaussés aux corsets et pantalons fluides, leurs éventuels bijoux, sacs et gants. L’apparence de ces créatures dépourvues d’identification de genre fait l’objet d’une approche méticuleuse de la part de l’illustratrice et, bien qu’elle souhaite séparer ces deux facettes de sa créativité (avec comme seule exception DROP 3, une collection du studio Emeerree que Lucía intègre en tant que styliste), la mode constitue un trait constitutif de jajajajjjjja et Lucía conçoit les looks de ses créatures comme « un accessoire de plus pour l’illustration ». Elle nous confie : « J’adore m’habiller, même quand je sors pour acheter du pain j’adore en faire des tonnes, et j’ai l’impression que les personnages que je conçois aussi. » En d’autres termes, ce soin de l’apparence est un élément de l’identité de la créatrice qui se reflète dans ses illustrations. Pour autant, il est intéressant de retrouver l’importance du contraste dans les looks conçus par Lucía. La dimension inquiétante qui imprègne certaines des illustrations de jajajajjjjja se retrouve aussi dans ses outfits et son inclination particulière pour les esthétiques dark (héritages d’une « ex-emo choni » fan de Linkin Park), inspirées de certains films d’horreur (The Grudge, intégrant la série japonaise Ju-on, qu’elle a vu pour la première fois à sept ans), et où le concept de sorcière a une place essentielle, surtout dans le cadre de certains projets personnels (comme « Bruji… te quiero! »).
jajajajjjjja, Solène y AdolfoBien qu’elle ne soit pas vraiment justifiée, une approche transversale entre jajajajjjjja et Luci Lomas montre bien le côté psychédélique du traitement de la couleur dans un projet au sein duquel reposent « sensibilité et contraste ». À une question sur ses perspectives d’avenir, Lucía répond avec beaucoup d’incertitudes : elle s’imagine « vivante, j’espère ! J’ai du mal à me penser au futur. Imagine, est-ce que je vais mourir tragiquement ? C’est une possibilité parmi tant d’autres ».
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Image à la une : jajajajjjjja, Mis defensas luchando para poder ponerme vestido en Nochevieja
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Cet article Démanteler le dancefloor : les 5 performances engagées à voir au Positive Education provient de Manifesto XXI.
Dans quelques jours, le Positive Education investira de nouveau les sols de la Cité du Design à Saint-Etienne du 8 au 13 novembre. Pour se préparer à ce week-end prolongé de découvertes endiablées, nous avons scruté la programmation comme de bon·nes élèves pour y dénicher les cinq performances qui ont éveillé notre curiosité.Cette édition du Positive Education s’annonçait déjà spéciale, car elle fait office d’adieu à la Cité du Design. Depuis ses débuts, le festival avait pour habitude de faire danser parmi les murs industriels du lieu, propice aux réverbérations électroniques diverses. À cette occasion, les programmateur·ices font un tour d’horizon sur les évolutions musicales et sociales qui se sont aperçues dans la musique électronique ces dernières années. Plus de fxmmes et d’artistes queer qui regagnent de la force pour exprimer leur vision des choses. Plus d’expérimentation, car le club ouvre ses chakras pour accueillir la pluralité de l’électronique, qui souhaite faire réfléchir tout en dansant. Chacun des cinq projets sélectionnés par Manifesto XXI promulgue l’importance d’un message ; qu’il soit au niveau de l’évolution de la réception d’un genre musical, l’introduction de nouvelles formes de création, ou l’envie de se proposer politiquement et émotionnellement, à travers son œuvre.
Tera Octe & Clara!, le 10 novembre de 23:15 à minuit à la Cité du Design.
Cette année, les programmateur·ices du Positive Education se sont amusé·es à créer des binômes stimulants pour un live scellé dans le temps et unique. Parmi eux, on note Tera Octe et Clara! qu’on ira voir pour cette curieuse combinaison d’univers parallèles. Clara! s’est fait connaître par son don de faire évoluer le reggaeton grâce à des rythmiques tirées du club. Les rythmiques sont dansantes, mais elles se veulent plus sombres et moins lisses. Dans Reggaetoneras 3, la productrice avait d’ailleurs analysé les évolutions du genre et la place de la femme dans son rayonnement.
Tera Octe est le projet solo de Jonquera, membre du duo The Pilotwings. Un délire hardstyle qui lui est propre et se distingue de ses productions plutôt introspectives diffusées sous son alias Jonquera. Ici, la fête et le bonheur sont honorés. Dans son album +, on retrouve des éléments de baile funk et reggaeton qui auraient pu mettre la puce à l’oreille du Positive Education pour ce duo de choc.
Zohar, le 10 novembre de 01:00 à 2:30 à la Cité du Design.
La Néerlandaise Zohar se fraye une place dans le Benelux par ses sets enflammés et distordus. Dans le radar de DKMTL depuis quelques années, sa présence se fait de plus en plus fréquente dans nos clubs et nos radios (Rinse France et NTS) et on aura l’honneur de participer à sa première performance en France. Son approche se base sur des structures sonores granuleuses et breakées. Ses univers varient de club music, du dub, à de l’expérimental et de l’ambient. Elle oscille subtilement entre ces univers pour une écoute fluide qui ne laisse toutefois pas les clubbeurs de marbre. Si on en croit le travail réalisé sur ZH002 ZOHAR – OBJECT, elle a tendance à s’orienter vers des harmonies métalliques, percussionnistes et fragmentées. Zohar sévit en rendant grâce à la texture du son, tout en la rendant vivante et dansante.Avec elle, nous danserons pris de vague à l’âme qui sert d’exutoire.
Caïn و Muchi, le 11 novembre de 23h à minuit à la Cité du Design.
©Diane Rigou-CheminLa symbiose de Vanda Forte et Sinclair Ringenbach se fait de part et d’autre de la méditerranée, jusqu’à leur rencontre l’an passé à Marseille. Caïn و Muchi permet aux deux protagonistes d’unir leurs forces de parcours pour raconter une histoire qui leur est unique. Le sound design de Sinclair vient orner les élévations vocales de Vanda qui viennent contrer une scène musicale occidentale encore un peu trop cloisonnée. Le projet s’inspire d’instruments de la région du Moyen-Orient et d’Afrique du Nord, en les agrémentant de percussions bass, club et expérimentales. Ce choix n’est pas anodin pour Vanda Forte, qui a déferlé les clubs partout en France avec sa sélection pointilleuse et son énergie explosive. Ici, iel se dévoile pour poser sa voix cristalline sur des textes forts qui souhaitent faire du club un terrain de déconstruction et de lutte engagée.
Iceboy Violet, le 12 novembre de minuit à 00:45 à la Cité du Design.
Iceboy Violet fait partie de cette vague de créateur·ices du Nord de l’Angleterre qui veut voir la compréhension du rap évoluer. Tout comme Blackhaine, AYA, Rainy Miller, iel exprime les violences émotionnelles subies et l’incompréhension sociale. Invoquer ces sujets de révolte interne et de sentiment d’injustice ne nous semble pas anodin étant donné le fort héritage musical de la région de Manchester. On se souvient des Smiths, de Joy Division, New Order, the Stone Roses qui jouaient sur le conflit symbolique du tourment et de la douceur sentimentale. Iceboy Violet scande à livre ouvert ses peines, en exposant toutes les incertitudes de son être à son audience, avec une certaine pudeur. Pour accompagner son œuvre, iel fait le choix d’investir dans le grime, les glitchs et le drill pour accentuer le sens d’injustice qui se vit en solitaire pour en faire une urgence universelle. En exposant son être, Iceboy Violet tend une main à toustes celleux en potentielle souffrance et leur offrir un lieu où il est acceptable d’en parler pour trouver répit.
Sentiments, le 12 novembre de 1:00 à 2:00 à la Cité du Design.
En 2015, Arthur est résident pour Lyl Radio avec son show éponyme Sentiments. Dès 2017, il lance son label Light On Earth et scelle, par cette occasion, une résidence sur la même antenne. Ses compilations sonores l’installent comme une des voix intrigantes de la scène en France. Il n’hésite pas à transporter son auditeur·ice en associant pleins d’horizons variés de son répertoire : trance, breaks, techno, dream pop, jungle, slow house, cosmic soul, dub, trip-hop, downtempo, et la liste est longue. En pause depuis 2021, il nous avait un peu manqué et on avoue avoir hâte de le retrouver derrière les platines au Positive Education. La lutte personnelle de Sentiments et d’écouter son for intérieur. Préservé des tendances, mais restant aux aguets des nouveautés, Sentiments déniche dans tous les registres pour une exploration musicale multidisciplinaire. La difficulté de le ranger dans une case fait que l’on ne sait absolument pas dans quelle direction son set ira. Et c’est merveilleux, car il reste maître de son œuvre, allant là où lui seul souhaite aller. Une virtuosité qui saura sûrement inspirer et donner des ailes à toustes les jeunes producteur·ices en devenir !
Photo de couverture : © Hortense Giraud.
La billetterie est encore ouverte pour le Positive Education, ici.
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Dans quelques jours, le Positive Education investira de nouveau les sols de la Cité du Design à Saint-Etienne du 8 au 13 novembre. Pour se préparer à ce week-end prolongé de découvertes endiablées, nous avons scruté la programmation comme de bon·nes élèves pour y dénicher les cinq performances qui ont éveillé notre curiosité.Cette édition du Positive Education s’annonçait déjà spéciale, car elle fait office d’adieu à la Cité du Design. Depuis ses débuts, le festival avait pour habitude de faire danser parmi les murs industriels du lieu, propice aux réverbérations électroniques diverses. À cette occasion, les programmateur·ices font un tour d’horizon sur les évolutions musicales et sociales qui se sont aperçues dans la musique électronique ces dernières années. Plus de fxmmes et d’artistes queer qui regagnent de la force pour exprimer leur vision des choses. Plus d’expérimentation, car le club ouvre ses chakras pour accueillir la pluralité de l’électronique, qui souhaite faire réfléchir tout en dansant. Chacun des cinq projets sélectionnés par Manifesto XXI promulgue l’importance d’un message ; qu’il soit au niveau de l’évolution de la réception d’un genre musical, l’introduction de nouvelles formes de création, ou l’envie de se proposer politiquement et émotionnellement, à travers son œuvre.
Tera Octe & Clara!, le 10 novembre de 23:15 à minuit à la Cité du Design.
Cette année, les programmateur·ices du Positive Education se sont amusé·es à créer des binômes stimulants pour un live scellé dans le temps et unique. Parmi eux, on note Tera Octe et Clara! qu’on ira voir pour cette curieuse combinaison d’univers parallèles. Clara! s’est fait connaître par son don de faire évoluer le reggaeton grâce à des rythmiques tirées du club. Les rythmiques sont dansantes, mais elles se veulent plus sombres et moins lisses. Dans Reggaetoneras 3, la productrice avait d’ailleurs analysé les évolutions du genre et la place de la femme dans son rayonnement.
Tera Octe est le projet solo de Jonquera, membre du duo The Pilotwings. Un délire hardstyle qui lui est propre et se distingue de ses productions plutôt introspectives diffusées sous son alias Jonquera. Ici, la fête et le bonheur sont honorés. Dans son album +, on retrouve des éléments de baile funk et reggaeton qui auraient pu mettre la puce à l’oreille du Positive Education pour ce duo de choc.
Zohar, le 10 novembre de 01:00 à 2:30 à la Cité du Design.
La Néerlandaise Zohar se fraye une place dans le Benelux par ses sets enflammés et distordus. Dans le radar de DKMTL depuis quelques années, sa présence se fait de plus en plus fréquente dans nos clubs et nos radios (Rinse France et NTS) et on aura l’honneur de participer à sa première performance en France. Son approche se base sur des structures sonores granuleuses et breakées. Ses univers varient de club music, du dub, à de l’expérimental et de l’ambient. Elle oscille subtilement entre ces univers pour une écoute fluide qui ne laisse toutefois pas les clubbeurs de marbre. Si on en croit le travail réalisé sur ZH002 ZOHAR – OBJECT, elle a tendance à s’orienter vers des harmonies métalliques, percussionnistes et fragmentées. Zohar sévit en rendant grâce à la texture du son, tout en la rendant vivante et dansante.Avec elle, nous danserons avec une vague à l’âme qui sert d’exutoire.
Caïn و Muchi, le 11 novembre de 23h à minuit à la Cité du Design.
La symbiose de Lina Benzakour et Sinclair Ringenbach se fait de part et d’autre de la méditerranée, jusqu’à leur rencontre l’an passé à Marseille. Caïn و Muchi permet aux deux protagonistes d’unir leurs forces de parcours pour raconter une histoire qui leur est unique. Le sound design de Sinclair vient orner les élévations vocales de Lina qui viennent contrer une scène musicale occidentale encore un peu trop cloisonnée. Le projet s’inspire d’instruments de la région du Moyen-Orient et d’Afrique du Nord, en les agrémentant de percussions bass, club et expérimentales. Ce choix n’est pas anodin pour Lina Benzakour, aussi connue sous son alias Vanda Forte, qui a déferlé les clubs partout en France avec sa sélection pointilleuse et son énergie explosive. Ici, elle se dévoile pour poser sa voix cristalline sur des textes forts qui souhaitent faire du club un terrain de déconstruction et de lutte engagée.
Iceboy Violet, le 12 novembre de minuit à 00:45 à la Cité du Design.
Iceboy Violet fait partie de cette vague de créateur·ices du Nord de l’Angleterre qui veut voir la compréhension du rap évoluer. Tout comme Blackhaine, AYA, Rainy Miller, iel exprime les violences émotionnelles subies et l’incompréhension sociale. Invoquer ces sujets de révolte interne et de sentiment d’injustice ne nous semble pas anodin étant donné le fort héritage musical de la région de Manchester. On se souvient des Smiths, de Joy Division, New Order, the Stone Roses qui jouaient sur le conflit symbolique du tourment et de la douceur sentimentale. Iceboy Violet scande à livre ouvert ses peines, en exposant toutes les incertitudes de son être à son audience, avec une certaine pudeur. Pour accompagner son œuvre, iel fait le choix d’investir dans le grime, les glitchs et le drill pour accentuer le sens d’injustice qui se vit en solitaire pour en faire une urgence universelle. En exposant son être, Iceboy Violet tend une main à toustes celleux en potentielle souffrance et leur offrir un lieu où il est acceptable d’en parler pour trouver répit.
Sentiments, le 12 novembre de 1:00 à 2:00 à la Cité du Design.
En 2015, Arthur est résident pour Lyl Radio avec son show éponyme Sentiments. Dès 2017, il lance son label Light On Earth et scelle, par cette occasion, une résidence sur la même antenne. Ses compilations sonores l’installent comme une des voix intrigantes de la scène en France. Il n’hésite pas à transporter son auditeur·ice en associant pleins d’horizons variés de son répertoire : trance, breaks, techno, dream pop, jungle, slow house, cosmic soul, dub, trip-hop, downtempo, et la liste est longue. En pause depuis 2021, il nous avait un peu manqué et on avoue avoir hâte de le retrouver derrière les platines au Positive Education. La lutte personnelle de Sentiments et d’écouter son for intérieur. Préservé des tendances, mais restant aux aguets des nouveautés, Sentiments déniche dans tous les registres pour une exploration musicale multidisciplinaire. La difficulté de le ranger dans une case fait que l’on ne sait absolument pas dans quelle direction son set ira. Et c’est merveilleux, car il reste maître de son œuvre, allant là où lui seul souhaite aller. Une virtuosité qui saura sûrement inspirer et donner des ailes toustes les jeunes producteur·ices en devenir !
Photo de couverture : © Hortense Giraud.
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Après un vote du parlement, le Conseil fédéral a deux ans pour adapter la loi concernant le don d'ovules pour les couples mariés. Une avancée pour les femmes stériles.
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«Il n'y a pas de bar lesbien à Berlin.» Chaque fois que je laisse choir d'un air désolé cette réponse lapidaire à des copines de France ou d'ailleurs qui veulent en savoir plus sur les nuits folles de la communauté LGBTIQ+, c'est la consternation: «Comment? Quoi? C'est une blague? Non mais c'est pas possible! Il n'y a PAS de bar à gouines à Berlin?»
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Cet article Alma Dufour, la députée qui milite pour une écologie populaire provient de Manifesto XXI.
Alors qu’une nouvelle mobilisation sociale « contre la vie chère et l’inaction climatique » est annoncée le 16 octobre, Alma Dufour, députée NUPES à l’Assemblée nationale, se mobilise depuis juin contre l’inflation. À 32 ans, l’ancienne porte-parole des Amis de la Terre lutte désormais au cœur même de l’État pour démontrer qu’écologie et classes populaires ne sont pas irréconciliables. Portrait.Nous avons rencontré Alma Dufour au sortir de l’été. Les « vacances parlementaires » s’achevaient et l’on n’avait presque pas entendu parler de politique partisane depuis un mois – août oblige. Les universités d’été des partis s’étaient tenues le week-end précédent, au plus grand plaisir des chaînes d’informations en continu qui ont pu se régaler des polémiques sur le barbecue et les jets privés. En toile de fond, la perspective d’une dissolution de l’Assemblée nationale, qu’Alma Dufour jugeait possible « si LR décide vraiment de faire chier la Macronie sur le budget ». Et puis, alors que ce portrait prenait forme, cette gauche fédérée fut heurtée de plein fouet par des affaires de violences sexistes et sexuelles mettant en cause des personnalités emblématiques de la NUPES : Julien Bayou, député et secrétaire national d’Europe Écologie-Les Verts, et Adrien Quatennens, coordinateur de la France insoumise et député du Nord.
Comment écrire le portrait d’Alma Dufour, une des figures montantes du principal parti de gauche, après cette vague de déception ? La lutte n’est jamais un long fleuve tranquille et les idoles d’un temps peuvent devenir l’épine dans le pied des mouvements d’émancipation du présent. Une génération s’étiole et de nouveaux visages apparaissent. Déterminée à changer le monde sans laisser personne de côté, Alma Dufour est de ces nombreux néo-député·e·s issu·e·s de la jeunesse de gauche et élu·e·s sous l’étiquette NUPES. La relève est assurée et, c’est sûr, elle fera mieux.
L’écologie, nouvelle « mystique » populaireCe lundi 29 août, Alma Dufour arrive les écouteurs dans les oreilles, s’excuse pour son retard – la réunion a traîné – sans laisser paraître la fatigue des quatre derniers jours passés aux Amphis de la France insoumise. Elle y intervenait dans plusieurs tables rondes dont une avec François Ruffin, député et réalisateur, sur la lutte contre l’extrême droite dans la France périphérique. À peine assise et l’enregistreur pas encore allumé, elle commence à exprimer son respect et son admiration pour ses collègues de LFI avait qui elle vient de passer le week-end : « Je travaille beaucoup, oui, mais des gens comme Guetté, Bompard ou Panot, c’est toute leur vie. »
La vie politique, la vie à l’heure du réchauffement climatique et la vie des gens de sa circonscription, la députée ne cesse d’en parler, le cœur lourd de sa responsabilité d’élue. Elle ne veut pas décevoir et exprime son malaise quant à sa nouvelle position de députée siégeant sous un dôme de l’Ancien Régime : « Je pense à tous les gens de ma circo qui sont hyper pauvres. Tu te demandes comment les gens qui sont à l’Assemblée peuvent prendre au sérieux la crise du pouvoir d’achat… On baigne dans un nuage de luxe qui met extrêmement mal à l’aise. » En effet, Alma Dufour n’a pas choisi au hasard la 4ème circonscription de Seine-Maritime, à côté de Rouen : « Je voulais montrer qu’on pouvait associer transition écologique et emploi, c’était évident pour moi d’aller dans une circonscription industrielle et populaire. » Quand on la questionne sur la réaction des habitant·e·s à son parachutage en tant que « parisienne », la députée sourcille et nous reprend pour éviter tout malentendu : « Je suis née dans le Gers et j’ai grandi dans un HLM avec une mère au RSA. On oublie qu’il y a des gens pauvres qui vivent à Paris. Mais je suis une urbaine, ça, oui. » De toute manière, l’enjeu est ailleurs.
Dans les germes de l’écologie, il y a quelque chose qui peut soulever des foules. La jeunesse a besoin de ces luttes qui sont de l’ordre de l’existentiel.
Alma Dufour
Sur un territoire qui accueille le plus grand site de production et de stockage d’engrais chimiques d’Europe ainsi que de nombreuses industries lourdes, la question de l’emploi s’entremêle inévitablement avec la question écologique. Qui plus est, son ennemi n°1, Amazon, avec qui elle a croisé le fer pendant ses années chez les Amis de la Terre, avait pour projet d’ouvrir un entrepôt sur la circonscription : « Avec le collectif national d’opposition à Amazon, on n’arrivait pas à avancer sur de la réglementation, donc on s’est dit que notre seule arme c’était de les faire chier là où ça faisait mal, c’est-à-dire en bloquant les infrastructures logistiques. Ça a marché et on a fait tomber cinq entrepôts. »
Pour la députée, le choix d’Amazon de s’installer dans ces territoires pauvres n’est pas un hasard : « Ils savaient qu’il y avait beaucoup de chômage et qu’ils allaient être accueillis à bras ouverts. » En effet, à Elbeuf, ville de plus de 15 000 habitant·e·s sur sa circonscription, 28% de la population est sans emploi. C’est une obsession pour Alma Dufour pour qui l’emploi et les moyens de production des travailleur·se·s doivent être au cœur du discours de l’écologie politique. C’est d’ailleurs pour cette raison qu’elle dit avoir rejoint les bancs de la France insoumise, dont le discours part des besoins de la collectivité, plutôt qu’Europe Écologie-Les Verts : « Le rôle de la production est centrale, sinon ton discours écologique reste au simple niveau de discours culturel que tu tartines sur une réalité que tu ne contrôles pas du tout. » Autre différence avec le parti vert selon elle, la priorité donnée d’abord « au problème de notre dépendance aux importations » avant de commencer à envisager « une réduction du temps travail et le salaire universel ». Elle juge même la logique inverse « irréaliste ».
Pour moi le travail écolo c’est cela : faire advenir ce dont on a réellement besoin collectivement.
Alma Dufour
Pour celle qui a vécu des phases d’éco-anxiété, l’enjeu est aussi de créer un récit puissant contenant une part de « mystique » qui puisse emporter les classes populaires et la jeunesse avec lui : « Dans les germes de l’écologie, il y a quelque chose qui peut soulever des foules. La jeunesse a besoin de ces luttes qui sont de l’ordre de l’existentiel » veut croire la députée. De surcroit à l’heure de la crise de l’énergie qu’elle décrit comme « à la fois une bombe sociale atroce et une opportunité pour créer un discours qui permet de lier pouvoir d’achat et changement climatique ». « L’emploi écolo » reste encore un concept à faire vivre en pratique mais Alma Dufour ouvre des brèches : « J’ai vu tellement de gens heureux qui avaient plaqué leur boulot pour aller faire de l’agriculture en n’étant même pas payé 70h semaine ! L’importance du sens dans le travail n’est pas à ignorer. J’ai connu des personnes très mal dans leur travail salarié et puis, quand l’entreprise est passée en coopérative, ça a changé toute leur vie car ils avaient l’impression de décider. Pour moi le travail écolo c’est cela : faire advenir ce dont on a réellement besoin collectivement [car cela crée aussi] quelque chose qui a une valeur immatérielle très forte et qui appartient [aux travailleur·ses]. »
Discriminations et salaires : « une question de vie ou de mort »Sa victoire, Alma Dufour l’a arrachée. Sa circonscription était une chasse gardée du Parti socialiste depuis des années et Dufour a accédé au second tour avec seulement 167 voix de plus que le dissident socialiste. Les journées commençaient avec une session de tractage à 7h du matin sur la voie rapide « comme les laveurs de vitres » puis les supermarchés, les sorties d’école, la sortie des mosquées… jusque tard le soir. Elle « assume totalement » être allée tracter à devant les mosquées : « Je suis convaincue que le vote de la communauté musulmane, et par extension, les quartiers populaires ont été le noyau dur qui nous a fait se détacher du lot. Cela a créé un phénomène d’agrégation des classes moyennes et des jeunes. Et puis, après tout, le vote catholique est orienté politiquement alors il est évident que le vote musulman aussi. » En effet, il suffisait de passer devant une église le dimanche lors de la campagne présidentielle pour voir que les militant·e·s de Zemmour savaient où se situait leur électorat. Au second tour, Alma Dufour affronte un candidat du Rassemblement national (RN) et fait une crise de brûlure d’estomac : « Je ne voyais que des vieux au bureau de vote, il était impossible que je perde devant le RN. » C’est d’ailleurs par l’abstention des jeunes qu’elle analyse le résultat des législatives : « S’il y a eu 89 députés RN, c’est aussi parce qu’il y a eu une disproportion du vote des personnes âgées alors que la majorité des moins de 35 s’est abstenue. Forcément, le poids de la droite et de l’extrême droite est très fort. »
J’ai toujours l’impression de trahir la cause, car quand tu es LGBTQI [et que tu ne t’exprimes pas haut et fort dessus], la communauté a l’impression que tu la lâches. Mais je ne suis pas dans le placard pour autant.
Alma Dufour
Pour recréer le lien avec la jeunesse et la ramener aux urnes, Alma Dufour souhaite investir les réseaux sociaux comme une « influenceuse politique » pour « aller chercher les jeunes là où ils sont ». Comment faire dans un monde si éclaté et divisé, sur le plan économique et identitaire, pour fédérer le collectif et toucher les masses ? L’exemple de l’écologie lui semble criant. Elle dénonce la manière dont celle-ci est utilisée comme un outil de division des classes alors que « c’est une lutte des classes ! Les médias ont construit l’écologie comme un enjeu de pratiques et de modes de vie et nous-mêmes sommes rentré·e·s dans un narratif du même ordre. On a eu tendance à s’intéresser à ce qui allait marcher médiatiquement plutôt qu’à ce qui allait toucher le plus grand monde. » Elle n’oppose cependant pas les questions identitaires et les thèmes dits sociétaux qui sont tout aussi importants à ses yeux : « Pour avoir connu les violences policières lors des Gilets jaunes – qui n’avaient rien à voir bien entendu avec de la discrimination dans mon cas –, il faut bien se rendre compte que c’est une question de vie ou de mort, donc bien sûr que ça intéresse autant que la lutte des classes et le salaire ! Pour les personnes LGBTQ+ qui ont peur de se faire agresser, c’est leur vie qui est en jeu, leur couple, leur droit à l’amour. »
Pourtant, la députée a fait le choix de ne pas faire de son identité lesbienne son cheval de bataille principal : « J’ai trop de combats et d’étiquettes : je suis volontairement allée me présenter dans un territoire difficile pour aller jusqu’au bout de mon idéal écologique et rapprocher l’écologie des classes populaires. Je ne me cache pas, si on me pose la question je le dis, mais oui, ce n’est pas moi qui mène la danse dans la NUPES là-dessus. » La situation n’est pas facile car, si la députée revendique un droit à la vie privée, elle n’a toujours pas trouvé la recette miracle : « J’ai toujours l’impression de trahir la cause, car quand tu es LGBTQI [et que tu ne t’exprimes pas haut et fort dessus], la communauté a l’impression que tu la lâches. Mais je ne suis pas dans le placard pour autant. » Sur son image de députée, Alma Dufour tâtonne encore : « Je ne suis pas encore vraiment sûre de savoir ce que les gens attendent d’un·e député·e. J’ai vu tellement de gens dégoûtés de la politique que je ne veux pas trop jouer à n’importe quoi. »
« Le trauma est réel »Depuis l’élection présidentielle, entre les accusations de viol envers le journaliste Taha Bouhafs et la mise en cause pour harcèlement d’Éric Coquerel, président de la commission des finances, la NUPES/LFI a été mise à rude épreuve [nous avons rencontré la députée avant les affaires Bayou et Quatennens, ndlr]. Lorsqu’elle a appris pour Bouhafs, qu’elle connaissait bien, Alma Dufour dit avoir eu « les pattes sciées ». Le choc encaissé, elle juge que « la décision [de désinvestir Taha Bouhafs] a été la bonne ». Elle rappelle la situation qu’a eu à gérer Clémentine Autain et le CVSS : « Dans leur position, tu es prise entre des injonctions contradictoires : on a dit à la victime de porter plainte pour qu’il y ait un dénouement qui soit clair et net mais elle n’a pas voulu. C’est cette zone grise qui est très dure à gérer. » Au front, aucun homme dont la voix pourrait changer la donne pour briser le « bro code » du boys’ club.
Le mouvement des Gilets jaunes a tellement été réprimé que cela a laissé aussi une espèce de peur qui a tué l’insouciance dans l’inconscient collectif des classes populaires.
Alma Dufour
La libération de l’écoute de la parole des victimes de violences sexistes et sexuelles dans le milieu politique ne fait que commencer et ce n’est pas un hasard que cela commence à gauche bien que les actes concrets et crédibles sur le sujet se font encore attendre. Ce bouillonnement n’est pas prêt de s’arrêter tant sur la question des droits des femmes que sur le climat et la justice sociale. « Je sens que l’on va devant de grandes tensions sociales cet hiver », flaire Alma Dufour. Ancienne manifestante Gilet jaune, celle qui milite depuis plus de sept ans dans les mouvements sociaux ne prophétise pas une révolution et sait que « ce n’est pas parce que tous les ingrédients matériels sont réunis que ça pète ». D’autant plus que « le mouvement des Gilets jaunes a tellement été réprimé que cela a laissé aussi une espèce de peur qui a tué l’insouciance dans l’inconscient collectif des classes populaires. Cela peut être un frein pour redémarrer un mouvement social en France car le trauma est réel ».
Néanmoins, l’élue de la République ne perd pas espoir : « Le gouvernement peut lâcher sur pas mal de choses et très vite. Leur modèle économique se percute à la réalité. Ils patinent énormément car ils savent le risque d’un mouvement social puissant. Et, eux aussi, ils sont traumatisés des Gilets jaunes. Si tu voyais leur tête à chaque fois qu’on en parle ! » Sa prochaine mobilisation d’ampleur sera le 16 octobre pour « une grande marche contre la vie chère et contre l’inaction climatique », à l’appel de la NUPES mais sans les syndicats. Au-delà de cette date, l’enjeu pour la gauche est de s’organiser pour gagner dans cinq ans et éviter le fascisme, désormais aux portes de la France après l’élection de Giorgia Meloni en Italie. Inévitablement, la guerre de succession à gauche ne tardera pas à commencer. La politique électorale est aussi une question d’incarnation, de visage, de charisme et de représentation. Les talents sont nombreux mais la NUPES se doit d’être à l’écoute de la société et de la jeunesse si elle veut catalyser ce bouillonnement populaire contradictoire et chaotique mais désireux de vies meilleures. Un grand mouvement nous attend-il cet automne ? Alma Dufour conclut sagement : « Tu peux essayer de faire une grande stratégie mais ça ne marchera pas. Il faut que ça vienne des gens et que ce soit une évidence pour eux. »
Cet article Alma Dufour, la députée qui milite pour une écologie populaire provient de Manifesto XXI.
Simone Repele et Sasha Riva se penchent sur l’histoire de la peintre danoise trans Lili Elbe rendue populaire par le film The Danish Girl. Un voyage intime au cœur de son monde intérieur, à découvrir à Vernier (GE), les 20 et 21 octobre. Des places sont à gagner!
L’article Lili Elbe, hommage trans* par la danse est apparu en premier sur 360°.
Cet article Crack Cloud : « On veut que notre musique suscite cette forme d’imagination visuelle » provient de Manifesto XXI.
C’est surement l’un des projets les plus ambitieux et innovants que la musique nous donne à voir et à entendre aujourd’hui : celui de Crack Cloud, ce collectif pluridisciplinaire d’une vingtaine de personnes basé à Vancouver. Nous avons échangé avec la formation à l’occasion de la sortie de leur second album Tough Baby, paru le 16 septembre dernier.Art punk, punk instrumental, post-punk… difficile de déterminer réellement ce que créé l’ovni Crack Cloud dans notre environnement musical et visuel. Deux ans après le brillant et sincère Pain Olympics – un hymne à la désillusion et au chaos « based on true shit », comme iels le disent et l’écrivent si régulièrement – la formation donne naissance à Tough Baby. Une fable exutoire où le collectif pousse encore plus loin son rapport à l’expérimentation et à la création, et ce sous toutes ses formes. Rencontre avec Zach Choy – batteur, chanteur et fondateur du groupe -, Mohammad Ali Sharar – guitariste, bassiste et vidéaste – et Aleem Khan – claviériste.
Crack Cloud © Clara de Latour pour Manifesto XXIManifesto XXI : Comment allez-vous et comment vous vivez la sortie à venir de votre second album ?
Zach : Je pense qu’on est plutôt bien vis-vis de ça !
Mohammad : Oui c’est cool, je pense que c’est plein de belles opportunités qu’on a manqué pendant le covid, donc on est content de reprendre et de repartir en tournée avec ce nouvel album. On est un peu fatigués mais tout va bien ! (rires)
Que diriez-vous si vous deviez présenter ce qu’est Crack Cloud avec vos propres mots ?
Zach : C’est un projet pluri-médias sur lequel on a travaillé pendant une bonne partie de notre vie je dirai. C’est un projet qui se transforme, se renouvelle sans cesse, ce n’est jamais la même chose, et on ne sait pas vraiment vers où on va !
Vous formez aujourd’hui un collectif qui s’est rassemblé autour de cette idée sensible et contemporaine du care. Comment faites-vous évoluer, vivre ce collectif avec tous les changements et mouvements que cela implique ?
Zach : Oui en effet il y a beaucoup de changements dans les cinq-six dernières années. Tous les aspects de Crack Cloud sont des indicateurs d’où l’on se trouve progressivement. On essaye sans cesse de travailler collectivement notre créativité.
Mohammad : On peut dire que tout cela se fait très naturellement, toutes les connexions que l’on créé se font naturellement et ce peu importe le contexte. On est très reconnaissant·es vis-à-vis de tout cela.
Aleem : Il y a aussi beaucoup d’évolutions car on a justement ce côté pluridisciplinaire. On rencontre régulièrement des gens qui s’intéressent au projet, qui veulent travailler avec nous, et tout cela nous fait avancer.
Concernant cette aspect pluridisciplinaire, sur scène on vous voit souvent changer d’un instrument à l’autre. Il n’y a jamais les mêmes personnes du collectif présentes. Vous faites aussi tout vous même avec ce côté DIY, la danse, la réalisation des clips, l’image, etc. Est-ce que tout ce chemin créatif s’est fait naturellement ? Avez-vous juste appris les un·es des autres progressivement ou avez-vous fait en sorte dès le départ de vous entourer de personnes expérimentées ?
Zach : Je pense qu’il y a un peu de tout cela dans Crack Cloud. On a toutes et tous des moyens différents de nous exprimer, et on a appris beaucoup de disciplines par nous-même. Crack Cloud permet de créer cet environnement où tout le monde peut apprendre à faire quelque chose, c’est cette mentalité DIY qui nous porte. On essaye sans cesse d’appréhender de nouvelles esthétiques, de nouveaux médiums, de nouvelles approches pour s’exprimer pas à pas.
Mohammad : On se dit qu’on ne se limite pas aux compétences que l’on a de base, on continue de grandir avec ça. Nous avons toujours voulu faire les choses même si l’on n’avait pas forcément les compétences pour ça, l’idée c’est d’essayer et de générer de la motivation dans le groupe.
Aleem : Je parle pour moi-même, mais peu importe qui fait partie de Crack Cloud, on aime toute·s pousser les choses au maximum dans notre travail, dans notre art. Pour moi on doit donner le maximum possible que ce soit physiquement ou psychologiquement dans le projet.
Est-ce que tout ce côté DIY vous permet de bien évoluer dans l’industrie musicale ? Vous arrivez à vivre de Crack Cloud globalement ?
Zach : Aussi ambitieux que cela puisse paraitre je pense que c’est le bon moment pour célébrer et profiter des nouvelles ressources que l’on nous apporte. Le Canada nous permet notamment de faire ça sans passer forcément par des structures traditionnelles. Ça progresse petit à petit mais c’est quelque chose qui est important pour nous. On s’est beaucoup investi dans le projet mais on en vit pas pour autant. On passe la moitié de l’année à enregistrer donc c’est assez nouveau.
Mohammad : La plupart des membres ont d’autres jobs à côté. Au début si on veut se lancer dans un nouveau projet créatif c’est forcément beaucoup de sacrifices.Iil faut parier sur ses compétences et sur tout l’investissement qu’on met dans ce travail, en espérant ensuite pouvoir vivre de cet art. Tu construis une mentalité particulière autour de la réussite et du succès.
Zach : Je pense aussi qu’on a jamais spécialement attendu que ça marche, enfin que ce soit rémunérateur en soi. Cet investissement dans Crack Cloud était avant tout émotionnel. Il n’y avait pas d’attente, on ressent toujours tout ce qu’il se passe autour de nous comme un privilège. On a encore beaucoup à apprendre, pour s’inclure dans toute cette industrie et cet environnement, si tu n’es pas sur un gros label c’est très différent.
Mohammad : En se regardant d’un point de vue extérieur on a juste l’impression de faire notre musique, de gagner en maturité, et c’est juste là que se trouve la qualité la plus importante. On doit avoir conscience de comment gérer tout cela, notamment financièrement, comment tu gères ce que tu gagnes à travers ce projet.
Zach : Il y a cinq ans on aurait jamais imaginé que Crack Cloud aurait à payer des taxes ! (rires)
Mohammad : En fait, de base, tu te dis que tu ne vas jamais sortir de la ville d’où tu viens avec la musique que tu fais.
Il y a une grande cohérence et en même temps on retrouve toujours ce côté surprenant et déroutant sur Tough Baby, qu’on pouvait sur vos précédentes compositions, comme Pain Olympics sorti en 2020. Comment avez-vous cette esthétique singulière ?
Aleem : Tout le monde pense que cet album est le troisième album, alors qu’en fait c’est seulement le deuxième, car notre première sortie – Crack Cloud, 2018 – était une compilation. Il y a un côté plus conceptuel.
Zach : Après notre premier album on s’est un peu éparpillés, personnellement j’ai pris la route et j’ai commencé à avoir des idées. On a ensuite passé deux ans à développer tout cela. Ce qu’il y avait avec Tough Baby, c’est qu’il n’y avait pas vraiment d’urgence à finir cet album avec le Covid etc. C’était un processus vraiment épanouissant pour le coup. Beaucoup de choses sur cet album se sont passées de manière organique, dans le sens où l’on faisait en sorte d’être raccord et se plonger vraiment dans le projet. Ça a pris la tournure que ça a pris, il y a eu beaucoup de versions de l’album, des sortes de réincarnations. Mais je pense que le produit fini est juste un artefact de où l’on était à tel moment. C’est naturel.
« Je trouve que ça s’adapte vraiment à la période, avec toute la douleur, la frustration qu’il y a en ce moment dans le monde, on essaye de mettre ça dans l’art que l’on fait. »
Mohammad sur Crack Cloud
Zach comme tu es à la base de ce qu’est Crack Cloud tu écris tout et tu partages les éléments ensuite ? Comment le processus se développe ?
Zach : En fait je construis les fondations de notre musique, une sorte de storyboard de ce qu’il y aura.
Mohammad : C’est le temps qui décide plus ou moins de ça, mais oui il y a toujours ce squelette de départ. Et Zach ne met pas beaucoup de temps à sortir toutes ces idées, il ne se perd pas. On ne se perd pas non plus émotionnellement du coup. Il y a une idée claire de l’album et de quelles sortes d’émotions l’on souhaite atteindre. Il y a des moments où ce que l’on fait nous convient et ce processus prend juste du temps. Et comme tu le disais, il y a différents enjeux esthétiques dans l’album et le résultat qu’on a ici c’est la finalité de ce processus.
Dans vos clips que ce soit dans Please Yourself, dans Tough Baby et plus récemment dans Costly Engeenired Illusion, il y a tout un côté « rêve dystopique » qui en émane. Où allez-vous puiser toute cette inspiration dans les histoires que vous cherchez à raconter ?
Zach : Je pense que tout cela est juste basé sur des souvenirs. Dans nos vidéos on essaye de donner vie a des personnages qui vivent leurs propres expériences. Je suis personnellement fasciné par la fantasy et la science-fiction. Donc donner vie et faire évoluer visuellement nos clips dans cette voie-là et créer des scénarios avec une philosophie certaine, ça nous plait vraiment.
Mohammad : C’est l’utilisation du storytelling. Comme le disait Zach, on est des fans de science-fiction et de fantasy, et on savait aussi à quel point le storytelling est efficient pour marquer l’imagination et aborder des problèmes sociaux sans pour autant utiliser quelque chose de purement politique, on est plus dans l’abstraction de ça. Donc tout ce dont tu parles c’est l’accumulation de tout ce que l’on a lu et vu.
Zach : Et spécifiquement pour les deux premiers clips que l’on a sorti pour cet album on voulait tout raconter du point de vue d’un enfant, et penser à comment on vit ce monde, à quel point on peut se sentir vulnérable, « insecure », à l’âge de 12 ou 14 ans. Mais aussi quels mécanismes on utilise à cet âge pour gérer ça, et aussi tout ce que l’imagination peut nous apporter face à cela. Il y a tous ces détails spécifiques à l’enfance sur lesquels on voulait vraiment se focus.
Mohammad : On continue d’en parler et on sait que les années les plus formatives pour la pensée se font à un âge plutôt jeune et je pense que c’était vraiment intéressant d’aborder la perception de l’art de ce point de vue avec les émotions qu’elle implique. Je trouve que ça s’adapte vraiment à la période, avec toute la douleur, la frustration qu’il y a en ce moment dans le monde, on essaye de mettre ça dans l’art que l’on fait. C’était vraiment fun de se diriger et d’avancer vers ces endroits. De plus, on a toujours fait en sorte d’inclure notre famille, notre entourage pour créer ces artefacts, ces vidéos que l’on regardera surement plus tard dans notre vie. Et peut-être que lorsqu’on ne sera plus là, ça laissera une trace intéressante de ce que l’on a été.
Crack Cloud © Clara de Latour pour Manifesto XXIMa question va être liée à la précédente mais j’ai remarqué sur l’ensemble de l’album, et plus particulièrement sur des morceaux comme Criminal qu’il y avait cet aspect très soundtrack. Dans le futur est-ce que vous vous verriez travailler sur un film complet sur un album, ou réaliser une bande originale par exemple ?
Zach : Aujourd’hui la consommation de la musique se fait un peu de manière archaïque avec le streaming etc. On pense toujours à nos albums comme un ensemble continu et conceptuel du début à la fin, et c’est un peu comme ça que fonctionne une soundtrack d’une certaine façon.
Mohammad : De beaucoup de manières je romantise le côté esthétique quand je pense à la musique, tu construis forcément ces storylines, et ce côté narratif. On veut que notre musique suscite d’une certaine façon cette forme d’imagination visuelle. C’est vraiment le but. Donc si tu le ressens comme ça, cela montre que ce que l’on recherche fonctionne.
Si vous deviez parler de vos coups de cœur, ou de vos influences peu importe le domaine artistique, de quoi parleriez-vous ?
Zach : Je dirai que Fleetwood Mac et Kate Bush ont été de grosses influences dans le processus de création de Tough Baby, Tool aussi (rires). J’ai vu Nick Cave il y a quelques semaines également, c’était vraiment une expérience spirituelle, c’était très beau.
Aleem : Pour ma part je parlerai notamment de ce que fait le réalisateur Jordan Peel – à qui l’on doit Get Out ou Nope notamment – dont j’admire sincèrement le travail. Concernant musique je parlerai sans doute de Miles Davis Prince et de Kanye West, évidemment, de mon côté.
Mohammad : Je suis de plus en plus curieux et attiré par l’art abstrait. Je voudrais parler de cet artiste pluridisciplinaire, comédien, cinéaste basé à Vancouver, Nathan Fielder. On pourrait le comparer à Banksy d’une certaine façon. Il fait réfléchir sur comment l’on se sent, c’est aussi comment on se connecte avec les gens et c’est très intéressant pour moi. Sinon je suis plutôt à fond dans tout ce qui est musique rap, avec des artistes comme Kodak Black
Crack Cloud sera en concert le 27 octobre 2022 au Trabendo à Paris, le 15 novembre à l’Antipode à Rennes, le 16 novembre au Confort Moderne à Poitiers et en tournée dans toute l’Europe sur cette même période.
Cet article Crack Cloud : « On veut que notre musique suscite cette forme d’imagination visuelle » provient de Manifesto XXI.
Si le mariage des couples de même sexe est une avancée considérable, il ne doit pas occulter les discriminations qui demeurent envers les personnes LGBTIQ+, notamment en termes d'accès à la parentalité. On en parle avec Thierry Delessert, spécialiste de l'histoire de l'homosexualité en Suisse.
L’article Mariage pour tous·tes·x en Suisse: et après? est apparu en premier sur 360°.
Ce lundi 10 octobre, la communauté abolitionniste célèbre la 20e Journée mondiale contre la peine de mort partout dans le monde, nouvelle grande étape de mobilisation avant le 8e Congrès mondial contre la peine de mort, qui aura lieu à Berlin du 15 au 18 novembre 2022.
L’article 20e Journée mondiale contre la peine de mort encourue par les personnes LGBT+ dans 11 pays est apparu en premier sur Association STOP HOMOPHOBIE | Information - Prévention - Aide aux victimes.
Un providentiel vide juridique a permis à plus de 200 couples de même sexe de braver l'interdiction de se marier en Chine pour s'unir par visioconférence dans le très conservateur État américain de l'Utah.
L’article Entre l’Utah et les gais et lesbiennes de Chine, une histoire d’amour est apparu en premier sur 360°.
Quelques jours après les 40 ans de la « dépénalisation » de l’homosexualité en France (le 4 août 2022), l’élue LR de Lyon 5 Anne Prost s’offusquait d’une performance drag de Midnight Xpress invitée par la MorningStar et proposée par Baston dans le cadre du festival Tout l’monde dehors, précisant à LyonMag qu’elle considérait que « c’est dangereux pour la population familiale », allant jusqu’à ajouter : « Je ne dis pas que je n’aime pas les drags queens, mais ça ne va pas un dimanche dans un lieu public ».
Face à de tels propos d’une élue, nous gratifiant de qui elle juge bienvenu·e ou non dans l’espace public, on ne peut que se réjouir de l’annonce d’Elisabeth Borne, à l’occasion des 40 ans de la « dépénalisation » de l’homosexualité, de la création d’un ambassadeur aux droits LGBT+. Cet ambassadeur devrait être nommé avant la fin de l’année mais reste à savoir quel sera son rôle. L’exécutif a indiqué qu’il serait rattaché au Ministère des Affaires étrangères, et qu’il « coordonnera l’action du ministère de l’Europe et des Affaires étrangères pour la protection contre les discriminations et la promotion des droits LGBT + et portera la voix de la France ».
Cette annonce ne peut qu’être saluée. Néanmoins on regrette que le gouvernement ne semble pas tant enthousiaste face au dépôt d’une proposition de loi par le sénateur socialiste de l’Hérault Hussein Bourgi visant à la réparation des personnes condamnées pour homosexualité entre 1942 et 1982.
L’article 3 de cette proposition de loi prévoit que toute personne victime des anciennes lois homophobes aura droit à une allocation forfaitaire de 10 000 €, d’une allocation forfaitaire variable en fonction du nombre de jours de privation de liberté, fixée à 150 € par jour, et du remboursement du montant de l’amende dont elles se sont, le cas échéant, acquittées en application de leur condamnation.
Interrogée sur cette proposition de loi, Mme Borne s’est montrée très timorée, arguant qu’il était difficile de savoir comment réparer les discriminations passées et que l’essentiel était d’acter que l’introduction des discriminations dans la loi était une faute de l’État, sans oublier de commémorer leur abrogation. Pas un mot sur la proposition de réparation financière. Il est manifestement plus facile de créer un poste d’ambassadeur aux droits LGBT+ que de mettre la main au portefeuille pour indemniser les presque dix mille personnes condamnées pour homosexualité dans notre pays durant 40 ans…
L’article Pour les 40 ans de la « dépénalisation » de l’homosexualité : un ambassadeur mais pas d’indemnisations ? est apparu en premier sur Hétéroclite.
Dix-sept personnes, âgées de 20 à 26 ans, ont été jugées, ces 3, 4, 6 et 7 octobre 2022, pour le cyberharcèlement d’Eddy de Pretto, suite à sa performance dans l’Église Saint-Eustache à Paris en juin 2021. Le parquet a requis des peines de trois à six mois de prison avec sursis, pour un délibéré …
L’article De « 3 à 6 mois avec sursis » requis contre les cyberharceleurs d’Eddy de Pretto est apparu en premier sur Association STOP HOMOPHOBIE | Information - Prévention - Aide aux victimes.
Cet article FTMA au 3537, une semaine d’art sonore du 11 au 16 octobre provient de Manifesto XXI.
Du 11 au 16 octobre 2022, la première édition du festival FTMA consacré à l’art sonore et aux musiques électro-acoustiques prendra place au 3537, nouvel hotspot culturel du Marais à Paris.Inspiré par des festivals comme Atonal à Berlin ou Mutek à Montréal, FTMA (Fluxus Tempory Music and Art) est né de la rencontre entre Ugo Nardini, curateur au 3537 et compositeur d’électro-acoustique, et Stéphane de Saint Louvent, producteur, éditeur de musique et DJ, à la tête de trois labels et de l’agence Rotary Lab. Celle-ci a notamment pour but de faire collaborer des compositeurices de musique sur des projets d’expositions, des installations ou dans le cinéma. C’est dans ce cadre-là que l’idée du festival a émergé.
FTMA a pour vocation de rendre accessible l’art sonore au plus grand nombre. « C’est quelque chose d’assez méconnu, y compris dans la communauté de l’art. Les expert·e·s même ne sont pas toustes d’accord sur la définition ! » plaisante Stéphane. « Pour moi, l’art sonore, c’est l’ensemble des pratiques artistiques qui placent le son ou le bruit au cœur du processus créatif d’une œuvre. Et qui, surtout, l’utilisent comme médium direct et objet de la création. Le débat qui revient souvent, c’est : est-ce que c’est de la musique ou ça n’en n’est pas ? »
Un système son 4DSOUND uniqueFTMA n’a pas lésiné sur le programme. Mardi soir aura lieu le vernissage de l’exposition qui se tiendra jusqu’au 16 octobre, présentant une douzaine d’installations, sur entrée libre et gratuite de 11h à 19h. Des workshops organisés par le GRM (groupe de recherches musicales) sur divers sujets autour de l’art sonore et de la musique acoustique seront également proposés gratuitement. Trois soirées de concerts sont prévues du jeudi au samedi soir, avec des artistes comme Shlømo, ou encore Jan Jelinek et Nova Materia, toustes deux en lives exclusifs sur un système son 4DSOUND.
Composé de 28 enceintes omnidirectionnelles, ce système son permet une expérience immersive unique. « Aujourd’hui, on parle beaucoup des systèmes son 360. Ici, l’idée n’est pas de donner l’impression que le son bouge. C’est plutôt de reproduire l’expérience d’écoute qu’une personne peut avoir avec ses oreilles dans la nature. Lorsqu’on est dans une forêt amazonienne par exemple, le son est partout autour de nous : en bas, à droite, à gauche », détaille Stéphane de Louvent.
Pour découvrir la programmation dans son intégralité, rendez-vous juste ici. Si l’expo est accessible librement, ce n’est pas le cas des soirées de concerts dont la vente de billets se fait dans la limite des places disponibles. Et comme on est sympa, on vous balance la playlist du festival, histoire de patienter jusqu’à mardi prochain !
Cet article FTMA au 3537, une semaine d’art sonore du 11 au 16 octobre provient de Manifesto XXI.
A l'occasion de la Coupe du monde de football, la France devrait envoyer au Qatar quelque 220 agents, « principalement issues de la gendarmerie nationale et de la sécurité civile », pour sécuriser la compétition, prévue du 20 novembre au 18 décembre.
L’article Qatar 2022 : un contingent d’experts français de la sécurité pour épauler les autorités d’un État criminel qui persécute les LGBT+ est apparu en premier sur Association STOP HOMOPHOBIE | Information - Prévention - Aide aux victimes.
L’automne est là, les mini shorts sont rangés et les dykes sont dans les starting-blocks pour ressortir leur bonnet pref’. Vagin Pirate vous sert ce mois-ci WILLOW, Paulette Éditrice, Laval La Rue, Alex Lahey et Tegan & Sara.
L’article Les pépites d’octobre, par Vagin Pirate est apparu en premier sur 360°.
Cet article L’art écologique, mise en œuvre : Agathe Frochot & David Munoz provient de Manifesto XXI.
Après un échange avec l’association COAL, qui œuvre pour une « nouvelle écologie de l’art », Camille Sauer s’est rendue en haute-montagne, sur les pas de l’artiste David Munoz et d’Agathe Frochot (ENS Paris-Saclay), qui collaborent sur le terrain. Ensemble, iels ont discuté Anthropocène, engagement écologique et liens art-science. Propos recueillis.Comment l’art écologique se met-il en œuvre ? Pendant plusieurs semaines, je suis allée dans le massif de la Vanoise, dans les Alpes, pour suivre le travail de David Munoz et Agathe Frochot. Diplômé en 1993 de l’École nationale supérieure de chimie de Toulouse, l’artiste David Munoz confronte des procédés photographiques anciens (gommes bichromatées, ambrotypes) à des technologies innovantes (photogrammétrie, art génératif, image virtuelle…). Grand passionné d’astronomie, il déploie dans ses installations différents médiums, travaillant autour des notions de réalité augmentée ou d’hyperobjet. Il a exposé l’année dernière au Centquatre Paris le projet Cosa Mentale, dans lequel il questionne le lien entre l’esprit et la matière dans le paysage alpin, et a également présenté des œuvres à la résidence La Capsule au Bourget dans le cadre de la biennale Némo et de la biennale Photoclimat 2021.
Il collabore avec Agathe Frochot, chargée de mission culturelle et scientifique à l’École normale supérieure Paris-Saclay, qui a mené un long travail de recherches sur les mémoires et la mise en patrimoine de la nature alpine à l’heure de l’Anthropocène. Cette collaboration m’a questionnée : que peut apporter l’art à la science, et inversement ? Est-il nécessaire, pour un·e artiste engagé·e dans des questionnements écologiques, de se rendre sur le terrain ? Comment faire lien avec une diversité d’écosystèmes, naturels, sociaux, culturels ?
Cosa Mentale. Image générative, 2021 © David MunozAvant toute chose, il est primordial pour moi d’établir un lien physique avec le paysage pour le ressentir et l’appréhender dans toutes ses dimensions.
David Munoz
Manifesto XXI – David Munoz, tu es un des rares artistes que je connaisse qui produit ses œuvres sur le terrain. Tu passes des journées entières avec des guides pour apprivoiser et te familiariser au paysage qui t’entoure. Pourquoi une telle importance du terrain ? En quoi ton art nécessite-t-il cet engagement ? Pourrait-il en être autrement ?
David Munoz : Avant toute chose, il est primordial pour moi d’établir un lien physique avec le paysage pour le ressentir et l’appréhender dans toutes ses dimensions. C’est un besoin quasi vital. Avec les effets du réchauffement climatique, le paysage se recompose et se transforme à tel point que la représentation que l’on s’en fait est complètement obsolète et relève plus d’une vision passéiste et figée dans un imaginaire sclérosé. Pour beaucoup, la représentation du paysage relève de l’imaginaire culturel du XIXème siècle, d’une nature éloignée et inaccessible au plus grand nombre, car toujours ailleurs. Il est ainsi nécessaire de se confronter à cette nouvelle réalité pour donner à voir au spectateur cette nouvelle représentation du paysage, en lien avec notre réalité contemporaine et en reconnectant le spectateur avec cette nature dont il est partie prenante.
Pour moi artiste, seul l’art est capable de démanteler les effets insidieux de ce type de vision erronée sur l’imaginaire collectif, en permettant au spectateur de questionner sa propre vision du paysage et se réapproprier son environnement. Être artiste nécessite selon moi une implication avec son sujet, qui passe par le sensoriel, mais également par une implication vis-à-vis du spectateur et plus largement de notre société. C’est avant tout une question de cohérence et il ne pourrait pas vraiment en être autrement.
Interview d’un habitant. Bessan, Savoie, 2021 © Camille SauerAvec Agathe Frochot, tu es allé interviewer des populations locales, des élu·es, des guides, soit un large spectre de la population. Pourquoi cette nécessité de recueillir ces témoignages ? Pourquoi te confronter, et confronter ta vision du paysage, à la leur ? En quoi cela a-t-il impacté ton travail artistique ?
David Munoz : Avec Agathe, nous avons eu l’opportunité de rencontrer des personnes appartenant à des générations différentes et qui avaient toutes en commun une expérience sensible du paysage, mais également des personnes qui avaient fait ou qui font une expérience physique du paysage, comme des alpinistes ou encore des guides de montagne. Il était nécessaire de recueillir leurs témoignages pour qu’iels puissent faire état de cette expérience sensible et qu’iels puissent la partager avec le·la spectateur·rice par mon intermédiaire.
Un autre aspect important pour moi concerne le récit de la transformation du paysage. En l’espace de deux à trois générations, il a radicalement changé sous l’effet du réchauffement climatique alors jusque-là ce type de transformation s’opérait sur plusieurs siècles, voire à l’échelle d’un millénaire.
Il ne s’agit pas de confronter ma vision du paysage à la leur, mais plutôt d’enrichir ma propre vision du paysage de manière à l’élargir et l’approfondir. Ainsi cet apport à la fois sensible et documentaire me permet de nourrir mon art en lui donnant plus de consistance et de cohérence.
Ascension des Évettes, Savoie, 2021 © Camille SauerTu entretiens un rapport primaire avec la nature. De la même manière que tu paramètres les paysages de fractales sur des ordinateurs surpuissants, ici, tu calcules la lumière, l’environnement, la température. Tu t’adaptes aux conditions parfois extrêmes de celui-ci. Pourquoi donner à cet environnement déjà spectaculaire une dimension supplémentaire par l’art ? Quelle vision souhaites-tu capter de ce paysage dont l’équilibre demeure fragile ?
David Munoz : Avec l’usage de l’image générée par ordinateur et l’utilisation des fractales, il ne s’agit pas pour moi de restituer la dimension spectaculaire des paysages, des médiums comme la photographie le font déjà très bien. Il s’agit plutôt d’interroger la nature des images qui nous sont données à voir aujourd’hui avec les codes de représentation du paysage. L’art me permet d’intégrer le·la spectateur·rice à l’œuvre et de l’amener vers un questionnement plus critique des images que notre société lui donne à voir.
Avec ce type de procédé, ce qui m’intéresse, ce n’est pas la captation, mais plutôt le fait transmettre ma représentation mentale du paysage, le tout en la restituant avec les codes de représentation imposés par notre héritage culturel.
Il est essentiel d’introduire la dimension sensible dans le traitement de l’urgence écologique. Ce n’est que par ce biais que nous pourrons travailler sur l’imaginaire et la conscience du·de la spectateur·rice et ainsi ancrer une « culture écologique » durable qui aura la capacité de faire évoluer notre rapport au monde.
David Munoz
L’Anthropocène, c’est le thème à la mode. Quelle place pour l’urgence écologique dans tout ça ? Penses-tu que les gens aient conscience de toutes les dimensions de cette notion qui est largement utilisée en politique et par de plus en plus d’artistes ? Je pense par exemple à Tomás Saraceno au Palais de Tokyo en 2018.
David Munoz : La notion d’Anthropocène, dont les prémices remontent au XVIIIème siècle avec Buffon, fait davantage état d’une transformation profonde de la surface de la Terre par la main de l’homme, que d’une urgence écologique. Pour moi, l’urgence écologique réside plutôt dans une action politique concertée à l’échelle mondiale, dans laquelle l’artiste peut prendre place en aidant à sensibiliser les personnes, de manière à ce que celles-ci interrogent leurs classes politiques sur ce sujet, mais également en incitant à devenir des acteur·rices politiques actifs.
Malheureusement, je ne suis pas sûr que les gens aient pleinement conscience de toutes les dimensions que revêt cette notion car les différentes politiques écologiques et actions de sensibilisation qui ont été menées jusqu’à présent sont trop minimalistes et servent surtout à se donner bonne conscience en effectuant quelques petits gestes au quotidien au lieu d’élargir la vision des personnes et de leur permettre d’appréhender la globalité du phénomène en apportant des réponses globales.
Concernant les artistes, il y en a bien sûr certain·es qui surfent sur la vague de l’Anthropocène, mais il y en a aussi d’autres comme Tomás Saraceno qui, au travers d’initiatives comme « l’Aérocène », ont créé une communauté artistique interdisciplinaire, permettant aux gens venant de différents horizons de réactiver un imaginaire commun et de collaborer de manière éthique sur des sujets environnementaux.
Le terme Anthropocène ne me paraît pas adapté à la situation actuelle, car il inclut tous les humains, y compris les gardiens de vaches dans les alpages ou encore les Indiens d’Amazonie, or je ne suis pas sûr que ces personnes-là aient modifié la surface de la Terre de manière durable. Selon moi, il s’agit davantage des effets de la mondialisation sur notre planète, et pour cette raison, je lui préfère le terme de « capitalocène ».
La Grande Casse. Sculpture, David Munoz, 2021 © Corentin SchimelPeux-tu me parler de ton projet intitulé La Grande Casse ?
David Munoz : La Grande Casse est une métaphore de l’urgence climatique. La sculpture permet de rendre visibles les effets du réchauffement climatique sur un glacier. Bien plus qu’un phénomène naturel, la « Grande Casse » incarne la chute d’un mythe. En perpétuelle évolution, la sculpture témoigne du fragile équilibre des écosystèmes. Elle donne à voir au public un paysage en pleine mutation avec la disparition des mythes et des légendes qui l’accompagnent.
Ce projet puise ses origines dans une observation aiguë de la nature et plus largement dans mon rapport à l’environnement et au monde. Le titre fait référence au glacier de la « Grande Casse » situé dans le massif de la Vanoise. Ce projet est basé sur une collaboration avec les scientifiques de l’INRAE, spécialisé·es en glaciologie, les laboratoires de Génie mécanique et de Génie civil de l’ENS Paris-Saclay, avec les soutiens de la Scène de recherche de l’ENS Paris-Saclay, de la Diagonale de l’Université Paris-Saclay et du Centquatre Paris.
Comme pour beaucoup d’artistes, l’art pour moi est un puissant vecteur de représentation, à même d’insuffler et d’accompagner des changements de société profonds.
David Munoz
Pourquoi ce choix d’être le plus fidèle possible à la réalité ? Tu récoltes par exemple des données (LIDAR, numérisation 3D du glacier obtenu avec des drones, des équipements terrestres et des satellites, photogrammétrie, sondes et données climatiques) grâce à des partenariats tels que l’INRAE ou encore l’Université de Grenoble.
David Munoz : Pour moi, il ne s’agit pas tant d’être fidèle à la réalité. Mon objectif est plutôt de donner à voir au spectateur ce que sont les paysages vus par les machines utilisées par les scientifiques avec lesquels je collabore. C’est donc tout naturellement que je me suis tourné vers les scientifiques de l’INRAE qui utilisent des technologies de pointe pour capter des variations de quelques centimètres à la surface des glaciers.
J’utilise surtout le réel comme matière première. Cette matière me permet de générer des formes plastiques, comme des sculptures ou encore des images. Ceci en réintroduisant du sensible dans des phénomènes véhiculés avec des procédés scientifiques, comportant une certaine complexité. Pour parler d’urgence écologique, on a surtout un vocabulaire technique, et ce sujet est abordé essentiellement sous des angles politiques, économiques et scientifiques, en jouant sur les sentiments de culpabilité et de peur.
En tant qu’artiste, il me semble essentiel d’introduire la dimension sensible dans le traitement de l’urgence écologique. Ce n’est que par ce biais que nous pourrons travailler sur l’imaginaire et la conscience du·de la spectateur·rice et ainsi ancrer une « culture écologique » durable qui aura la capacité de faire évoluer notre rapport au monde. Comme pour beaucoup d’artistes, l’art est pour moi un puissant vecteur de représentation, à même d’insuffler et d’accompagner des changements de société profonds.
© LIDAR – Numérisation 3D du glacier de la Grande CasseAgathe Frochot, comment définis-tu l’écologie ?
Agathe Frochot : L’écologie désigne d’abord une discipline scientifique née au XIXème siècle. Plus précisément, le terme apparaît dans les écrits du zoologiste allemand Ernst Haeckel en 1866. Si l’écologie a toujours eu pour principe d’analyser le vivant en relation avec son milieu, elle a longtemps rejeté les activités anthropiques de son périmètre d’étude. Après les avoir considérées comme des « éléments perturbateurs » jusque dans les années 1980, l’écologie développe de nouveaux concepts et de nouvelles méthodes (socio-écosystème, services écosystémiques…) afin d’intégrer à son champ d’étude les multiples interactions entre l’humain et les écosystèmes.
L’écologie scientifique est à différencier de l’écologie politique qui représente divers courants de pensée et recouvre de multiples communautés politiques (partis, associations, collectifs…) qui ont pour point commun de proposer de nouvelles manières d’habiter le monde impliquant de nouvelles relations entre l’humain, le vivant et le non-vivant. À des degrés variés, tous agissent en faveur d’un bouleversement de nos systèmes politiques et de notre modèle économique et social.
Tu réalises un travail de recherche sur les mémoires et la mise en patrimoine de la nature alpine à l’heure de l’Anthropocène. Qu’est-ce que la vision et la collaboration avec David Munoz apporte à tes recherches ?
Agathe Frochot : En premier lieu, cette collaboration représente pour moi un espace d’exploration des apports possibles d’une démarche de recherche artistique à une pratique de recherche en humanités environnementales. En particulier, je m’interroge sur la manière dont le partage de cette création, dans ses phases amont et aval, peut enrichir la relation d’enquête nouée avec les communautés étudiées. La transformation visuelle du paysage de haute-montagne impliquée par le retrait glaciaire (assombrissement des cimes, verdissements des anciens espaces glaciaires, effondrements de parois…) représente un bouleversement sensible important pour les populations locales appelant à des réponses non seulement d’ordre socio-économique mais également d’ordre culturel. Dans la mesure où son processus de création et ses phases de diffusion s’ancrent sur les territoires touchés, l’œuvre de David Munoz peut participer à ces processus d’adaptation à l’échelle locale. C’est aussi le cas du travail artistique d’Olivier de Sépibus, un photographe et artiste plasticien qui explore nos rapports avec la nature et le monde vivant.
À un moment où la disparition des glaciers alpins est annoncée à moins de cent ans, je me questionne aussi sur les dynamiques de patrimonialisation qui peuvent émerger à l’horizon de ces pertes. Le travail artistique a peut-être aussi un rôle à jouer dans ces dynamiques de mémoire et de transmission intergénérationnelle.
Puis, les autres axes de collaboration art-science que développe cette recherche-création ont retenu mon attention non pas seulement dans une logique de coordination d’acteur·rices au sein d’un projet qui, je le rappelle, est lauréat d’un appel à projets de l’Université Paris-Saclay (EXPÉRIMENTATION 2020), mais également au titre des dynamiques interdisciplinaires qui peuvent se faire jour autour des sujets environnementaux.
David Munoz a eu des échanges avec plusieurs chercheur·ses impliqué·es dans le projet Life Without Ice notamment en écologie (CEFE, Montpellier) et en glaciologie (IGE, Grenoble), auxquels j’ai pu participer. Ce projet a pour objectif d’étudier les conséquences physiques, écologiques et sociales de l’extinction des glaciers à l’échelle mondiale, et en particulier dans les régions tempérées (Alpes) et tropicales (Andes et Rwenzori). Ces temps d’échanges impulsés par la création d’une œuvre ont démontré que des recherches en humanités environnementales peuvent s’enrichir à travers des échanges ponctuels ou durables avec des recherches en sciences de l’environnement et inversement, parce qu’elles partagent a minima une finalité, celle de la durabilité de ces socio-écosystèmes impactés par des changements climatiques globaux.
Ascension des Évettes, Savoie, 2021 © Camille SauerQuel rapport entretient l’art avec la science selon toi ?
Agathe Frochot : Il n’existe pas un mais de multiples rapports entre les arts et les sciences, des disciplines fondamentales aux sciences sociales. Ils ont recouvert de multiples formes dans l’histoire et se renouvellent aujourd’hui principalement dans les contextes du développement des technologies numériques et des changements socio-environnementaux de l’Anthropocène.
De plus, comme l’ont montré plusieurs études, les cadres de travail des artistes se transforment au bénéfice de dispositifs qui font émerger la figure de l’artiste comme chercheur·se. Le travail de création peut désormais se déployer dans des temporalités et des cadres institutionnels (thèse, appels à projets) qui facilitent l’établissement de ponts avec le monde de la recherche académique classique. Ces échanges ne sont pas évidents, ils sont à construire conjointement par les artistes et les scientifiques qui, à partir d’un objet d’intérêt commun, sont sommé·es de trouver un langage partagé pour que les collaborations soient bénéfiques aux un·es et aux autres. C’est ce défi-là qui me semble intéressant aujourd’hui dans les projets art-science. Il porte en lui la promesse du développement de nouvelles manières de chercher et de façons de créer, et d’une extension du domaine de la preuve scientifique dans lequel les registres savants et sensibles se recomposent.
À mon sens, la réussite des projets art-science est également conditionnée par la mise en place de politiques culturelles ambitieuses permettant la diffusion et la médiation complexe des œuvres ainsi créées dans l’espace public et vers les publics. Les expériences sensibles mais aussi les différents apprentissages et mises en débat dont l’œuvre est le point de départ nécessitent, pour advenir concrètement, des moyens humains et matériels dont on ne peut faire l’économie. De même, on aurait beaucoup à apprendre d’études (en sciences de l’information et de la communication) qui permettraient de mieux connaître la réception de ces œuvres par les différents publics qui s’y exposent.
Hyperobject. Glacier du Rhône, Suisse. Photographie, 2019 © David MunozCet article L’art écologique, mise en œuvre : Agathe Frochot & David Munoz provient de Manifesto XXI.
Jamal est l'auteur du podcast « JINS » (sexe en arabe) qui propose un contenu riche, passionnant, utile. « JINS », c'est comme l'indique sa présentation, « le premier podcast sur la sexualité des personnes Arabes et/ou musulmanes. 100% indépendant, féministe, intersectionnel et inclusif. » Jamal nous a accordé une longue interview.
Cet article Pop & Psy : naissance d’un festival unique sur la santé mentale provient de Manifesto XXI.
Ce week-end à Ground Control, le docteur Jean-Victor Blanc vous convie à la première édition de Pop & Psy, le premier festival pop de la santé mentale. C’est un événement gratuit, porté avec la Fondation Falret reconnue d’utilité publique.Du 7 au 9 octobre, dans le 12ème on tentera de comprendre et de déstigmatiser les troubles psychiques grâce à la pop culture. Dans le monde, 1 milliard de personnes sont concerné•e•s par ces troubles et, au cours de la première année de cette chère pandémie de Covid-19, la fréquence des troubles anxieux ou dépressifs a augmenté de plus de 25 %. Premier événement pop consacré à la santé mentale, le Festival Pop & Psy a plusieurs vocations : dépoussiérer les idées reçues sur la psychiatrie, favoriser les échanges entre expert•e•s, personnes concerné•e•s et artistes. Imaginé par Jean-Victor Blanc, médecin psychiatre et addictologue à l’hôpital Saint-Antoine à Paris et auteur des livres Pop & Psy et Addicts, le festival met également en lumière des solutions innovantes qui existent. Tout ça dans une atmosphère ludique, festive et inclusive.
Talks, live et optimismePop & Psy vous offre une programmation riche et festive. Vous pourrez assister tout au long du week-end à des tables rondes autour de plusieurs sujets tels que « Femmes au bord de la crise de nerfs : quels regards sur les troubles psychiques des femmes à l’écran ? » ou encore sur l’éco-anxiété dont nous souffrons à peu près toustes avec un talk « Eco-anxiété : Greta, Euphoria, Melancholia : comment garder son calme lorsque la Terre brûle ? ». Ces prises de parole seront animées par des personnalités comme Charlotte Pudlowski, fondatrice de Louie Media, le rappeur Gringe, le docteur Serge Hefez ou encore l’humoriste Fary; et bien d’autres acteurices associatif•v•es, des personnes concernées et des artistes. Au cours du week-end, vous pourrez également faire un tour en toute bienveillance au « Village des solutions », ou apprécier l’exposition d’art graphique « les Icônes Pop & Psy » curatée par le media Kilblind.
Artwork © Anna Wanda Gogusey Fiesta locaL’idée, c’est aussi de se détendre, et pour ça Pop & Psy vous a prévu des moments de fête qui promettent d’être exceptionnels, comme avec Madame Arthur qui s’invite pour un spectacle de cabaret. Une foultitude d’autres concerts, lives et DJ sets sont prévus, le programme se trouve juste ici. Le festival est gratuit et l’entrée se fait dans la limite des places disponibles, on vous conseille donc de réserver et d’arriver tôt !
Cet article Pop & Psy : naissance d’un festival unique sur la santé mentale provient de Manifesto XXI.
Un enfant de 12 ans a été victime d’une tentative d’empoisonnement à l’eau de javel par sa mère, qui venait de découvrir qu'il consultait des sites gays.
L’article Une mère soupçonnée d’avoir tenté de donner la mort à son fils « homosexuel » est apparu en premier sur Association STOP HOMOPHOBIE | Information - Prévention - Aide aux victimes.
Unique en Suisse romande, le festival genevois Everybody's Perfect présente, du 7 au 16 octobre, 28 films en provenance d'une vingtaine de pays. On a sélectionné quelques-unes de ses pépites.
L’article Everybody’s Perfect voyage dans le cinéma queer est apparu en premier sur 360°.
Le Parlement slovène a adopté mardi 4 octobre un amendement autorisant le mariage des couples de même sexe et l'adoption homoparentale, après un arrêt de la Cour constitutionnelle, faisant de ce pays le premier d'Europe de l'Est à légiférer en ce sens.
L’article « Mariage et adoption pour toutes et tous » : La Slovénie entérine la réforme est apparu en premier sur Association STOP HOMOPHOBIE | Information - Prévention - Aide aux victimes.
Réfléchir aux questions sur le sexe biologique et le genre chez les humains, à l'aune des observations sur nos cousins primates, chimpanzés ou bonobos: dans son dernier ouvrage, le célèbre primatologue Frans de Waal appelle à ne pas choisir entre nature et culture, à rebrousse-poils de combats souvent idéologiques.
Cet article Bizarre festival, une troisième édition toujours aussi curieuse et queer ! provient de Manifesto XXI.
Du jeudi 13 au dimanche 23 octobre, le Bizarre festival va insuffler un tourbillon d’énergies queers sur tout le parc de la Villette. Pour sa troisième édition, c’est plus de 18 évènements qui agiteront le Nord-Est Parisien et toute son étrange faune et flore.Initié par à la Folie et La Villette, le Bizarre festival se donne pour objectif de fédérer les énergies LGBTQIA+ pendant deux longs week-ends. Oiseaux de jours comme de nuits pourront être contenté·e·s, tout comme les bébé·s queers et les plus agé·e·s pourront se retrouver autour d’évènements en majorité gratuits.
Après la soirée d’ouverture menée par le magasine queer historique Têtu, Bizarre peut se penser pour les plus fétard·e·s d’entre nous comme une grande messe réunissant les collectifs emblématiques de la teuf techno indé LGBTQIA+. Autant de temps de communion que permettent d’aligner la Spectrum le 14, la “gay gay gay bien ouverte à toute” Mustang le 15, la Folle Sentimentale le 20 ou encore la Tech Noire et le cabaret Aïe, emmené par John Cameron Mitchell le 22.
Affiche BIZARRE #3 octobre 2022 La Villette – illustration : LahoL’occasion aussi de se questionner autour de sa pratique de la fête : que choisir entre la Barbi(e)turix et la Créole le 16 octobre au soir ?! Plus sérieusement, la soirée “With Us” du 14 octobre, et le talk mené par la DJ et productrice Desire nous questionnera : « Comment articuler scène club, identités et vécus trans et queer, parole et dancefloor ? »
De jour, il sera possible de se retrouver autour d’un « Queer tatoo day » le 15, ou à la grande réunion des familles du 16. Les traditionnels bingo drag du dimanche seront à l’honneur les samedis 16 et 23 et lors d’un temps fort pour mettre. Enfin, les photographes et corps queers seront mis à l’honneur lors du « Queer Photo Day » le 22 octobre.
Toute la team Manifesto XXI vous donne rendez-vous l’avant dernier soir, le samedi 22 octobre à la Folie pour une soirée 100% lesbian love. Montée en collaboration avec Lesbien Raisonnable, cette soirée en entrée libre de culture saphique sera l’occasion de récupérer ses contreparties du financement du podcast Lesbiennes au coin du feu, de tester ses connaissances en musique et culture lesbienne et enfin, de danser un peu. Tout en gardant de l’énergie pour la vraie journée de clôture le lendemain, à base de brunch cabaret et bingo drag à la folie, en attendant le featuring Vitalic au Pavillon Villette
Image à la Une : © Vovotte Recto/Verso
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On a rencontré Aloïse Sauvage à l'occasion de la sortie de son magnifique nouvel album, SAUVAGE, le 7 octobre. Ça déborde d’énergie positive filant droit vers un monde nouveau, le tout sans concession. Vagin Pirate est fan!
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Un an après l'entrée en vigueur de la loi bioéthique, trois couples de femmes engagés dans un protocole et trois célibataires, qui n'ont pas été acceptées ou ont préféré l'étranger, témoignent sur France Info, évoquant leurs joies et désillusions.
L’article PMA pour toutes : un an après la loi, neuf femmes partagent leur expérience est apparu en premier sur Association STOP HOMOPHOBIE | Information - Prévention - Aide aux victimes.
C’est un exemple parmi tant d’autres: les manifestations en France, lors du débat autour de l’ouverture du mariage aux couples de même sexe, il y a dix ans de cela...
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Dr. Hazbi est enseignant·x universitaire, artiste et politicien·x. Son téléphone est bourré de réflexions qu'iel s'empresse de retranscrire, couche par couche.
L’article Une d’ces couches! est apparu en premier sur 360°.
Pour garder les pieds sur terre, rien ne vaut un plongeon la tête dans les étoiles. Ce mois, le signe à l’honneur est Balance.
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360° a échangé avec deux personnes qui offrent du sexe tarifé pour les femmes / les personnes à vulve. En deuxième partie, une quinzaine d'entre elles nous partagent leurs impressions vis-à-vis du travail du sexe
L’article Du sexe tarifé pour tous·tes·x est apparu en premier sur 360°.
Six personnes comparaitront les 3, 4, 6 et 7 octobre 2022 pour le harcèlement homophobe d'Eddy de Pretto, après un concert à l'église Saint-Eustache à Paris en 2021. Il avait reçu plus de 3 000 messages d’injures et menaces de mort. STOP homophobie est partie civile.
L’article Eddy de Pretto : six personnes jugées pour harcèlement homophobe est apparu en premier sur Association STOP HOMOPHOBIE | Information - Prévention - Aide aux victimes.
La plus haute juridiction administrative française a validé la circulaire du ministère de l'Éducation nationale de septembre 2021 qui préconise l'utilisation, par le personnel éducatif notamment, du prénom d'usage choisi par les élèves transgenres.
L’article Le Conseil d’État autorise les élèves transgenres à porter le prénom d’usage de leur choix est apparu en premier sur Association STOP HOMOPHOBIE | Information - Prévention - Aide aux victimes.
Cet article LYZZA : « Je m’identifie aux moustiques parce que personne n’a envie qu’ils soient là » provient de Manifesto XXI.
L’artiste brésilienne LYZZA voit grand avec la sortie de sa nouvelle mixtape MOSQUITO, découverte le 16 septembre chez Big Dada. Accompagné d’un court métrage éponyme réalisé par Enantios Dromos, LYZZA présentera son projet au public français le 21 octobre à la Station Gare des Mines et au festival Girl’s Don’t Cry le 26 novembre.Après quatre EP, de nombreux singles et une place de DJ affirmée dans les plus grands festivals européens, LYZZA s’essaye au format album. Productrice, performeuse, chanteuse et maintenant actrice, celle qui ne se voyait pas comme une grande star dans sa chambre d’ados dévoile désormais l’étendue de son discours artistique sur nos écrans et dans nos oreilles. Rencontre.
LYZZA par Pe FerreiraManifesto XXI : Tes derniers concerts en France remontent à la Station en 2019 et, plus loin, aux Transmusicales de Rennes en 2018. Qu’est-ce qui a changé pour toi depuis ?
LYZZA : Je pense que le premier grand changement, c’est que je me concentre maintenant sur les performances live. Cela m’a pris du temps d’admettre que la manière dont j’ai envie de m’exprimer, c’est via mes propres productions. Je ne fais que du live depuis la fin du COVID. J’ai l’impression que ça me permet d’établir une connexion plus proche avec les gens, je leur parle vraiment, avec de vrais mots !
Je regardais avant notre entrevue une vidéo de ton DJ set au Sonar en 2018. Est-ce que tu pensais déjà arrêter le live à ce moment-là ?
J’ai toujours porté une attention à la manière dont je communiquais avec le public, à comment créer une atmosphère lors d’un show. Je pense que c’est pour ça que j’ai commencé à me sentir loin lors de mes DJ set. J’ai eu l’impression d’être face à un mur. Même si je produisais depuis 2016, et que je n’avais rien sorti depuis 2019, je me suis mise à me demander « pourquoi je ne me sens pas plus proche des gens ? Pourquoi je n’arrive pas à raconter d’histoires ? » C’est parce que je n’utilisais pas ma voix ! Il y a plein de DJ qui sont capables de raconter des histoires avec de la musique produite par d’autres, mais ce n’était pas mon cas. En tant que productrice et chanteuse, le DJing ce n’était pas assez pour pouvoir m’exprimer.
Est-ce que MOSQUITO, le court métrage, est la suite logique de cette évolution ?
C’est quelque chose que j’aime faire ! Je suis très créative et il me semble que la musique et l’image vont très bien ensemble. L’EP MOSQUITO a un concept très clair, c’est donc venu assez naturellement. J’avais envie de développer les thématiques qui y sont abordées de manière visuelle.
Pourquoi as- tu choisis de travailler avec Enantios Dromos, le réalisateur du film ?
Enantios Dromos et moi sommes de très bons ami·e·s. Quand iel a déménagé au Royaume-Uni en 2019, j’avais une place qui se libérait dans ma coloc, donc je lui ai proposé de venir habiter avec moi. Iel est arrivé·e avec Pe Ferreira, le photographe de mes covers d’albums. Iels sont aussi brésilien·nes et j’ai senti une bonne connexion avec elleux. Je pense que le Brésil est un pays spécial quand on parle des arts, de la communication, mais aussi de la construction des identités de genre et de race. C’est un pays chargé d’histoire. Ce dénominateur commun, venir du Brésil, nous a beaucoup rapproché·e·s, dans un endroit comme Londres. C’est donc venu naturellement de retourner au Brésil à trois et de travailler sur ce projet de film.
“Je pense que le Brésil est un pays spécial quand on parle des arts, de la communication, mais aussi de la construction des identités de genre et de race.”
LYZZA
Dans la première scène du film MOSQUITO, on te voit en train de danser plus jeune dans ce qui semble être ta chambre d’ado. Est-ce que la LYZZA ado avait envie de devenir artiste ?
Non, je pense que je n’y avais pas pensé plus jeune. Je sais que j’ai toujours aimé la musique, mais je ne pensais pas en faire mon métier. Ce n’était même pas conscient à ce moment-là, mais je n’avais pas de rôles modèles dans ma famille ou mes ami·e·s. Quand on a déménagé aux Pays-Bas, ma mère a passé un temps à être femme de ménage. Mon beau-père au Brésil travaillait dans l’informatique, ils ne sont pas artistes. Ce n’était donc pas du tout dans mon champ des possibles.
Je me souviens que mon père biologique avait une platine vinyle, mais il ne l’utilisait jamais. Il y avait aussi des figurines en porcelaine d’un groupe de jazz noir, mais il ne m’en a jamais parlé. C’était juste là, chez moi.
En déménageant en Europe, je suis arrivée dans une société très occidentale, mon entourage n’était plus le même. Au Brésil, il y a beaucoup de pauvreté, et une grande différence entre les riches et les pauvres, il n’y a pas de classe moyenne. Dans ces conditions, je ne pense pas que tu puisses te projeter en te disant “Je veux faire de l’art”. Ce n’est pas admis par plein de gens, car tu vis dans une société qui est concentrée sur le fait de subvenir à ses besoins vitaux.
Grandir en Europe m’a ouvert à de nouveaux horizons et j’ai commencé à faire de la musique. J’écoutais de l’indie pop : c’était le genre de musique électronique le plus alternatif à ce moment-là ! Des groupes comme Two Doors Cinema Club, Hyphen Hyphen… J’ai toujours fait des playlists et des mixtapes pour mes potes, je téléchargeais les musiques et mettais sur cassettes en me disant « j’ai tellement bon goût ». Un jour, je suis tombée sur un atelier de DJing qui coûtait 50 euros et je me suis dit pourquoi pas ! C’est à ce moment-là que j’ai eu mon premier ordinateur, j’ai appris à utiliser des CDJ et voilà. Je suis tombée dans la musique assez naturellement. Je ne voulais pas être riche et célèbre, je pense que j’ai quelque chose d’important à exprimer, sur la manière dont je pense le monde.
Je n’ai pas passé beaucoup de temps à danser devant mon miroir quand j’étais ado, mais je le fais beaucoup maintenant, sur mes chansons !
MOSQUITO : « The Movie »Il me semble que ta musique parle beaucoup du rejet…
Je ne pense pas que ça soit du rejet, mais plutôt de l’incompréhension. Il me semble que le rejet est un choix très actif, alors que, dans mon cas, je pense que les gens s’interrogent et me trouvent bizarre, n’arrivent pas à me mettre dans une case. Je ne peux pas dire que je me sens rejetée par l’industrie musicale, car je me suis sentie si connectée avec tellement de gens ces dernières années. Mais j’ai remarqué qu’en général, les gens n’arrivent pas très bien à saisir ce que je fais. Pourtant, je ne suis pas si bizarre ! Je produis juste ma musique et les gens me demandent « mais qu’est-ce que c’est que ça? LYZZA ? ». Je ne sais pas, de la techno alternative, mélangée à du reggaeton ? C’est très drôle. Ma musique parle du fait que personne ne sait quoi faire de moi, ni ce que je fais là. (rires) Mais je pense qu’elle touche les gens, même ceux qui ne veulent pas que je sois là. e m’identifie aux moustiques parce que personne n’a envie qu’ils soient là, on ne sait jamais ce qu’ils font là.
À la fin du film, tu donnes une carte de visite MOSQUITO à la personne accoudée à côté de toi au bar. LYZZA, si tu pouvais choisir n’importe qui, qui recruterais-tu dans le MOSQUITO gang ?
Oh mon dieu ! Je ne sais pas… Honnêtement, toutes les personnes qui font partie d’une diaspora, les personnes queer racisé·e·s. La diaspora est une chose importante pour moi, car il me semble que nous avons des vécus communs, qui viennent avec le fait de ne pas vraiment savoir où est ta place, d’où tu viens, etc. Cela fait partie des privilèges dans l’identité, de savoir d’où tu viens. Ce questionnement est aussi celui de la communauté queer, savoir que tu peux être à ta place quelque part. Tout le monde peut rejoindre le Mosquito gang, si tu sens que tu as besoin d’une maison !
Cet article LYZZA : « Je m’identifie aux moustiques parce que personne n’a envie qu’ils soient là » provient de Manifesto XXI.
L’automne est bien installé et vous vous demandez ce que vous pouvez mater d’original qui sorte des propositions algorithmiques de Netflix? 360° vous propose de découvrir la série Futura qui regroupe dix court-métrages suisses à visionner sans plus attendre.
L’article Futura: exploration helvétique en dix court-métrages est apparu en premier sur 360°.
Cet article Le courage de les appeler fascistes provient de Manifesto XXI.
A 100 ans presque jour pour jour de la Marche sur Rome, le coup d’Etat qui a permis à Benito Mussolini de prendre le pouvoir, le fascisme a remporté les élections en Italie grâce à l’union des droites de Silvio Berlusconi, Matteo Salvini et Giorgia Meloni.Le rêve mussolinien absolu est réalisé : le parti fasciste a été élu démocratiquement, sans besoin de recourir à la persuasion brutale. Le peuple a sciemment choisi le fascisme.
En France, on se berce d’illusions en parlant encore de « montée » du fascisme et de « possibilité » que Marine Le Pen gagne en 2027 : Marine Le Pen est déjà au pouvoir avec ses quatre-vingt neuf député·e·s à l’Assemblée Nationale. Son parti arrive au deuxième tour depuis vingt ans.
A celles et ceux qui perdent leur temps à se demander si « oui ou non » on doit les appeler fascistes : penser que le fascisme en 2022 se manifeste selon les mêmes modalités qu’en 1922, c’est d’une naïveté déroutante.
Le fascisme a un siècle d’histoire et en un siècle, une idéologie évolue et modifie ses langages et symboles. Le fascisme est une façon de regarder le monde qui s’oppose de manière presque manichéenne aux féminismes et aux théories queers. Le fascisme est une foi, et la foi, ne meurt pas en abattant simplement son Créateur.
Historiquement, il est inexact de parler de fin du fascisme. Après la guerre, il fût impossible en Italie et en France d’éradiquer les fascistes des institutions. Le chercheur Mimmo Franzinelli montre dans ses ouvrages (Il fascismo é finito il 25 aprile 1945, 2022) le continuum fasciste au sein des instances de justice, éducation, police italiennes : Mussolini était certes mort, mais ses fidèles étaient partout. L’Etat était gangréné par ses fonctionnaires fascistes.
Le continuum fasciste est présent également en France, où des lois vichystes persistent dans nos codes (L’héritage de Vichy – Ces 100 mesures toujours en vigueur, Cécile Desprairies, 2012), où la police ayant participé aux rafles n’a pas pu être épurée de tous les collaborationnistes, où la collaboration fût bien plus active que la résistance.
Il faut avoir le courage de les appeler fascistes. Ne pas nommer cette idéologie, c’est collaborer.
Les journalistes, hommes politiques, intellectuel·le·s qui tergiversent à appeler les fascistes avec leur nom ont une responsabilité historique dans leur prise de pouvoir.
S’intéresser au fascisme ce n’est pas faire de l’archéologie, mais une plongée dans la fragilité de nos démocraties.
Mimmo Franzinelli,
Il fascismo é finito il 25 aprile, 2022
La pensée féministe, queer intersectionnelle est l’antidote aux fascismes. C’est en contre-pouvoir que nous devons nous organiser. La révolution romantique (relire l’article ici) est et restera l’élan vers la justice, la responsabilité de l’amour politique et le renouveau de nos démocraties.
Iels veulent notre disparition parce que nous pouvons provoquer la leur. Tôt ou tard les démocraties seront queers.
Et nous écrirons les pages de l’Histoire que les générations futures seront fières de raconter, quand le 25 septembre 2022 ne sera qu’un terrible et honteux souvenir.
Image à la Une : Giorgia Meloni lors d’une allocution sur la chaîne Youtube de Fratelli d’Italia le 22 août, capture d’écran.
Cet article Le courage de les appeler fascistes provient de Manifesto XXI.
Cet article Porn Process : comment le collectif bruxellois Les PéPé·e·s s’empare du porno provient de Manifesto XXI.
« Fissurer l’industrie hétéro-patriarcale du porno » en s’y frayant une place, par et pour les concerné·es : telle est l’ambition du Porn Process, porté depuis cinq ans par le collectif queer bruxellois les PéPé·e·s. Iels seront de passage à Paris ce dimanche pour la cinquième édition du Marché de l’Illustration Impertinente, grand messe érotique de l’automne.Fondé en 2017 dans le cadre d’un projet d’études, le Porn Process (ex-Porn Project) regroupe une dizaine de personnes queers qui, portées par « l’urgence de créer des images de [leurs] individualités », réalisent des films porno en autogestion et sans financement. Sur les tournages, « en mixité choisie sans mec cis », l’idée est que chacun·e puisse s’emparer des images pornographiques, en se familiarisant aux différents rôles, de la performance à la technique, en passant par le scénario et le montage. Iels sont invité·es au Marché de l’Illustration Impertinente du Hasard Ludique, l’événement coquin qui réunit 30 illustrateurices érotiques et une dizaine d’animations sexy pendant le première week-end d’octobre. Le collectif y animera une projection-discussion autour de leurs films Ya personne qui nous regarde et Écoutez-moi le 2. Pour cette occasion, on a rencontré LoupKass, aurore et Hallux, trois membres du collectif.
Ce qui me trouble dans la pornographie, c’est qu’une image et des histoires puissent directement provoquer des choses sur un corps.
aurore, Porn Process
Manifesto XXI – Quelles ont été les réflexions derrière la création du Porn Process ?
aurore : En octobre 2017, dans le cadre de mes études à l’ERG [École de Recherche Graphique à Bruxelles, ndlr], j’ai organisé pendant 6 mois des réunions mensuelles sur les questions de pornographie, en invitant des gens à venir. On parlait de nos rapports aux images, de nos fantasmes, nos désirs. Et on a organisé un tournage parce qu’on ne pouvait simplement plus se satisfaire de la théorie. On a décidé de passer à l’acte, avec un tournage de 3 jours, et c’est dans ce cadre que Loup et Hallux ont débarqué. C’est-à-dire que le groupe des réunions mensuelles s’est retrouvé sur le tournage avec une autre moitié de personnes « neuves ».
Moi, j’aime raconter des histoires, je vois le monde comme ça, donc c’est à cet endroit que je me sens actant·e et politique. Au moment de la création du Porn Process, la pornographie condensait les questions que je me posais, avec les notions d’intime et de politique, de cadre et de représentation, de sexualité, de désir, de mise en relation et de manières d’être au monde. Il faut dire que ce qui me trouble dans la pornographie, c’est qu’une image et des histoires puissent directement provoquer des choses sur un corps.
2019 © PornProjectHallux : Pour moi, la réflexion derrière les tournages, c’est comment on questionne le porno aujourd’hui. Quelles images sont véhiculées, comment on peut montrer d’autres sexualités. Tout le porno mainstream qu’on trouve sur internet est fait d’après un regard masculin, donc c’est voir comment changer la donne, en partant de nos désirs, de nos corps, de ce que nous on a envie de faire.
Le porno est figé dans cette dimension d’éthique depuis longtemps, depuis sa définition, c’est un peu épuisant.
aurore, Porn Process
Comment définiriez-vous le porno ?
aurore : Le porno est d’abord un genre cinématographique. Moi j’ai appris à faire du cinéma avec le porno. J’en ai consommé beaucoup, et il y a des pornos. Quand on en fait, il faut quand même se renseigner sur l’historique. D’ailleurs, on avait demandé à une amie de nous faire une re-situation historique du porno, que je trouve importante.
En 1832, le mot « pornographique » débarque, en 1834 « pornographe » et en 1840 « pornographie ». En français, le mot entre donc au dictionnaire en tant qu’adjectif d’abord, en même temps que « photographique ». La « pornographie », donc le sujet-même, apparaît en dernier. Il y a eu plusieurs définitions, mais au bout d’un moment ça se stabilise en « ce qui outrage les bonnes mœurs » et « la représentation sexuelle sans ambition artistique et avec l’intention délibérée de provoquer l’excitation sexuelle ». Actuellement, dans certains films, on peut voir apparaître le « à caractère pornographique ». La pornographie joue sur la notion d’obscénité, qui signifie « qui blesse ouvertement la pudeur ». Elle est donc toujours liée à la morale ou au juridique, c’est-à-dire que comme c’est obscène, il y a un tort fait à un pan de la population, il y a une victime et une espèce de crime. Et la société là-dedans a une mission régulatrice. Ce qui pose la question de comment on détermine l’obscénité. Ça dépend des époques, des cultures, des contextes qui fabriquent le regard. Voilà pour la petite définition. Après on a le post-porn avec Annie Sprinkle, etc. mais je m’arrête là.
Vous dites que vous ne vous retrouvez pas dans le concept de « porno éthique », et préférez parler de processus. Pourquoi ça ?
aurore : Le porno est figé dans cette dimension d’éthique depuis longtemps, depuis sa définition en fait, c’est un peu épuisant. L’éthique est en rapport avec la morale dans le sens courant, c’est ce qui est bien et mal, c’est dichotomique. Nous déclarer « porno éthique », ça signifierait qu’il y a du porno « pas éthique » donc ça voudrait dire qu’on est mieux que les autres. Plein de sortes de porno se jouent à des niveaux différents, dans les manières de faire, selon si c’est rémunéré, selon à qui ça s’adresse.
Oui, on accorde une importance à la manière de faire, au processus, mais ça ne fait pas de nous un porno éthique pour autant. Parce qu’on évite jamais les erreurs, les maladresses. On vient de ce système-là, qui nous a construit·es, donc je ne vois pas pourquoi on ne le rejouerait pas. Quand on parle de processus, c’est : « On rejoue certaines choses de cette société parce qu’on n’en est pas extérieur·es, mais on va quand même essayer de les comprendre et de les désengranger, de les désamorcer. » Pour moi, un processus c’est s’attacher, fonctionner ensemble depuis nos contradictions, être responsables de nos relations, affections, images, et dans un temps qui n’est pas capitaliste. On bosse souvent à l’urgence, mais les Porn Process sont des temps longs, qui durent deux ans pour une saison, et ça, c’est assez neuf, unique.
LoupKass : Je pense qu’on nous colle cette étiquette de porno éthique parce qu’on questionne les rapports de pouvoir, il y a énormément de réflexions dans notre production. Quand on fait des films, on met beaucoup de ce qu’il se passe quand la caméra coupe, et le fait d’avoir ça nous connecte beaucoup plus à l’humain, ce qu’il n’y a pas dans le porno mainstream. Avec l’idée de porno éthique, c’est aussi comment on prend soin des performeur·ses.
Sex l’air de rien, 2019 © PornProjectCe qui m’intéresse dans la fabrication d’un film, là où je place le politique, c’est que cette image perde cette objectivité ou neutralité contemporaine. J’ai besoin d’images qui soient incarnées.
aurore, Porn Process
En regardant Ya personne qui nous regarde, j’ai justement trouvé intéressant que porno et tournage ne fassent qu’un : on ne regarde pas simplement un objet pornographique, on assiste également à sa fabrication. En quoi c’était important pour vous de montrer les « backstages » ? Ça peut permettre de mieux comprendre le film ?
Hallux : Ça permet de comprendre ce qu’il se passe en dehors des scènes de sexualité filmées, oui. Mais filmer les backstages, introduire les caméras dès notre arrivée sur le tournage, c’était surtout important pour nous, pour qu’on s’habitue aux dispositifs. Certaines personnes, dont moi, n’avaient jamais tenu de caméra, ne savaient pas du tout comment faire. Ça nous a permis de nous familiariser avec cet objet, en filmant, dès le premier soir, à des endroits et moments où il n’y avait pas de pression du résultat. Ça permettait aussi, à l’inverse, de s’habituer à être filmé·e en toutes circonstances. À la fin, je disais : « De toute façon maintenant je peux baiser dans toutes circonstances, avec plein de monde autour, il y a pas de problème. »
Ya personne qui nous regarde est le seul film qu’on n’a pas vraiment scénarisé. Et toute cette improvisation n’aurait pas été possible sans les deux jours filmés avant.
Hallux, Porn Process
aurore : Ça peut permettre de mieux comprendre comment on fabrique une narration, parce que faire un film, c’est faire des choix en permanence. C’est une manière d’accéder au film, et ça fait notamment écho au voyeurisme, le processus même du cinéma, le male gaze, la pulsion scopique, qui peuvent exciter aussi. On est un écosystème, une équipe qui fabrique quelque chose, donc toutes les images qu’on considérerait normalement comme extérieures, elles font ici partie du tournage. C’est juste qu’on n’a pas l’habitude de les voir forcément.
LoupKass : C’est hyper intéressant, ça nous connecte beaucoup aux performeur·ses. Mais je ne suis pas sûr que ce soit obligatoire, qu’on ait forcément besoin de comprendre le porno. Il y aussi un truc de simple objet d’excitation, qui est hyper ok.
Ya personne qui nous regarde, 2019 © PornProjectVous expliquez qu’il est important pour vous de montrer qui filme, que l’on voie qui est derrière la caméra, pour que l’on puisse « situer » ce regard, et non pas faire comme si la caméra était « objective ».
aurore : Je suis très inspirée par Nathalie Magnan, dans son film Donna Haraway Reads ‘The National Geographic’ on Primates. C’est elle qui filme Donna Haraway, et on la voit apparaître dans un miroir, tenant la caméra. Personnellement, ce qui m’intéresse dans la fabrication d’un film, là où je place le politique, c’est que cette image perde cette objectivité ou neutralité contemporaine. J’ai besoin d’images qui soient incarnées.
D’après moi, une des façons de faire sentir qu’elle est incarnée et pas objective, c’est de voir apparaître la personne qui filme. En tout cas, de sentir que la caméra est tenue, qu’elle est portée par un corps qui agit lui aussi. C’est un corps cyborg un peu, parce qu’il porte une caméra, et depuis ce corps il y a des prises de risque, des hésitations. C’est vrai que ça se place aussi pas mal dans les réflexions sur le female gaze et le queer gaze.
Situer ce film, situer qui prend la caméra à tel moment, ça permet d’affirmer des corps et des identités qui prennent peu la parole. Nous, on fonctionne en mixité choisie sans mec cis sur les tournages, et c’est à nous de faire les récits maintenant.
Quoi qu’il en soit, mon corps n’est ici plus mon corps mais un objet politique, dans sa grosseur, dans le fait d’être racisé.
Hallux, Porn Process
La quasi-totalité des personnes sur le tournage sont passées devant et derrière la caméra. Quel effet cela a-t-il eu ?
Hallux : On a essayé de tous·tes passer par tous les rôles. La performance n’était pas un pré-requis, parce qu’on sait à quel point ça peut être difficile par rapport à nos corps. Je trouve ça intéressant, parce que des personnes qui sont arrivées pour la technique sont passées dans la performance, et inversement. Ce croisement a permis de réaliser ce que c’est de faire un film, toutes les étapes que ça engage. Moi je suis venu·e plutôt pour la performance, et le fait d’avoir la caméra en main m’a permis de me rendre compte de cette partie voyeuriste, qui m’excite.
LoupKass : C’était une grande découverte, je me retrouvais face à des personnes que je ne connaissais pas vraiment. C’est une expérience collective, et le fait d’interchanger les rôles, c’est blindé d’apprentissages. Quand je tiens la caméra, c’est moi qui maîtrise l’image, et là je n’étais pas tout le temps maître de mon image. Il y a des rapports de pouvoir entre performance et technique, là on était un peu tous·tes au même endroit.
aurore : Quand je me suis retrouvé·e à sexer, je voyais tout le dispositif autour. Ça ne m’a pas donné du plaisir de me savoir filmé·e, mais ça ne m’a pas dérangé·e. Le fait qu’on m’ait demandé en permanence si c’était ok, qu’il y ait une conversation tout le temps, ça a fait beaucoup de bien à mon corps.
Au montage également, les personnes présentes dans les scènes avaient-elles un droit de regard ?
Hallux : Oui, on montait en binôme ou à trois, avec les personnes présentes dans les scènes, et c’était vraiment un casse-tête. Pour la plupart, c’était la première fois qu’on se voyait faire du sexe en vidéo à cette échelle. Et je pense qu’il y a eu cette confrontation difficile à nos corps, à nos complexes. Certaines personnes censuraient beaucoup les images d’elles-mêmes.
Moi, à ce stade, j’avais déjà un parcours de : « Quoi qu’il en soit, mon corps n’est ici plus mon corps mais un objet politique, dans sa grosseur, dans le fait d’être racisé. » Pour moi, il y avait déjà cette distance par rapport à ce corps, je ne me suis pas du tout censuré·e. Je me disais même : « Si là mon corps ne me plaît pas, je vais le montrer encore plus. » Parce qu’il y a sûrement quelque chose à montrer, et ça peut parler à des personnes qui pourraient s’identifier.
Performer des rôles prédéfinis par la société, masculins ou féminins, m’a permis de soigner certains traumas, d’aller plus loin dans ma sexualité.
Hallux, Porn Process
Vous parlez de pulsion scopique, de male gaze. Pensez-vous qu’on peut aller au-delà de ce regard masculin dans le porno, ou du moins se le réapproprier ?
Hallux : J’irais dans l’idée qu’on ne peut pas trop se défaire du male gaze, parce qu’il est constamment là, il régit toute notre culture. Mais se le réapproprier, oui. C’est ça qu’on fait.
L’excitation et les désirs, le fait qu’on soit plus attiré·e par une personne grosse ou mince par exemple, c’est culturel. Parce qu’il existe des discriminations, un culte de la beauté, un esthétisme différent selon les périodes, les époques et les pays. Tout ça influence notre sexualité. L’intérêt dans ce tournage, et dans les autres à suivre, c’est qu’on questionne ça. Ça veut pas dire qu’on ne va pas retomber dedans, parce qu’on en est tellement imprégné·e, mais qu’on se réapproprie ces codes. Si on est excité·e par une levrette, très bien. Mais comment on la fait, comment on la montre ? On avait cette mixité choisie, et je pense que ça montre aussi quelque chose, le fait qu’on puisse rejouer des scénarios qui sont imprégnés du male gaze, mais sans mec cis.
Personnellement, performer des rôles prédéfinis par la société, masculins ou féminins, m’a permis de soigner certains traumas, d’aller plus loin dans ma sexualité. Et ces traumas sexuels ont pu se soigner parce que c’était fait dans une bienveillance et un consentement total. Même dans la diffusion des images, j’ai toujours accès aux images de mon corps et de ma parole, je peux choisir de comment je veux les diffuser. Et si je veux revenir dessus, ce sera respecté. C’est ça qui est important.
Ça nous a été reproché aussi, de rejouer certains rapports dominants. J’ai envie de répondre que le fait qu’on ne soit pas de classes dominantes, ce n’est pas rejouer, c’est se réapproprier.
Chez nous, ce qui pourrait faire « des regards queers », ce serait la collectivité.
aurore, Porn Process
Vous diriez que le Porn Process met en scène un regard queer ?
aurore : Il n’y a pas un regard mais des regards. La plupart des histoires, de façon générale, c’est toujours un ou une héro·ïne qui fait des actions grandiloquentes. Chez nous, ce qui pourrait faire « des regards queers », ce serait la collectivité. Ce sont des personnes qui interagissent, qui baisent, qui ne sont pas d’accord. On ne cherche pas à résoudre des questions mais à se poser les bonnes. Celles qui font du sens pour tous·tes et dont on peut s’emparer. Faire du commun depuis là.
Retrouvez l’équipe du Porn Process pour une projection-discussion au Hasard Ludique pour le Marché de l’Illustration Impertinente, les 1 et 2 octobre. Au rendez-vous il y aura donc des dizaines d’illustrations sensuelles et un espace dédié à la micro-édition. L’artiste néerlandais·e non-binaire Hilde Atalanta qui a réalisé l’affiche de cette édition y exposera notamment sa Vulva Gallery.
Pour aller plus loin, les recos de pornos queers et féministes de Porn Process :
Films
Performances, spectacles et acteur·ices
Poésie
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Contact : leprnprocess@gmail.com
Image à la Une : Pussyplay, 2019 © PornProject
Cet article Porn Process : comment le collectif bruxellois Les PéPé·e·s s’empare du porno provient de Manifesto XXI.
Dans cette chronique, je continue à discuter avec Julien. Un homme cisgenre, hétéro, avec qui je partage certaines de mes pensées. Il est fictif, sans être irréel. Julien ça pourrait être toi, moi et/ou nous.
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A quelques semaines du coup d'envoi du Mondial, seuls Jonahtan Clauss, Jules Koundé et Hugo Lloris auraient répondu à l'appel pour soutenir l'acceptation des LGBT+ dans le football.
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